Назад

"Берег Сены близ Аржантея" 1874 г. Эдуар Мане Собрание Кристабел, леди...

Описание:
"Берег Сены близ Аржантея" 1874 г. Эдуар Мане Собрание Кристабел, леди Аберконуэй, Лондон. _history

Похожие статьи

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента...
"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history
4063 

19.02.2021 20:36

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по...
Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.
4015 

16.02.2021 12:57

В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению...
В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению эмоционального содержания живописных полотен. В связи с этим повысилась роль света и цвета в картине. В творчестве Арта ван де Нера эти новые черты можно проследить наиболее отчётливо. Перед вами одно самых известных полотен в наследии мастера - «Пейзаж с мельницей». В Эрмитаже хранится 11 работ ван дер Нера, и более половины из них - это вариации с лунным освещением. Подобную разновидность жанра в голландскую живопись художник ввёл впервые. Но и в пейзажах с солнечным светом художник отдавал предпочтение вечеру или утру, когда окрашенная световоздушная среда позволяла ему создавать эффектные закаты и восходы. Мирное противоборство отблесков светила, которое только что скрылось позади мельницы за горизонтом, с сумерками, что окутали речную долину с заболоченными берегами, не даёт ощущения драматической битвы. «Пейзаж с мельницей» - это мирный отход ко сну утомившихся за день человека и природы. Свет присутствует везде, даже в самых глубоких тенях. Ноктюрны, которые писал ван дер Нер, не были слишком популярны у современников. Таинственные чары ночи и волшебное обаяние сумерек по достоинству были оценены значительно позже, в эпоху романтизма.
4033 

13.02.2021 14:01

Исаак Левитан - Тихая обитель (1890)

Впрочем, если даже говорить только о...
Исаак Левитан - Тихая обитель (1890) Впрочем, если даже говорить только о...
Исаак Левитан - Тихая обитель (1890) Впрочем, если даже говорить только о пейзажах, трудно обойти вниманием удивительную разнообразность техник и материалов, которыми работал мастер: акварели, уголь, пастель, масло… На полотнах встречается строго реалистическая манера, близкая к Шишкину («Лесистый берег. Сумерки»), («У омута») и куиндживская игра со светом («Последние лучи солнца. Осиновый лес»), («Вечерние тени»), романтический лёгкий пафос Лагорио («Крымский пейзаж») и околоимпрессионистские эксперименты («Туман над водой»), («Осенний пейзаж с церковью»). Это ненавязчивое разнообразие не даёт зрителю заскучать, словно тот смотрит выставку не одного, а десяти мастеров и, конечно же, говорит об огромной одарённости, жажде творческого поиска.
4043 

04.02.2021 01:35


«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с...
«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с...
«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с «Московским двориком» и «Бабушкиным садом» они составляют своего рода трилогию, элегическое повествование о доживающих свой век дворянских усадьбах. Всё так узнаваемо, что, кажется, даже нечего к написанному Поленовым и добавить – любые слова будут излишни. Вот старый пруд с заиленным дном. Он давно не чистился и «цветёт»: вода у берегов затянута ряской, а ближе к центру водоёма – покрыта кувшинками. Заросли камышей наступают, отвоёвывая территорию у купальщиков. Заброшенный парк с серебристым тополем у мостков и наклонившимися к воде дубами – одичал и разросся. Красноречивая деталь: доски ветхих мостков побелели от долгого использования и частого хождения. Должно быть, когда-то мостки вели к купальне, где было шумно и весело, а сейчас уже никуда не ведут: небольшой песчаный пляж окончательно зарос травой. Одних только школьных сочинений, не говоря об искусствоведческих эссе, сколько написано о мечтательной грусти и молчаливом вел
4021 

08.02.2021 12:11

«Пруд с кувшинками (Японский мостик)» 1899г.

Картина написана в сине-зеленых...
«Пруд с кувшинками (Японский мостик)» 1899г. Картина написана в сине-зеленых...
«Пруд с кувшинками (Японский мостик)» 1899г. Картина написана в сине-зеленых тонах и производит умиротворяющее впечатление. На первом плане мы видим заросшую гладь пруда. В воде отражаются осока и деревья, которые растут на берегу. Они же видны на заднем плане. Изящный мостик в стиле Хокусая визуально делит полотно на две части. Он и в тени, и освещен солнцем одновременно. Мостик напоминает о присутствии человека в этой идиллической картине. По нему хочется пройтись, полюбоваться на открывшийся вид. Водная гладь создает перспективу, уводя взгляд к заднему плану. Там глубину создают густые деревья. Они вместе с травой раздвигают пространство ввысь своими вертикальными линиями. Этот контраст находит повторение в отражении на воде - между крупными блоками горизонтальных кувшинок, художник пишет небольшими вертикальными мазками отражение деревьев и травы в воде. Благодаря такому приему, в картине чувствуется простор, и есть ощущение воздуха, несмотря на ее небольшие размеры.
4065 

19.02.2021 10:40

«Вечерний пейзаж с телегой» 1630-1640гг. Питер Пауль Рубенс

К последнему...
«Вечерний пейзаж с телегой» 1630-1640гг. Питер Пауль Рубенс К последнему...
«Вечерний пейзаж с телегой» 1630-1640гг. Питер Пауль Рубенс К последнему десятилетию жизни Рубенса относится небольшой «Вечерний пейзаж с телегой». Пейзаж раскрывает скромную, незаметную красоту, присущую природе в ее обычном, хочется сказать «повседневном», состоянии. Рубенс изображает прозрачный перелесок на берегу ручья, когда деревья озарены золотисто-розовыми лучами заходящего солнца. Их пышные, но легкие, местами прозрачные кроны, крепкие и стройные стволы окутаны этим сиянием, как фантастически прекрасным нарядом. Конечно, фантазия художника опирается на воспоминания об увиденном в самой жизни, на впечатления от реальной природы. Но Рубенс, однако, не ограничивается ими. Он усиливает во много раз поэтическое очарование увиденного, возводя его в мир искусства.
4086 

20.02.2021 10:40

Париж, д'Орсе 1907 год стал..." />
"Заклинательница змей" Анри Руссо, 1907 > Париж, д'Орсе 1907 год стал...
"Заклинательница змей" Анри Руссо, 1907 > Париж, д'Орсе 1907 год стал переломным в творчестве многих французских художников – весной в Париже проходила выставка африканской скульптуры. Африканские мотивы стали проскальзывать в работах именитых мастеров. Осенью того же года Анри Руссо заканчивает работу, которую называет «Заклинательница змей». Лунной ночью на берегу реки женщина играет на свирели, призывая змей. Она обнажена, глаза широко раскрыты, длинные черные волосы распущены и опускаются до самых колен. По легенде о Мамми Вате (африканской повелительнице вод) для исполнения желания нужно призвать змею и суметь выдержать её взгляд. Неслучайно рядом с заклинательницей появляется розовая колпица, как олицетворение мечты. Одно неверное движение и змеи накинутся на птицу. Страхи могут уничтожить даже самую заветную мечту.
4029 

