Назад

Альбом «Кузьма Петров-Водкин» https://t.me/+HWSliD2mT15hOGMy

Описание:
Альбом «Кузьма Петров-Водкин» https://t.me/+HWSliD2mT15hOGMy https://t.me/+HWSliD2mT15hOGMy

Похожие статьи

​​️Борис Пиотровский станет вице-губернатором Петербурга, отвечающим за...
​​️Борис Пиотровский станет вице-губернатором Петербурга, отвечающим за...
​​️Борис Пиотровский станет вице-губернатором Петербурга, отвечающим за культуру и спорт.   ️Hamburger Kunsthalle создал и выложил онлайн каталог-резоне, включающий 843 произведения знаменитого немецкого художника Макса Бекманна. ️Полезный бесплатный вебинар для родителей от Московский института психоанализа и Центра толерантности Еврейского музея «Дети, родители и киберагрессия» пройдет 21 января. ️Даниловский рынок и онлайн-галерея Sample запускают совместный проект «Новый натюрморт: искусство в эпоху доставки». ️Неизданная обложка комикса о Тинтине продана за рекордные €3,2 млн. Кто смотрел мой рассказ о японском искусстве (выше в ленте), тот помнит как отличить японского дракона от китайского. Правильно: у японского дракона три пальца. На фото дракон китайский. Обложка комикса «Приключения Тинтина» для обложки альбома «Голубой лотос» с отчетливо видимыми линиями сгиба. 1936. Фото: Hergé Moulinsart https://telegra.ph/file/5cbe1c6edc29a0490e1f2.jpg
2108 

18.01.2021 19:49

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно...
"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history
2187 

18.02.2021 21:27

"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей...
"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей Тараса Шевченко, Киев. «Крестьянская семья» Тараса Шевченко лишь на очень поверхностный взгляд может показаться незамысловатой этнографической зарисовкой. Но пусть вас не отвлекают от сути национальная одежда и украинская хата-мазанка под соломенной или камышовой крышей. На самом деле перед нами – украинская версия Holy Family, «святого семейства», один из архетипических сюжетов европейской живописи. К моменту работы над картиной Шевченко чуть менее тридцати. Всего 5 лет минуло с того момента, как он стал свободен от крепостной зависимости и смог посещать классы знаменитого Карла Брюллова в Императорской Академии художеств. Всё это время его излюбленными техниками оставались карандаш и акварель. В них он чувствует себя свободно: его карандаш остёр и точен, его акварели на редкость гармоничны по колориту. Но к масляной живописи Шевченко на первых порах боится подступиться. Масло и холст, в качестве рабочих инструментов, будто сковывают его, связывают академическими путами, лишают свободы выражения – а ведь никто не ценит свободу (в любых проявлениях и сферах) как тот, кто был её когда-то лишён. Перед началом работы над «Крестьянской семьёй» Шевченко делает массу карандашных зарисовок из украинского быта. Он много путешествует по Украине, а его дорожные альбомы переполнены эскизами. Начав, наконец, работу маслом, он отказывается от эмалевой «гладкописи» своего учителя Брюллова. Мазки Шевченко ложатся точечно, нервно. Объекты и фигуры картины лишены четких контуров. Но именно это и создаёт ощущение трепетного движения жизни. Предполагают даже, что если бы не арест и ссылка, и Шевченко смог бы, как планировал, поехать для продолжения работы в Европу, он вряд ли продолжил бы там академические традиции и, весьма вероятно, вошёл бы в круг родоначальников импрессионизма. Мы уже упоминали, что Шевченко делал не сотни - тысячи зарисовок народного быта. Почему из всего потока зрительных впечатлений он выбирает именно этот простой и незамысловатый сюжет? Ребёнок стоит в окружении своих матери и отца. Движения их рук и линии их тел образуют плавный овал – некую область безопасности, защищённости для младенца, который только-только начал ходить. Шевченко обрисовывает не конкретную бытовую ситуацию из жизни семьи – он передаёт нечто более глубокое: ощущение духовного единства, семейной общности, семьи как «малой церкви». Кто хоть немного знаком с биографией Шевченко, тот, несомненно, сможет прочесть в «Крестьянской семье» одно из самых глeбоких и интимных переживаний художника. Дело в том, что именно семьи в том самом идеальном представлении, которое он рисовал себе, Шевченко как раз не имел ни в детстве, ни во взрослой жизни. Нынешние психоаналитики уверены, что в детстве Тарас был лишён родительского внимания и любви: детские травмы отверженности будут сопровождать его на протяжении всей взрослой жизни. Семья в немного идеализированном, даже можно сказать идиллическом понимании (как вершина человеческих отношений, защита от холода внешней жизни) надолго станет его «идеей фикс». Но, в силу разных обстоятельств, способных составить захватывающий сюжет не одного романа, создать собственную семью Шевченко так и не удастся. Если уж продолжить психоаналитические аналогии, шевченковская «Крестьянская семья» - это чистой воды сублимация: воплощение в творчестве того, чего очень жаждешь, но никак не можешь получить в реальности. ТарасШевченко _history
2122 

