Art-ToDays - Журнал Искусство Сегодня. Картины современных художников и известных старых мастеров, стрит арт, инсталляции, выставки и многое другое.
Творчество - это самовыражение и один из путей к прекрасному

Анна Жданова и её социополитическое мастерство через абстрактное искусство Абстрактное искусство Анны Ждановой получило значительное признание особенно за её глубокое вовлечение в социополитические темы. Это признание достигло апогея, когда она получила престижную премию Superioritas в категории «Специальная премия» в феврале 2020 года за выставку «Видения Лимба: восприятие и реальность в искусстве Анны Ждановой», проведённую в прошлом году в галерее 10 A.M. ART. Жюри отметило новаторскую интерпретацию Ждановой итальянских классических тем через современную международную призму, подчеркнув её уникальную способность переводить сложные социополитические вопросы в убедительные визуальные нарративы. Выставка «Видения Лимба» черпает значительное вдохновение из фундаментального «Божественной комедии» Данте Алигьери, в частности, из первого круга ада, известного как Лимб. В повествовании Данте Лимб — это область, где обитают души добродетельных нехристиан и некрещёных младенцев, находясь в состоянии «подвешенной» анимации, ни страдая, ни радуясь. Эта концепция подвешенной реальности является мощной метафорой для исследования социополитических тем через абстрактное искусство Ждановой. Картины Ждановой отражают это состояние подвешенности, где восприятие удерживается в хрупком равновесии между реальностью и абстракцией. Так же, как Лимб, Данте представляет собой пространство, где души застряли между мирами, работы Ждановой захватывают нюансы и тонкости социополитических реальностей, часто скрытых под слоями риторики и идеологии. В её произведении «Эфемерные границы» Жданова использует технику глазури: нанесение тонких, полупрозрачных слоев краски, чтобы создать ощущение глубины и сложности. Этот метод символизирует множество слоев реальности и истины, часто скрытых социополитической дискуссией. Зрителю предлагают всматриваться сквозь эти слои подобно тому, как необходимо тщательно исследовать основные проблемы в общественных нарративах. «Подвешенные реальности» демонстрируют использование Ждановой техники сухой кисти: смелые, сырые мазки нарушают гладкую поверхность холста. Эта техника представляет собой разрушительные силы социальных и политических потрясений, отражая как физическую текстуру произведения, так и ощутимое воздействие этих сил на общество. «Пограничные отражения» используют динамичные линии и плавные формы для представления постоянного давления политической власти и социальных структур. Движение внутри произведения намекает на то, что политическая стабильность — это иллюзия, постоянно влияющая на действия и восприятие индивидов, подобно плавным переходам в поэтическом путешествии Данте через загробную жизнь. Выставка «Видения Лимба» была тщательно собрана благодаря исследованию Ждановой восприятия и реальности на фоне социополитических взрывов и изменений. «Галерея слоев» позволяла зрителям ощутить глубину, созданную с помощью техники глазури Ждановой, усиливая тему скрытых истин в политических нарративах. «Пограничный коридор», заполненный меньшими, более интимными работами, подчёркивал переходный характер политических и социальных реалий. Здесь динамичное взаимодействие линий и форм побуждало зрителей к взаимодействию с концепцией лиминальности, как в искусстве, так и в социополитических контекстах. В «Комнате памяти и эхо» картины, такие как «Скрытые истории» и «Преходящие эхо», использовали технику сухой кисти, чтобы вызвать воспоминания о прошлых социополитических событиях. Сырая, тактильная природа этих работ подчёркивала ощутимые последствия исторических действий на современные реалии. Получение Анной Ждановой премии Superioritas является значительной вехой, признающей её исключительную способность переплетать художественные инновации с социополитической критикой. Жюри было особенно впечатлено тем, как Жданова, международный художник, интерпретировала классические итальянские темы через свой уникальный абстрактный стиль. Эта награда подчёркивает глобальную значимость и влияние её работы, особенно её способность взаимодействовать со сложными темами таким образом, который резонирует с действительностью. Кураторы Бьянка Мария Меникини и Кристиан Акривос сыграли ключевую роль в воплощении видения Ждановой ее работ в галерее 10 A.M. ART. Меникини отмечает: «Искусство Анны предлагает глубокое исследование социополитических реалий. Её метод наслаивания краски отражает те слои истины и восприятия, которые мы должны пройти, чтобы понять наш мир». Акривос добавляет: «Работы Ждановой впечатляют не только своей эстетической ценностью, но и интеллектуальной глубиной. Её способность передавать социополитические нарративы через абстрактные формы заставляет зрителей переосмысливать свои восприятия и глубже взаимодействовать с вопросами, формирующими наше общество». «Видения Лимба: восприятие и реальность в искусстве Анны Ждановой» в 10 A.M. ART стала знаковой выставкой, демонстрирующей мастерство художницы, сочетая абстрактное искусство и социополитические реалии. Её инновационные техники и вдумчивая кураторская работа предоставили зрителям богатый опыт погружения - опыт, побуждающий к более глубоким размышлениям о сложностях восприятия мира и его реальности. Признание жюри премии Superioritas подтверждает значимость работы Ждановой в современном мире искусства. Продолжая исследовать и расширять границы абстрактного искусства, Анна Жданова остаётся важным голосом в диалоге между искусством и социополитическими вопросами. #AnnaZhdanova #Artist

Анна Жданова Anna Zhdanova “Эхо памяти: абстрактные диалоги с Бродским" Сочетая выразительную силу изобразительного искусства с трогательной ностальгией литературной памяти, Музей Иосифа Бродского в Санкт-Петербурге с гордостью представляет выставку "Эхо памяти: абстрактные диалоги с Бродским", на которой для чуткого зрителя откроются абстрактные экспрессионистские работы современного художника Анны Ждановой. Музей, бережно сохранивший уникальность пространства, в котором когда-то жил поэт Иосиф Бродский, является свидетельством эфемерной природы времени и памяти. Дом-квартира выдающегося поэта с аутентичными элементами, такие как открытая кирпичная кладка, штукатурка и деревянная обрешетка, служит подходящим местом и фоном для богато текстурированных и эмоционально насыщенных картин Ждановой. Работы Анны Ждановой характеризуются многослойными текстурами, плавными формами и почти эфемерным использованием цвета. Ее абстрактные полотна вызывают чувство движения и глубины, приглашая зрителей погрузиться в игру света и тени, формы и пустоты. Эти элементы находят естественную гармонию в Музее Бродского, где сами стены, кажется, шепчут истории прошлого. В центре "Эха памяти" лежит тема времени и памяти - концепция, которая глубоко резонирует как с искусством Ждановой, так и с поэзией Бродского. Каждая из картин художницы сопровождается отрывками из произведений Бродского, создавая диалог, который связывает визуальное и текстуальное. Это сочетание не только усиливает эмоциональное воздействие картин, но и вовлекает каждого зрителя в размышления о скоротечной природе существования. Прогуливаясь по выставке, можно встретить мощные сопоставления образов и слов. Вихревые, абстрактные композиции Ждановой дополняются глубокими размышлениями Бродского о жизни, времени и человеческом состоянии. Эта синергия между визуальным и вербальным предлагает многослойный опыт, побуждая к более глубокому взаимодействию с обоими видами искусства. Архитектурная философия музея, воплощенная московским архитектором и художником Александром Бродским, идеально соответствует темам работ Ждановой. Бродский, известный своей способностью находить красоту в упадке, сохранил аутентичность пространства, создавая атмосферу "ностальгического разложения". Эта эстетика отражается и в картинах Ждановой, которые часто вызывают чувство эфемерной красоты среди хаоса. В заявлении о своем участии в выставке Анна Жданова поделилась: "Мое искусство стремится запечатлеть мимолетные моменты эмоций и памяти, которые определяют наш человеческий опыт. Выставка в пространстве, столь глубоко связанном с исследованием времени и памяти Бродским, имеет для меня особое значение. Кажется, что мои картины и его слова находятся в диалоге, дополняя друг друга слоями смысла". Макет выставки разработан так, чтобы способствовать очень личному взаимодействию с произведениями искусства. Посетителей приглашают «заземлиться» в уютные уголки для чтения, напоминающие тот самый домашний уют времен Иосифа Бродского. Можно листать и перечитывать стихи поэта (сборники стихотворений представлены в открытом доступе). Зрители и читатели окружены выразительными картинами Ждановой, что само по сбе уже настраивает на нужную волну размышлений и созерцания. Центральная тема выставки - концепция "аутентичной пустоты" – мощное понятие, отраженное в сохранении музеем недоработанного, едва ли законченного пространства. Абстрактные формы Ждановой дополняют общую тематику помещения, их текучесть и неоднозначность отражают эмоциональную пустоту и молчаливые истории, пронизывающие музей. Эта пустота – не потеря, а глубокое присутствие, где каждый мазок и слово весомы и ценны сохранением памяти. Макет выставки - Коридор для входа: Путешествие начинается с коридора, который вводит темы памяти и времени через работы Ждановой и вступительный текст, сопровождаемый цитатами Бродского. - Основной выставочный зал: Центральный зал включает в себя большие картины, которые дополнены поэзией Бродского, при этом сырой, незаконченный вид пространства усиливает связь между искусством и эстетикой музея. - Уголок для чтения: Уютный уголок с удобными креслами, книгами и подборкой произведений Бродского приглашает посетителей присесть и почитать, окруженная себя картинами Ждановой. - Пространство для размышлений: Зона с одним большим полотном Ждановой, предназначенная для тихих размышлений, позволяет посетителям полностью погрузиться в эмоции, передаваемые произведением искусства и окружающим пространством. Уникальная выставка "Эхо памяти: абстрактные диалоги с Бродским" предлагает неповторимую возможность прочувствовать глубокие связи между изобразительным искусством и литературной памятью. Переплетая абстрактный экспрессионизм Анны Ждановой с выразительным пространством Музея Иосифа Бродского, выставка создает богатый сенсорный опыт, который чтит наследие Иосифа Бродского, притягивая внимание посетителей и приглашая ко вдумчивому осмыслению темы, в которой искусство, память и временя не отделимы друг от друга. #AnnaZhdanova #Artist

