​​Человеку нужен человек, чтобы пить с ним горьковатый кофе, оставаться рядом...

VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE. Художественные высказывания звёзд российского искусства на тему любви будут выставлены и проданы на аукционе в субботу, 13 февраля. Как обычно, артбиржа VLADEY X начнется в 15.00. Среди топовых лотов выделяются работы: ️Олег Голосий «Вдвоем» 1990 года (Лот 9) ️Дубосарский и Виноградов «Паучок» 2004 года (Лот 8) ️Василий Слонов LOVE из проекта «Light my fire» (Лот 7), фотография ️Сергей Братков «Любовное отражение» 2009 года (Лот 5) ️Валерий Чтак «Любовь топора не требует» 2017 года (Лот 16) ️и другие! Владимир Овчаренко: «Наступил 2021 год, ковид отступает и VLADEY продолжает еженедельно радовать коллекционеров и любителей искусства новыми шедеврами. Тематические торги всем понравились, и в преддверии праздников мы подобрали великолепные подарки, их можно сделать любимому человеку, а можно порадовать и себя. Дарить искусство - что может быть лучше?” VLADEY X LOVE Живой аукцион с онлайн-участием 13 февраля 15:00 Каталог https://vladey.net/ru/auctions/xlove

​Как попасть в арт-среду, не имея опыта. Творец отдаёт всего себя искусству, поэтому ему нужен менеджер, который взял бы на себя всю управленческую работу. Возможно, популярность пришла бы к Ван Гогу раньше, будь у него такой помощник. Если вы готовы стать таким человеком и открывать новые таланты — регистрируйтесь на бесплатное занятие Нетологии «Арт-менеджмент: как управлять проектами в сфере искусства». Вы познакомитесь с внутренней кухней арт‑менеджмента и узнаете, почему спрос на специалистов в этой сфере растёт. Поймёте, как проходит рабочий день арт‑менеджера, что входит в его обязанности и как войти в арт-сферу. Открывайте художественные таланты ↓ https://netolo.gy/gip https://telegra.ph/file/b1911452641c5cea6b1f0.jpg

Как попасть в арт-среду, не имея опыта. Творец отдаёт всего себя искусству, поэтому ему нужен менеджер, который взял бы на себя всю управленческую работу. Возможно, популярность пришла бы к Ван Гогу раньше, будь у него такой помощник. Если вы готовы стать таким человеком и открывать новые таланты — регистрируйтесь на бесплатное занятие Нетологии «Арт-менеджмент: как управлять проектами в сфере искусства». Вы познакомитесь с внутренней кухней арт‑менеджмента и узнаете, почему спрос на специалистов в этой сфере растёт. Поймёте, как проходит рабочий день арт‑менеджера, что входит в его обязанности и как войти в арт-сферу. Открывайте художественные таланты ↓ https://netolo.gy/gin

​​️«Шенген не нужен. Онлайн-прогулка по еврейскому Нью-Йорку».   Супер возможности для художников:   ️Начат прием заявок на премию в области современного искусства «Инновация-2021». Подавайтесь до 23 марта!   ️Музей AZ учредил конкурс в честь юбилея Анатолия Зверева для художников, работающих в самых широких рамках — от живописи, графики и стрит-арта до арт-объектов и новых медиа.   Hats off, brilliant Banksy!   ️Бэнкси создал граффити на стене тюрьмы Рединг в Англии, где с 1895 по 1897 год был заключен Оскар Уальд.   Тюрьма существовала с 1844 по 2013 годы. Сейчас Здание принадлежит Министерству юстиции и было выставлено на продажу в 2019 году. Активисты начали кампанию по спасению его от продажи застройщикам, убеждая Городской Совет превратить его в арт-пространство.   Представитель Совета заявил, что они очень рады, что Бэнкси, поддержал стремление совета превратить пустующую Редингскую тюрьму в символ искусства, наследия и культуры с помощью нового граффити, которое он метко назвал «Create Escape».   Время, проведенное Уайльдом в заключении, вдохновило его на создание стихотворения «Баллада Редингской тюрьмы». Смотрите полное видео работы ниже по ссылке! На фото не то впечатление! Фото: shot from Banksy https://telegra.ph/file/7f7a59c75be101940669b.jpg

​Как попасть в арт-среду, не имея опыта. Творец отдаёт всего себя искусству, поэтому ему нужен менеджер, который взял бы на себя всю управленческую работу. Возможно, популярность пришла бы к Ван Гогу раньше, будь у него такой помощник. Если вы готовы стать таким человеком и открывать новые таланты — регистрируйтесь на бесплатное занятие Нетологии «Арт-менеджмент: как управлять проектами в сфере искусства». Вы познакомитесь с внутренней кухней арт‑менеджмента и узнаете, почему спрос на специалистов в этой сфере растёт. Поймёте, как проходит рабочий день арт‑менеджера, что входит в его обязанности и как войти в арт-сферу. Открывайте художественные таланты ↓ https://netolo.gy/giq https://telegra.ph/file/577d735bae02e547b2e36.jpg