24.02.2021 20:55

Топ 3 самых узнаваемых рок хитов

1. Nirvana — Smells Like Teen Spirit
В то...
Топ 3 самых узнаваемых рок хитов 1. Nirvana — Smells Like Teen Spirit В то...
Топ 3 самых узнаваемых рок хитов 1. Nirvana — Smells Like Teen Spirit В то время никто и подумать не мог, какую популярность обретет альбом «Nevermind» с заглавным синглом «Smells Like Teen Spirit». Песня стала самой известной гранж-композицией, принесла известность и толпы фанатов группе. 2. AC/DC — Highway to Hell Название «Шоссе в ад» породило многочисленные слухи о смысле песни. На группу посыпались обвинения в сатанизме, основанные на нескольких строчках текста и фотографии Ангуса Янга на обложке альбома, на которой он изображен с хвостом и рогами. Участники AC/DC категорически не соглашались с такой трактовкой, а Малькольм Янг даже заявил: «Моя мама убила бы меня за это!». 3. Queen — We Will Rock You Данный трек является примером того, что не обязательно играть на всех инструментах сразу, дабы создать хитовую песню. Два удара ногой, один хлопок в ладоши — такое сопровождение открывает композицию и длится до самого конца. Добавляем до этого неповторимый вокал Фредди и вуаля — хит на все времена готов.
2066 

04.03.2021 21:05

​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд

Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве», созданная примерно в 1831 году, была продана за 1,6 миллиона долларов на распродаже японских и корейских произведений искусства Christie’s. Окончательная цена в 10 раз превышает предварительную оценку в 150 тыс. долларов, которую дали эксперты аукционного дома. Сцена, ставшая «визитной карточкой» японского художника XIX века, изображает лодочников, которые борются с волнами на фоне горы Фудзи. Гравюры Хокусая с изображением волн, созданные в начале 1800-х годов, пожалуй, его самые известные работы. Они были представлены на европейском рынке в середине XIX века. К моменту создания данной работы художнику было за 70 лет, и он нуждался в деньгах. Это первый лист «36 видов Фудзи» — серии настолько популярной, что отпечатки с неё делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться. Предположительно, с оригинальных досок Хокусая было отпечатано около пяти тысяч копий. Широко признано, что мастер изобразил бессилие и незначительность человека на фоне неукротимой стихии. Мы видим рыбаков, которые плывут навстречу верной гибели, и их суденышки вот-вот разлетятся на щепки. Но есть и другое мнение. Культуролог-японист Евгений Штейнер указывает, что в японском искусстве движение в картине идет справа налево. «Соответственно, рыбачьи лодки являют собой активное начало, они двигаются и внедряются в волну, в податливое аморфное начало, а некоторые уже прошли её насквозь», — поясняет он. Предыдущий рекорд для работ Кацусики Хокусая был установлен девять лет назад. В 2002 году альбом ксилографий с видами на гору Фудзи ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s в Париже за 1,47 миллиона долларов. Сборник подавали наследники французской арт-дилера Огетты Берес. На аукционе Christie’s вместе с «Большой волной в Канагаве» была выставлена ещё одна гравюра Хокусая — «Водопад Йоро в провинции Мино». Она была куплена за 100 тысяч долларов, что в 10 раз превышает её первоначальную оценку в 10 тысяч. Там же был установлен ещё один рекорд. Свиток японского художника XVIII века Ито Дзякутю под названием «Пара журавлей и восходящее солнце» также был продан за 1,6 миллиона долларов. Это в пять раз выше его предварительной оценки в 300 тысяч долларов. Два белых журавля — символы Нового года и бессмертия в Восточной Азии. Работа принадлежала частному японскому коллекционеру и никогда ранее не продавалась на рынке. Предыдущий рекорд для творчества Дзякутю работы установлен в 2006 году. Тогда Метрополитен-музей продал на Christie’s в Нью-Йорке рукописный свиток «Наслаждение от чернил» за 441 тысячу 600 долларов, хотя первоначально его оценили в 80 тысяч долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f8bf89407ab4389f27409.jpg
2027 