В январе 2020 года зал исторического Палаццо Дзаттере в Венеции был трансформирован под инсталляцию известной художницы Tatevik Gasparyan "Гул архаики", захватившую воображение аудитории. Год спустя это глубокое исследование армянских керамических традиций, пропитанное современным художественным выражением, принесло Gasparyan престижную премию Superioritas. Объявленная в январе 2021 года, эта награда признана одной из самых значительных в современном искусстве и оценивается выдающимися исследователями и специалистами, которые выделяют лучших художников за их превосходство и уникальность. Премия Superioritas является частью непрерывного искусствоведческого процесса, подчеркивающего не только достижения лауреатов, но и предоставляющего пространство в самых уникальных выставочных галереях и музеях мира. Каждое мероприятие сопровождается встречами, выступлениями и беседами известных теоретиков искусства. "Гул архаики" превзошел типичную арт-инсталляцию тем, что предлагало глубокое сенсорное путешествие, которое погружала посетителей в эпоху древности: наследие армянской керамики - ремесла, пронизанного тысячелетней историей. Армянская керамика эволюционировала от утилитарных предметов неолитического периода до изысканной средневековой керамики, свидетельствующей о богатом культурном обмене народов Армении через Шелковый путь. Работы Gasparyan сохраняют традиции работы с глиной, превращая повседневные керамические сосуды в эфемерные артефакты, которые, казалось, бросают вызов гравитации, создавая ощущение подвешенности как будто вне времени. Звуковая среда инсталляции - тонкий, но всепроникающий гул - окутывала зрителей, усиливая атмосферу и связывая тактильный опыт с историческим почитанием армянской керамики. Этот звуковой элемент был вдохновлен историческим использованием керамики в Армении не только в практических целях, но и в качестве церемониальных объектов, наделенных культурным и духовным значением – эхом, проходящим через века, как сосуды коллективной памяти. Интеграция Tatevik Gasparyan традиционных армянских керамических техник в её современную практику добавляет значительности и мастерства её работе. Армянская керамика исторически включает уникальные техники обжига, такие как: использование дровяных печей, создающих характерные пепельные глазури, и известные своим естественным диапазоном землистых цветов и текстур. Gasparyan использует эти традиционные методы для достижения богатых, деревенских поверхностей, говорящих о древних истоках её искусства. Кроме того, армянские гончары известны своим умением в резьбе по твердой глине - технике, позволяющей создавать детализированные декоративные мотивы. Gasparyan возрождает эту технику, вырезая современные геометрические и абстрактные узоры, которые противопоставляются историческим мотивам, типичным для армянской керамики. Эта современная адаптация не только чтит традиционное ремесло, но и переосмысливает его, озвучивая метафору стойкости и эволюции армянской культуры. В своем использовании литья по шликеру и экспериментов с глазурью Gasparyan расширяет границы традиционных армянских керамических форм. Литье по шликеру позволяет создавать более сложные формы, которых было бы трудно достичь с традиционными техниками ручной лепки. Литье Гаспарян - исследование сюрреалистических и инвертированных форм, видимых в "Гуле архаики". Инновационное использование глазурей, включающих металлические оксиды, отражает современную эстетику, одновременно отсылая к природным минеральным ресурсам, исторически используемым в армянской керамике. В своём показе Gasparyan мастерски соединила традиционные армянские керамические техники с современными эстетиками, чтобы прокомментировать современные проблемы, при этом, основывая свою работу на историческом нарративе. Сосуды, отражающие традиционные армянские формы, были украшены абстрактными узорами и преднамеренными деформациями. Эти современные изменения не только демонстрировали технические навыки Gasparyan, но и её острую способность переплетать исторические и современные диалоги внутри культуры. Это взаимодействие между старым и новым подчеркнуло продолжающуюся эволюцию армянского керамического искусства и отразило адаптивность и мужественность армянского народа и его культуры через века процветания и невзгод. Расположенная в Палаццо Дзаттере в Венеции, инсталляция резонировала с исторической ролью города, как культурного плавильного котла, показывая наглядно историческое значение армянской керамики, которая долгое время находилась под влиянием и сама влияла на широкий спектр восточных и западных форм искусства. Венеция, ключевой пункт в исторических торговых маршрутах, предоставила подходящий отклик богатой истории культурного обмена Армении, делая её идеальным фоном для исследования Gasparyan культурных и временных границ. Размышляя о "Гуле архаики" через год после его дебюта, инсталляция продолжает вызывать глубокие размышления и способствовать диалогу о вечной силе искусства, способного преодолевать культурные и временные границы. Работы Tatevik Gasparyan служат мощным напоминанием о том, как современное искусство может глубоко соединяться с аудиторией, через историю и культуру, через глубокие и трогательные способы. В предвкушении новых проектов художницы интерес к ее уже оформленным работам растёт, и арт-сообщество с нетерпением ждет, какими инновационными средствами Гаспарян продолжит исследовать и выражать богатое полотно творчества человека. Благодаря визионерскому подходу Gasparyan не только заново осмысляет прошлое; она переопределяет его, делая всё, чтобы древнее искусство армянской керамики продолжало создавать резонанс и развиваться в современном мире. #Gasparyan #Keramika #Artist #TatevikGasparyan

В самом сердце Бата галерея Atticus Arts стала открытым полотном для последнего керамического нарратива Tatevik Gasparyan - инсталляции, резонирующей с глубокими тематическими подтонами и мастерским исполнением. Названная "Волны слияния" выставка продолжает исследование Gasparyan богатого гобелена культурных и исторических диалогов через её уникальные керамические формы. Обучавшаяся в Академии Штиглица в Санкт-Петербурге, Gasparyan потратила шесть лет на оттачивание своих навыков в технологии керамического исполнения. Каждое произведение в этой инсталляции тщательно создано вручную, что свидетельствует о её преданности наследию, о ее искуссном освоении как архаичных, так и современных керамических техник. Работы Gasparyan известны своей концептуальной глубиной и неповторимой эстетикой, характеризующейся стратегическим расположением керамики, кодирующей определенные сообщения. Текущая инсталляция в галерее Atticus Arts представляет собой яркое исследование западных ценностей, воспринятых через уникальную призму Gasparyan. "Волны слияния" включает два параллельных ряда керамических сосудов в черно-белых тонах, бросая вызов и размышляя над достижениями Запада в области равенства и деколонизации - как в историческом, так и в современном гендерном дискурсе. Контраст черного и белого не сливается в единый серый цвет - напротив, он ярко подчеркивает продолжительность борьбы и достижений в этих социальных целях. Выбор современных дизайнов ваз позволяет эффективно общаться с западной аудиторией, используя язык чистых линий и знакомых форм, хорошо резонирующих в контексте современного дизайна. Это эстетическое решение подчеркивает способность художницы соединять функциональное и символическое, что делает её работу одновременно доступной и глубокой. Одним из самых захватывающих аспектов инсталляции является её специфичность для данного места. Размещенные так, чтобы имитировать форму волны в передней части инсталляции, сосуды не только представляют окружающие остров воды, но и вызывают в воображении текстуры, напоминающие подводный мир, такие как ракушки и водоросли. Этот выбор красиво связывает инсталляцию с её географическим контекстом, усиливая тематическое исследование текучих границ природы и культуры. Выставка проходит в одном из больших залов галереи, выбранном Gasparyan после анализа потенциала помещения с треснувшим бетонным полом, который подчеркивает изоляцию и грубость инсталляции. Этот фон служит мощным контрастом к деликатным, но смелым формам её керамики, усиливая темы изоляции и взаимосвязанности, присущие инсталляции. Заметным дополнением к выставке является белая керамическая панель, установленная на стене, по форме напоминающая картину, но воплощающая текстуру и рельеф, которые напоминают исторические барельефы, когда-то изображавшие Трех Граций или библейские сцены. В интерпретации Gasparyan эта панель представляет современную абстракцию, делая акцент на эволюции художественного выражения от классических до современных нарративов в западном эстетическом каноне. "Волны слияния" - это не просто выставка; это диалог между художником и её окружением, между историей и настоящим, между зрителем и произведением. Галерея Atticus Arts приглашает аудиторию погрузиться в глубины керамических морей Tatevik Gasparyan, исследуя приливы и отливы культурного слияния и резонансную красоту созданной глины. #Gasparyan #Keramika #Artist #TatevikGasparyan

