Альбом «Борис Кустодиев» https://t.me/+jQ4oJ5Pr1rdiMzZi

​​️Борис Пиотровский станет вице-губернатором Петербурга, отвечающим за культуру и спорт.   ️Hamburger Kunsthalle создал и выложил онлайн каталог-резоне, включающий 843 произведения знаменитого немецкого художника Макса Бекманна. ️Полезный бесплатный вебинар для родителей от Московский института психоанализа и Центра толерантности Еврейского музея «Дети, родители и киберагрессия» пройдет 21 января. ️Даниловский рынок и онлайн-галерея Sample запускают совместный проект «Новый натюрморт: искусство в эпоху доставки». ️Неизданная обложка комикса о Тинтине продана за рекордные €3,2 млн. Кто смотрел мой рассказ о японском искусстве (выше в ленте), тот помнит как отличить японского дракона от китайского. Правильно: у японского дракона три пальца. На фото дракон китайский. Обложка комикса «Приключения Тинтина» для обложки альбома «Голубой лотос» с отчетливо видимыми линиями сгиба. 1936. Фото: Hergé Moulinsart https://telegra.ph/file/5cbe1c6edc29a0490e1f2.jpg

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

Картина «Весна». Приблизительно 1898—1901 г. Автор Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов. Художник сумел тонко передать состояние весны с цветущими деревьями и «пушистыми» одуванчиками, выразив через состояние природы настроение. Также она отличается и своей декоративностью. Художник наносит краску небольшими мазками, меняя их направление.

"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей Тараса Шевченко, Киев. «Крестьянская семья» Тараса Шевченко лишь на очень поверхностный взгляд может показаться незамысловатой этнографической зарисовкой. Но пусть вас не отвлекают от сути национальная одежда и украинская хата-мазанка под соломенной или камышовой крышей. На самом деле перед нами – украинская версия Holy Family, «святого семейства», один из архетипических сюжетов европейской живописи. К моменту работы над картиной Шевченко чуть менее тридцати. Всего 5 лет минуло с того момента, как он стал свободен от крепостной зависимости и смог посещать классы знаменитого Карла Брюллова в Императорской Академии художеств. Всё это время его излюбленными техниками оставались карандаш и акварель. В них он чувствует себя свободно: его карандаш остёр и точен, его акварели на редкость гармоничны по колориту. Но к масляной живописи Шевченко на первых порах боится подступиться. Масло и холст, в качестве рабочих инструментов, будто сковывают его, связывают академическими путами, лишают свободы выражения – а ведь никто не ценит свободу (в любых проявлениях и сферах) как тот, кто был её когда-то лишён. Перед началом работы над «Крестьянской семьёй» Шевченко делает массу карандашных зарисовок из украинского быта. Он много путешествует по Украине, а его дорожные альбомы переполнены эскизами. Начав, наконец, работу маслом, он отказывается от эмалевой «гладкописи» своего учителя Брюллова. Мазки Шевченко ложатся точечно, нервно. Объекты и фигуры картины лишены четких контуров. Но именно это и создаёт ощущение трепетного движения жизни. Предполагают даже, что если бы не арест и ссылка, и Шевченко смог бы, как планировал, поехать для продолжения работы в Европу, он вряд ли продолжил бы там академические традиции и, весьма вероятно, вошёл бы в круг родоначальников импрессионизма. Мы уже упоминали, что Шевченко делал не сотни - тысячи зарисовок народного быта. Почему из всего потока зрительных впечатлений он выбирает именно этот простой и незамысловатый сюжет? Ребёнок стоит в окружении своих матери и отца. Движения их рук и линии их тел образуют плавный овал – некую область безопасности, защищённости для младенца, который только-только начал ходить. Шевченко обрисовывает не конкретную бытовую ситуацию из жизни семьи – он передаёт нечто более глубокое: ощущение духовного единства, семейной общности, семьи как «малой церкви». Кто хоть немного знаком с биографией Шевченко, тот, несомненно, сможет прочесть в «Крестьянской семье» одно из самых глeбоких и интимных переживаний художника. Дело в том, что именно семьи в том самом идеальном представлении, которое он рисовал себе, Шевченко как раз не имел ни в детстве, ни во взрослой жизни. Нынешние психоаналитики уверены, что в детстве Тарас был лишён родительского внимания и любви: детские травмы отверженности будут сопровождать его на протяжении всей взрослой жизни. Семья в немного идеализированном, даже можно сказать идиллическом понимании (как вершина человеческих отношений, защита от холода внешней жизни) надолго станет его «идеей фикс». Но, в силу разных обстоятельств, способных составить захватывающий сюжет не одного романа, создать собственную семью Шевченко так и не удастся. Если уж продолжить психоаналитические аналогии, шевченковская «Крестьянская семья» - это чистой воды сублимация: воплощение в творчестве того, чего очень жаждешь, но никак не можешь получить в реальности. ТарасШевченко _history

Сказочная композиция 1966 Татьяна Маврина Бумага, гуашь, фломастер Частная коллекция Русская советская художник-живописец, график, иллюстратор. Заслуженный художник РСФСР. В творчестве много путешествовала по старинным русским городам. Результатом путешествий Мавриной стала изданная в 1980 году книга-альбом «Пути-дороги», в которой были собраны акварели и гуаши с видами заповедных уголков России — Звенигорода, Углича, Ростова, Ярославля, Павловской слободы, Касимова и других. Много раз иллюстрировала сказки А. С. Пушкина. Большая коллекция живописных и графических произведений Мавриной находится в Русском музее.