21.03.2021 20:37

«Мужчина и колыбель» Иван Якимов

Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и...
«Мужчина и колыбель» Иван Якимов Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и...
«Мужчина и колыбель» Иван Якимов Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. И дело было даже не в том, что подобного рода бытовые зарисовки абсолютно не характерны для живописи XVIII века — у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая логически должна была бы лежать на полу. Да и рановато было ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно, благодаря еще одному уникальному экспонату Третьяковской галереи. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей».
1990 

29.03.2021 22:30

"Розовый натюрморт" 1918 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственная...
"Розовый натюрморт" 1918 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственная Третьяковская галерея. Натюрморты Петрова-Водкина часто напоминают рабочий стол учетчика. Каждый предмет на нем лежит отдельно, не заслоняет других, доступен для полного обзора и ждет присвоения учетного номера. Даже мелкие ягоды, привычные к роскошной, гедонистической летней насыпи в глубокую миску, у него позируют в одиночку. Яблоко - 1 штука, вишня - 1 штука. Художнику достаточно простого и лаконичного набора предметов, чтоб понять вишни вообще и яблоки вообще. Вселенную вообще. У этой внешней скудности огромные возможности - вскрыть порядок вещей. Один из учеников художника вспоминал, как Кузьма Сергеевич советовал писать предметы: «Он говорил: если ты рисуешь карандаш, лежащий на столе, твоя задача определить не только положение этого карандаша к плоскости стола, на которой он лежит, но и его отношения к стенам той комнаты, в которой находится стол, и стен этой комнаты – к мировому пространству, ибо каждая вещь, даже простой карандаш, находится в сфере мирового пространства». И тогда зачем нужна корзина яблок, если уже одно открывает все связи в пространстве и связи с прошлым и будущим. Большинство натюрмортов Петрова-Водкина написаны в течение двух лет, с 1918 по 1920. Страшное, голодное, жестокое, скупое на радости, щедрое на испытания время. Не хватает самого необходимого. Но холодные, аскетичные композиции с яйцами, спичками, черным хлебом, конечно, не о нищете конкретных лет. В эпоху торжества беспредметного и уже даже абстрактного искусства Кузьма Петров-Водкин был несвоевременно привязан к предмету. Он был уверен, что мы в повседневности невнимательны к ним, ограничиваем их декоративными или прикладными свойствами. Эта невнимательность, кстати, и приводит человека со временем к проектированию и созданию по-настоящему уродливых вещей. Но когда художник отстраняется от утилитарного и украшательского, ему открываются «силы, образующие предмет изнутри». Он чувствует вес атмосферы вокруг яблока, энергию давления чайника на поверхность стола, уникальную плотность дерева, металла или стекла. «Вскрытие междупредметных отношений дает большую радость от проникновения в мир вещей: металл, жидкость, камень, дерево вводят анализирующего в их полную жизнь. Закон тяготения из абстрактного, только познавательного становится ощутимым, в масштабе близком, простом для всякого восприятия: кол...ия встречных, пересекающихся, сходящихся и расходящихся осей предметов, как в увеличительном стекле, проделывают пред вами законы движения, сцепления и отталкиваний», - писал Петров-Водкин в книге «Пространство Эвклида», где целую главу посвятил своим первым упражнениям в написании натюрмортов и рассуждениям о драмах, которые разворачиваются от столкновения предметов в пределах картины. По сравнению с многими другими «Розовый натюрморт» густо населен, для Петрова-Водкина, можно считать, даже изобилен. И воздух в нем разрежен, прозрачен до розового. Ветка с тяжелыми яблоками легко парит над столом, выстаивает собственные формулы закона тяготения. У каждого предмета - свой угол обзора, выгодный для него, ощутимый вес и текстура. Сын сапожника и швеи, Петров-Водкин поначалу учился в Московском училище технического рисования. Но чертежи шкафов и схемы декоративных узоров ему отчаянно не давались. Суровые параллели и перпендикуляры требовали цвета, сжимались и раздувались. Учитель черчения осторожно советовал юноше двигаться в живописном направлении. Искать место предмета не в развернутом чертеже, а в пространстве вселенной. ПетровВодкин Натюрморт Модерн _history
1925 