"Нарратив глины" Татевик Гаспарян в музее Сергея Параджанова Выставка Tatevik Gasparyan "Нарратив глины" в музее Сергея Параджанова в Ереване представляет собой глубокий диалог современного искусства с почитаемым богатым культурным наследием. Будучи увлеченной поклонницей Сергея Параджанова, режиссера, чьи авангардные работы когда-то были запрещены в СССР, Tatevik вкладывает личное восхищение в искусство, создавая мост между эстетикой прорыва и уникальности своего кумира и своими керамическими инновациями. Музей, посвященный художественному гению Параджанова, часто принимает современных художников, отражая его многогранное наследие. На протяжении 2024 года в музее будет представлена ротационная выставка современных художников, среди которых работа Tatevik выделяется особенно. Ее инсталляция – это дань уважения не только художественному видению Параджанова, но и глубоко укоренившимся традициям армянского мастерства. Расположенная ненавязчиво на периферии главного зала, инсталляция Tatevik может изначально показаться маргинальной, но она наполнена символическим значением. Это преднамеренное размещение работ на краю выставочного пространства отражает ее взгляд на роль современной керамики в более широком контексте армянской культуры, культуры, которая глубоко сформировала ее как художника и скульптора. Это расположение - не проявление скромности, а уважительный жест в сторону предков и прошлых поколений, чьи художественные усилия проложили путь для сегодняшних творческих выражений. Это отражает общепринятую культурную практику в регионе: глубокое уважение к предшественникам и художественным основам, заложенным ими. Инсталляция "Нарратив глины" Tatevik Gasparyan представляет собой поразительную коллекцию керамических сосудов, каждый из которых демонстрирует изобретательное сочетание традиционных армянских керамических техник с элементами современного дизайна. Сосуды из качественной армянской глины, известной своим уникальным минеральным составом и пластичностью, созданы как с помощью проверенных временем классических методов, так и с использованием инновационных современных интерпретаций, разработанных Tatevik. Каждый предмет уникален по форме: от текучих органических форм до строгих минималистичных дизайнов. Работы Гаспарян (Gasparyan) отражают глубокое взаимодействие с потенциалом материала. Цветовая палитра выходит за рамки традиционной терракоты и включает монохромные черные, белые и нюансированные серые тона, каждый из которых выбран для подчеркивания не только традиционных тезхник глазурования, но и формы и текстуры сосуда. Этот выбор означает не только отход от традиционной армянской керамики, но и продвижение границ ремесла в сторону более современной формы искусства. Tatevik использует комбинацию передовых техник обжига, включая электрические и газовые печи, которые обеспечивают более контролируемую среду, чем традиционные дровяные печи. Эти методы способствуют созданию точных отделок и поддерживают сложные формы, видимые в инсталляции. Атмосферность инсталяции расширяет видение: гладкие, матовые или полуглянцевые поверхности, которые характерны для работы Гаспарян (Gasparyan), способствуют развитию современной эстетике, определяющей коллекцию художницы. Философски Tatevik рассматривает глину как нарративное средство — живой архив, который хранит и передает характер непрерывно развивающейся истории армянской культуры. Дизайн каждого сосуда, хотя и современный, несет в себе отголоски богатого наследия Армении: от пересеченных контуров ее ландшафтов до архитектурных линий, найденных в ее древних и советских зданиях. Это сочетание старого и нового является центральным в ее работе, обеспечивая диалог между древним и современным. Ее инсталляция превосходит традиционную керамику, действуя как проводник для историй об илентичности, стойкости и инновациях. Через эти керамические изделия Tatevik формулирует современный нарратив креативности Армении, создавая предметы, которые не просто декоративны, но наполнены значительным культурным резонансом. Каждый сосуд – произведение искусства и символ динамичного и неугасимого духа армянского народа. В музее Сергея Параджанова, известном за его новаторство и художественную смелость, выставка "Нарратив глины" Tatevik находит подходящее место. Ее инсталляция делает больше, чем просто заполняет пространство - она ведет диалог с самой сутью наследия Параджанова — с его способностью создавать глубокое самобытное искусство в условиях ограничений, с его любовью к армянской культуре и его пионерским духом. Выставка Tatevik Gasparyan является обязательной к посещению для всех, кто интересуется пересечением истории кино, искусства и культуры, предлагая уникальное понимание того, как современные художники, такие как она, ориентируются и чтут свое богатое наследие. Ее работа в музее не только отдает дань великому Параджанову, но и неугасимому духу самой Армении, прекрасно зафиксированному в скромном, но глубоком материале глины. #Gasparyan #Keramika #Artist #TatevikGasparyan #Armenia #Erevan

с 27 июня по 27 августа 2024 года в рамках выставочного проекта «Россия в произведениях современных художников» Константиновский дворец представляет произведения современной петербургской художницы Ольги Юрьевны Ческидовой. Выставка «Широка ты Русь» открывает выставочную трилогию - три последовательные выставки продемонстрируют преемственность профессиональных традиций семьи петербургских художников О.Ю. Ческидовой, О.А. Ческидовой и А. П. Кузнецова. Ольга Юрьевна Ческидова - потомственная петербургская художница, выпускница мастерской станковой живописи В.В. Соколова Санкт-Петербургского государственного академического института им. И.Е. Репина, член Союза Художников РФ, Действительный член Петровской Академии наук и искусств, участник многочисленных международных и отечественных выставок. Художница работает в жанрах пейзажа, натюрморта и портрета, тонко передает различные природные состояния, красоту деревенского быта, русской провинции. На выставке представлено более пятидесяти произведений живописи, написанных в разных уголках нашей страны созданных на пленэрах, симпозиумах.

"Садовая дорожка" 1901 г. Клод Моне Верхний Бельведер, Вена. _history

Шкура ласки с золотой головой вместо сумочки Prada. Оброненный носовой платок вместо отправки ему нюдсов. Именно так в средневековье понтовались светские львицы, а в позапрошлом веке намекали на взаимный интерес. А не вот это вот всё! Как культурно обогатить свой кругозор, быть самой эрудированной в компании и не заскучать от душных терминов — делится автор канала Нескучно об искусстве. Эти истории читают взахлеб, потому что она регулярно посещает культурные мероприятия, выставки, знакома с частными коллекционерами и людьми искусства, добывает пикантные подробности и удивительные факты, о чем и рассказывает на канале с юмором и огоньком. Только 10% людей на планете знают эти факты: - Черный квадрат придумал не Малевич. - Чашка для усатого мужчины это не прикол. - Чей памятник в народе называют «Трусы сушатся» или «Мужик с газетой». Веселые, шокирующие и малоизвестные секреты из мира культуры и искусства: _the_art Просвещайтесь!

Иван Айвазовский (1817-1900) «Гурзуф. Дом с террасой» 1843 холст, масло. 25х33 см Феодосийская картинная галерея иван_айвазовский Галерея39

Wada Eisaku "Mt. Fuji" 1918

Франческо Альбани (1578-1660) «Похищение Европы» 1640-1645 холст, масло. 219х270 см Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург франческо_альбани Галерея39

Рисуем милого ёжика Художник, рисуй! | практика

"Бассейн с двумя фигурами" Автор - ? _history

Сказка из детства и роковые танцы Знаю, что вы любите истории любви. Поэтому неделю мы начнем с них PROисториилюбви Расскажу вам про роковую красавицу, хотя по фотографии так и не скажешь, да? Кто же она? Матильда Кшесинская. Прима-балерина Мариинского театра. Ее влияние на сцене было настолько сильным, что она даже получила прозвище «генералиссимус» русского балета. Была ли она талантлива? О да! Родившись в семье танцора Феликса Кшесинского, девочка с детства была окружена танцами и богемой. К этому приложились ее стальной характер и врожденный талант. Они и сделали ее абсолютной звездой ️ Ну ладно, не только они еще и влиятельные поклонники. Про них чуть позже … А пока расскажу про сказку из детства Матильды, которую близкие звали Малей, которая и определила ее судьбу Как-то раз в детстве Маля нашла в кабинете у отца перстень с сапфиром. Девочка примерила его на палец и стала любоваться переливами драгоценного камня на руке. Именно за этим занятием ее и застал отец, который рассказал Матильде, что перстень -это единственное, что осталось от их графского титула. Якобы бумаги на дворянство были утеряны, а вот украшение осталось. К чему эта история? А к тому, что Матильда с тех самых пор стала мечтать о том, чтобы стать дворянкой. Как минимум, графиней Отсюда и ее любовь в будущем к особам голубой крови, о которой буду рассказывать в следующих постах. P. S. Дорогие мои читатели, купившие курс по 10 векам русского искусства не забывайте добавляться в канал с лекциями! Если вам не пришел доступ, напишите в комментарии под этим постом, свяжусь с вами ️

"Повинен смерти" 1906 г. Василий Дмитриевич Поленов Частная коллекция. _history

Кузьма Петров-Водкин (1878-1939) «Кафе» 1907 холст, масло, графитный карандаш. 131х98 см Государственный Русский музей, Санкт-Петербург кузьма_петров_водкин Галерея39