Портрет В. Мейерхольда 1916 Борис Григорьев С 1909 года вошёл в состав «Студии импрессионистов» — объединения молодых художников, творчески близких к футуристам, возглавляемого Н. И. Кульбиным. В новом искусстве его привлекало не разрушение видимой реальности, а обострённое восприятие мира, поэтому ему было близко творчество Ван Гога, Сезанна, фовистов, Дерена, отчасти Пикассо. Григорьев был одним из самых дорогих и престижных портретистов России 1910-х гг. и сохранил это звание, уже работая за границей. Остались десятки портретов его кисти – чуть ли не всей русской интеллигенции начала прошлого века: Скрябин и Рахманинов, Шаляпин и Мейерхольд, Добужинский и Рерих, Горький и Клюев, Розанов и Шестов и др. Творя в атмосфере авангарда, тем не менее он никогда не бросался в крайние формы, чаще всего изображая не человека самого по себе, а скорее, показывая роль, которую играет этот человек. Гротеск, используемый Григорьевым, скорее лукав, чем зол и сатиричен.

Топ 3 самых узнаваемых рок хитов 1. Nirvana — Smells Like Teen Spirit В то время никто и подумать не мог, какую популярность обретет альбом «Nevermind» с заглавным синглом «Smells Like Teen Spirit». Песня стала самой известной гранж-композицией, принесла известность и толпы фанатов группе. 2. AC/DC — Highway to Hell Название «Шоссе в ад» породило многочисленные слухи о смысле песни. На группу посыпались обвинения в сатанизме, основанные на нескольких строчках текста и фотографии Ангуса Янга на обложке альбома, на которой он изображен с хвостом и рогами. Участники AC/DC категорически не соглашались с такой трактовкой, а Малькольм Янг даже заявил: «Моя мама убила бы меня за это!». 3. Queen — We Will Rock You Данный трек является примером того, что не обязательно играть на всех инструментах сразу, дабы создать хитовую песню. Два удара ногой, один хлопок в ладоши — такое сопровождение открывает композицию и длится до самого конца. Добавляем до этого неповторимый вокал Фредди и вуаля — хит на все времена готов.

Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим личным придворным художником. Должность хорошая, но к ней прилагалось одно небольшое условие - запрет на частные заказы. И действительно, зачем тебе писать еще кого-то, если тебе позволено писать целого Наполеона! Только вот заказы от Наполеона случались не так часто, как хотелось бы художнику и поэтому он втихушку иногда соглашался исполнить что-нибудь налево. Князь Николай Борисович Юсупов был ценителем и коллекционером живописи,а особо ему по душе приходился неоклассицизм, видным представителем которого и был Давид. Юсупов был личным консультантом по вопросам покупки произведений искусства Екатерины II и Павла I, был дружен с Ангеликой Кауфман, Помпео Батони, Антуаном-Жаном Гро и многими другими маститыми и популярными художниками своего времени. Он-то и смог убедить Давида написать для него картину, посулил огромные деньги и даже позволил художнику самостоятельно выбрать сюжет. А тот и выбрал. Это картина о том, как влюбленная древнегреческая поэтесса Сафо млеет от любви к прекрасному юному лодочнику Фаону. Однажды Фаон перевозил саму Афродиту на остров Лесбос и не взял с нее платы, за что Афродита наградила его сосудом с благовониями, имевшим чудесную силу - все женщины отныне влюблялись в прекрасного юношу. Не устояла и уже немолодая Сафо, но юноша отверг ее любовь и Сафо разбежавшись, прыгнула с Левкадийской скалы. Вероятно, эту знаменитую скалу мы и видим на картине вдалеке. Амур зажигает огонь любви, Фаон стоит ужасно самодовольный, а то, что вы видите на лице у Сафо - это вдохновение, переходящее в любовный экстаз. На коленях у нее свиток, на котором она на древнегреческом выводит первые строки одной из своих од, а над ними написано “посвящение Фаону”. Правда, в оригинале никакого посвящения Фаону нету, да и сам этот Фаон ни разу в ее лирике не встречается и считается, что эту ее последнюю трагическую любовь придумали более поздние авторы, которые на тему влюбленности Сафо в лодочника периодически сочиняли комедии, а стихи ее, как известно, и вовсе обращены к женщинам. Вот перевод полного текста оды от Гавриила Державина: Счастлив, подобится в блаженстве тот богам, Кто близ тебя сидит и по тебе вздыхает, С тобой беседует, тебе внимает сам И сладкою твоей улыбкой тайно тает. Я чувствую тот миг, когда тебя с ним зрю, Тончайший огнь и мраз, из жил текущий в жилы; В восторгах сладостных вся млею, вся горю. Ни слов не нахожу, ни голоса, ни силы. Густая темна мгла мой взор объемлет вкруг, Не слышу ничего, не вижу и не знаю; В оцепенении едва дышу — и вдруг, Лишенна чувств, дрожу, бледнею,— умираю. В общем, картину Давид успешно написал, передал Юсупову и она уехала в Санкт-Петербург. Там и живет поныне - можно пойти поглазеть на бленеющую-умирающую Сафо в Эрмитаже.