06.04.2021 20:37


«Мужчина и колыбель».

Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель...
«Мужчина и колыбель». Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель...
«Мужчина и колыбель». Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. Дело в том, что у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая по логике должна лежать на полу. Да и рано ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. В Третьяковскую галерею левая половина картины поступила после распродажи коллекции Павла Петровича Тугого-Свиньина. Ему принадлежал так называемый «Русский музеум» — коллекция живописи, скульптуры и антиквариата. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей», где собраны рисунки с большей части картин, входивших в коллекцию Свиньина.
1759 

17.05.2021 21:15

"Клоунесса Ша-Ю-Као" 1896 г. Анри де Тулуз-Лотрек Метрополитен-музей...
"Клоунесса Ша-Ю-Као" 1896 г. Анри де Тулуз-Лотрек Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В 1896 году Тулуз-Лотрек задумал альбом литографий, который оказался одним из самых провальных прижизненных проектов художника, который Амбруазу Воллару приходилось разделять на отдельные листы, чтоб хоть как-то продать, и за экземпляр которого современные коллекционеры отдали бы полцарства. Тираж был достаточно большим – 100 пронумерованных экземпляров с личной подписью Лотрека на каждом листе. Но для любителей фривольных картинок альбом «Они» оказался недостаточно пикантным, а для любителей искусства – недостаточно красивым. Здесь не было портретов звездных певиц и танцовщиц, которые могли бы привлечь хотя бы их поклонников. Среди изображений безымянных тружениц публичных домов оказалась только одна звезда, клоунесса Нового цирка и танцовщица кабаре Оллера – мадемуазель Ша-Ю-Као. Ша-Ю-Као восхищала Лотрека и была одной из любимых моделей. Он рисовал ее долго и много, чаще всего именно в сценическом клоунском наряде. Уверенная, свободная и искренняя, Ша-Ю-Као выбрала профессию клоуна, в которой даже во времена победившего феминизма встретишь немного представительниц женского пола, а в XIX веке это был тем более исключительно смелый выбор для дамы. Ни от кого не скрывала клоунесса и своих лесбийских наклонностей, чем привлекала Лотрека еще больше. «Женщина, влюбленная в другую – самое безумное существо», - говорил художник и с восторгом писал это безумие. Проститутки, лесбиянки, танцовщицы, исполняющие фривольные танцы и выставляющие напоказ сразу все части тела, певицы и клоунессы – все эти женщины полусвета, выброшенные за пределы приличного мира, участвовали вместе с Тулуз-Лотреком в рождении совершенно нового типа привлекательности и красоты в искусстве. В чулках, колпачках, перчатках, корсетах, смешных воротниках, в гриме и без, в смешных и неестественных позах они себе редко по-женски нравились на картинах Лотрека, но всецело доверялись его чутью и таланту. Он умудрялся в их часто гротескных портретах передавать такую внутреннюю силу и особость, которая была лестнее внешней красивости. Ша-Ю-Као на этом портрете уставшая и отрешенная, позволяет себе просто быть уставшей, не заботясь о красивой позе и выгодном повороте головы. Эта литография открывала альбом «Они», который изначально должен был называться «Проститутки» и который Лотрек переименовал, утверждая, что женщины одинаково прекрасны, в аристократических салонах или в домах терпимости, на сцене или за кулисами. ТулузЛотрек Постимпрессионизм _history
1773 