Рисуем пион Художник, рисуй! | практика

Рисуем кролика Художник, рисуй! | практика

Как нарисовать тюльпан Художник, рисуй! | практика

Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на интерьер кафе направлен сверху вниз, а перспектива намеренно искажена. Висящие на стене часы показывают начало первого ночи: в это время в подобном заведении едва ли можно было встретить приличную публику. В отличие от людей за столиками летней террасы, некоторые из здешних посетителей, похоже, уснули на месте, выпив лишнего. Да и вся эта сцена выглядит так, будто бы мы смотрим на нее глазами весьма нетрезвого человека. Стены окружают со всех сторон, давят и не дают дышать, и в то же время как будто «разъезжаются». Но самое главное, что отличает эти две картины – цветовая гамма, которая задает настроение. Несмотря на типичное для арльских работ Ван Гога обилие желтого и ореолы света вокруг ламп, «Ночное кафе» лишено ощущения уюта и спокойствия. В письме брату Винсент писал об этой картине так: «Я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цветов». На самом деле красный цвет довольно редко становился доминирующим в работах художника. И похожий грязноватый кровавый оттенок в следующий раз станет фоном для его «Автопортрета с перевязанным ухом и трубкой». Существует и второй вариант «Ночного кафе», в котором изображение еще более плоское, а цвета – еще более ядовитые. В «Ночном кафе» Винсент изобразил реально существовавший интерьер маленького привокзального заведения, принадлежавшего супругам Жино. Художник снимал у них комнату, когда только поселился в Арле, и позже написал портреты обоих. Мадам Жино и ее сурового супруга уговорил позировать присоединившийся к Ван Гогу Поль Гоген. И хотя художники работали над портретами мадам Жино одновременно, готовые полотна оказались очень разными. У Ван Гога хозяйка кафе стала воплощением некоего светлого образа задумчивой прекрасной дамы. Гоген же не упустил случая немного поиздеваться над другом и соперником: зная, что Винсенту сложно писать «из головы», он по памяти воспроизвел интерьер кафе, использовал те же красные и зеленые оттенки и поместил на передний план мадам Жино, придав ее образу оттенок порочности. _history ВанГог Постимпрессионизм

"Ночное кафе" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен. Картина Винсента Ван Гога «Ночное кафе» отсылает нас к другой его работе с похожим названием – «Ночное кафе в Арле». И, несмотря на то, что два этих полотна были написаны в один и тот же период (более того – в один месяц), они абсолютно, почти диаметрально разные по настроению. Одна из самых знаменитых работ Винсента с летней террасой под звездами пронизана ощущением безмятежности и спокойствия: теплый желтый и оранжевый свет в окнах, чистое высокое небо, прогуливающиеся по улице и сидящие за столиками люди… А в этом «Ночном кафе» картина совсем иная. _history

Рисуем ресницы Художник, рисуй! | практика

Карл Брюллов (1799-1852) «Всадники. Парный портрет Е.Мюссара и Э.Мюссар» 1837-1839 картон, акварель, графитный карандаш. 69х51 см Государственная Третьяковская галерея, Москва карл_брюллов Галерея39

Рисуем уши Художник, рисуй! | практика

Увлечение длиною в жизнь Коллекционирование винтажных кукол — благородное хобби, которое увлекает людей совершенно разных возрастов много столетий по всей планете. Если вам интересен этот хрупкий и прекрасный мир, вы хотите начать собирать свою коллекцию или просто приобщиться к этой огромной вселенной — добро пожаловать на канал Doll Stories. Коллекция Дианы насчитывает десятки уникальных произведений этого древнего искусства, так что она доступно и легко рассказывает о том: — почему антикварные куклы — это интересное хобби и выгодное вложение; — где находить игрушки XIX и XX веков с большими скидками; — как их атрибутировать; — как не купить подделку. Подписывайтесь на канал и откройте для себя дивный новый мир!

Учимся рисовать хлопок Художник, рисуй! | практика

"Новорожденный ягненок" 1873 г. Вильям Адольф Бугро Музей Беркшира, Питсфилд. Смотреть в высоком качестве _history

Кацусика Хокусай (1760−1849) «Мост Маннэн в Фукагаве» ~1830 серия «36 видов Фудзи» цветная гравюра. 26х39 см кацусика_хокусай Галерея39

Жан-Батист Симеон Шарден (1699-1779) Натюрморты.

"Портрет Ф. М. Достоевского" Автор - ? _history

Richard Avedon "Carmen" 1957

"Мария Тальони в балете «Зефир и Флора» Шарля Луи Дидло" 1831 г. Альфред Эдвард Шалон _history

Константин Кузема (1962) «Дворик на Миллионной» 2020 бумага, акварель. 56х76 см константин_кузема Галерея39

И каждый писавший о «Сне», конечно, пытался его трактовать в символическом ключе. Безжизненный, опустошенный пейзаж с тревожным вулканом, фигура юноши, спящего в страшно неудобной позе прямо на голых камнях, две обнаженные женские фигуры, очевидно отличающиеся выражением лиц, поз, наконец, цветом кожи. Истоки композиции находили в «Сне рыцаря» Рафаэля - и это не случайное направление поиска. Петров-Водкин успел насмотреться на живопись итальянского Возрождения, пожить в Париже, дослушать «усталые, прекрасно начатые, песни Гогена и Сезанна», успел поучиться в Мюнхене с Кандинским, успел, наконец, разозлиться на все Дворцы искусств, которые так ловко оторвали его от земли и унесли в умозрительные поиски. Молился в ночной африканской пустыне о том, чтоб вселенная приняла его назад, раскрыла глаза и сердце для своих тайн. Вернувшись из художественных и мистических паломничеств, Петров-Водкин и пишет почти сразу «Сон». И с его слов, скорее всего, Александр Бенуа будет объяснять смысл сюжета так: «На обновленной земле спит человеческий гений, поэтическое сознание. Пробуждение его стерегут две богини, вечно сопутствующие творчеству. Розовая, юная, робкая, болезненная Красота и крепкое, смуглое, здоровое Уродство. В их объятиях, в их общении гений найдет полноту понимания жизни, смысл вещей». Это толкование стало каноническим - до такой степени, что данное самим художником объяснение критики считают выдумкой и позднейшей мистификацией. Говорят, придумал Петров-Водкин, талантливый литератор, картине пророческий смысл задним числом. Неудивительно, что после потрясений войны и революции художнику смысл картины казался совсем другим: он уже видел в собственной юношеской работе моральный и политический анабиоз, паралич, в котором пребывало общество после 1905 года, состояние ожидания, застоя, оцепенения. Символическая, философская картина, не связанная названием с именами действующих лиц, и не должна трактоваться однозначно. В ней возможны все смыслы, которые отыщет критик и зритель - произведение живое, меняется и откликается на эмоции и переживания новых людей, доживших до пророческих перемен. Любое предрассветное состояние, любое крепкое забвение, бездействие накануне пробуждения и обретения истины, полноты мира, неизбежно сложного выбора - все подойдет. _history ПетровВодкин Модерн https://t.me/paintings_collection/224

"Сон" 1910 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. «Сон» Кузьмы Петрова-Водкина поднял в Петербурге волну отчаянных споров, которые не утихали несколько лет. Илья Репин был оскорблен картиной настолько, что написал письмо в редакцию газеты «Биржевые ведомости», поместил юного выскочку в позорную компанию с Гогеном и Матиссом и обвинил в рабском подражании западным влияниям. Псевдонимы, анонимы, насмешники один за другим публиковали статьи и сыпали остротами: «…кирпичный юноша спит, а перед ним стоят две женщины - одна лилового цвета, другая тоже кирпичного. Бедный, когда он проснется!» Александр Бенуа не считал картину лучшей, но ценил в ней цветовой аккорд. Споры постепенно перемещались с фигуры молодого художника и его скандальной картины на разговоры об искусстве вообще и об искусстве в России. А Петров-Водкин понимал, что каждая новая работа, которую он теперь решится представить публике, будет пристально высматриваться из обоих враждующих лагерей. Можно не сомневаться, дозорные глаз не сводят и оповестят о любом признаке художественного неспокойствия. _history

Май Данциг (1930-2017) «Навстречу жизни. Диплом» 1958 холст, масло. 160х320 см Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск май_данциг Галерея39

Martin Johnson Heade "The Great Swamp" 1868 Heade

Хитоми Хосоно — японская художница, которая прославилась своими изысканными керамическими работами. Она родилась в Японии и с детства погружена в мир традиционного искусства и культуры. Хитоми известна своими уникальными фарфоровыми композициями, которые часто включают в себя мотивы природы, особенно цветы и растения. Она тщательно работает над каждой деталью, создавая сложные и детализированные рельефы, которые выглядят почти живыми. Её творчество отражает глубокую связь с природой и стремление передать красоту и тонкость флористического мира через керамику. Каждое изделие Хитоми — это результат долгих часов усердной работы и страсти к искусству, что делает её работы поистине вдохновляющими и запоминающимися. | Культурные каналы

"Юность Девы Марии" 1642 г. Гвидо Рени Государственный Эрмитаж. _history

Игорь Пугач (1963) «Приходи со мной встречать рассвет» 2023 холст, акрил. 105х110 см игорь_пугач Галерея39

Anthony Joseph "Golden Pass" 2024

Realism Movement in mid- to late 19th-century art, in which an attempt was made to create objective representations of the external world based on the impartial observation of contemporary life. Realism was consciously democratic, including in its subject-matter and audience activities and social classes previously considered unworthy of representation in high art. The most coherent development of Realism was in French painting, where it centred on the work of Gustave Courbet, who used the word réalisme as the title for a manifesto that accompanied an exhibition of his works in 1855. Though its influence extended into the 20th century its later manifestations are usually labelled as Social Realism.