Альбом «Эдвард Хоппер» https://t.me/+vN551rHrPxZiNDIy https://t.me/+vN551rHrPxZiNDIy

Альбом «Тьерри Дюваль» https://t.me/+WKb0I1Rm2hUwNDQy https://t.me/+WKb0I1Rm2hUwNDQy

​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве», созданная примерно в 1831 году, была продана за 1,6 миллиона долларов на распродаже японских и корейских произведений искусства Christie’s. Окончательная цена в 10 раз превышает предварительную оценку в 150 тыс. долларов, которую дали эксперты аукционного дома. Сцена, ставшая «визитной карточкой» японского художника XIX века, изображает лодочников, которые борются с волнами на фоне горы Фудзи. Гравюры Хокусая с изображением волн, созданные в начале 1800-х годов, пожалуй, его самые известные работы. Они были представлены на европейском рынке в середине XIX века. К моменту создания данной работы художнику было за 70 лет, и он нуждался в деньгах. Это первый лист «36 видов Фудзи» — серии настолько популярной, что отпечатки с неё делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться. Предположительно, с оригинальных досок Хокусая было отпечатано около пяти тысяч копий. Широко признано, что мастер изобразил бессилие и незначительность человека на фоне неукротимой стихии. Мы видим рыбаков, которые плывут навстречу верной гибели, и их суденышки вот-вот разлетятся на щепки. Но есть и другое мнение. Культуролог-японист Евгений Штейнер указывает, что в японском искусстве движение в картине идет справа налево. «Соответственно, рыбачьи лодки являют собой активное начало, они двигаются и внедряются в волну, в податливое аморфное начало, а некоторые уже прошли её насквозь», — поясняет он. Предыдущий рекорд для работ Кацусики Хокусая был установлен девять лет назад. В 2002 году альбом ксилографий с видами на гору Фудзи ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s в Париже за 1,47 миллиона долларов. Сборник подавали наследники французской арт-дилера Огетты Берес. На аукционе Christie’s вместе с «Большой волной в Канагаве» была выставлена ещё одна гравюра Хокусая — «Водопад Йоро в провинции Мино». Она была куплена за 100 тысяч долларов, что в 10 раз превышает её первоначальную оценку в 10 тысяч. Там же был установлен ещё один рекорд. Свиток японского художника XVIII века Ито Дзякутю под названием «Пара журавлей и восходящее солнце» также был продан за 1,6 миллиона долларов. Это в пять раз выше его предварительной оценки в 300 тысяч долларов. Два белых журавля — символы Нового года и бессмертия в Восточной Азии. Работа принадлежала частному японскому коллекционеру и никогда ранее не продавалась на рынке. Предыдущий рекорд для творчества Дзякутю работы установлен в 2006 году. Тогда Метрополитен-музей продал на Christie’s в Нью-Йорке рукописный свиток «Наслаждение от чернил» за 441 тысячу 600 долларов, хотя первоначально его оценили в 80 тысяч долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f8bf89407ab4389f27409.jpg

Борис Кустодиев "Голубой домик" (1920)

Александр Борисов "В московском метро. Час пик" (1980-е)

«Мужчина и колыбель» Иван Якимов Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. И дело было даже не в том, что подобного рода бытовые зарисовки абсолютно не характерны для живописи XVIII века — у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая логически должна была бы лежать на полу. Да и рановато было ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно, благодаря еще одному уникальному экспонату Третьяковской галереи. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей».

Борис Григорьев "Бедность" (1925)

​​NotLand / не-игра и совриск. NotLand — виртульная не-игра на стыке современного искусства и альтернативного геймдизайна. Проект был вдохновлен не-манифестом студии «Tale of tales», который предлагает создавать не-игры — без миссии и соревновательного элемента — как формат нового цифрового развлечения. Кураторы Ира Аксенова (FFTN gallery) и Катя Михатова (KZgallery) пригласили к участию 4х художников из Швейцарии и России для создания собственных территорий в общем виртуальном ландшафте. Строки из Уильяма Блейка, дыры в пространстве, послания к зрителю и котики, окружающие мурлыкающую клубнику, — всё это NotLand. ️Художники: Саша Зубрицкая, Аня Ротаенко, Тилль Лангшид, Юрген Бауманн ️Дизайн&разработка: Дима Роткин (KZgallery) ️Саунд-дизайн: Алексей Борисов ️Побродить (с компа!) во вселенной художников: https://notlandartproject.com/ https://telegra.ph/file/20e77b7952a4071ae6082.jpg

"К родным" Леонид Пастернак, 1891 > Владимиро-Суздальский музей-заповедник Леонид Пастернак, отец известного поэта Бориса Пастернака, был популярным живописцем. Художник часто писал картины с неочевидным, загадочным сюжетом, который складывался из множества небольших, но важных деталей. Одной из таких работ было и представленное в экспозиции полотно «К родным». Оно посвящено теме семьи и материнства – одному из важнейших мотивов в творчестве Пастернака. Главная героиня картины – молодая женщина в глухом траурном наряде, сжимающая платок. Рядом с ней сидит девушка в цветастом платье. Вероятнее всего, это кормилица, которая держит на руках ребенка женщины. Они едут в поезде, в вагоне первого класса – на что указывает мягкий темный диван. Поэтому можно заключить, что героиня картины весьма состоятельна. Проанализировав эти детали, можно предположить, что изображенная на картине женщина – молодая вдова, которая едет «к родным» после похорон мужа.