29.05.2021 20:56

"Похищение Европы" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственная...
"Похищение Европы" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственная Третьяковская галерея, Москва. Наряду с «Идой Рубинштейн», «Похищение Европы» представляет блеск и славу «позднего» Серова. Серова-модерниста. Серова-«парижанина», переживающего непростой «роман» с Матиссом. Серова, ищущего новых горизонтов. Серова, все заметнее предпочитающего стилизацию психологической (и какой-либо еще) достоверности, а матовое благородство темперы – витальности масляных красок. Нетронутое «декадентским тленом», оно было принято современниками куда более сочувственно, чем многострадальная «Ида». Сплавив древний миф с модернистской традицией, Серов создал энергичный, стремительный, светлый по интонации шедевр. Изысканная простота линий, снайперски сдержанная палитра, ритм, драйв, порода, стать – кажется, это было написано быстрой, не ведающей сомнений кистью. Обманчивое ощущение. Серов работал над «Похищением Европы» три года, сделал как минимум шесть вариантов картины и, похоже, ни один из них не успел окончить. Идея «Похищения» созрела у него во время путешествия в Грецию, где он побывал вместе с Львом Бакстом в 1907 году. Друзья посетили Парфенон, отплыли на Крит, следуя примерно тем же маршрутом, что и принявший облик быка Зевс, пережили катарсис на руинах Кносского дворца. Казалось бы, здесь Серов увидел все, что могло ему потребоваться для работы – он даже видел повозку, запряженную парой белоснежных быков, которую тотчас зарисовал в свой походный альбом. Ничуть не бывало: греческие быки показались художнику недостаточно благородными и могучими. Он искал особь подходящих габаритов в Испании - превозмогая дурноту, ходил на корриду и все равно вернулся ни с чем. Удача улыбнулась ему в Италии: кто-то посоветовал Серову прокатиться в деревушку Орвиетто, славившуюся быками эпических пропорций. Теперь у Серова был Зевс, но не было Европы. Он повстречал ее в Париже, в мастерской знакомого художника Николая Досекина. После того как был решен вопрос с натурщицей, оставалось найти подходящее море. Когда-то в Домотканове Серов надумал писать картину «Русалка». Живописных прудов там было хоть отбавляй, а вот русалки – как назло – ему не встречались. Валентин Александрович перепробовал все: краснея, просил кузин взять его с собой «на купания», заставлял позировать в пруду мальчиков из местных крестьян и даже окунал в воду гипсовую голову Венеры – все напрасно, русалка так и осталась ненаписанной. Обладая нечеловеческой наблюдательностью, Серов никогда не полагался на воображение - его вдохновляла только натура. Так что волны для «Похищения Европы» он подсмотрел в Италии, а еще в Биаррице. Чтобы написать море – условное символичное море, которое только ленивый не сравнивал с горностаевой королевской мантией – ему было нужно, чтобы за окнами ревел Атлантический океан. Греческие впечатления. Итальянский бык. Парижская натурщица. Над всем этим художник работал на своей даче в Финляндии. В 1910 он сделал то, что в полной мере не удавалось ни испанскому королю Карлу V, ни Европейскому совету. Серов не похищал Европу, подобно Зевсу. Он собрал ее по кусочкам и сложил в единую величественную, радующую сердце и глаз картину. ВалентинСеров МифологическаяСцена Модерн _history
1699 

05.06.2021 20:37

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов

В...
​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В...
​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg
1655 