Картина «Над вечным покоем» была создана, когда Левитану едва исполнилось 33 года – возраст зрелости, время полного раскрытия живописного дарования пейзажиста и, казалось, его безграничных возможностей, творческих исканий и открытий. Картина вобрала в себя и весь его художественный опыт, и опыт недолгой жизни, часто печальный и горький. Глухая тоска и чувство безмерного одиночества человека перед лицом вечности воплощены Левитаном в этом произведении. Забытый Богом и людьми, затерявшийся между небом и водой кусочек берега с церквушкой, покосившимися крестами на сельском кладбище, поросшем «травой забвения», – этот печальный пейзаж рождает мысли о бренности жизни, о суетности земного. Но над спящей холодной землей происходит вечное движение небесных стихий: бесконечно меняют свои формы и цвет облака, ветер безжалостно рвет верхушки деревьев и ерошит серую воду. Неутомимое движение облаков над недвижной землей сродни противостоянию быстротечной человеческой жизни и вечного бытия мироздания. Один из современников Левитана утверждал, что «это даже не пейзаж», а «картина души человеческой в образе природы». Сам художник считал ее одним из наиболее значительных своих произведений. Полотно вызывает широкие ассоциации – музыкальные, поэтические, живописные. Сопоставляют его и с популярной в 1890-е годы картиной швейцарского живописца Арнольда Бёклина «Остров мертвых» (1880). Их сближение проявляется в изображении «кладбищенского» острова, затерянного в океане времени, и в торжественно-эпическом строе.

Исаак Левитан (1860-1900) «Над вечным покоем» 1894 холст, масло. 152х207 см Государственная Третьяковская галерея, Москва исаак_левитан Галерея39

"Портрет Анны с подсвечником" Автор - ? _history

"Утренний чай" 1891 г. Владимир Егорович Маковский Частная коллекция. _history

Артур Шарафян (1972) «Три грации» 2020 холст, масло. 125х90 см артур_шарафян Галерея39

Petrus Christus "The Annunciation" 1450 Christus

Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи «Страны Советов» - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Будущий художник- Александр Николаевич Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его последующее творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Волков создавал много сюжетные композиции, в которых главными героями выступали коллективные образы советских людей. Он показывал их в моменте трудовой деятельности, участия в общественной, коллективной жизни, проявления героизма и отваги. Волков изображал людей сильными, целеустремленными и вдохновенными. Герои его полотен часто обладают монументальностью и эпическим размахом, что подчеркивает их значимость и важность для «нового» общества. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами Александра Николаевича являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.

Карл Хагенауэр (1898–1956) — выдающийся австрийский художник и дизайнер, известный своим вкладом в стиль Art Deco. Скульптуры и фигурки: Хагенауэр создал множество скульптур и фигурок, включая изящные животные, танцовщиц и абстрактные формы. Легендарная мастерская: Werkstätten Hagenauer была легендарной австрийской мастерской, где создавались уникальные предметы ручной работы. Творчество Карла Хагенауэра остается важным в истории искусства и дизайна, и его влияние продолжает вдохновлять поколения художников и ценителей. | Культурные каналы

David Gilmour Blythe "Corn Husking" 1864

Артур Мелвилл (1855-1904) «The Sapphire Sea» 1892 бумага, акварель. 120х80 см Национальная галерея Шотландии, Эдинбург артур_мелвилл Галерея39

Alexey Bogolyubov "Honfleur. Sunset on the sea" 1870

Первая запрещенная картина, историческая ошибка и самоубйиство. Часть 1 Новый день - новые знания про наше искусство и историю Как всегда - интересно! Итак, вы знали, что в искусстве тоже была цензура? Надо сказать, еще какая! Картина, которую вы видите в иллюстрации к посту, называется «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». 1883 -1885 Написано произведение Ильей Репиным. Так вот картина была запрещенной! Но об этом чуть позже давайте разберемся с сюжетом и немного с историей Что здесь изображено? Эпизод из жизни царя Ивана Грозного. Некоторые исторические источники пишут, что государь в сильном гневе нанёс смертельный удар своему сыну царевичу Ивану. А правда ли это? Ну, Репин в такой версии исторических событий не сомневался. Ведь об этом писали историки Ключевский и Карамзин. А они откуда взяли эту информацию? Из трактата «Московия» Антонио Поссевино, написанного в 1586 году. Антонио был папским легатом (то есть личным представителем) и секретарем ордена иезуитов. Что Поссевино делал в Московском царстве? Был посредником в переговорах между правителем Речи Посполитой (с которой мы очень долго воевали за выход к Балтийскому морю) и русским царем. Так вот Поссевино был тем, кто версию об убийстве Иваном Грозным своего сына в историю и «вписал». Но есть нюанс … В 20 веке, когда изучали останки царевича Ивана Ивановича, обнаружилось, что в них очень много ртути. Конечно, ее тогда использовали в качестве лекарства, но в умеренных дозах … Так что есть и вторая версия: царевича Ивана отравили а факты потом несколько исказили. Но вариант развития событий, согласно которому отец убивает своего сына, описанный папским представителем, прочно вошел в нашу историю и был очень популярен в 19 веке (да и сейчас тоже) Собственно, этот сюжет Репин на картине и живописал. Но как на это отреагировала власть и общество? Скоро расскажу! PROинтересныефакты PROживопись

Степан Колесников (1879-1955) «Женщины у озера» 1929 холст, масло. 86х100 см Частное собрание степан_колесников Галерея39

Ignacio Merino "Landscape with tree" 1865

Продуктивные передвижники Кстати, вы заметили, сколько я пишу и рассказываю вам про искусство второй половины 19 века? А все почему? Да потому что этот период был для наших художников ну очень продуктивным. Думаете, потому что люди хотели добавлять красоты в жизнь? Это, конечно, да. Но есть еще один очень важный нюанс, благодаря которому мы сейчас любуемся шедеврами второй половины 19 века в музеях ️ И этот нюанс - «Передвижники» точнее, Товарищество передвижных художественных выставок. Что это такое? Объединение художников, которые, в буквальном смысле, «передвигали» свои выставки по стране, показывая искусство в разных городах. И у «передвижников» было условие - на каждую выставку художники должны были представить новую картину! ‍ Вообще «передвижники» были, если говорить современным языком, бизнес единицей. У них имелись и своя касса, свой устав,свое правление. Ну и цели у них были очень благие: ● предоставление жителям провинций возможности знакомиться с русским искусством и следить за его успехами ● развитие любви к искусству в обществе ● облегчение для художников сбыта их произведений Получается, бизнесмены А, ну и к денежному вопросу! Знаю, вы его любите За 25 лет своей непрерывной работы Товарищество заработало 2 000 000 рублей. Картин продали на 1 100 000 рублей. Откуда остальные 900 000, спросите вы? А вход на выставки тоже был платным Надеюсь, вы удивились а то про них часто очень скучно рассказывают, а самое интересное упускают. В качестве иллюстрации - фотография передвижников. Тут столько известных уже нам имен! И Крамской, и Репин, и Савицкий, и Шишкин, и Суриков, и Поленов … P. S. А я напоминаю, что у меня есть небольшие видео про искусство наших художников - Саврасова (его картина была на первой выставке, кстати!), Айвазовского и Врубеля. Посмотреть можно тут ️ PROинтересныефакты

Юрий Пименов (1903-1977) «Движущаяся граница города» 1961 холст, масло. 36х50 см Государственный Русский музей, Санкт-Петербург юрий_пименов Галерея39

Dmitry Abukaev

Share what you think in our chat https://t.me/+4ZfiFPTtj_dhM2Qy

Человек из Линдоу: Тайна болотного тела В 1984 году в болоте Линдоу, близ деревни Мобберли, Великобритания, была сделана сенсационная археологическая находка - тело мужчины, датируемое I-II веком нашей эры. "Человек из Линдоу" стал одним из наиболее хорошо сохранившихся болотных тел. Эта история началась с находки человеческой головы, настолько хорошо сохранившейся, что в глазнице осталось глазное яблоко. Радиоуглеродный анализ доказал, что голова принадлежала женщине, жившей во времена Римской империи. Ее назвали "Женщиной из Линдоу". Через несколько месяцев, в том же болоте, под слоем торфа обнаружили человеческую ногу. Последующие раскопки привели к находке целого тела, которое и получило название "Человек из Линдоу". Загадка "Человека из Линдоу" до сих пор волнует ученых. Как он погиб? Почему его тело так хорошо сохранилось? Ответы на эти вопросы могут рассказать нам о жизни людей в эпоху железного века. | Культурные каналы

Витторио Реджианини (1858-1938) «Девушка с кошкой» холст, масло. 44х28 см витторио_реджианини Галерея39

Моаи http://telegra.ph/Moai-04-03 Туземцы, приветствовавшие в пасхальное воскресенье 1722 г. голландских мореплавателей, казалось, не имели ничего общего с гигантскими статуями своего острова. Детальный геологический анализ и новые археологические находки позволили раскрыть загадку этих изваяний и узнать о трагической судьбе каменотесов. Остров пришел в запустение, его каменные часовые пали, и многие из них утонули в океане. Подняться с посторонней помощью удалось лишь жалким остаткам таинственной армии. | Культурные каналы http://telegra.ph/Moai-04-03