Купчихи в Кинешме 1912 Борис Кустодиев Киевский национальный музей русского искусства «Купчихи» стали одним из лучших созданий Кустодиева и открыли обширную серию его образов купчих, купцов, купеческого быта. В этих работах были сплавлены черты истории и современности, реальность и идеализирующая ее фантазия, «русский вкус» и навыки художника, обладающего широчайшей культурной основой, национальной и западноевропейской. В цветистую, театрализованную картину, передающую ощущение привычного, размеренного уклада провинциальной жизни, покоя, достатка, здоровья, уверенности молодых купчих в себе, Кустодиев внес ноты мягкой иронии. Образ, созданный им, на редкость целен, его героини неотделимы от окружающей среды и ни в какой иной обстановке не могли бы существовать так естественно. Все вместе — и яркое зрелище, и воплощение своеобразия русской жизни.

Борис Назаренко

Владимир Боровиковский "Портрет князя Александра Борисовича Куракина" (1801) Третьяковская галерея Князь Куракин был большой педант в одежде: каждое утро, когда он просыпался, камердинер подавал ему книгу вроде альбома, где находились образчики материй, из которых были сшиты его великолепные костюмы, и образцы платья, при каждом платье были особенная шпага, пряжки, перстень, табакерка и т. д. Однажды, играя в карты у императрицы, князь внезапно почувствовал дурноту, открывая табакерку, он увидал, что перстень, бывший у него на пальце, совсем не подходит к табакерке, а табакерка не соответствует остальному костюму. Волнение его было настолько сильно, что он с крупными картами проиграл игру.

«Мужчина и колыбель». Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. Дело в том, что у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая по логике должна лежать на полу. Да и рано ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. В Третьяковскую галерею левая половина картины поступила после распродажи коллекции Павла Петровича Тугого-Свиньина. Ему принадлежал так называемый «Русский музеум» — коллекция живописи, скульптуры и антиквариата. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей», где собраны рисунки с большей части картин, входивших в коллекцию Свиньина.

"Клоунесса Ша-Ю-Као" 1896 г. Анри де Тулуз-Лотрек Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В 1896 году Тулуз-Лотрек задумал альбом литографий, который оказался одним из самых провальных прижизненных проектов художника, который Амбруазу Воллару приходилось разделять на отдельные листы, чтоб хоть как-то продать, и за экземпляр которого современные коллекционеры отдали бы полцарства. Тираж был достаточно большим – 100 пронумерованных экземпляров с личной подписью Лотрека на каждом листе. Но для любителей фривольных картинок альбом «Они» оказался недостаточно пикантным, а для любителей искусства – недостаточно красивым. Здесь не было портретов звездных певиц и танцовщиц, которые могли бы привлечь хотя бы их поклонников. Среди изображений безымянных тружениц публичных домов оказалась только одна звезда, клоунесса Нового цирка и танцовщица кабаре Оллера – мадемуазель Ша-Ю-Као. Ша-Ю-Као восхищала Лотрека и была одной из любимых моделей. Он рисовал ее долго и много, чаще всего именно в сценическом клоунском наряде. Уверенная, свободная и искренняя, Ша-Ю-Као выбрала профессию клоуна, в которой даже во времена победившего феминизма встретишь немного представительниц женского пола, а в XIX веке это был тем более исключительно смелый выбор для дамы. Ни от кого не скрывала клоунесса и своих лесбийских наклонностей, чем привлекала Лотрека еще больше. «Женщина, влюбленная в другую – самое безумное существо», - говорил художник и с восторгом писал это безумие. Проститутки, лесбиянки, танцовщицы, исполняющие фривольные танцы и выставляющие напоказ сразу все части тела, певицы и клоунессы – все эти женщины полусвета, выброшенные за пределы приличного мира, участвовали вместе с Тулуз-Лотреком в рождении совершенно нового типа привлекательности и красоты в искусстве. В чулках, колпачках, перчатках, корсетах, смешных воротниках, в гриме и без, в смешных и неестественных позах они себе редко по-женски нравились на картинах Лотрека, но всецело доверялись его чутью и таланту. Он умудрялся в их часто гротескных портретах передавать такую внутреннюю силу и особость, которая была лестнее внешней красивости. Ша-Ю-Као на этом портрете уставшая и отрешенная, позволяет себе просто быть уставшей, не заботясь о красивой позе и выгодном повороте головы. Эта литография открывала альбом «Они», который изначально должен был называться «Проститутки» и который Лотрек переименовал, утверждая, что женщины одинаково прекрасны, в аристократических салонах или в домах терпимости, на сцене или за кулисами. ТулузЛотрек Постимпрессионизм _history

Ермолаев Борис Николаевич (1903 – 1982). «Под Москвой». 1956. Цветная литография. Yermolaev Boris Nikolaevich (1903-1982). "Near Moscow". 1956. Color lithography.