19.01.2021 12:11

Санкт-Петербург, Русский..." />
"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский...
"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский музей Величие и красота природы Крыма неизменно восхищали Куинджи. Особое пристрастие художник питал к тем явлениям, изображая которые он мог бы передать на холсте эффекты природного освещения. Ряд произведений в творчестве живописца посвящен закатному солнцу и пылающему от его лучей небу. Здесь Куинджи изображает расплывающийся в туманном воздухе желтый солнечный шар, опускающийся в море, яркие лучи и насыщенные пурпурными красками небеса, раскинувшиеся над зимним морским берегом. Для неба, морского побережья и самого зимнего моря, освещенного закатными солнечными лучами, художник использует форсированную цветовую гамму, в которой сочетаются оранжево-красные, фиолетовые и темно-зеленые тона. Сочетания красок, построенные на цветовом контрасте, можно было бы посчитать нереальными, если не знать, насколько трепетно мастер относился к природным тонам и сколько он прилагал усилий, чтобы как можно точнее перенести их на холст или бумагу.
4068 

06.02.2021 00:31


«Крещение Христа» 1472—1475гг. Андреа Верроккьо, Леонардо да Винчи

Будучи...
«Крещение Христа» 1472—1475гг. Андреа Верроккьо, Леонардо да Винчи Будучи...
«Крещение Христа» 1472—1475гг. Андреа Верроккьо, Леонардо да Винчи Будучи прежде всего скульптором, Андреа Верроккьо выполнял живописные заказы с перерывами, вследствие чего одну из своих картин - «Крещение Христа» - никак не мог закончить. Он попросил довершить начатое своего ученика Леонардо да Винчи. На картине изображено крещение Иисуса Иоанном Крестителем на берегу реки Иордан. Центральные фигуры и ангел справа уже были написаны в типичной для Верроккьо манере - суховатой, с изысканными силуэтами фигур. Леонардо изобразил ангела, стоящего слева, но использовал не темперу, как учитель, а масляные краски, сохнущие дольше и позволяющие передать мягкую светотень, окутать образ легкой дымкой. Так родилась ставшая потом знаменитой леонардовская техника «сфумато». Художник написал и часть пейзажа позади ангелов, основой для которой послужил сделанный им рисунок с изображением долины реки Арно. Работа молодого живописца поразила Верроккьо и стала так популярна, что с этой группы ангелов выполняли копии.
3979 

08.03.2021 10:40

«Героический пейзаж с рыбаками» 1818г. Теодор Жерико

В представленной работе...
«Героический пейзаж с рыбаками» 1818г. Теодор Жерико В представленной работе...
«Героический пейзаж с рыбаками» 1818г. Теодор Жерико В представленной работе мы видим группу рыбаков на извилистой, неширокой речке. Природа вокруг достаточно экзотична - неровные линии скал, античная архитектура на заднем плане, пальмы на берегу. Всё это напоминает итальянские декорации. Полураздетые мужчины пытаются вытащить лодку с мелководья. Трое из рыбаков отчаянно тянут вперёд (словно репинские бурлаки), ещё двое толкают с кормы. Жерико изображает свою историю в свете закатного солнца. Но даже в этом не совсем ярком вечернем освещении можно заметить как напряжены мускулистые тела героев в отчаянной борьбе с капризной рекой. Динамизм и движение полотну придают не только активно действующие люди, но и фон — серебристая вода, небо с бегущими облаками. Нельзя не отметить то, насколько роскошно Жерико написал здесь небеса. Облака, принимающие окрас от дымчато-белых до насыщенно-сизых, распластались по всему небу, заполняя простор. Акценты Жерико умело расставляет световыми пятнами.
4008 

12.03.2021 10:40

S/S Bauta
1956
Фриденсрайх Хундертвассер
Бумага, Акварель
Частное собрание...
S/S Bauta 1956 Фриденсрайх Хундертвассер Бумага, Акварель Частное собрание...
S/S Bauta 1956 Фриденсрайх Хундертвассер Бумага, Акварель Частное собрание, Вена Картина австрийского художника со сложно произносимой фамилией. В 1956 году Хундертвассер провёл некоторое время в Швеции. Летом работал грузчиками на S/S Bauta - не простом судне. Судно было эстонским, ходило под либерийским флагом. Экипаж S/S Bauta, состоял из эстонцев, латышей, литовцев, поляков, отказался возвращаться в свои родные страны, однако ни одно государство не приняло их. К тому моменту, когда на корабль нанялся Хундертвассер, моряки уже более десяти лет не сходили на берег. Обстановка на борту была тяжёлой: члены экипажа, потерявшие надежду обрести дом, спивались, завязывали драки, некоторые из них стали убийцами. По воспоминаниям Хундертвассера, члены экипажа, напившись, гонялись за ним по кораблю с обрезками арматуры, и он не успевал прятался. Как подчёркивает исследователь творчества Хундертвассера Гарри Ранд, мирная картина совершенно не отражает реальной действительности на борту S/S Bauta.
3953 

18.03.2021 17:27

«Лодки у берегов Нормандии» 1823-1824гг. Ричард Паркс Бонингтон

Ричард...
«Лодки у берегов Нормандии» 1823-1824гг. Ричард Паркс Бонингтон Ричард...
«Лодки у берегов Нормандии» 1823-1824гг. Ричард Паркс Бонингтон Ричард Бонингтон - английский художник-пейзажист. «Лодки у берегов Нормандии» - одно из лучших реалистических произведений живописца, не лишенных при этом определенного романтического настроения. На небольшой картине изображен отлив у подножия меловых скал. Море отошло, обнажив дно небольшой гавани. В неустойчивом положении находятся баркасы, а запряженная лошадьми тяжелая повозка, около которой суетятся люди, почти въехала в море. В противоположность им легкие суда свободно скользят по воде у самого горизонта. Небо в работе особенное - просвечивающее через дымку тумана. Ярким солнцем освещены утесы, обрывающиеся в море. В отличие от многих художников, любивших изображать бури и шторма, Бонингтону нравилось писать обычное, спокойное состояние водной стихии и природы.
3918 

20.03.2021 10:40

"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский...
"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Распространено мнение, что Серебрякова изобразила здесь саму себя. На самом деле ей позировала сестра Катя, с которой они были очень похожи. Стиль портрета определяют как неоклассицизм. Мы видим возврат к красоте и гармонии тела и свойственное, пожалуй, всем ню Серебряковой слияние чувственности и невинности, свежести, естественности. Зинаида Серебрякова, по сути, первая в России смело вернулась к изображению женского тела не как способа выражения неких живописных тенденций или «учебного пособия», а как источника красоты, проявления красоты, самоценного эстетического объекта. Женское тело у Серебряковой приобретает самостоятельное значение, а не выражает некие идеи. Купальщица – очень красивая женщина, с чуть раскосыми глазами – изображена в естественной, непринужденной позе на берегу реки среди густой зелени. Контраст прохладной зелени и золотистого молодого тела смягчен белоснежной драпировкой. Очень характерное, запоминающееся лицо у девушки: немного лукавый взгляд, легкий поворот головы, полуулыбка, выбившиеся прядки волос. При кажущейся «классичности» сюжета, картина оставляет впечатление сиюминутности и неповторимой естественности. Сама Серебрякова так поясняла любовь к ню: «просто потому, что хорошо человеческое юное и чистое тело». Со временем написанная ею обнаженная натура стала цениться куда выше, чем было при жизни художницы. К примеру, картина «Спящая девочка» была продана за 500 долларов в 1923 году на американской выставке русских художников. А в июне 2015 года на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел эту картину за 5,9 млн долларов при эстимейте 600–900 тысяч долларов, что на тот момент стало рекордной ценой на работы Серебряковой. ЗинаидаСеребрякова Модерн _history
3909 