"Над городом" 1918 г. Марк Захарович Шагал Государственная Третьяковская галерея. «Над городом» - одна из самых знаменитых картин Марка Шагала. На ней художник изобразил всё, что у него было важного в жизни на тот момент: самого себя, любимую жену Беллу и Витебск. Отбросив земное притяжение, счастливые влюбленные летят над городом, обнявшись. Под ними расчерченный и опоясанный бесконечными заборами Витбеск – в этом же году Шагал в недолгий период очарования новой властью устроит на этих заборах уникальное граффити, разрисовав их к годовщине Октябрьской революции. Люди часто летают на картинах Шагала. Особенно ему нравилось отправлять в полет влюбленных. В таких случаях мы видим буквальное воплощение метафоры «летать от счастья». В книге воспоминаний Беллы Шагал «Горящие огни» есть описание того, как Марк Шагал отправляет их двоих в полет: «Ты бросаешься к полотну, дрожащему под твоей рукой. Обмакиваешь кисти. Хлещет красный, синий, белый, черный. Втягиваешь меня в водоворот красок. И внезапно ты отрываешься от земли и тянешь меня за собой». Однако летают у Шагала не только от счастья. Полет на его картинах – это даже не преодоление земного притяжения, а простое и естественное состояние человека. Идет ли речь о счастливых влюбленных, цирковых акробатах, обнаженной женщине или еврее, пролетающем над Витебском. Такова особенность картин Шагала – в них безудержен полет фантазии, но при этом фантастическое абсолютно реально и достоверно. Особый эффект картины «Над городом» создается трогательным сочетанием бытовых моментов и выхода за пределы быта. Пикантная деталь – присмотритесь к нижнему левому углу. Что происходит под витебским забором? Совершенно верно, кто-то, стянув штаны, справляет нужду. Вот так сюрприз, одна из самых романтичных картин Шагала! В том и романтизм его, в том и прелесть, что всё – едино. И полет, и голый зад, и изящный наряд Беллы, которая ведь тоже представлена отнюдь не как абстрактная идея прекрасной возвышенной дамы. Если фигура самого художника кубизирована, то Белла написала мягкими округлыми линиями. Она более чем реальна – кружевные оборки на платье, в подробностях тщательно прорисованные туфельки… Впоследствии искусствоведы не раз удивятся тому, как можно было создать бесконечную симфонию любви, посвятив ее реальной женщине, с которой живешь рядом многие годы. Вероятно, для этого нужен тот особый взгляд, позволяющий видеть в любимой одновременно и в деталях кружевную оборку платья и полет ее души. МаркШагал Сюрреализм _history

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history

Ещё вчера была трупом невесты, а позавчера Нефертити Не волнуйтесь, с Олей все в порядке. Просто у неё свой способ говорить об искусстве. ⠀ Её перевоплощениями восхищаются, их ненавидят, но они точно не оставляют равнодушными. Оля - искусствовед из Вены и с ней вы примете, что искусство - это не страшно, но понятно и безумно интересно! ⠀ Оля хочет каждому показать, что искусство доступно каждому, даже самому скептически настроенному человеку. Поэтому она приглашает вас на свой бесплатный интенсив «10 шагов к пониманию искусства» Интенсив пройдёт 20 апреля в 15:00 по мск. Зарегистрироваться можно по ссылке — https://olyainsideart.com На интенсиве вы узнаете: - почему искусство не должно нравиться всем - как составить своё мнение о произведении, отличное от мнения критиков - как подготовиться к походу в музей Переходите по ссылке в аккаунт Оли и погружайтесь в искусство уже сейчас! instagram.com/olya.insideart

"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана. Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие. Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок. Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли. Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми. Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим. ЖакЛуиДавид Классицизм _history

Вы талантливы и креативны, у вас много идей и есть желание поделиться ими с миром, но пока нет понимания как это сделать? Приглашаем вас на наш канал “Искусство|Творчество|Продвижение” Здесь мы рассказываем, как в современном мире можно доносить свои идеи и творчество людям, как организовать собственную выставку, как начать сотрудничать с галереями и как выйти на международный уровень. Разберем все нюансы таких вопросов: - как не потерять себя продвигая свое творчество и сохранить индивидуальность - как правильно вести переговоры с галереями и с каких начать - нужен ли вам арт дилер и где его искать - как заявить о себе миру, если страшно и порой не веришь в себя - что делать если был неудачный опыт, как не бросить творить и где найти вдохновение На эти и многие другие вопросы мы вместе сможем найти ответы Ждем вас! И будем рады подсказать, как реализовать свой талант И помните, что каждый известный художник был когда-то на вашем месте! На канале вас ждет подарок - чек-лист с идеями, как самостоятельно продвигать свои работы и при этом не потерять интерес к творчеству! https://t.me/proartiskusstvo?utm_source=telegram&utm_medium=art&utm_campaign=v1&utm_content=chat&utm_term=24.05.21