Борис Кустодиев "Купец" ("Старик с деньгами") (1918)

"Похищение Европы" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственная Третьяковская галерея, Москва. Наряду с «Идой Рубинштейн», «Похищение Европы» представляет блеск и славу «позднего» Серова. Серова-модерниста. Серова-«парижанина», переживающего непростой «роман» с Матиссом. Серова, ищущего новых горизонтов. Серова, все заметнее предпочитающего стилизацию психологической (и какой-либо еще) достоверности, а матовое благородство темперы – витальности масляных красок. Нетронутое «декадентским тленом», оно было принято современниками куда более сочувственно, чем многострадальная «Ида». Сплавив древний миф с модернистской традицией, Серов создал энергичный, стремительный, светлый по интонации шедевр. Изысканная простота линий, снайперски сдержанная палитра, ритм, драйв, порода, стать – кажется, это было написано быстрой, не ведающей сомнений кистью. Обманчивое ощущение. Серов работал над «Похищением Европы» три года, сделал как минимум шесть вариантов картины и, похоже, ни один из них не успел окончить. Идея «Похищения» созрела у него во время путешествия в Грецию, где он побывал вместе с Львом Бакстом в 1907 году. Друзья посетили Парфенон, отплыли на Крит, следуя примерно тем же маршрутом, что и принявший облик быка Зевс, пережили катарсис на руинах Кносского дворца. Казалось бы, здесь Серов увидел все, что могло ему потребоваться для работы – он даже видел повозку, запряженную парой белоснежных быков, которую тотчас зарисовал в свой походный альбом. Ничуть не бывало: греческие быки показались художнику недостаточно благородными и могучими. Он искал особь подходящих габаритов в Испании - превозмогая дурноту, ходил на корриду и все равно вернулся ни с чем. Удача улыбнулась ему в Италии: кто-то посоветовал Серову прокатиться в деревушку Орвиетто, славившуюся быками эпических пропорций. Теперь у Серова был Зевс, но не было Европы. Он повстречал ее в Париже, в мастерской знакомого художника Николая Досекина. После того как был решен вопрос с натурщицей, оставалось найти подходящее море. Когда-то в Домотканове Серов надумал писать картину «Русалка». Живописных прудов там было хоть отбавляй, а вот русалки – как назло – ему не встречались. Валентин Александрович перепробовал все: краснея, просил кузин взять его с собой «на купания», заставлял позировать в пруду мальчиков из местных крестьян и даже окунал в воду гипсовую голову Венеры – все напрасно, русалка так и осталась ненаписанной. Обладая нечеловеческой наблюдательностью, Серов никогда не полагался на воображение - его вдохновляла только натура. Так что волны для «Похищения Европы» он подсмотрел в Италии, а еще в Биаррице. Чтобы написать море – условное символичное море, которое только ленивый не сравнивал с горностаевой королевской мантией – ему было нужно, чтобы за окнами ревел Атлантический океан. Греческие впечатления. Итальянский бык. Парижская натурщица. Над всем этим художник работал на своей даче в Финляндии. В 1910 он сделал то, что в полной мере не удавалось ни испанскому королю Карлу V, ни Европейскому совету. Серов не похищал Европу, подобно Зевсу. Он собрал ее по кусочкам и сложил в единую величественную, радующую сердце и глаз картину. ВалентинСеров МифологическаяСцена Модерн _history

Борис Тальберг (1930-1984) «Дождь» 1960-е холст, масло. 84х43 см борис_тальберг

О двух картинах Кустодиева: На террасе 1906 Русская Венера 1926 Нижегородский государственный художественный музей Картина "Русская Венера" была написана Кустодиевым в 1925—1926 годах на обратной, перевёрнутой стороне полотна «На террасе», созданного ещё в 1906 году и запечатлевшего чаепитие семьи художника. Позже, картина была повреждена во время затопления Горьковского художественного музея. Отреставрирована известным реставратором Барановым. Он устранил подтеки механическим способом и при помощи растворителей. Более серьезную проблему, утрату красочного слоя, решил, применив метод ретуши. Соорудил специальный подрамник, таким образом, что стала доступна зрителям и вторая сторона полотна с картиной «На террасе», на которой Борис Михайлович в 1906 году изобразил свою семью. Полотно написано незадолго до смерти. Оно подводит итог как поискам идеала народной красоты, так и всему творчеству мастера.