25.03.2021 21:37

"Русалки" 1879 г. Константин Егорович Маковский Государственный Русский музей...
"Русалки" 1879 г. Константин Егорович Маковский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Константин Маковский, Илья Репин и Иван Крамской в 1870-е годы написали каждый своих «Русалок». Объединяет картины не только сюжет и название, но и тот факт, что всем этим художникам пришлось выслушать много нелестных слов в свой адрес. Народнические настроения передвижников, с которыми все трое были связаны, требовали иных сюжетов. Русалки Крамского – бледные утопленницы, словно в саванах, вышедшие на берег лунной ночью. Художник признавался, что сюжет картины навеян повестью Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». Репин показал своих русалок в парижской картине «Садко». У него это нарядные экзотические дамы. Совсем иные русалки Константина Маковского. Обнаженные, прекрасные, свившие телами чувственный вихрь, взлетающий к небесам и скрывающийся в лунном свете. Справа на пригорке видны церковные купола, но русалочий обнаженный «мост» в другую сторону движется. Похоже, что и здесь не обошлось без Гоголя! Впрочем, чары русалок звучат и в русских народных сказках, попали под их власть и Пушкин, и Жуковский, и многие другие художники, поэты, писатели. Картину эту Константин Маковский писал в поместье со странным для современного уха названием Загоны, расположенной на границе Черниговской и Полтавской губерний, вблизи знаменитой Диканьки. Перед нами воспетая Гоголем прекрасная украинская ночь. Луну не видно, но она предполагается за деревьями – небо вокруг нее светлое. Лунный луч скользит по груди сладострастно изогнувшейся русалки на переднем плане. Она сидит на перекинутом через речку стволе дерева. Кстати, в русском фольклоре у русалок хвостов нет. А самая «интернациональная», пожалуй, черта русалок – это длинные волосы. Красавицы Маковского тоже длинноволосы все как одна. Здесь нет ни страха, ни дидактики – лишь наслаждение поэтикой народных преданий, любование удивительно гармоничными телами нечистой, но до чего же манящей силы. КонстантинМаковский Академизм МифологическаяСцена _history
3907 

29.03.2021 20:37

«Раздолье» 1944г. Александр Дейнека

«Раздолье» Дейнека начал писать еще в...
«Раздолье» 1944г. Александр Дейнека «Раздолье» Дейнека начал писать еще в...
«Раздолье» 1944г. Александр Дейнека «Раздолье» Дейнека начал писать еще в довоенные годы, но закончил ее в 1944 году. В этой работе автор удачным образом сочетает пейзаж и жанр спорта. Общее впечатление, как будто ухвачен «стоп-кадр», момент, когда группа девушек, выбегая снизу с берега, пробегает мимо автора и веселой шумной стайкой исчезает справа. Они красивы, стройны, со спортивными фигурами, которые вырисовываются под влажной после купания одеждой. Вся картина наполнена динамикой и молодым задором. Ощущение простора создает великолепный пейзаж с его березками и елями, водной гладью и облаками, стогами сена и песчаными берегами. Учитывая, что картина написана в военном 1944 году, можно только предположить, сколько художник внес в нее своих воспоминаний о той предвоенной, мирной, светлой жизни, сколько желания скорейшей победы, что и произведение получилось запоминающимся, солнечным, ярким, заполняющим каждую клеточку души счастьем.
3891 

30.03.2021 10:40

"Пейзаж с красными деревьями" 1906 г. Морис де Вламинк Национальный центр...
"Пейзаж с красными деревьями" 1906 г. Морис де Вламинк Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Известный парижский галерист Амбруаз Воллар к моменту создания пейзажа «Красные деревья» уже посетил мастерскую Вламинка и скупил множество его картин. Художник воодушевлен, полон идей и жизненных сил. Лето 1906 года нередко называют самым плодотворным и успешным периодом его творчества. Он работает в окрестностях Шату на берегу Сены, где вместе с Дереном снимает мастерскую. «Только киноварь могла передать ярчайший красный цвет черепичных крыш на противоположном склоне. Оранжевый цвет земли, жесткие и резкие цвета стен и зелени, ультрамарин и кобальт неба гармонировали между собой до непристойности в чувственном и мелодичном порядке», – так художник описывал работу над пейзажами в то счастливое для его кисти лето. Период с 1903 по 1907 годы исследователи его творчества называют фовистическим. Причем под завершение этого этапа буйство цветовых контрастов на палитре частично смягчилось. Теперь основные приемы, с помощью которых Вламинк выражает эмоциональную напряженность пейзажа – контуры, формы. Сравним, к примеру, этот пейзаж и написанный в 1905 году. На переднем плане зеленая и желтая крона деревьев соседствует с красными, местами переходящими в охряные, стволами. Черные, нарочито небрежные контуры упорядочивают изображение. Контур использован не везде. Мазки сочные, сияющие и, в отличие от начала фовистского периода, широкие и густые. Нередко Вламинк вообще откладывал кисть и выдавливал краски из тюбика прямо на холст. Такой прием активно использовал и Ван Гон, чья яростная неистовость была особенно близка Вламинку. Отсветы розового неба вносят неожиданный элемент легкости, словно расширяя и облегчая пространство плотного цвета и сильных эмоций. Вламинк стремится не столько передать внешнее – то есть изобразить деревья, сколько воплотить посредством цвета и движения кисти ощущения. Причем никакой мимолетности, импрессионисты его не привлекали. Напротив, краски передают жгучую силу жизни, несут в себе необузданную радость и таят замершую в ожидании разрядки тревожность – такова эмоциональная палитра художника «дикого цвета». Некоторые исследователи считают, что необузданный темперамент – не только сила, но и слабость Вламинка, поскольку за пределы его он так и не вышел. Впрочем, такое мнение чересчур субъективно. Сам же Вламинк считал, что теории в искусстве бессмысленны, а живопись – это «манера жить». МорисДеВламинк Модерн _history
3790 

16.04.2021 21:04

Наводнение в Бисбосе в 1421 году
1865
Лоуренс Альма-Тадема

Почти шесть веков...
Наводнение в Бисбосе в 1421 году 1865 Лоуренс Альма-Тадема Почти шесть веков...
Наводнение в Бисбосе в 1421 году 1865 Лоуренс Альма-Тадема Почти шесть веков тому назад в Нидерландах произошло одно из крупнейших наводнений в истории страны. В итоге – 300 квадратных километров густонаселенной местности были залиты водой. Полностью затопило 72 населенных пункта, погибли тысячи людей, вода смыла сотни домов. Наводнение случилось 18-19 ноября 1421 года, в дни когда католики отмечают день памяти Елизаветы Тюрингской. Британский художник, уроженец Нидерландов не смог пройти мимо легенды про младенца, которого вода унесла вместе с кроваткой и котом. По преданию после наводнения люди увидели плывущую по воде колыбельку. Когда она приблизилась к берегу, на ней заметили кота, который прыгал с одного угла кроватки на другой – так ему удавалось сохранять равновесие колыбели и она не перевернулась, а постель мирно спящего младенца осталась сухой.
3671 