Винный художник. Эрик Кристенсен занимался музыкой и ботаникой, пробовал себя на литературном поприще. И все это не давало творческого удовлетворения. 20 лет назад он начал рисовать, акварелью в не совсем обычной технике – сухой кистью (акварелью так писать нельзя). Но, Эрик об этом не знал. Автор берет акварельные краски и наносит на полотно до 30 слоев. Используя эту технику Эрик, рисовал всё, что представляло интерес для молодого автора. В 2001 году отправляется в путешествие в Долину Напа. И тут, выяснилось, что виноделам нужен такой художник, который может рисовать очень точно. Как фото, но ещё ярче и «вкуснее». Почему востребованы работы художника? 1. Очень сложно, с точностью достойной фотографии, передать и игру вина в солнечном свете, и этикетку в мельчайших подробностях, и создать композицию, и угадать колорит, и дать настроение. 2. Психология. Вино сфотографировал фотограф или вино написал художник. Плоды вашего нелегкого труда запечатлены на холсте. Это увидят и внуки, и правнуки.

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"Увенчание терновым венцом" 1510 г. Иероним Босх Лондонская Национальная галерея. На темно-сером фоне, лишённом даже намёка на глубину, с почти геометрической простотой скомпонованы пять фигур: Христос, облаченный в белые одежды, и четверо его мучителей. Один рвёт одежды Спасителя, второй с издевательской ухмылкой прикасается к его руке, третий, в железных перчатках римского воина, возлагает на голову Христа терновый венец, а роль четвёртого остаётся до конца непрояснённой. Во времена Христа символом царской власти в Римской империи (игравшей по отношению к Иудее роль метрополии) был лавровый венок. Венок из терний был его антиподом, издевательской пародией. Именно поэтому римский воин водружает терновый венец на голову того, кого уверовавшие в Него называли Царём Иудейским. Так римлянин показывает, чего, с его точки зрения, стоит этот «царь». На примерах мучителей Христа Босх пытается осмыслить природу человека. И его вывод неутешителен: человек оказывается равнодушен и жесток, корыстен и порочен, он ищет унижения другого и жаждет кровавых зрелищ. Но образы тех, кто окружает на картине Христа, неравнозначны. Они предельно физиологически конкретны и психологически дифференцированы: на лице фарисея в левом нижнем углу написан садистский азарт, римский воин в зелёной чалме излучает тупую суровость, человек в меховой шапке, украшенной дубовыми листьями, демонстрирует подобие сочувствия. Символика листьев дуба и функция орудия в руке этого персонажа неясны, но вот черты его лица напоминают предполагаемые автопортреты Босха – например, в образе Странника с внешних створок триптиха «Воз сена» или «меланхоличного чудовища» из «Сада земных наслаждений». Возможно, таким образом художник иллюстрирует мысль о том, что любой человек (и сам Босх не исключение), в силу своей греховной природы, является мучителем Христа и одновременно одним из тех, за кого Иисус отправляется на крестные муки. Загадкой для толкователей Босха является и ошейник с шипами. Во времена, когда жил художник, подобные надевали на собак, чтобы защитить их от волков. Есть и в творчестве Босха собака с колючим обручем на шее – она изображена на внешних створках триптиха «Воз сена». Но почему собачий атрибут передан человеку, да еще и имеющему предполагаемые портретные характеристики Босха? Здесь нет однозначного ответа, зато остаётся обширное поле для интерпретаций. Заслуживает внимания версия о том, что на примере мучителей Христа Босху удается изобразить четыре основных темперамента. Теорию четырех его типов разрабатывали еще в античности, так что исторически это предположение вполне обоснованно. Двое вверху считаются представителями холерического и меланхолического темперамента, а двое внизу, соответственно, – сангвинического и холерического. Христос, в отличие от тех, кто его окружает, изображён лишённым признаков темперамента. Он остаётся бесстрастным и словно бы не замечает своих палачей, устремляя полный смирения взгляд куда-то вне пространства картины. Интересны поэтика и геометрия «Увенчания терновым венцом», построенного на символике числа «четыре». В естественнонаучной картине мира «четыре» – важнейший опорный пункт: четыре стороны света (север, юг, запад, восток), четыре элемента (вода, земля, огонь, воздух), четыре времени года. Геометрический эквивалент числа «четыре» – квадрат, сакральный эквивалент – крест. В мистическом плане «четыре» означает всемогущество, всеохватность, власть над пространством и временем. Не случайно так часто число «четыре» встречается в Библии: 4 реки в Раю, 4 величайших пророка Ветхого Завета (Исайя, Иеремия, Иезекииль, Даниил), 4 символических животных несут ковчег Завета в видении Иезекииля, Евангелий – тоже четыре. Вот почему «четыре» в картине Босха может означать «все»: все без исключения виновны в смерти Спасителя на кресте, и, тем не менее, все имеют шанс на прощение и спасение. ИеронимБосх РелигиознаяСцена _history