Katsushika Hokusai "Bishu Fujimigahara" 1832 Hokusai

Самый известный пейзаж в русской живописи Кто не знает Шишкина? Шишкина знают все И его картину «Утро в сосновом лесу», конечно, тоже. Мы уже выяснили, что картина очень популярна благодаря конфетам Но не только в них дело! Произведение действительно шедевр. Пожалуй, еще и самый фотогеничный в Третьяковской галерее. Перед ним всегда толпятся люди в ожидании возможности сделать удачный кадр. Так почему же это все-таки шедевр? ️Потрясающая реалистичность изображения. Шишкин вообще был очень дотошным художником, выписывал каждый листик и травинку в пейзажах. Такой у него был творческий метод ️Светопередача. Объясню по названию мы догадались, что здесь изображено утро. А если смотреть на полотно, не зная, как оно называется, что нам намекает на то, что это именно начало дня? Внимательно присмотритесь к лесу. Его еще окутывает голубоватый утренний туман ️ а верхушки деревьев уже окрашиваются в золото дня. Ну красота же! ️ «Утро в сосновом лесу» было сразу принято и современниками художника, и коллекционерами. Третьяков сразу приобрел картину в свою коллекцию. Вы когда-нибудь задумывались почему? А потому что это был большой прорыв для нашей школы живописи. Еще за 50 лет до этого пейзажи у нас были совсем иными.. если художники и писали природу, то либо выдуманную, либо итальянскую. А тут такая любовь к своему, родному, воплощенная на холсте с мастерством Третьяков это прекрасно знал и понимал в истории искусства он разбирался. Что еще интересного? Есть у этой картины маленький секрет. На самом деле, подписана она была изначально двумя авторами - Константином Савицким и Иваном Шишкиным. Почему так получилось? История темная. Можно встретить иноформацию о том, что медведей написал не Шишкин, а второй художник, якобы у Шишкина животных плохо получилось изображать … но это не правда. Скорее всего, первоначально идея произведения принадлежала именно Савицкому. И Иван Иванович, как честный человек, не мог коллегу по цеху в авторах картины не указать. Правда, Третьяков потом имя второго художника стер так что сейчас у «Утра в сосновом лесу» только одна подпись - Шишкина. В качестве иллюстрации - Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889 P. S. Согласитесь, когда знаешь детали и понимаешь, какую роль играло произведение в истории нашего искусства, картины совсем иначе воспринимаются? удовольствия от их созерцания в разы больше! Поэтому я за систему и за то, чтобы знать, как наше искусство развивалось и изменялось сквозь года ️ и поэтому столько интересностей вам рассказываю PROшишкин PROинтересныефакты PROживопись

Фёдор Васильев (1850-1873) «В церковной ограде. Валаам» 1867 холст, масло. 43х67 см Государственный Русский музей, Санкт-Петербург федор_васильев Галерея39

Мемориал Королевы Виктории Мемориал Виктории, расположенный в Калькутте — мемориал британской королевы Виктории, которая также носила титул императрицы Индии. В настоящее время используется как музей, являясь одной из туристическихдостопримечательностей Калькутты. План мемориала был разработан сэром Уильямом Эмерсоном; сооружение походит на здание ратуши Белфаста. Здание должно было быть выдержано в стиле итальянского ренессанса, но архитектор ввёл в композицию некоторые восточные элементы. Здание возводилось в период с 1906 по 1921 год. Вокруг ярко-белого мемориала расположено множество садов. Мемориал увенчан бронзовой статуей «Ангел Виктории». Во внутренних помещениях музея вы сможете увидеть коллекцию картин британских художников, которые тем или иным образом касаются Индии, ее культуры и истории. Что интересно, несмотря на то, что этот памятник задумывался британцами для того, чтобы увековечить часть своей истории, строили его индусы, и только на свои деньги. Калькутта музей Мемориал_Королевы_Виктории | Культурные каналы

День медика Сегодня, кстати, день, когда нужно поздравить тех, кто спасает жизни и следит за нашим здоровьем. То есть врачей Ну и в честь этого показываю вам искусство на медицинскую тему️ Перед вами картина Александра Лактионова, написанная в 1965. Называется «После операции». Название говорящее, конечно. Но все же что тут изображено? Кто эти люди? Рассказываю! Это второй этаж Института скорой помощи им. Н.В. Склифосовского в Москве, а точнее, кабинет хирурга Сергея Юдина. Его фигуру в белом халате, шапочке и фартуке точно найдете на картине в руках Юдин держит колбу с кровью. И это не просто так. Ведь он стал первым, кто успешно перелил трупную кровь во время операции. Обсуждение этого события, произошедшего в 1930м году, изображено на полотне. Хирург сидит в окружении своих коллег (А. Бочаров, Д. Арапов, Б. Розанов), вероятно, и обсуждает. Картина, кстати, изначально должна была называться «Подвиг ученого». И еще из интересного - Лактионов начал ее писать, когда хирурга уже не было в живых. Так что, чтобы написать Юдина, пользовался уже созданными ранее живописными и скульптурными портретами хирурга. PROинтересныефакты

Поль Арто (1875-1958) «Love Saved from the Waters» 1904 холст, масло. 130х87 см поль_арто Галерея39

Malcolm T. Liepke "Curves and Circles" 2019 Liepke 30 × 20 in | 76.2 × 50.8 cm US$21,000 Purchase

Винсент Ван Гог (1853-1890) «Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой» 1889 холст, масло. 51х45 см Частная коллекция Ниархоса, Чикаго, США винсент_ван_гог Галерея39

Kajima Seibei "Hunting Fireflies" 1897

Алексей Бегак (1960-2022) «РДС-1» 2020 коллаж. 200х130 см Газеты «Литературная газета» и «Пионерская газета» за 1949 год. Газета «Правда» за 29 августа, в день первого испытания ядерного оружия в СССР, и 25 сентября, день официального объявления о наличии атомного оружия. алексей_бегак Галерея39

А это точно шедевр? Ну, узнали картину? Уверена, что вы отвечаете: «Да, это же «Незнакомка»!» А вот и нет! Называется произведение «Неизвестная». И это правда один из самых известных шедевров нашего искусства. Может потягаться с «Богатырями» Васнецова и «Утром в сосновом лесу» Шишкина. Думаете, я хотела проверить ваши знания? Ну конечно нет! У меня есть интересность, которую мало кто знает и которой хочу с вами поделиться. Поймете, почему я очень улыбаюсь, когда мне говорят, что персонаж на картине им сильно нравится (да-да, опять настаиваю на необходимости знать историю и историю искусства хотя бы поверхностно, чтобы не попадать в неловкие ситуации. А то про западное искусство все рассуждают, а наших художников назвать не могут) Так кто же это за интересность? Кто эта «Незнакомка», которая занимает свое почетное место на стенах Третьяковской галереи? Начну с того, что сам коллекционер Павел Третьяков изначально отверг этот шедевр и не купил. В коллекцию галереи картина попала лишь в 1925 году при советской власти. А современники создателя произведения, художника Крамского, за «Неизвестную» осудили. Им не понравилось чересчур салонное отношение к женской красоте, да и дразнящая чувственность женщины, изображенной на портрете, вызывала много вопросов. Молодая красивая дама, изображенная в открытом экипаже, была буквально пощечиной для морали конца 19 века. Почему? Потому что для современников Крамского было очевидно, что женщина, не прячущаяся за вуалью и передвигающаяся в открытом экипаже на Невском, получила свои наряды и украшения, заплатив своим целомудрием. Проще говоря, «Неизвестная» - это содержанка (куртизанка). При этом и осанка, и надменный взгляд, и поворот головы показывают презрительное отношение изображенной дамы к правилам светского общества. А сейчас в глазах зрителей «Неизвестная» стала воплощением утонченности и аристократизма, идеалом женской красоты и духовности. Ну-ну, духовности Иван Крамской. Неизвестная. 1883 PROинтересныефакты PROразборкартины

Édouard Manet "The House at Rueil" 1882 Manet

Павел Дольский (1978) «Маленький монах» 2012 холст, масло. 158х140 см павел_дольский Галерея39

Тайны старых картин и исчезнувший император Знаете, я все же считаю, что очень важно знать контекст, чтобы искусство понимать. Ну то есть зная историю, совсем иначе смотришь на произведения Вот, например, искусство 18 века, которое я показываю последние дни, вам может показаться некрасивым, слишком ненастоящим… но ведь в этом же его прелесть! Но ладно, порассуждала, теперь про искусство расскажу ️ Перед вами портрет Анны Леопольдовны в оранжевом платье, который был написан художников Иваном Вишняковым. Так как время тогда было смутное (правители сменялись на троне быстро, недаром 18 век называют эпохой дворцовых переворотов), то и точной даты у это картины нету. Она была создана между 1740 и 1746, а вот когда точно - непонятно Но это не самое интересное! А самое интересное вот что Анна Леопольдовна была вообще-то русской правительницей Точнее, регентшей при своем малолетнем сыне, Иване 6 Антоновиче. Мальчик правил совсем недолго - всего один год. Хотя как правил….ему на тот момент было меньше года. Потом на престоле его сменила Елизавета Петровна. Так вот этот мальчик-император тоже есть на портрете точнее, был, до воцарения Елизаветы, потом его просто записали новым слоем масла. Анна Леопольдовна обнимала его левой рукой. Откуда знаем? Делали рентгенограмму этой картины, так это и выяснили. Такие вот интересные исторические дела! Скажите, после этих фактов портрет уже не кажется таким скучным и некрасивым? PROинтересныефакты PRO18век

Юрий Кугач (1917-2013) «На реке» 1996 картон, масло. 30х41 см юрий_кугач Галерея39