23.06.2021 21:36

​Коллекцiонеръ Клуб представляет выставку «Константин Коровин. Шедевры из...
​Коллекцiонеръ Клуб представляет выставку «Константин Коровин. Шедевры из...
​Коллекцiонеръ Клуб представляет выставку «Константин Коровин. Шедевры из частных собраний». Более 40 живописных и графических работ мастера из частных собраний будет представлено в экспозиции. На первый взгляд может показаться, что о Константине Коровине известно практически все. О нем написано множество монографий, воспоминаний, научных статей, изданы альбомы его работ и наиболее полное собрание его рассказов и биографических очерков, что значительно расширило представление о его жизни как в России, так и в эмиграции. Однако, эмигрантский период творческой биографии Константина Коровина все еще остается недостаточно изученным. Связано это с запретами, в недавнем прошлом, к изучению творчества художника 1920-х – 1930-х годов из-за идеологических, цензурных аспектов. «Коллекцiонеръ Клуб» считает особенно значимым и важным продемонстрировать произведения Константина Коровина из частных собраний, в особенности произведения 1920-х – 1930-х годов, чтобы расширить знания о его творчестве. Выставка будет открыта для посещения ежедневно с 23 августа по 23 октября по адресу: улица Пречистенка 30/2 https://telegra.ph/file/4ecfef5859695de4e7568.jpg
1393 

24.08.2021 18:16


"Девка" 1903 г. Филипп Андреевич Малявин Государственная Третьяковская галерея...
"Девка" 1903 г. Филипп Андреевич Малявин Государственная Третьяковская галерея, Москва. Сложно определить точно, то ли Малявин увековечил и популяризовал во всем мире колоритный, манящий образ русской крестьянки, то ли малявинские бабы, ставшие уже именем нарицательным, обессмертили имя художника. В любом случае, подавляющее большинство наиболее впечатляющих и известных картин Малявина импрессионистским образом фиксируют самую суть, чистую эссенцию сильных, а где-то и могучих, но прекрасных в своей ошеломляющей мощи женщин из народа. В этом отношении Малявина традиционно считают последователем Цорна, который также много полотен посвящал любованию простой, дородной, первозданной красоте крестьянских девушек. И если шведский коллега Малявина предпочитал писать их ню, выдвигая на первый план эротизм деревенских нимф, то малявинские бабы – монументы во плоти, подлинные иллюстрации к классическому некрасовскому определению про горящую избу и коня на скаку. Хотя и у него проскакивают пара-тройка обнаженных селянок. Но у Малявина их нагота – скорее естественная, необходимая составляющая сюжетов, бесконечно далекая от подчеркнутой чувственности цорновских наяд. 50 оттенков красного Размеры холстов для крестьянских портретов Малявин подбирал соответствующие: в среднем метр на полтора, а то и все два, как в данном случае. В течение какого-то времени он ищет композиционное решение, которое позволит в полной мере воплотить его благоговение и трепет перед сокрушительным темпераментом женщин из русских селений, и его фирменным ракурсом становится «взгляд снизу». Благодаря этой точке зрения крестьянки будто бы вырастают из нижней части холста, нависая над зрителем доминирующими, захватывающими дух величественными статуями. Проработке нарядов своих моделей Малявин уделяет даже большее внимание, чем их лицам. В 1895 году он в первый раз изображает крестьянскую девушку в красном одеянии, и с тех пор он пускает в ход все мыслимые оттенки этого цвета, ставшего его любимым, именным красочным выбором. Что довольно логично: в старославянском языке «красный» означало «красивый», и все самые лучшие, праздничные наряды крестьянок обязательно содержали какой-либо из его тонов. Разумеется, позировать художнику они предпочитали в одеждах «на выход». Видимо, палитра красного, помимо всего прочего, предоставляла Малявину всю необходимую ему силу экспрессии. Поэтому он часто использует его и для прорисовки заднего плана портретов, буквально заливая алым заревом все полотно. На этом фоне особенно четко контрастируют дробные, мозаичные мазки сарафанных узоров, где-то даже занося Малявина на территорию художника Климта. Отменно поддается его кисти и шелковистый отлив одеяний в скупом отблеске свечи, озаряя холст мягким, деликатным сиянием. Скор на расправу Была в стиле работы Малявина еще одна черта, усиливающая его родство с заграничным коллегой-импрессионистом Цорном – небывалая скорость создания портретов с натуры. Подобно шведу, он умел выдавать готовое полотно практически за один сеанс, чем приводил в трепет свидетелей этого иллюзиона. «Когда я приехал, то застал его в мастерской вместе с четырьмя или пятью бабами, разодетыми в цветные сарафаны. Бабы ходили по мастерской, а Малявин быстро зарисовывал их движения в огромный альбом, – вспоминает художник Грабарь. – На мольберте у него стояла законченная большая картина, изображавшая баб, а у стен стояло еще несколько холстов, также с фигурами баб. Владея хорошо рисунком и чувствуя форму, Малявин позволял себе роскошь таких фокусов и трюков, на которые немногие способны. Так, картина, которая стояла у него на мольберте – три толстолицых бабы, – была начата им без рисунка и без какой-нибудь наметки композиции, прямо красками по чистому холсту, притом с глаза одной из этих баб».
1351 