"Портрет Карла I, короля Англии, в трёх ракурсах" Антонис ван Дейк, 1635 Среди картин Ван Дейка традиционно обращает на себя внимание «Тройной портрет Карла I». Идея произведения была взята у Лоренцо Лотто, который написал «Портрет мужчины в трех ракурсах». Но Ван Дейк, конечно, не был плагиатором и не утратил вдохновения: заимствование идеи имело практическое значение, так как по картине Ван Дейка должны были сделать бюст монарха, который не мог находиться при этом лично. Для изготовления бюста нужен был качественный портрет в нескольких ракурсах. Основная цель художника состояла в наиболее точном изображении головы короля. На холсте Ван Дейка он изображен утонченным мужчиной с задумчивыми, печальными глазами. С правой стороны можно видеть жемчужную сережку — обычное украшение для знатного мужчины той эпохи. По центру монарх облачен в красное, он придерживает рукой голубую ленту из атласа, на ней висит орден, Малый Георгий. С левого ракурса выделяется палец короля, продетый сквозь ту же ленту.

Илон Маск теперь в телеграм! Прямо сейчас основатель TESLA и SpaceX анонсирует робота-гуманоида, который сможет мыть посуду, убираться по дому, ходить в магазин и помогать в колонизации Марса. Ранее Маск демонстрировал, как обезьяна с помощью нейроинтерфейса силой мысли играет в видеоигры. Канал посвящен гению, миллиардеру и железному человеку 21 века. Будущее ближе, чем вы думаете, не пропустите его:

Кафедра 1951 Барнетт Ньюман Городской Музей Амстердама Видный представитель абстрактного экспрессионизма. Все свои ранние работы (сделанные за сорок лет жизни) Ньюман уничтожил. За оставшуюся карьеру он создал 120 работ, получил признание как один из выдающихся художников Америки только в 60 лет. Ньюмана называли образцом высокого модернизма, предшественником минимализма, экзистенциалистом и духовным художником. Сам Ньюман заявил в 1947 году, когда пришел к зрелому стилю, что любое искусство, достойное своего имени, должно обращаться к «жизни», «человеку», «природе», «смерти» и «трагедии». Ньюман всегда настаивал на богатом эмоциональном содержании своей работы, хотя при жизни его творчество вызывало непонимание и обвинения в «пустоте». Однажды Ньюман напечатал и приклеил на стене галереи инструкцию, призывавшую посетителей стать на очень близком расстоянии к его холстам. Он считал, что вблизи его работы способны вызвать в людях чувство самосознания.

​​Современный способ коллекционировать искусство Знакомьтесь с новой коллекцией ARTLIFE STORE и выиграйте худи! Новая коллекция одежды и аксессуаров создана в коллаборации с художниками Этьеном Кене, Габриэль Руль, Марком Теннантом, Лорой Гульшани, Константином Zmogk, Венделином Волгемутом, Мишелем Корманом и Сусаной Матой. Миссия ARTLIFE STORE - популяризировать современное искусство, открывать миру новые имена и дать каждому человеку возможность стать коллекционером, выражая при этом свою индивидуальность через стильную и качественную базовую одежду. Сейчас в Instagram _moscow проходит конкурс. Узнайте подробнее по ссылке, нажав на кнопку ниже. https://telegra.ph/file/c1479209d8d08b82b96e5.jpg

Натюрморт с шахматной доской 1630 Любен Божен Лувр, Париж, Франция Один из наиболее ранних французских натюрмортов и один из самых известных натюрмортов, интригующий скрытыми в изображении смыслами. Приписывается художнику Любену Божену. Говорят, что картина таинственное, зашифрованное сообщение художника зрителю. Аллегория пяти чувств. Иногда сам натюрморт называют «Пять чувств». Зрение символизирует зеркало, слух — лютня и нотная тетрадь, вкус — хлеб и вино, обоняние — цветы, осязание — игральные карты и кошель (возможно, и шахматы тоже). Религиозная трактовка. Бокал с вином и хлеб связаны с евхаристией, гвоздика — символ Страстей Христа, сюда же можно отнести и стеклянную вазу, наполненную чистой водой, метафору девственности Марии, все они расположены на заднем плане. На переднем плане расположены предметы, олицетворяющие земные соблазны. Получается, что мирские наслаждения заслоняют человеку Бога.