Ну раз понравилась тема, тогда смотрите на еще одно произведение из 18 века Точнее, даже из 17 Это портрет Петра 1, который был написан в 1698 году английским художникам в Утрехте (там встречались английский и русский монархи). В Англии, кстати, картина и по сей день хранится! На момент написания портрета Петру Алексеевичу было 26 лет. Это был высокий юноша, полный мечтаний о том, что его страна станет великой державой. Собственно, для этого он и поехал в Европу - учиться уму разуму, перенимать опыт. Но ладно, давайте посмотрим на портрет. Во-первых, интересна «танцующая» поза будущего императора (да-да, Россия тогда еще не была империей, станет таковой только через 23 года), во-вторых, рыцарские доспехи. Ими художник хотел показать, что царь успешен в военном деле. А где держава и корона, спросите вы? А они на заднем плане. Немного «обрезаны» рамой картины. Но самое главное - это флот на заднем плане. Он сразу бросается в глаза Интересно, что тогда у нас флот только начал строиться, царство еще не стало великой морской державой, да и побед у нас особых не было на море, разве что Азовские походы Петра … Получается, что живописец написал мечту художника на этом портрете, которая в скором времени сбудется ну или просто знал о царских планах… но первый вариант мне нравится больше! Надо сказать, что в нашей стране мастеров, которые могли бы создать картину такого уровня, в то время еще не было… но за 18 век наше искусство сильно изменится. И художники появятся P. S. У меня все больше и больше желания рассказать вам всю историю искусства, ну ладно, хотя бы до начала 20 века В качестве иллюстрации - Готфрид Кнеллер. Портрет Петра I. 1698 PROинтересныефакты PRO18век

"Казнь стрельцов на Красной Площади, 10 октября 1698 года" Холст/масло. Май 2022. Работа молодого художника. Студента "Российской Академии Живописи Ваяния и Зодчества". Загляните к нему на канал . Картины пронизаны самобытностью и смелым творческим поиском. Инстаграм Николая: instagram.com/art_nicolas_malygin

Кукла лондонских трущоб Вот история одной удивительной куклы, найденной в трущобах Лондона приблизительно в 1905 году. Эта кукла, сделанная из каблука мужского ботинка, черного носка и кусочков ткани из дома, поражает своей простотой и значимостью. Чувствуется любовь родителей, которые не могли позволить себе купить обычную куклу для своего ребенка. В каждом шве этой куклы заложена нежность и забота, которые делают ее настоящим шедевром. Интересно, что благодаря Эдварду Ловетту, коллекционеру кукол со всего мира, эта самодельная игрушка сохранилась более ста лет. Каждый шов, каждый обрывок ткани, каждый стоптанный каблук – это кусочек истории, который пережил время и донес к нам свой уникальный смысл. А этот маленький чепчик, сшитый из обрывков, будто венчает эту куклу, делая ее еще более трогательной. Такие детали напоминают нам о том, что красота может быть найдена в самых неожиданных местах, в самых простых вещах. Эта кукла – не просто игрушка, это символ любви, заботы и выживания. Ее история напоминает нам о том, что даже в самых трудных временах люди находят способы делать мир ярче и добрее. Кукла лондон музей | Культурные каналы

Валентин Сидоров (1928-2021) «Пора безоблачного неба» 1968-1969 холст, масло. 150х175 см Музейное объединение "Художественная культура Русского Севера", Архангельск валентин_сидоров Галерея39

Первый русский автопортрет или очень дерзкая картина Что ни день, то новые знания и интересные факты про искусство и культуру Итак, показываю вам первый русский автопортрет ️ То есть изображение художником самого себя. Почему это дерзкая картина? А потому что буквально за 30 лет до этого никто портретов то и не писал… светского искусства не существовало. А тут не просто портрет, выполненный художником, а изображение самого себя, да еще и с женой! Она, кстати, на тот момент была на 14 лет моложе супруга, хотя по картине и не скажешь… Скорее всего, Андрей Матвеев создал это произведение после своей учебной поездки в Европу. И подпись оставил очень самоуверенную: "Матвеевъ, Андрей, первый Русскiй живописецъ и его супруга. Писалъ самъ художникъ". Что еще интересно? Женщина тут по правую руку. А по этикетку это совсем не верно. Женщина должна стоять слева. Но давайте простим эту неточность живописцу. Он же хотел продемонстрировать свою прекрасную молодую супругу зрителям Кстати, это еще и первое произведение в истории нашего искусства, которое воспевает семейные ценности ️‍ P. S. Из всего искусства я больше всего люблю 18 век. Но отдаю себе отчет в том, что, чтобы его «прочувствовать», нужно знать, как развивалось наше искусство А вам как искусство 18 века? Нравится? Показать что-нибудь еще? Если да, ставьте Андрей Матвеев. Автопортрет с женой Ириной Степановной. Не ранее 1728 года PROинтересныефакты PRO18век

Борис Кустодиев (1878-1927) «Цветы» 1924 холст на фанере, масло. 68x57 см Калужский музей изобразительных искусств борис_кустодиев Галерея39

Бродский Исаак Израилевич (25.12.(06.01.1884)1883, Бердянск - 14.08.1939, Ленинград). «Портрет жены художника за рукоделием». 1930 год. Холст наклеенный на картон, масло; 37 х 49 см.; (Тверская областная картинная галерея).

​​️С 7 по 16 июня Дом культуры «ГЭС-2» представит фильмы из международной программы фестиваля документального кино о современной культуре Beat Film Festival. ️Первый канал покажет сериал «Обоюдное согласие» Валерии Гай Германики. ️20 июня 2024 года в Москве в историческом здании XVII века на Маросейке откроется новая культурная институция — Центр современного искусства AZ/ART. ️В России появится цифровая платформа объектов культурного наследия, нуждающихся в реставрации. ️Государственная Третьяковская галерея представляет международный проект — выставку «Москва – Ереван – Москва. Музей русского искусства. Коллекция А.Я. Абрамяна». Арам Яковлевич Абрамян (1898–1990) — московский врач, создатель школы советской урологии, собиратель русского искусства конца XIX – ХХ века Выставка, приуроченная к 125-летию со дня рождения Арама Абрамяна Фото: Николай Рерих, Облако, 1913. Музей русского искусства https://telegra.ph/file/2f66769df20d3efdf6ce9.jpg

Кенне Грегуар (1951) «Поздно ночью» 2023 панель, акрил. 90х130 см кенне_грегуар Галерея39

Социалистический реализм — творческий метод в литературе, кинематографе, архитектуре, театре и живописи начала XX века. Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи Страны Советов - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами данного являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.

Шок и восхищение Портрет Короля Карла III вызвал настоящий шторм эмоций. Его изображение, выдержанное в нестандартном стиле для королевских портретов, вызвало бурю комментариев в социальных сетях всего мира. Что же такого удивило публику? На огромном холсте, покрытом маслом, запечатлен король во всём своём величии в униформе валлийской гвардии, держащий меч, а на его плече - красивая бабочка. Однако то, что привлекло внимание общественности, – странное покрытие полотна красной краской, которая воспринимается как кровь. Но по всей видимости, идея Йео пришлась по вкусу самому Карлу III. Автором этого уникального портрета является известный британский художник Джонатан Йео, чье имя знакомо в мире искусства. Он известен своими портретами знаменитостей и политиков, а также коллажами, созданными из порнографических журналов. Йео утверждает, что Карл III изначально удивился выбору цветов, но улыбнулся, увидев результат. Работа над портретом началась в 2020 году и завершилась после четырех встреч с королем с 2021 по 2023 год. Король_Карл_3 Джонатан_Йео музей | Культурные каналы

На сцене Театра на Бронной покажут спектакли проекта «Голоса страны» Художественный руководитель — Константин Богомолов 10 и 19 июня на сцене Театра на Бронной пройдут показы спектаклей проекта «Голоса страны» — цикла документальных моноспектаклей, которые рассказывают истории простых людей, чья повседневная работа меняет нашу жизнь к лучшему. Художественный руководитель — Константин Богомолов. ️10 июня зрители увидят два моноспектакля: « ДокторКудзаев» и «Великое путешествие Олега Елисеева за верхний болевой порог» ️19 июня в программе — «Школа этикета» и «История одного несовершенства» Что: спектакли проекта «Голоса страны» Где: ул. Малая Бронная, 4 Когда: 10 июня и 19 июня, начало в 19:00 Возрастные ограничения: 16+ Билеты: 10 июня и 19 июня

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Евсей Моисеенко «Натюрморт с веткой яблони» Холст, масло, 60 х 40 см Музей Академии художеств (НИМ РАХ), Санкт-Петербург живопись painting натюрморт

Андрей Андреевич Мыльников (1919— 2012) "Сон" 1974 г., картон, масло, 38х47 см; "Сон" 1979 г, холст, масло, 53х66,5 см. живопись painting