05.05.2021 17:52

"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер...
"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер Марке Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Дождливый день в Париже – идеально подходящий Альберу Марке сюжет. Его Париж серого цвета. Но серость эта – мягкая, спокойная, манящая, ни в коем случае не обреченная и безысходная. Набережная Сены, изящные арки мостов, Нотр-Дам де Пари – любимые объекты Марке. Художник снимал квартиру на пятом этаже и часто писал у окна, поэтому многие его городские пейзажи представляют вид сверху. А в данном случае – не просто сверху, а с уклоном, эдакая горка для глаз: взгляд сразу же скользит по мостовой вглубь холста. На первом плане – набережная, шагающие по мокрому тротуару парижане, угол дома. Но смысловой центр композиции – Собор Парижской Богоматери, чья громада вздымается на заднем плане. Светлая, почти прозрачная улица упирается в приземистый темный силуэт Нотр-Дам де Пари, и взгляд словно проваливается в него. Растерявшись, несколько мгновений ищет выход, затем спешно возвращается на поверхность, к переднему плану и уже более детально воспринимает всю картину. Мы видим зажатую строениями площадь перед собором, пешеходов, проезжающий вдали экипаж, подъемный кран. На углу здания на переднем плане – человек, идущий против сдувающего его ветра в направлении Малого моста. Таким образом, взгляд зрителя одновременно воспринимает всю картину и в то же время движется внутри нее, что в сочетании создает особую объемность восприятия. В городских пейзажах Марке удивительным образом соединены отстраненность и тонкий лиризм. Марке – не импрессионист. Он пишет дождливый день в Париже, а не свои от него впечатления, но чувства, которые этот день и этот город у него вызывают, мы ощущаем. После нескольких выставок, на которых были представлены его пейзажи, критики заговорили о таком явлении как «Париж Марке». Его изображения французской столицы сравнивали с работами импрессионистов и Мориса Утрилло, и говорили, что только им удавалось столь проникновенно и лирично показывать Париж. АльберМарке _history
3758 

01.05.2021 20:38


Ю.А.Походаев Застава имени пограничника Александра Терлецкого Александр...
Ю.А.Походаев Застава имени пограничника Александра Терлецкого Александр Степанович Терлецкий (15 октября 1911 - 25 марта 1942) - комиссар Балаклавского партизанского отряда. C 1929 года служил в пограничных войсках. Накануне войны - старший лейтенант, начальник Форосской погранзаставы (Форос - посёлок городского типа на южном берегу Крыма). 9 ноября 1941 года группа пограничников под командованием Терлецкого, взорвав скалу нависавшую над дорогой в районе Байдарских ворот (Байдарские ворота - горный перевал через главную гряду Крымских гор), своими действиями более суток сдерживала моторизованный авангард рвущихся к Севастополю немцев. Оставшиеся в живых пограничники ушли к партизанам. В середине ноября 1941 года Александр Степанович был назначен командиром диверсионной группы Балаклавского партизанского отряда. Проявил себя знающим, решительным боевым командиром. 8 февраля 1942 года назначен комиссаром отряда. 22 февраля 1942 года был направлен в осаждённый Севастополь для восстановления связи с политотделом Приморской армии. При переходе линии фронта подорвался на мине, раненым попал к немцам. После зверских пыток 25 марта 1942 года был публично повешен в селе Скеля. В 1963 году останки героя были перезахоронены на территории парка санатория «Форос». В 2012 году в Симферополе был установлен памятник Героям пограничной службы. В составе его установлен барельеф с именем А.С.Терлецкого. художник деньПобеды 9мая галерея великийпраздник искусство лебедиЛеонардо
3673 

09.05.2021 12:08

"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода...
"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода Моне и Эдуара Мане началось с очевидного недоразумения – путаницы с фамилиями. После открытия очередного Салона к Мане начали подходить знакомые и хвалить две его марины. Какие марины? Он не посылал на Салон никаких марин! Оказывается, что какой-то молодой нахал пользуется сходством фамилий, чтобы прославиться, мало того – еще и картины его имеют больший успех. Со временем обиды и претензии растворились в огромном взаимном уважении и восхищении. Летом 1874 года художники работали вместе на берегу Сены, в Аржантейе – и Мане как будто решил поиграть со своими друзьями в их импрессионизм. Но по своим правилам. Все импрессионистские находки он этим летом примерил и освоил: короткие отрывистые мазки, светлая палитра, пленэр и солнечный свет. И все равно остался самим собой. Он писал воду и пейзажи, самого Клода Моне, работающего в плавучей мастерской-лодке, но всегда отыскивал то, что интересовало его всегда: отношения мужчины и женщины и внутренние живописные законы произведения, которые не всегда совпадали с закономерностями природных цветов. Так появилась загадочная средиземноморская синева Сены на картине «Аржантей», за которую Мане исступленно поносили критики, требующие соответствия действительности, и которая стала очередной попыткой художника натренировать глаза зрителей на новый взгляд на искреннее, эмоциональное искусство. «Художник может все выразить при помощи фруктов и цветов или одних облаков», - считает Мане. И на этот раз ему хватило синевы Сены, чтобы создать то радостное настроение, в котором пребывал он в то лето и в котором находились окружавшие его влюбленные пары, медленно плывущие по реке и звонко смеющиеся. Когда на Салоне 1874 года кто-то робко пытался похвалить картину Мане, ему обязательно кричали в ответ: «Но эта синева!» «Река цвета индиго, плотная, как металл, прямая, как стена», - захлебывались в возмущении критики. Их интересовала одна только вызывающе синяя река. Этот Мане просто издевается и смеется над ними, нарочно устраивает шумиху и раздувает скандалы вокруг своего имени. «Мое честолюбие – никогда не повторять завтра то, что сделал вчера», - говорил Мане. И после этого лета он больше никогда не напишет синюю Сену, но напишет «Весну», проданную в 2014 году за 65 млн. долларов, и «Бар в «Фоли-Бержер», никогда не повторяя себя вчерашнего. ЭдуарМане Импрессионизм _history
3684 