"Новый Адам" Шандор Бортник, 1924 > Будапешт, Венгерская национальная галерея Бортник – живописец и графический дизайнер. На его творчество повлияли кубисты, экспрессионисты и конструктивисты. В 1922 он отправился в Веймар, где изучал принципы Баухауса. По возвращении мастер основал школу последователей Баухауса, а потом стал директором Академии художеств Будапешта. «Новый Адам» является парной картиной к «Новой Еве». Фигура помещена в футуристическое безлюдное пространство. Герой, тело которого составлено из геометрических фигур, изображен один в окружении теплых красок, посреди холодного мира. В отличие от своего ветхозаветного прототипа он не может им обладать. Адам замкнут в тесном пространстве, ограниченном стеклянными перегородками. Окружающий его мир безлик и недружелюбен по отношению к человеку. Лицо персонажа условно, сам он – механическая кукла, которую можно завести ручкой шарманки, а желторозовые краски вокруг еще сильнее подчеркивают этот игрушечный образ в нарочито строгом костюме.

Холодный пиво (вывеска) ок.1900 Нико Пиросмани Наивное искусство (Примитивизм) Художник понемногу учился живописи у странствующих художников, расписывавших вывески лавок и духанов. В середине 1880-х годов вместе с художником Гиго Зазиашвили, также самоучкой, в Тифлисе открыл мастерскую декоративной росписи. По легенде, первую вывеску Пиросманашвили и Зазиашвили выполнили бесплатно, а других заказов не получили. Окружающие относились к Пиросманашвили как психически нездоровому человеку, с которым невозможно иметь дело. Во многом питательной почвой для этого были его собственные утверждения о том, что он может видеть святых, а его кисть будто бы «пишет сама». Он даже заслужил такие прозвища как «Семь пятниц на неделе» и «Не от мира сего». До конца жизни художник большую часть времени жил в полной нищете, ночевал в подвалах. С 1895 года активно занимался живописью, создавая вывески для торговых заведений и декоративные панно. По большей части писал красками собственного изготовления на клеёнке.

Где найти приличную работу приличному человеку? Подписывайся на и ты сможешь каждую неделю узнавать о горячих вакансиях самых топовых музеев, театров и галерей! – вакансии, угар и инсайды для приличных людей!

Марк Шагал День Рождения 1915 М.З.Шагал (1887-1985) - русский и французский художник еврейского происхождения, один из самых известных представителей художественного авангарда XX века. Помимо графики и живописи, Марк Захарович создавал мозаики, витражи и скульптуры, занимался сценографией и писал стихи. Рождение произведения перекликается с появлением великой любви в жизни художника. Сюжет – полет автора с супругой Беллой – повторяется и в других его работах. Главного героя полотна, мужчину, в котором угадывается сам художник, настолько переполняет светлое чувство любви, что земное притяжение больше не властно над ним. Женщина запрокидывает голову, тянется к любимому человеку, нежно приникая к нему щекой. За окном их тесной квартирки широкий проспект – символ дороги жизни, на которую пара ступает вместе. Найти объяснение тому, что во многих работах Шагала его герои парят, зависнув в воздухе, стремился ни один критик. Это стало своеобразной отметкой стиля, отличительной чертой живописца. Но если бы фигуры не были так искажены, работа могла бы и не привлечь внимание публики. Такая причудливая манера заставляет зрителя вглядываться в скрупулезно прописанные детали изображения, погружаясь в фантастический мир художника. художник МаркШагал галерея настроение искусство лебедиЛеонардо арт деньрождения любовь вневремени

Где найти приличную работу приличному человеку? Подписывайся на и ты сможешь каждую неделю узнавать о горячих вакансиях самых топовых музеев, театров и галерей! – вакансии, угар и инсайды для приличных людей!

За минуту до славы В 2009 году фотограф Андрей Луфт создал серию снимков «За минуту до славы». «Минута славы» — телешоу, где любой человек может продемонстрировать свои уникальные способности. Герои программы — люди из глубинки, жаждущие показать свои достижения и таланты на главном телеканале страны. Впервые увидев эту передачу, я поймал себя на мысли, что мне просто необходимо оказаться за кулисами. Позже, когда в новостях появилась информация, что один из участников покончил с собой, не попав в финал, я принял окончательное решение. Серия снималась в течение полугода в дни отборочных туров и записи эфиров. Ее основой являются фотографии с кастингов, и мне прежде всего были интересны герои, которые не появятся на экране телевизора. Мне нужна была изнанка этой яркой, крикливой декорации. Я вижу человека на перекрестке двух эпох — развалившегося СССР и нарождающегося «общества потребления». Бесконечные коридоры телецентра, вымотанные ожиданием люди. И каждый хочет свою порцию счастья и славы. Все эти трудяги уже не хотят за станки, им нужен шоу-бизнес. Я вижу человека «грустного и растерянного», он не научился жить по-новому, и есть в этом шоу надежда и безысходность. Драма моих героев тихая, как вялотекущая шизофрения. Она заключается в том, что они не способны найти себя в сегодняшней действительности. Это побег от реальности в пространство имитации счастья. Сегодняшняя действительность напоминает мне порой гигантскую телестудию, где все мы разыгрываем странные, написанные кем-то роли. Нам всем стараются скормить такой вот суррогат радости в нарядной упаковке». Искусство или нет?