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg

Андрей Борис "Домашняя алхимия"

Альбом «Рене Магритт» https://t.me/+x1J1jvQTw2tmMGVi https://t.me/+x1J1jvQTw2tmMGVi

Альбом «Герман Метелёв» https://t.me/+eucXmMEtgn5hMzcy https://t.me/+eucXmMEtgn5hMzcy

Альбом «Александр Яковлев» https://t.me/+-6AClfBDf30zMDBi https://t.me/+-6AClfBDf30zMDBi

Ограбление по-зверски 3. Пушкинский музей 3 серия 2 серия 1 серия Эксперты Муров (кот) и Гавов (пёс) предотвращают кражу шедевров из Пушкинского музея и заодно проводят экскурсию по постоянной экспозиции музея Режиссер: Борис Коршунов Художник-постановщик: Алексей Алексеев Роли озвучивали: Леонид Каневский, Алексей Колган, Юлия Рутберг, Диомид Виноградов, Лариса Брохман, Александр Казначеев Композитор: Сергей Слонимский 2019 https://www.youtube.com/watch?v=DQ5gsNh9UaI

Альбом «Степан Колесников» https://t.me/+KMg8kPxx2z4yYzky https://t.me/+KMg8kPxx2z4yYzky

Альбом «Ян Вермеер» https://t.me/+yJUcuu0bOWEzMWYy https://t.me/+yJUcuu0bOWEzMWYy

Альбом «Илья Репин» https://t.me/+BfIePGqYf5ZlZWUy https://t.me/+BfIePGqYf5ZlZWUy

Борис Малуев (1929-1990) «Дождь» 1964 холст, масло. 69х127 см Частное собрание борис_малуев

Котоживопись. Владимир Дмитриевич Румянцев (21 февраля 1957, Череповец — 9 октября 2019, Санкт-Петербург) — российский художник. Член Общества акварелистов Санкт-Петербурга и Союза художников России. Работы Владимира Дмитриевича Румянцева можно встретить в 8 музейных коллекциях России и в частных коллекциях: Германии, Финляндии, США, Великобритании. Швеции. Этюды серии «Петербургские коты» выполнены в светлых ярких тонах. В мрачных, депрессивных тонах выполнена серия-комикс «Колобок». В 2014 году выпустил альбом «Коты», в 2017 году выпустил второй альбом «НеКоты». В этих альбомах наиболее полно представлены работы художника и его размышления о своем творчестве.

Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с чего начались иллюстрации к этому тексту. На дворе был примерно 780 год, когда монах по имени Беат из Ль...ы (это в Испании) составил Комментарии к Откровению Иоанна Богослова, чем изрядно подогрел интерес к нему. До Беата Откровение периодически комментировали, но как-то без особой страсти, а монах собрал этакую компиляцию из более ранних толкований, дополнил ее, развернул некоторые важные пункты и, главное, снабдил свою версию забористыми картинками. Считается, что за эту работу Беат взялся для того чтоб обучать монахов по книгам и еще для того, чтоб поддержать и подбодрить небольшие и не слишком сильные на тот момент христианские общины, которые выживали на Пиренейском полуострове, где почти повсеместно доминировали мусульмане. Там как раз в 711 году арабы набежали на вестготское государство и завоевали практически весь полуостров, организовав потом Кордовский эмират и стало понятно всем бедным христианам, что Иоанн Богослов в Откровении под “Зверем” совсем не Римскую империю имел в виду, а Халифат, а Вавилон этот противный не город Рим, а город Кордова. В общем, легло идеально - как я и писала ранее, Апокалипсис - действительно творение на все времена и на любую эпоху, когда страшно. К слову, конец света Беат примерно назначил на 801 год, хотя и предупредил, что прогноз может быть неточным. Как пишет Жак ле Гофф в “Рождении Европы”, “Благодаря Беату в Европе появился первый настоящий триллер”. И действительно, работа Беата настолько поразила воображение современников, что число копий этого текста, да еще и с иллюстрациями, стремительно росло. До технологий, вроде тех, которыми пользовался Дюрер создавая свой цикл гравюр, еще далеко - тиражную печать еще не придумали, так что все делалось вручную. До наших дней дошло 35 копий этой книги, не все, конечно, полные, но зато 27 из них богато иллюстрированы. Первую книгу, скорее всего, разрисовал сам Беат, следующие рисовались под его руководством, а дальше уже более поздние художники поняли, что так можно и радостно продолжали дело, давая волю фантазии - картинки, конечно, копировались, но каждый был рад добавить чего-нибудь пугающего от себя. Лучшие мастера брались за эту работу, демонстрируя каких высот они добились в своем деле. Там еще и карта мира есть!

​Коллекцiонеръ Клуб представляет выставку «Константин Коровин. Шедевры из частных собраний». Более 40 живописных и графических работ мастера из частных собраний будет представлено в экспозиции. На первый взгляд может показаться, что о Константине Коровине известно практически все. О нем написано множество монографий, воспоминаний, научных статей, изданы альбомы его работ и наиболее полное собрание его рассказов и биографических очерков, что значительно расширило представление о его жизни как в России, так и в эмиграции. Однако, эмигрантский период творческой биографии Константина Коровина все еще остается недостаточно изученным. Связано это с запретами, в недавнем прошлом, к изучению творчества художника 1920-х – 1930-х годов из-за идеологических, цензурных аспектов. «Коллекцiонеръ Клуб» считает особенно значимым и важным продемонстрировать произведения Константина Коровина из частных собраний, в особенности произведения 1920-х – 1930-х годов, чтобы расширить знания о его творчестве. Выставка будет открыта для посещения ежедневно с 23 августа по 23 октября по адресу: улица Пречистенка 30/2 https://telegra.ph/file/4ecfef5859695de4e7568.jpg