16.05.2021 20:38

Ах, да! Чуть не забыла написать про разгадку. Уж простите меня, растяпу - в...
Ах, да! Чуть не забыла написать про разгадку. Уж простите меня, растяпу - в комментариях просто сразу дали верный ответ. Перед нами Подвиг молодого киевлянина при осаде Киева печенегами в 968 году, картина, написанная в 1810 году Андреем Ивановичем Ивановым. Вот отрывок из Повести временных лет, который эта картина иллюстрирует: “В год 6476 (968). Пришли впервые печенеги на Русскую землю, а Святослав был тогда в Переяславце, и заперлась Ольга со своими внуками – Ярополком, Олегом и Владимиром в городе Киеве. И осадили печенеги город силою великой: было их бесчисленное множество вокруг города, и нельзя было ни выйти из города, ни вести послать, и изнемогали люди от голода и жажды. И собрались люди той стороны Днепра в ладьях, и стояли на том берегу, и нельзя было никому из них пробраться в Киев, ни из города к ним. И стали тужить люди в городе, и сказали: “Нет ли кого, кто бы смог перебраться на ту сторону и сказать им: если не подступите утром к городу, – сдадимся печенегам”. И сказал один отрок: “Я проберусь”, и ответили ему: “Иди”. Он же вышел из города, держа уздечку, и побежал через стоянку печенегов, спрашивая их: „Не видел ли кто-нибудь коня?». Ибо знал он по-печенежски, и его принимали за своего. И когда приблизился он к реке, то, скинув одежду, бросился в Днепр и поплыл. Увидев это, печенеги кинулись за ним, стреляли в него, но не смогли ему ничего сделать. На том берегу заметили это, подъехали к нему в ладье, взяли его в ладью и привезли его к дружине. И сказал им отрок: “Если не подойдете завтра к городу, то люди сдадутся печенегам”. Воевода же их, по имени Претич, сказал: “Пойдем завтра в ладьях и, захватив княгиню и княжичей, умчим на этот берег. Если же не сделаем этого, то погубит нас Святослав”. И на следующее утро, близко к рассвету, сели в ладьи и громко затрубили, а люди в городе закричали. Печенеги же решили, что пришел князь, и побежали от города врассыпную. И вышла Ольга с внуками и людьми к ладьям. Печенежский же князь, увидев это, возвратился один к воеводе Претичу и спросил: “Кто это пришел?”, А тот ответил ему: “Люди той стороны (Днепра)”. Печенежский князь спросил: “А ты не князь ли?”. Претич же ответил: “Я муж его, пришел с передовым отрядом, а за мною идет войско с самим князем: бесчисленное их множество”. Так сказал он, чтобы их припугнуть. Князь же печенежский сказал Претичу: “Будь мне другом”. Тот ответил: “Так и сделаю”. И подали они друг другу руки, и дал печенежский князь Претичу коня, саблю и стрелы. Тот же дал ему кольчугу, щит и меч. И отступили печенеги от города, и нельзя было коня напоить: стояли печенеги на Лыбеди. И послали киевляне к Святославу со словами: “Ты, князь, ищешь чужой земли и о ней заботишься, а свою покинул, а нас чуть было не взяли печенеги, и мать твою, и детей твоих. Если не придешь и не защитишь нас, то возьмут-таки нас. Неужели не жаль тебе своей отчины, старой матери, детей своих?”. Услышав это, Святослав с дружиною быстро сел на коней и вернулся в Киев; приветствовал мать свою и детей и сокрушался о перенесенном от печенегов. И собрал воинов, и прогнал печенегов в степь, и наступил мир.” Тут мы видим безымянного юношу, спасшего город от осады, стоящим у кромки воды за секунду до прыжка. Он такой прекрасный, обнаженный и уязвимый, но стрелы, пущенные герою вслед, не причиняют ему вреда, а повергают врагов. Вот такая трактовка русской летописи через академическое европейское искусство с древнегреческим пафосом.
3678 

22.05.2021 17:16

"Прием императорской семьи в Судаке" 1867 г. Иван Константинович...
"Прием императорской семьи в Судаке" 1867 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 1867 году Иван Айвазовский сопровождал императрицу Марию Александровну и ее детей – великого князя Сергея Александровича и великую княжну Марию Александровну – в Константинополь. На обратном пути высочайшее семейство изъявило желание посетить дом художника. Сначала отправились в Феодосию, где им был оказан достойнейший прием. Царевич, услышав о великолепных виноградниках в имении Айвазовского в Судаке, загорелся желанием побывать и там. Хозяин ответил, что будет счастлив, но счастлив стал явно не прямо в тот момент. Дело в том, что в Судаке у Айвазовского не было дома, в котором можно принять царскую семью. В имении стояла сторожка управляющего, и, конечно, пригласить туда императрицу и ее детей было немыслимо. До утра не спала вся Феодосия. В Судак отправлялись бесчисленные подводы, перевозившие поваров и яства, музыкантов и танцоров, фрукты, вино, цветы, ковры, посуду. Когда яхта подошла к берегу, ее встречали наряженные местные жители. В павильоне сада был сервирован восточный пикник: разложенные на земле богатые ковры, отменные яства. В разгар празднества Айвазовский незаметно ушел. Он отсутствовал некоторое время, потом снова присоединился к веселью. Когда высокие гости поднялись на корабль, на стене каюты они обнаружили эту небольшую картину, изображающую только что происшедшие события – прием императорской семьи в Судаке. Перед нами утренний черноморский пейзаж. Ясный солнечный день, рассветная дымка уже тает на солнце, синее море бликует под солнечными лучами. На якоре в бухте стоит императорская яхта, на берегу развеваются флаги, а местные жители вышли навстречу высоким гостям. На заднем плане виднеются Крепостная гора, гора Сокол и мыс Капчик. В 2014 году на аукционе Sotheby's при эстимейте 120 000 – 180 000 фунтов стерлингов картина «Прием императорской семьи в Судаке» была продана за 146 500 фунтов стерлингов. ИванАйвазовский Пейзаж _history
3559 

31.05.2021 21:12

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека...
"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history
3553 

12.06.2021 20:37

​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в...
​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в...
​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в список Всемирного наследия, находящегося под угрозой исчезновения. Окончательное решение будет принято на 45-й ежегодной конференции ЮНЕСКО в 2022 году. ️Святоносский маяк под Мурманском признан объектом культурного наследия федерального значения. Он является уникальным образцом деревянной фортификационной архитектуры 19 века. Это один из старейших действующих маяков в России, он был установлен на мысе Святой Нос в 1862 году. Маяк не переставал работать во время Первой мировой войны и Великой Отечественной войны. ️В Фонде Cartier в Париже 6 июля откроется выставка «Дэмиен Херст. Цветение вишни». Вопреки обычной для британского классика практике, все картины для этого проекта художник написал сам, без ассистентов. ️Галерея «Здесь на Таганке» представит выставку памяти художника Владислава Мамышева-Монро. ️️Три неизвестных ранее работы Ван Гога найдены, спрятанными в романе о французских крестьянах. Три эскиза публикуются в The Art Newspaper впервые! Открытия совершенно неизвестных рисунков Ван Гога сейчас редки — один или два раза в десятилетие. Рисунки выставлены в музее Ван Гога в Амстердаме на новой выставке Here to stay. Искусствоведы думают, что это не просто рисунки: возможно Ван Гог сделал именно закладку для книги, ведь художник был заядлым читателем. Фото: Слева — три изображения закладки в приближённости виде; справа — полный масштаб Courtesy of the Van Gogh Museum, Amsterdam (bought with support from BankGiro Loterij) https://telegra.ph/file/67eb6c677f82a867a7771.jpg
3487 