"Зимняя гармония" 1890-е Джон Генри Твахтман В начале девяностых годов 19 века художник Джон Генри Твахман приобретает ферму неподалеку от городка Гринвич в Коннектикуте. Это позволяет ему совмещать жизнь в тихой сельской местности, о которой он давно мечтал, с преподавательской деятельностью в Нью-Йорке, куда от его владений было буквально рукой подать. Вскоре после переезда Твахман напишет в письме своему близкому товарищу и коллеге Уиру о том, что более всего его вдохновляет смена времен года, а в особенности – зима: «Теперь я отчетливо понимаю, насколько важно постоянно жить за городом, в каждое из времен года. Нам нужен снег, и как можно больше. Природа никогда не бывает настолько очаровывающей, как в моменты, когда идет снег. Вокруг стоит такая тишина, и вся земля, кажется, будто укутана покрывалом... Весь мир убаюкивается до полного безмолвия». Вместе с фермерскими угодьями Твахтману достается тихий пруд, окруженный деревцами. Художнику настолько полюбился каменистый ручей Хорснек, впадающий в этот водоем, что он становится частым героем картин Джона Генри. Запечатлевая один и тот же пейзаж в разные поры года, а иногда и в разные дни одного и того же сезона, он оттачивает мастерство в передаче едва уловимых изменений в природе, освещении, погоде. В отличие от работ его французских современников, зимние пейзажи Твахтмана часто монохромны, с приоритетом белого и лишь редкими вкраплениями цвета. Особенно в сравнении с куда более щедро расцвеченными зимними видами ортодоксальных европейских импрессионистов вроде Альфреда Сислея, Камиля Писсарро и Клода Моне. Живопись Твахтмана ограничена и в рамках тематики. Панорамным пейзажам он предпочитает крупный план. Насколько редко он пишет залитые солнцем ландшафты, настолько нечасто (проще сказать – никогда) привлекали его вечерние сумерки. Конек художника – зима во всех ее проявлениях: от почти полностью укрытых снегом бескрайних далей до живописания всех возможных стадий его таяния. Осеннее буйство красок едва вписывалось в его эстетику. «Зимняя гармония» – один из наиболее известных «портретов» облюбованного Твахтманом вида на свой пруд. Среди прочих он выделяется как раз нехарактерным для его снежных ландшафтов цветовым многообразием. В кои-то веки в ход идет практически вся палитра: одних только оттенков синего и лилового не счесть. Да еще желтизна жухлой травы, проступающей сквозь снег, и ржавые остатки листвы на деревцах, и намеки на оттенки зеленого в веточках хвои. Но на этом сходство с французскими импрессионистами заканчивается. В отличие от них, Твахтман работает не раздельными мазками, густо покрывающими полотно, не оставляя просветов, а применяет старую добрую лессировку, нанося почти сухие краски поверх первичной основы. Его кисть свободно порхает по холсту, так что основные оттенки и штрихи просвечивают сквозь прерывистую, неравномерную текстуру верхнего слоя. Это приближает его манеру к тонализму, создавая ощущение интимности и уюта, присущее картинам художника Уира и поздним работам пейзажиста Джорджа Иннесса. ДжонГенриТвахтман Пейзаж Импрессионизм _history