В честь 60-летия полета Юрия Гагарина в космос:   ️Сейчас в «РОСИЗО» в Петроверигском переулке можно увидеть экспозицию «Космос как искусство».   Среди прочего на ней демонстрируется пятиметровое полотно художника-соцреалиста Бориса Окорокова, созданное в 1970 году. Картина была увезена в Польшу и вернулась обратно спустя 20 лет, когда ее передали РОСИЗО.   Пятиметровое полотно «До свидания, Земля» показали впервые за 50 лет.   ️Воссозданную историческую сцену-ракушку Александровского сада Нижнего Новгорода открыли к юбилею города. ️«Ночь кино» пройдет в Москве 28 августа.   В программу вошли фильмы, участвовавшие в конкурсных программах Берлинского, Каннского, Роттердамского и других крупных кинофестивалей последних лет.   ️Выставка номинантов премии «Инновация» проходит в Нижнем Новгороде.   ️27 августа, в кинотеатре «Художественный» можно посмотреть дебютный фильм Андрея Тарковского «Иваново детство», который он снял по рассказу Владимира Богомолова. Показ приурочен ко Дню российского кино.   https://www.theartnewspaper.ru/posts/20210823-rasB/

Гид по альбомам Massive Attack: от худшего к лучшему В этом году исполнилось 30 лет первой пластинке Massive Attack «Blue Lines» — одному из самых совершенных и влиятельных дебютов в истории популярной музыки. https://daily.afisha.ru/music/20623-gid-po-albomam-massive-attack-ot-hudshego-k-luchshemu/

"Девка" 1903 г. Филипп Андреевич Малявин Государственная Третьяковская галерея, Москва. Сложно определить точно, то ли Малявин увековечил и популяризовал во всем мире колоритный, манящий образ русской крестьянки, то ли малявинские бабы, ставшие уже именем нарицательным, обессмертили имя художника. В любом случае, подавляющее большинство наиболее впечатляющих и известных картин Малявина импрессионистским образом фиксируют самую суть, чистую эссенцию сильных, а где-то и могучих, но прекрасных в своей ошеломляющей мощи женщин из народа. В этом отношении Малявина традиционно считают последователем Цорна, который также много полотен посвящал любованию простой, дородной, первозданной красоте крестьянских девушек. И если шведский коллега Малявина предпочитал писать их ню, выдвигая на первый план эротизм деревенских нимф, то малявинские бабы – монументы во плоти, подлинные иллюстрации к классическому некрасовскому определению про горящую избу и коня на скаку. Хотя и у него проскакивают пара-тройка обнаженных селянок. Но у Малявина их нагота – скорее естественная, необходимая составляющая сюжетов, бесконечно далекая от подчеркнутой чувственности цорновских наяд. 50 оттенков красного Размеры холстов для крестьянских портретов Малявин подбирал соответствующие: в среднем метр на полтора, а то и все два, как в данном случае. В течение какого-то времени он ищет композиционное решение, которое позволит в полной мере воплотить его благоговение и трепет перед сокрушительным темпераментом женщин из русских селений, и его фирменным ракурсом становится «взгляд снизу». Благодаря этой точке зрения крестьянки будто бы вырастают из нижней части холста, нависая над зрителем доминирующими, захватывающими дух величественными статуями. Проработке нарядов своих моделей Малявин уделяет даже большее внимание, чем их лицам. В 1895 году он в первый раз изображает крестьянскую девушку в красном одеянии, и с тех пор он пускает в ход все мыслимые оттенки этого цвета, ставшего его любимым, именным красочным выбором. Что довольно логично: в старославянском языке «красный» означало «красивый», и все самые лучшие, праздничные наряды крестьянок обязательно содержали какой-либо из его тонов. Разумеется, позировать художнику они предпочитали в одеждах «на выход». Видимо, палитра красного, помимо всего прочего, предоставляла Малявину всю необходимую ему силу экспрессии. Поэтому он часто использует его и для прорисовки заднего плана портретов, буквально заливая алым заревом все полотно. На этом фоне особенно четко контрастируют дробные, мозаичные мазки сарафанных узоров, где-то даже занося Малявина на территорию художника Климта. Отменно поддается его кисти и шелковистый отлив одеяний в скупом отблеске свечи, озаряя холст мягким, деликатным сиянием. Скор на расправу Была в стиле работы Малявина еще одна черта, усиливающая его родство с заграничным коллегой-импрессионистом Цорном – небывалая скорость создания портретов с натуры. Подобно шведу, он умел выдавать готовое полотно практически за один сеанс, чем приводил в трепет свидетелей этого иллюзиона. «Когда я приехал, то застал его в мастерской вместе с четырьмя или пятью бабами, разодетыми в цветные сарафаны. Бабы ходили по мастерской, а Малявин быстро зарисовывал их движения в огромный альбом, – вспоминает художник Грабарь. – На мольберте у него стояла законченная большая картина, изображавшая баб, а у стен стояло еще несколько холстов, также с фигурами баб. Владея хорошо рисунком и чувствуя форму, Малявин позволял себе роскошь таких фокусов и трюков, на которые немногие способны. Так, картина, которая стояла у него на мольберте – три толстолицых бабы, – была начата им без рисунка и без какой-нибудь наметки композиции, прямо красками по чистому холсту, притом с глаза одной из этих баб».