25.06.2021 19:49


"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача...
"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача Бреды» Диего Веласкеса – одно из наиболее знаменитых и значительных произведений европейской исторической живописи. Масштабное полотно (307 х 367 см) создавалось специально для новопостроенной королевской резиденции Буэн-Ретиро (к сожалению, разрушенной в ходе наступления на Мадрид французов в начале XIX века). Само название замка Буэн-Ретиро переводится с испанского как «благодатное уединение». Тем не менее, его оформление, которым занимался первый министр короля герцог Гаспар Гусман граф де Оливарес, было отнюдь не камерным, а чрезвычайно торжественным и парадным. «Сдача Бреды» являлась лишь одной из 20-ти больших картин, которые предназначались для Зала королевств, и должны были воспевать военные подвиги и завоевания испанского монарха (и патрона Веласкеса) Филиппа IV. Бреда – голланский город, важный стратегический пункт в войне Испании с Нидерландами. Протестантские по преимуществу Нидерланды стремились отстоять свою независимость от католической Испании. Но Мадрид, под чьей короной еще в начале XVII века объединялась чуть ли не половина территорий Старого и Нового света, не желал лишаться своей северной колонии. В 1625-м году героически сопротивлявшаяся Бреда была осаждена испанцами. Целых девять месяцев продолжалась осада. И всё-таки Бреда пала под напором испанцев. Веласкес показывает момент, когда комендант голландской крепости Юстин Нассауский с поклоном передаёт ключ испанскому адмиралу Амбросио Спиноле, который, в свою очередь, уважительно похлопывает противника по плечу. Изображая центральную группу, Веласкес почти буквально цитирует картину Питера Пауля Рубенса «Встреча Авраама и Мельхиседека» Мы видим не противостояние непримиримых соперников и не позорную сдачу города, а едва ли не акт подписания мира. Оба полководца преисполнены благородства и доблести: Веласкес трактует передачу ключей от Бреды почти как встречу между старыми друзьями. Только группы офицеров по обеим сторонам от них свидетельствуют, что здесь есть и победители, и побеждённые. Победители-испанцы изображены слева. Стройный ряд испанских копий смотрит в небо: их густота указывает на многочисленность испанцев, а то, что копья почти параллельны, – на их блестящую военную дисциплину. Нидерландцы слева, напротив, выглядят разрозненными и растерянными. Но испанец Веласкес очень бережно относится к чувству собственного достоинства противников: он не показывает их ни разбитыми, ни униженными. Кстати, «Сдача Бреды» еще известна под альтернативным названием «Копья», а в крайнем справа испанце (с закрученными усами, гордым взглядом и в шляпе с плюмажем) многие исследователи усматривают автопортрет художника. Ни Юстин Нассауский, ни Амбросио Спинола (с которым Веласкес был коротко знаком) не сумели оценить величественного искусства Веласкеса: ко времени создания картины (около 1635 г.) ни того, ни другого уже не было в живых. Но живопись сберегла их для истории. И теперь всякий, попав в залы мадридского Прадо, может собственными глазами взглянуть на одно из самых объективных исторических полотен во всей истории. Здесь ни одна сторона не показывается более правой или менее благородной, чем другая, а победитель и побеждённый демонстрируют невиданное между врагами взаимное уважение. ДиегоВеласкес Барокко _history
3532 

26.06.2021 19:47

"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная...
"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. «Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах. На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов. Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту. Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел. ДжонУотерхаус _history
3443 

12.07.2021 20:05

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник...
"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history
3405 

29.07.2021 21:05

Музей.

Музей Гуггенхе́йма в Бильба́о — музей современного искусства в Бильбао...
Музей. Музей Гуггенхе́йма в Бильба́о — музей современного искусства в Бильбао...
Музей. Музей Гуггенхе́йма в Бильба́о — музей современного искусства в Бильбао, Испания. Является одним из филиалов музея современного искусства Соломона Гуггенхейма. Расположен на берегу реки Нервьон. В музее расположены постоянные экспозиции, а также проводятся временные выставки как испанских, так и зарубежных художников. Здание музея спроектировано американско-канадским архитектором Фрэнком Гери и было открыто для публики в 1997 году. Здание сразу признано одним из наиболее зрелищных в мире строений в стиле деконструктивизма. Архитектор Филип Джонсон назвал его «величайшим зданием нашего времени». Расположенное на набережной, здание воплощает абстрактную идею футуристического корабля. Также его сравнивают с птицей, самолётом, артишоком и распускающейся розой. Музей можно увидеть в фильме про Джеймса Бонда 1999 года «И целого мира мало», в самом начале которого Бонд крадёт кейс с деньгами у коррумпированного швейцарского банкира.
3329 

16.08.2021 11:15

Скучали? Бэнкси «отметился» в прибрежных городках Британии

Толстовка с...
Скучали? Бэнкси «отметился» в прибрежных городках Британии Толстовка с...
Скучали? Бэнкси «отметился» в прибрежных городках Британии Толстовка с капюшоном и ящик баллончиков с краской — неизменные атрибуты одного из самых известных в мире художников — неуловимого Бэнкси. Бристольский мастер граффити, чьи работы сейчас продаются за миллионы фунтов стерлингов, подтвердил, что немножко «похулиганил» на приморских курортах восточного побережья Англии. Но часть его произведений уже повреждены или уничтожены. Недавно в ряде провинциальных городков появились свеженькие граффити — например, крыса, попивающая коктейль в шезлонге на пляже, или огромная чайка, нависшая над «коробкой с чипсами» (на самом деле — контейнером со стройматериалами). Сразу же поползли слухи, что это — творение рук Бэнкси. Теперь он это подтвердил. В Instagram был опубликован клип, проясняющий происхождение рисунков. Видео длительностью чуть более трех минут называется A Great British Spraycation («Великое британское распыление»). В нём показано, как художник-аноним разъезжает в потрепанном автофургоне с переносным холодильником, полным баллончиков с краской. Скорее всего, Бэнкси таким образом хотел выразить солидарность со многими британцами, которые из-за пандемических нововведений не могут уехать за границу и проводят летние каникулы на родине. «Отпускное турне» художника прошло по пяти городам в Саффолке и Норфолке. Всего он оставил 10 «следов» своего пребывания. Загорающая в шезлонге крыса появилась на бетонной защитной стене на Северном пляже Лоустофта. В минувшие выходные выяснилось, что кто-то замазал рисунок белой краской — к огромному возмущению городских властей. Они наняли реставраторов в надежде, что те восстановят работу. Испорчено и граффити с «хватайкой» из игрового автомата, нависшей над всяким, кто сядет на скамейку на берегу моря в Горлестоне. Некий местный художник решил добавить к лаконичной работе своего знаменитого коллеги шесть плюшевых мишек и надпись Banksy Collaboration Emo («Бэнкси в сотрудничестве с Эмо»). А дальше пошло-поехало: кто-то зачеркнул ник Эмо и ниже дописал Эго, потом Эго было зачёркнуто и вновь нанесено. Одному из мишек «пустили кровь» из носа. А вот рисунок с детьми, которых выбрасывает из надувной лодки из-за невнимательности пьющего взрослого, удалили по инициативе муниципалитета Грейт-Ярмута. Дело в том, что Бэнкси выбрал для неё место, неподалёку от которого три года назад при подобных обстоятельствах погиб ребёнок. Власти решили найти работе менее травмирующую локацию. В роли «вандалов» выступил и совет Олтон Броуд, пригорода Лоустофта. По его распоряжению убрали кусок металла из композиции «Все мы в одной лодке». Этот фрагмент загораживал водосток, над которым Бэнкси нарисовал трёх мальчиков, играющих в мореплавателей. Железка там могла привести к затоплению участка парка во время дождя. Власти пообещали вернуть всё «как было» когда установится хорошая погода. А ещё Бэнкси «вручил» стаканчик мороженого статуе Фредерика Сэвиджа, который был мэром города Кингс-Линн в XIX веке. Мало того, он снабдил каменного градоначальника пикантным розовым языком. Муниципалитет не оценил такую редакцию старинного памятника. Остальные работы остались в сохранности, в том числе и уже упомянутая чайка. Это: — танцующая пара и мужчина, играющий на аккордеоне, на автобусной остановке в Грейт-Ярмут; — граффити на миниатюрной конюшне с надписью «Стань большим или иди домой», подписанное Бэнкси и с его «фирменной» крысой, в том же Грейт-Ярмут; — ребёнок с ломом и замком из песка рядом с разбитой тротуарной плиткой в Лоустофте; — группа крабов-отшельников, один из которых нацепил раковину и поднял табличку Luxury rentals only («Только дорогая аренда»). Эти работы контрастируют с творчеством Бэнкси последних лет. Он стал делать откровенно политические комментарии — поднял кампанию против плохого отношения к мигрантами, выступал против Брексита и радикального исламизма, а также подверг критике приоритеты международного арт-рынка. новостиИОК _history https://www.youtube.com/watch?v=v450Acut8Q0
3271 