02.09.2021 19:37

"Сон" 1910 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственный Русский музей...
"Сон" 1910 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. «Сон» Кузьмы Петрова-Водкина поднял в Петербурге волну отчаянных споров, которые не утихали несколько лет. Илья Репин был оскорблен картиной настолько, что написал письмо в редакцию газеты «Биржевые ведомости», поместил юного выскочку в позорную компанию с Гогеном и Матиссом и обвинил в рабском подражании западным влияниям. Псевдонимы, анонимы, насмешники один за другим публиковали статьи и сыпали остротами: «…кирпичный юноша спит, а перед ним стоят две женщины - одна лилового цвета, другая тоже кирпичного. Бедный, когда он проснется!» Александр Бенуа не считал картину лучшей, но ценил в ней цветовой аккорд. Споры постепенно перемещались с фигуры молодого художника и его скандальной картины на разговоры об искусстве вообще и об искусстве в России. А Петров-Водкин понимал, что каждая новая работа, которую он теперь решится представить публике, будет пристально высматриваться из обоих враждующих лагерей. Можно не сомневаться, дозорные глаз не сводят и оповестят о любом признаке художественного неспокойствия. И каждый писавший о «Сне», конечно, пытался его трактовать в символическом ключе. Безжизненный, опустошенный пейзаж с тревожным вулканом, фигура юноши, спящего в страшно неудобной позе прямо на голых камнях, две обнаженные женские фигуры, очевидно отличающиеся выражением лиц, поз, наконец, цветом кожи. Истоки композиции находили в «Сне рыцаря» Рафаэля - и это не случайное направление поиска. Петров-Водкин успел насмотреться на живопись итальянского Возрождения, пожить в Париже, дослушать «усталые, прекрасно начатые, песни Гогена и Сезанна», успел поучиться в Мюнхене с Кандинским, успел, наконец, разозлиться на все Дворцы искусств, которые так ловко оторвали его от земли и унесли в умозрительные поиски. Молился в ночной африканской пустыне о том, чтоб вселенная приняла его назад, раскрыла глаза и сердце для своих тайн. Вернувшись из художественных и мистических паломничеств, Петров-Водкин и пишет почти сразу «Сон». И с его слов, скорее всего, Александр Бенуа будет объяснять смысл сюжета так: «На обновленной земле спит человеческий гений, поэтическое сознание. Пробуждение его стерегут две богини, вечно сопутствующие творчеству. Розовая, юная, робкая, болезненная Красота и крепкое, смуглое, здоровое Уродство. В их объятиях, в их общении гений найдет полноту понимания жизни, смысл вещей». Это толкование стало каноническим - до такой степени, что данное самим художником объяснение критики считают выдумкой и позднейшей мистификацией. Говорят, придумал Петров-Водкин, талантливый литератор, картине пророческий смысл задним числом. Неудивительно, что после потрясений войны и революции художнику смысл картины казался совсем другим: он уже видел в собственной юношеской работе моральный и политический анабиоз, паралич, в котором пребывало общество после 1905 года, состояние ожидания, застоя, оцепенения. Символическая, философская картина, не связанная названием с именами действующих лиц, и не должна трактоваться однозначно. В ней возможны все смыслы, которые отыщет критик и зритель - произведение живое, меняется и откликается на эмоции и переживания новых людей, доживших до пророческих перемен. Любое предрассветное состояние, любое крепкое забвение, бездействие накануне пробуждения и обретения истины, полноты мира, неизбежно сложного выбора - все подойдет. ПетровВодкин Модерн _history https://t.me/pic_history2/224
1038 