Исаак Левитан "Сумерки. Стога" (1899) Это одна из последних работ Левитана. Написана в доме Чеховых, в Ялте. «В кабинете топился камин. Антон Павлович разгуливал, заложив руки за спину, и сокрушался о том, что ему, прирождённому северянину, приходится жить вдали от снега, берез и глухих лесов. Левитан попросил Марию Павловну принести картон, пристроил его в длинном углублении камина. Разговоры смолкли. Левитан писал. Когда он отошел от картона, все увидели луну, поднимающуюся за стогами. Словно сильным запахом свежего сена повеяло в комнате. Родной пейзаж. Теперь он всегда будет перед глазами Чехова, когда он поднимет их от листочков, исписанных убористым почерком. Он будет напоминать о далёкой природе севера и о несравненном художнике. Картина понравилась Чехову. Он писал о ней: "У нас Левитан. На моём камине он изобразил лунную ночь во время сенокоса. Луг, копны, вдали лес, надо всем царит луна".

Жизнь удалась В 1997 году русский художник-график, плакатист Андрей Логвин создал работу «Жизнь удалась». Жизнеутверждающий девиз чёрной икрой по фону из красной икры демонстрировал иронию над оптимизмом нового социального класса — молодой российской буржуазии или, как тогда было принято называть, «новых русских». «Жизнь удалась» традиционно можно было сказать только после окончания жизни, когда достижения, а не достаток, символизировали успешность жизни. «Новорусский период» исказил это понятие. Плакат опубликован в альбоме «Русский плакат. 100 шедевров за 100 лет». Плакат «Жизнь удалась» находится в собрании Третьяковской галереи. Искусство или нет?

Легендарный Уэс Андерсон Узнаете эти плакаты? На них изображены персонажи нового долгожданного фильма американсого режиссера. На создание этих постеров команду дизайнеров кинокомпании Searchlight Pictures вдохновила обложка альбома The Beatles. Фильм выйдет совсем скоро. Ждете? арт_новости

"Гобелен" 1901 г. Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов Государственная Третьяковская галерея.

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) — Русский и советский художник. Академик живописи ИАХ. Член Ассоциации художников революционной России. Портретист, театральный художник, декоратор. Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) was a Russian and Soviet artist. Academician of Painting and painting. Member of the Association of Artists of Revolutionary Russia. Portrait painter, theater artist, decorator.

​​️Лекционный цикл к юбилею Фёдора Достоевского продолжится в Федоровской библиотеке. ️Еврейский музей представил бесплатную публичную программу к выставке «Снег на траве». ️Внутри Северного речного вокзала появился «черный ящик» воспоминаний. Инсталляция «Комната особого назначения» Александра Бродского и группы авторов рассказывает историю строительства канала Москва — Волга. ️На съемках сериала Кристофер Уокен закрасил граффити Бэнкси. Граффити было создано специально для сериала «Нарушители». ️«Новый Иерусалим» покажет историю французской живописи глазами знаменитого русского коллекционера. 20 ноября 2021 года в музее «Новый Иерусалим» откроется выставка «Французский вкус князей Юсуповых» с живописью французских мастеров из собрания музея-усадьбы «Архангельское» Выставку представит крупнейшее частное собрание 18 – первой трети 19 века, принадлежавшее дипломату, директору Эрмитажа и Оружейной палаты князю Николаю Борисовичу Юсупову и его потомкам. Проект предлагает новый взгляд на историю коллекционирования, рассказывая об истоках этого явления в России. Фото: Франсуа Буше, Испуганная купальщица, 1736, Музей-усадьба Архангельское https://telegra.ph/file/673475e1daa6d533737fe.jpg

Борис Кустодиев "Сенокос" (1917) На картине - разгар сенокоса, в котором участвуют, в основном, женщины. Сенокос был наиболее значимым событием в каждой деревне. Хотя эта работа была достаточно тяжёлой, на неё шли, как на праздник. И бабы и мужики наряжались на сенокос в самые красивые одежды, в то время как на уборку хлеба надевали всё самое худшее. Так писал про сенокос этнограф Василий Селиванов: "Бабы и девки имеют обычай для работы в лугах надевать на себя не только чистое белье, но даже одеваться по-праздничному. Для девок луг есть гульбище, на котором они, дружно работая граблями и сопровождая работу общей песней, рисуются перед женихами." Вечером сенокосцы играли на гармонях, пели песни, молодые водили хороводы. И всё это, несмотря на напряжённый труд в течение дня. По окончании сенокоса устраивался общий праздник. Для оплаты угощения продавали часть сена, а на вырученные деньги покупали чай, баранки и водку (выпивка за счёт общины называлась "мирское"), закуску приносил каждый свою.