Еще одна загадка картины, на которую часто указывают, - это то, что у Адама пупок. Зачем первому человеку, рожденному без матери, понадобился пупок? Было ли это упущением со стороны гения или еще одним намеком на его истинные убеждения? Тень позади Адама удивительно похожа на женскую грудь, соски и все такое. Были ли у Микеланджело сомнения относительно божественного сотворения человечества? К сожалению, только сам художник мог ответить на эти вопросы, и он давно умер, оставив нам только строить догадки и догадки. Некоторые утверждали, что вместо мозга форма, окружающая Бога, - это матка, а пуповина - это Его рука, протянувшаяся и дающая жизнь Адаму. Ангелы, даже Иисус, не очень рады видеть Адама. Возможно, они завидуют человеку или имеют дальновидность, чтобы увидеть, какие проблемы создаст Его новое любимое творение. И сам Адам, похоже, не очень заинтересован в установлении связи со своим создателем. Его тело расслаблено и пассивно, и он прилагает минимальные усилия, чтобы протянуть руку к Богу, который, кажется, борется с сильным ветром, чтобы добраться до Адама, используя всю свою силу. Что означает это несоответствие? Что Бог хочет, чтобы мы пришли к нему? Все, что для этого требуется, - это малейшая попытка установить контакт с божественным? Первоначально потолок Сикстинской капеллы был окрашен в синий цвет с золотыми звездами, но в 1508 году папа Юлий II поручил Микеланджело перекрасить его. Великий художник опасался браться за такой большой проект и подозревал, что его ждут неудачи. После того, как он сначала отклонил приказ нарисовать только двенадцать апостолов, Папа смягчился и предоставил Микеланджело полную свободу действий, чтобы спроектировать потолок так, как он хотел. Всего мастер нарисовал 460 квадратных метров фресок и более 300 фигур, изображающих творение, Адама и Еву, а также Великий потоп. Он также нарисовал Страшный суд, основанный на Книге Откровений, покрывая всю стену за алтарем. Являясь единственным истинным соперником да Винчи за звание «архетипичного человека эпохи Возрождения», Микеланджело затмил всех своих соперников - внутри церкви и за ее пределами - этим поистине изменяющим мир шедевром, влияющим на популярную и религиозную культуру по сей день. Микеланджело РелигиознаяСцена Возрождение _history

Думаете, что для занятий творчеством нужен особенный талант? Преподаватели школы Художник Онлайн докажут вам, что главное — желание! Бесплатный курс «Начни рисовать» — это 21 урок по акварельной, пастельной, масляной и акриловой живописи, скетчингу, академическому рисунку и графике. Вместе с молодыми, но опытными учителями, вы познакомитесь с разными техниками и поймете, в каком направлении хотите развиваться дальше.  Двигайтесь от простого к сложному в собственном темпе, учитесь рисовать карандашами, красками и маркерами, делитесь работами в социальных сетях и выигрывайте призы от школы! Смотреть уроки можно в любое время в личном кабинете. Доступ к материалам курса останется у вас навсегда. Начните рисовать сразу после регистрации - https://clck.ru/eq24b

Поцелуйный обряд 1895 Маковский К.Е. Размер 3,3 x 5 м Русский музей Картина создана под впечатлением от романа Алексея Толстого «Князь Серебряный», вдохновившего многих художников на создание живописных полотен на тему боярской Руси. Поцелуйный обряд — старинный русский обряд чествования гостей. Наиболее красочно его описал барон Майерберг, побывавший в Москве в 1661 году. С чаркой вина, празднично одетая, выходила хозяйка приветствовать участников застолья. Пригубив вино и кланяясь, она угощала каждого дорогого гостя. Затем кланялся хозяин и просил целовать жену, высказывая тем самым полное доверие пришедшему в его дом человеку и ожидая в ответ того же. На большом холсте художнику удалось создать эффектное театрализованное зрелище. Запрещённое искусство — подробно

​​Владимир Любаров Деревня Рай или Странствие по деревням, от многих из которых остались одни названия   Когда в начале девяностых вся страна рванула осваивать Европу, Владимир Любаров оставил пост главного художника столичного издательства и уехал жить в полузаброшенную деревню Перемилово на самом краю Владимирской области.   Выставлял Любаров героев своих перемиловских картин в музеях и галереях по всей Европе и в России, в том числе в Третьяковской галерее и в Русском музее. И неизменно возвращался к себе в деревню.   Но постепенно, путешествуя по окрестностям, стал заглядываться и на других «девушек», то есть на другие деревни – уж больно в здешних краях у них были диковинные названия: Пенье, Любилки, Случайное, Куда, Нескучай, Упертовка, Бухалово, Перебор, Собакино... Владимир Любаров собирал их как свидетельства народного остроумия, той самой исчезающей смеховой культуры, дух которой он еще успел застать в своей деревне. И среди прочих деревень Любаров нарисовал и главную загадку своей «коллекции» – деревню Рай, ту самую, что в Костромской области.   Может, так и выглядит российский Рай, подумал Любаров. А почему бы и нет? Где человеку хорошо, — там и есть его Рай. Главное, найти свою деревню.   Выставка будет работать с 22 апреля по 10 мая 2022 г. Приходите! www.openklub.ru https://telegra.ph/file/530ad77fa982c722b1880.jpg

1024 способа переехать за границу БЕСПЛАТНО Гранты, стипендии, стажировки — каждый найдёт подходящий способ после подписки на канал _grants. Английский не нужен. Опыт работы не нужен. Диплом тоже не нужен. Короче, если хотите уехать уже сегодня, то канал мастхэв: _grants. Лучше уже не будет.