В последние годы Александр Николавеич Волков является одним из самых востребованных художников не только на просторах СНГ но и в мире. Об этом красноречивее всего говорят итоги торгов на самых престижных аукционных площадках Европы. После своей смерти художник оставил богатое творческое наследие, которое вызывает неподдельный живой интерес у любителей и коллекционеров живописи. В чем же заключается исключительный феномен работ Александра Николаевича. Давайте начнем с истоков пути художника. В 1905 году после окончания Оренбургского кадетского корпуса, он поступает в Петербургский университет, но проучившись несколько лет оставляет его, осознав для себя, что его призванием является именно живопись, поступив учиться в мастерскую акварелиста Д.И. Бортникера, он получает первые теоретические знания об изобразительном искусстве, далее его зачисляют в Высшее Художественное училище при Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге(которую окончили И.Крамской, И.Репин, В.Суриков, М.Врубель, В.Серов), в класс В.Е. Маковского (1908—1910). Большое влияние на судьбу будущего художника оказали занятия в частной школе М.Д. Бернштейна, где преподавали такие титаны, как Н.К. Рерих, И.Я. Билибин, скульптор Л.В. Шервуд (1910-1911 года). Николай Константинович Рерих уделял начинающему художнику особое внимание, так как видел в нем новое «юное» дарование. Своё дальнейшее обучение А.Н. Волков продолжил в Киевском художественном училище (1912-1916 годы), у крупнейшего мастера-монументалиста Ф.Г. Кричевского и пейзажиста В.К. Менка, там же он познакомился с художниками Александрой Экстер и Александром Тышлером. Сложно представить какой колоссальный профессиональный опыт получил Волков за время своего становления. Александр Николаевич восторгался мозаиками Софии Киевской и заворожившими его росписями М. Врубеля в Кирилловской церкви. Под влиянием творчества М. Врубеля и древнерусской живописи художник создаёт свои первые самостоятельные работы. Уже в этот период времени Александр Николаевич удивлял свое окружение смелыми и оригинальными творческими подходами в живописи. Основатели русского авангардного искусства В. Кандинский и К. Малевич, несомненно, оказали воздействие на формирование мировоззрения художника и появление в его искусстве новых пластических форм. В это время Волков создает произведения в духе европейского импрессионизма, постимпрессионизма, примитивизма, кубизма, футуризма и ищет себя постоянно в других направлениях. Вернувшись в 1916 г. на родину, в Среднюю Азию (Ташкент), Волков, преподавал в Ташкентском художественном училище (1916-19). Творческая жизнь Волкова была чрезвычайно активна. Он постоянно работал. В 1920, 1921, 1922 годах в Ташкенте состоялись персональные выставки художника. В 1923 году такая выставка состоялась в Москве, вызвавшая многочисленные отклики в прессе, отмечавшие талантливость и неординарность живописного языка художника, его любовь к Востоку, а в 1934 году работы художника представляли искусство Узбекистана на выставке в Филадельфии (США). Присутствующий на выставке в Филадельфии советский журналист отмечал в своей статье, огромный интерес местной публике к картинам Александра Николаевича. Некоторые его работы уже тогда через торгпредство пытались приобрести местные ценители искусства. Советская власть по праву оценив талант и искусствоведческие знания А.Волкова назначает его первым директором созданного в Ташкенте Государственного художественного музея. Помимо данной деятельности, художника приглашают обучать молодое поколение, он активно занимается педагогической работой - преподает в Туркестанской Краевой народной художественной школе, на педагогическом факультете Туркестанского университета, ведет занятия композиции в изостудии. С 1929 по 1941 год он преподает в Ташкентском художественном техникуме – позднее в Республиканском художественном училище, работает художником декоратором в студии Рабочего театра. В 30-е годы А.Волков становится «вождем монументализма», организуется «Бригада Волкова». В ее состав входили У.Тансыкбаев, Б.Хамдами, Н.Карахан, А.Ташкенбаев, Ч.Ахмаров, П.Щеголев, А.Венедиктов, А.Подковыров. Все перечисленные его ученики стали известными художниками. Своим творчеством и педагогической работой Волков оказал значительное влияние на становление современного национального узбекского искусства. В 1930-х манера Волкова изменилась: от стилизаторства, декоративно-красочной насыщенности цвета он перешел к большей сдержанности, от полуабстрактных композиций — к фигуративному искусству. В своем творчестве художник любил эксперименты. Колорит живописи художника насыщенный, горячий почти всегда основанный на модулях красного цвета, который мы отчетливо видим на картинах «Гранатовая чайхана», «Окучка хлопка», «Испания», «Караван», «Брат и сестра», «Натюрморт» и тд. Александр Николаевич был сильным и во многом талантливым человеком - всю жизнь писал стихи, пел, любил долгие пешие походы. В 1946 г. получает звание Народного художника Узбекской ССР. Вся его жизнь, жизнь неутомимого творца. Александр Волков – выдающийся живописец и рисовальщик, его творчество, по сути, не имеет аналогов в отечественной и мировой живописи ХХ века.

️20 июня Дом культуры «ГЭС-2» открывает масштабную выставку «Квадрат и пространство. От Малевича до ГЭС-2» — международный проект с приглашенными кураторами Франческо Бонами и Зельфирой Трегуловой. Фото: предоставлено «ГЭС-2» ️ Сегодня в Дом-музее Марины Цветаевой открывается выставка Марии Волжиной «Поэзия в цветах». ️ Ярмарка искусства 1703 объявила состав участников и программу. ️ Фестиваль-резиденция современного искусства RADI SVETA BAIKAL проводит прием заявок на участие. Перформеры, актеры и танцовщики могут подать заявку.

️Государственная Третьяковская галерея открыла один из самых ожидаемых проектов 2024 года — выставку, посвященную творчеству представителей выдающейся династии художников Васнецовых. Мировоззрение Васнецовых формировалось на принципах гуманизма и христианской этики, интересе к литературе, философии, политике, науке и религии Экспозиция объединяет работы Виктора Михайловича (1848–1926), Аполлинария Михайловича (1856–1933) и Андрея Владимировича (1924–2009) Фото: Третьяковская галерея ️Начат прием заявок на участие в пятой Московской Арт Премии. ️В Москве в Басманном районе появится музейный комплекс с концертным залом. ️Первая выставка Филиала Третьяковки в Самаре «На вкус и цвет. Образы еды в русском искусстве» откроется 30 мая.

Музей современного искусства Республики Башкортостан имени Н. Латфуллина и кураторский отдел Новейших Течений с гордостью представляет выставку "Осколки вечности" — эксклюзивную коллекцию работ скульптора Шамиля Султанова, который живет и работает в Лондоне. Зрители отправятся в путешествие через смелые переосмысления классических форм, исследуя деконструкцию образа идеальной мужской красоты, представленного скульптурой Давида эпохи итальянского Ренессанса. Скульптуры Султанова, известные своей несомненной цельностью и глубоким символизмом, бросают вызов всемогущей коммерциализации нашего общества. Его работы, включающие сочетание золотого дельфина и собаки в рекламе на фоне растрескавшегося образа Давида, выходят за рамки эстетики и проникают в глубины современного потребительского сознания. Золотой череп, возникающий из разрушенного бюста, служит трогательным напоминанием о смертности и разрвые с традиционными ценностями во времена ненасытного потребительства. Эта выставка предлагает посетителям изучить контрастность материалов: вечное мастерство обработки известняка сочетается с мимолетным очарованием пластика и обманчивым сиянием позолоченных объектов. Критика Султанова выходит за пределы искусства, ставя под вопрос ценность исторических и культурных реликвий в мире, очарованном одноразовыми и новыми вещами. Знаковым дополнением является фигура греческой богини, окруженная пластиковыми руками, символизирующими устойчивые общественные ограничения и неизменное господство патриархата. Эти искусственные ограничения подчеркивают поверхностные барьеры свободы женщин. "Осколки вечности" — это не просто выставка. Это диалог между древностью и современностью, критическое исследование развивающихся конструкций гендерных ролей и вызов архетипам, которые нас сковывают. Творческие композиции Султанова представляют уникальный взгляд на идентичность в рамках капиталистической системы, вовлекая зрителей в вечную борьбу между автономией и общественным контролем. Работы Шамиля Султанова (Shamil Sultanov) - это мощное повествование и провокационное мастерство скульптора, который продолжает расширять границы современного искусства. Это исследование пересечений древней философии и современного дискурса, это размышление о неизменных истинах, скрытых под внешним блеском нашего общества. Творческая изобретательность Шамиля Султанова - вызов художника, который заставляет нас видеть за пределами очевидного. Выставка продлится с 14 апреля до 22 июня 2024 года. shamil sultanov, shamil sultanov art, shamil sultanov artist, shamil sultanov sculpture, shamil sultanov sculptor. #shamilsultanov, #shamilsultanovart , #shamilsultanovartist , #shamilsultanov #sculpture , #shamilsultanovsculptor

Иван Иванович Шишкин, офорт

«Павильон элементов обратного времени»: Александр Пономарев и Алексей Козырь представят 12-метровую инсталляцию С 22 по 25 мая в Гостином дворе художник, многократный участник Венецианской биеннале и организатор первой Биеннале современного искусства в Антарктиде Александр Пономарев и архитектор Алексей Козырь при поддержке галереи Surface Lab Art представят 12-метровую инсталляцию «Павильон элементов обратного времени» Инсталляция Пономарева и Козыря — это образ бесконечного движения жизни и изменчивости вещей. Проект будет показан в рамках ежегодной выставки АРХ МОСКВА 2024. Автор фото Екатерина Гейтс. Предоставлены Surface Lab Art. Телеграм-канал Surface Lab Art

Картина «В крестьянской горнице» создана в 1890 году. Художник Лейбль Вильгельм Мария Хубертус. живопись painting

​​Дом-музей Марины Цветаевой приглашает на выставку художника Марии Волжиной «Поэзия в цветах» Каждая картина Марии Волжиной – это ода цветам России и гимн женской нежности, написанные языком красок и линий «Цветочные признания» создают атмосферу душевного тепла и искренней привязанности к русской природе, даря зрителю возможность вспомнить родное, любимое и ощутить себя «дома». О художнице: Мария Волжина – член Творческого союза художников России IFA, член Союза работников культуры. Постоянный участник региональных, всероссийских и международных художественных выставок. Создатель обложек к саундтрекам композитора Вадима Басова, группы «Дочери Земли». ️С 13.06 по 16.06. Мария будет проводить личные экскурсии по экспозиции по предварительной записи на сайте музея dommuseum.ru ️13 июня в 19.00 состоится мастер-класс с элементами арт-терапии «По следам автора». Запись на сайте музея. О выставке: 28 мая-16 июня 2024 в Доме-музее Марины Цветаевой по адресу: Борисоглебский пер., д. 6, стр. 1 Вход свободный https://telegra.ph/file/b8ee668d6908ee1adbfde.jpg