18.08.2021 19:37

"Виль д’Авре" 1867 г. Камиль Коро Национальная галерея искусства, Вашингтон. В...
"Виль д’Авре" 1867 г. Камиль Коро Национальная галерея искусства, Вашингтон. В Национальной галерее искусств (Вашингтон) представлен пейзаж «Виль д'Авре» Камиля Коро, одного из самих тонких и поэтичных французских художников XIX века. Мы видим спокойную гладь пруда и некие строения (возможно, чью-то загородную усадьбу) на дальнем берегу, фигурки крестьян, слитых с пейзажем и занятих чем-то привычным и повседневным. А первый план отдан одному из любимейших мотивов Коро – деревьям. По всей вероятности, это ивы. Их Коро писал достаточно часто. Известно даже, что один из его пейзажей под названием «Ивы» в 1-й половине ХХ века Эрих Мария Ремарк преподнёс своей любимой женщине – Марлен Дитрих. Но дело даже не в изображенных на картине предметах: сами по себе они совершенно будничны. Дело – в умении Коро сделать так, чтобы пейзаж вызывал у зрителя ощущение умиротворения и спокойствия, чтобы наполненность светом и воздухом на какой-то момент рождала чувство благодатного растворения в природе. Чтобы от светлых гармоний зеленого, серебристого и охры перехватывало дыхание. Кто хоть немного знаком с биографией Коро, знает, что пейзаж был для художника без преувеличения смыслом существования. «Моя единственная и неизменная цель, которой я намерен посвятить всю жизнь, – писать пейзажи», – говорил Коро. И еще он был уверен: «Человек не должен начинать карьеру художника, пока не почувствует в себе страстное влечение к природе». В поисках натуры Коро много путешествовал: мы можем видеть на его картинах залитые слепящим солнцем города Италии, густые сумеречные леса центральной Франции, безмятежно спящие озёра Швейцарии. Но чтобы написать этот пейзаж, уезжать далеко Коро не пришлось: в окрестностях Парижа, в местности д'Авре, у его родителей, владельцев модного магазина одежды, имелась вилла, приобретённая по случаю у богатого парижского банкира. Когда стало окончательно ясно, что Камиль не хочет продолжать семейное дело и жаждет быть не торговцем сукном, а художником, его отец поступил великодушно. Он тогда в сердцах заявил Камилю «Я ничем не могу тебе помешать. Хочешь развлекаться – развлекайся!» и мог бы прогнать сына на вольные хлеба. Но вместо этого положил ему ежегодное содержание в полторы тысячи франков и разрешил оборудовать в мансарде загородного дома мастерскую. Из окон мастерской Коро в Виль д'Авре был виден пруд. И еще – какие-то непричесанные заросли. Именно их Коро обессмертит. Коро посчастливилось в том отношении, что его лирические пейзажи успели стать очень востребованными при его жизни. В 60-70-х годах XIX века все хотели приобрести Коро, в особенности почему-то в Новом свете. Тогда Коро нанял ассистентов, которые копировали его картины, а он лишь снабжал их своей подписью, так что проблема подлинности Коро – весьма актуальна. Французский искусствовед и хранитель Лувра Рене Юиг язвительно пошутил: «Коро написал 3 тысячи картин, 10 тысяч из которых были проданы в Соединенных Штатах». КамильКоро Пейзаж Романтизм _history
3334 