Шостакович 1993 Ситников А. Г. Русский музей По словам художника музыка Шостаковича — сильнейшее художественное воплощение XX века, послушайте: t.me/scripca/1965. Его музыка проникнута любовью к человеку, верой в его благородство, волю и разум, она обличает жестоких тиранов, кровавые бойни и тоталитаризм, подавляющий любое проявление личностной свободы. Это портрет-знак, где на первый план выдвигается игра с живописными формами. Распластанная в пространстве холста фигура музыканта, действительно кажется распятой крестообразно пересекающимися линиями композиции. Запрокинутая голова и множащиеся кисти рук, застывшие над клавиатурой, воспринимаются как фиксация состояния наивысшего творческого напряжения. Словно подчиняясь логике композиторской мысли, тягучие формы человеческого тела преломляются геометрией треугольников, и слагаются в упорядоченную пространственную структуру. Звук материализуется в цвет. И все становится ощутимо. Все слышно. Все живет. Запрещённое искусство — подробно.

В отличие от камерного лиризма Саврасова и Васильева, от романтической взволнованности Куинджи, Шишкин являл иную, очень существенную грань передвижнического пейзажа. Его эпические образы выражали свойственное русскому человеку, крестьянину, чувство спокойной и величавой гордости за родную землю, ощущение ее мощи и красоты. Художник-школа, как его называли современники, Шишкин с научной добросовестностью изучал характерный облик природы, добиваясь исключительной точности в изображении каждого дерева, каждой травинки. Свою знаменитую картину "Рожь" он хотел назвать "Родина”. В этой работе соединились понятия красоты, богатства, простора. В бескрайнем хлебном поле как вехи, уводящие глаз к горизонту, стоят вековые сосны. Тщательная детализация первого плана сочетается с обобщенной более свободной живописной манерой. Знаток природы Шишкин угадывает в еще ясном солнечном дне черты надвигающейся непогоды. Солнце светит сквозь жаркую дымку и, как примета скорого дождя, низко носятся над дорогой ласточки. PROразборкартины PROшишкин

Искусство - неотъемлемая часть нашей жизни. Человеку свойственно стремление украшать свою жизнь, окружать себя красотой. Интересный феномен - чем больше ты в искусстве понимаешь, чем больше знаешь, тем проще тебе это «красивое» находить и замечать. Даже в простых вещах. Даже в страшных событиях. Поэтому … Впереди нас ждет небольшой, но (как и всегда) увлекательный рассказ про творчество художника - миротворца - Василия Верещагина. В своих произведениях Верещагин утверждал ту же правду и реалистический метод, что и искусство передвижников. Но его искусство содержало и своеобразное отличие, сознавая которое Верещагин не вступал в товарищество, выступая сам от себя. Верещагин представлял тот тип художника, искусство которого осознавало свою близость к материалистической науке, к точным позитивным знаниям. Он считал, что только таким образом, исключая личные эмоции и художественную фантазию, изображая факты и явления так, как они являются эмпирическому глазу, можно донести до зрителя настоящую правду. Верещагин верил в прогрессивную силу такого воздействия, подчинив всю жизнь этой благородной миссии. Выполняя ее, он погиб на борту броненосца "Петропавловск" во время русско-японской войны в 1904 году. Также напоминаю, что я с командой подготовила для вас Гайд (он же краткий путеводитель) по этапам русского искусства. Чтобы его получить, нужно пройти небольшой опрос. Сразу станет понятнее, что там в искусстве и как развивалось, обещаю https://docs.google.com/forms/d/1_utBzaROD6RRHoZWhYE6e9N2zS4nQgeUaOch6dgMYbU/edit

Директор Louis Vuitton уволился из-за высоких цен на одежду бренда и потери клиентов из России Майкл Бурк говорит, что 94% цены – просто наценка за этикетку. Он решил доказать, что такие же вещи можно продавать дешевле и открыл свой телеграм-магазин «Made in Italy», где одежда доступна каждому человеку из любой точки Земли. Здесь вы найдёте ИДЕНТИЧНЫЕ вещи Balenciaga, Gucci, Louis Vuitton, Fendi, Prada, только в 4-5 раз дешевле. Ребята доставляют в Россию и гарантируют качество. Те же ткани, те же технологии, то же качество – так зачем платить больше? Made in Italy – это когда берёшь Gucci по цене Zara: https://t.me/+xiJIJdsb3DAwZThi

Социалистический реализм — творческий метод в литературе, кинематографе, архитектуре, театре и живописи начала XX века. Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи Страны Советов - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами данного являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.

Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи «Страны Советов» - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Будущий художник- Александр Николаевич Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его последующее творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Волков создавал много сюжетные композиции, в которых главными героями выступали коллективные образы советских людей. Он показывал их в моменте трудовой деятельности, участия в общественной, коллективной жизни, проявления героизма и отваги. Волков изображал людей сильными, целеустремленными и вдохновенными. Герои его полотен часто обладают монументальностью и эпическим размахом, что подчеркивает их значимость и важность для «нового» общества. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами Александра Николаевича являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.