22.11.2021 22:16

Иллюстрации Дэмиена Хёрста для альбома Дрейка появились в NFT

Британский...
Иллюстрации Дэмиена Хёрста для альбома Дрейка появились в NFT Британский...
Иллюстрации Дэмиена Хёрста для альбома Дрейка появились в NFT Британский художник Дэмиен Херст, который недавно разработал обложку альбома Дрейка «Certified Lover Boy», объявил, что превращает ее в 10 000 NFT Ethereum. Согласно Decrypt, те, кто является держателем коллекции The Currency Херста, которая была запущена этим летом, получили новые NFT бесплатно. NFT под названием «Большие надежды» не были выставлены на публичную продажу. Херст объяснил в серии из десяти твитов, почему он так поступил, заявив: «Все, что сделано хорошо — это искусство. При поддержке и благословении Дрейка я создал этот бесплатный подарок на День Благодарения для всех владельцев Currency NFT; он основан на обложке альбома, которую я сделал для Дрейка». Каждая из 10 000 частей NFT соответствует обложке с эмоджи 12 беременных женщин. арт_новости
1008 

29.11.2021 13:47


​Что такое аукционы? Это мир Фаберже, Пушкина, Лермонтова, Розалии Рабинович...
​Что такое аукционы? Это мир Фаберже, Пушкина, Лермонтова, Розалии Рабинович...
​Что такое аукционы? Это мир Фаберже, Пушкина, Лермонтова, Розалии Рабинович, Коронации Александра III и других необычных лотов, которые может позволить себе и начинающий собиратель, и коллекционер со стажем. Книжные редкости и предметы искусства будут представлены 8 и 10 декабря на торгах аукционного дома Книжная Полка Украшением коллекции аукциона стало собрание сочинений А.С. Пушкина, вышедшее сразу после смерти поэта старанием его друзей и Николая I в 1838 году, а также посмертное издание стихотворений 1842-1844 годов не менее великого поэта М.Ю. Лермонтова. Еще одна редкость в мире букинистики - альбом “Описание Коронации Их Величеств Императора всея Руси Александра III и императрицы Марии Федоровны в 1883 году”, в котором поминутно описывается восшествие на престол нового монарха. Издание было выпущено небольшим тиражом и предназначалось исключительно для членов императорской фамилии и представителей правящих династий европейских монархий. Эти и другие лоты можно приобрести на очных и онлайн торгах 8 декабря в 20:00 Декоративное искусство, живопись и графика: здесь представлены карманные часы в фирменном футляре швейцарской фирмы Patek Philippe & Co, ложка Фаберже 1908-1917 годов, украшения религиозного толка, в частности архиерейские панагии Патриарха Пимена 1970-1980-х годов. В преддверии новогодних праздников и Рождества, в каталог вошли необычные елочные украшения с советской символикой “Серп и молот” и “Звезда” 1930-1950-х годов. Коллекцию дополняет подборка живописных и графических произведений. Здесь представлены серии рисунков Розалии Рабинович, например, эскиз плаката “10 лет без Ильича” 1934 года и полотно “Привал” 1975 года кисти Р.Д Зеньковой. Аукцион декоративно- прикладного искусства, живописи и графики состоится 10 декабря в 20.00 как в очном формате по адресу и онлайн. https://telegra.ph/file/9cd1f3ab037991b646c1d.jpg
971 

07.12.2021 20:18