19.08.2021 20:37

"Вакх и Ариадна" 1745 г. Джованни Баттиста Тьеполо Национальная галерея...
"Вакх и Ариадна" 1745 г. Джованни Баттиста Тьеполо Национальная галерея искусства, Вашингтон. «Вакха и Ариадну» Джованни Баттиста Тьеполо создал, скорее всего, для украшения лестницы неизвестного венецианского дворца. На это указывает ныне утерянное письмо, которое художник написал некоему адресату в 1764 году, где владелец палаццо обозначен инициалами V. E. Картина, вероятно, была одной из четырёх работ (из них сохранились лишь три), каждая из которых символизировала некий природный элемент. «Вакх и Ариадна» представляют землю, «Триумф Амфитриты» (ныне находится в Галерее старых мастеров в Дрездене) – воду, а «Юнона и Луна» (Музей изящных искусств, Хьюстон) – воздух. Местонахождение четвертой картины, на которой, скорее всего, был изображён Вулкан, бог огня, и его жена Венера, неизвестно. Представление о том, как могло выглядеть это полотно, даёт нам эскиз полоточной росписи для Королевского дворца в Мадриде, хранящийся в Художественном музее Филадельфии. «Вакх и Ариадна» – иллюстрация эпизода древнего мифа, когда бог виноделия коронует смертную девушку, влюбившись в неё. Пара повстречалась на берегу острова Наксос, где Ариадну бросил возлюбленный – герой Тесей. Она стала женой Вакха, взошла на гору Олимп и обрела бессмертие. Художник изобразил бога едва сидящим на бочке и держащим сверкающий золотой венец, который позже станет созвездием Северная Корона. Внизу лежит один из двух ягуаров, везущих его колесницу. Сам олимпиец окружён гуляками с кувшинами вина и виноградными лозами, представляющими плодовитость земли, а пшеница в волосах Ариадны и тростник в её руке, символизируют землю. В 2014 году Национальная галерея в Вашингтоне начала реставрацию полотна, которая продолжалась четыре года. Исследование выявило на картине ранее неизвестные детали, утраченные после того, как в конце XVIII века её вывезли из дворца, для которого она была написана. В частности, композиция (как и две другие дошедшие до нас картины этого цикла) содержит архитектурные мотивы, связывавшие её с первоначальным местоположением. Это изображения каменных волют (спиралевидные завитки на одном из которых сидит путти) в верхней трети полотна и длинношеих существ, похожих на грифонов, в нижних углах. Согласно найденным записям, работы были изъяты со своих исходных мест в 1798 году. После этого архитектурные детали на них утратили смысл и были закрашены. Реставраторы сняли более поздний красочный слой, под которым обнаружились высокие вертикальные листья на левой и правой сторонах композиции. Инфракрасные снимки показали, что первоначально снопы были перевязаны золотыми лентами. Они, как и грифоны, вероятнее всего, были связующими фрагментами для всех четырёх картин серии. Сходные элементы были найдены при реставрации «Триумфа Амфитриты» несколько десятилетий назад. Полотно «Юнона и Луна» пока ещё не восстанавливалось, но инфракрасные и рентгеновские снимки показали, что на нём есть закрашенные грифоны. Украшение в виде золотой ленты есть на ещё одной работе Тьеполо, «Нашествие змей» (1732 – 1735) из Галереи Академии в Венеции. Она, а также архивные документальные изображения и другие произведения художника дали реставраторам понять, как выглядели недостающие элементы. Учёные также выявили, что во время работы Тьеполо вносил значительные изменения в композицию. Это свидетельствует о том, что «Вакх и Ариадна», вероятнее всего, были первой картиной серии. Рентген показал, что под грифоном и ягуаром в правом нижем углу скрываются изогнутые формы – возможно, с их помощью художник первоначально пытался включить произведение в окружающий интерьер. После того, как «Вакха и Ариадну» сняли с первоначального места, картина находилась в частных коллекциях в Италии и Вене. В конце 1920-х годов её купили промышленник Уильям Роберт Тимкен и его жена Лилиан. В 1960 году они передали полотно Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Обновлённое произведение вернулось в экспозицию 14 июня 2018 года. ДжованниТьеполо МифологическаяСцена Рококо _history
3304 

20.08.2021 20:37

Стокгольм, Национальный музей..." />
"За лесом и озерами" Отто Хессельбом, 1908 > Стокгольм, Национальный музей...
"За лесом и озерами" Отто Хессельбом, 1908 > Стокгольм, Национальный музей Швед Отто Хессельбом перед тем, как заняться живописью, работал разносчиком книг и переписчиком в музее. В период с 1888 по 1895 он учился в Королевской академии изящных искусств у пейзажиста П. Хольма и в этом жанре дебютировал в 1897. Впоследствии он также создавал портреты. Хессельбом любил писать виды с озерами, лесистыми холмами, открытыми широкими пространствами. В представленном произведении «За лесом и озерами» художник воплотил все эти мотивы. Он изобразил огромное пространство с рекой на первом плане и несколькими небольшими озерами, чередой уходящими к горизонту. Но край не безжизнен – на ближнем к зрителю, высоком, берегу реки стоят несколько домиков, а по ее руслу плывут корабли. Мягкий гармоничный колорит, построенный на сочетании голубого, зеленого и белого цветов, создает атмосферу спокойствия и вдохновения.
3355 

20.08.2021 22:40

"Клевета" 1497 г. Сандро Боттичелли Галерея Уффици, Флоренция. «Клевета...
"Клевета" 1497 г. Сандро Боттичелли Галерея Уффици, Флоренция. «Клевета» (итал. Calunnia, темпера на дереве) — это работа великого итальянского художника эпохи Ренессанса Сандро Боттичелли, которая была создана им в 1495 г. По словам Джордже Вазари, картина написана автором для его товарища – Антонио Сеньи, а сам сюжет позаимствован у древнегреческого живописца. История самого оригинала такова: художник-конкурент обвиняет Апеллеса в плетении заговора против их покровителя, царя Египта Птоломея IV Филопатора, при дворе которого они пребывали. Апеллеса бросили за решетку, однако один из настоящих заговорщиков указал на невиновность художника. Птолемей реабилитировал мастера и отдал ему его соперника, Антифилоса, в качестве раба. Апеллес, будучи все еще под впечатлением от несправедливости, избрал свой способ противостояния клевете с помощью художественных средств, поэтому создал картину «Клевета». Сама она не сбереглась, однако до нас дошло детальное описание этой работы у Лукиана. Данное описание и было использовано Боттичелли при создании новой версии. По сюжету картины Боттичелли «Клевета» на троне восседает царь Мидас, «награжденный» Аполлоном ушами осла за то, что признал победителем в состязании Пана, а не его. И он прислушивается к клеветникам. Стоящие вблизи Подозрительность с Неведением шепчут что-то Мидасу на ухо, а тот обращается за поддержкой к Злобе (фигура в темной одежде). Этот персонаж, в свою очередь, ведет под руку Клевету, красивую девушку в обличье невинности, а ей плетут косу Зависть с Ложью. Клевета при этом тянет свою жертву – нагую, умоляющую о помиловании. В левой части картины мы видим фигуру Истины. Оголенная Истина указывает в небо, однако же определить правду под силу одному лишь Раскаянию – оно изображено художником в виде сгорбленной старухи, подобной плакальщице. Аллегория художника может считаться удачной только отчасти, так как фигуры, воплощающие пороки (кроме Злобы), столь же прекрасны, как и Истина. События картины Боттичелли «Клевета» происходят в просторном помещении со сводчатыми окнами в стиле XVI века. Небольшие барельефы изображают сцены из Библии и мифологии, будто бы не относящиеся к главному сюжету. Что интересно, ученые расходятся во мнениях при трактовке смысла произведения: некоторые полагают, что на создание картины Сандро Боттичелли «Клевета» спровоцировал наговор, от которого мучился живописец, а прочие увидели потаенную аллегорию суда над Савонаролой. СандроБоттичелли ЛитературнаяСцена Возрождение _history
3165 

16.09.2021 21:38

Усадьба Воронцова-Дашкова.

За историю своего существования поместье сменило...
Усадьба Воронцова-Дашкова. За историю своего существования поместье сменило...
Усадьба Воронцова-Дашкова. За историю своего существования поместье сменило много именитых владельцев: графский род Воронцовых, сенатор Измайлов и его супруга Мария Нарышкина — родственница императрицы Елизаветы, а ещё Ильины — совладельцы Казанской железной дороги. Имение несколько раз достраивалось и перестраивалось: фасад украшали фамильными гербами, добавляли балконы, в саду возводили статуи, выкапывали новые пруды. Среди остальных заброшенных усадеб Подмосковья Быково выделяется своей относительной сохранностью. Реставрационные работы заморожены, однако о состоянии поместья заботятся волонтёры. Сегодня можно посмотреть на разросшийся, но по-прежнему красивый парк с прудами. А ещё на главный дом в стиле русского классицизма с колоннами и балюстрадами, ротонду на берегу озера и главное украшение поместья — неоготическую Владимирскую церковь, которая, кстати, является действующей.
3258 

01.09.2021 21:15

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru