Назад

Чтение (Мадам Мане) 1868 г. Эдуар Мане Музей д’Орсе, Париж. _history

Описание:
Чтение (Мадам Мане) 1868 г. Эдуар Мане Музей д’Орсе, Париж. _history

Похожие статьи

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская...
"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history
4986 

20.02.2021 22:10

В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению...
В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению эмоционального содержания живописных полотен. В связи с этим повысилась роль света и цвета в картине. В творчестве Арта ван де Нера эти новые черты можно проследить наиболее отчётливо. Перед вами одно самых известных полотен в наследии мастера - «Пейзаж с мельницей». В Эрмитаже хранится 11 работ ван дер Нера, и более половины из них - это вариации с лунным освещением. Подобную разновидность жанра в голландскую живопись художник ввёл впервые. Но и в пейзажах с солнечным светом художник отдавал предпочтение вечеру или утру, когда окрашенная световоздушная среда позволяла ему создавать эффектные закаты и восходы. Мирное противоборство отблесков светила, которое только что скрылось позади мельницы за горизонтом, с сумерками, что окутали речную долину с заболоченными берегами, не даёт ощущения драматической битвы. «Пейзаж с мельницей» - это мирный отход ко сну утомившихся за день человека и природы. Свет присутствует везде, даже в самых глубоких тенях. Ноктюрны, которые писал ван дер Нер, не были слишком популярны у современников. Таинственные чары ночи и волшебное обаяние сумерек по достоинству были оценены значительно позже, в эпоху романтизма.
4972 

13.02.2021 14:01

️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San...
️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San Daniele) в Удине, затем переехал в Венецию, где стал учеником Джорджоне. В 1514 году переехал в Рим, где поступил в мастерскую Рафаэля и считался одним из наиболее талантливых его учеников. Джорджо Вазари отмечал его стремление к гротеску и большую любовь к изображению природы — как растений и животных, так и неодушевлённых предметов. После смерти Рафаэля работал на кардинала Джулио Медичи (будущего папу Климента VII) по украшению Вилла Мадама, завершив работу к 1525 году; находился в конфликте с Джулио Романо. С 1521 по 1522 год работал во Флоренции, затем вернулся в Рим, в 1527 году покинул его, вернувшись в Удине, где стал архитектором и участвовал в восстановлении местного замка (итал. Castello di Udine), разрушенного сильным землетрясением 1511 года. В 1532 году ненадолго ездил во Флоренцию. В 1547 году создал лестницу с внешнего двора в этом замке. В 1560 году вернулся в Рим и остаток жизни провёл в бедности. Был похоронен в Пантеоне, рядом с Рафаэлем. Помогал Рафаэлю в расписывании лож ватиканского дворца и в других подобных работах. Им написаны и отчасти придуманы орнаменты в верхних ложах. В нижних ложах ему принадлежит плафонная живопись, реставрированная в 1867 году Мантовани. На вилле Фарнезина им исполнены фестоны, обрамляющие рафаэлевскую «Историю Психеи». Для папы Климента VII в сотрудничестве с Перино дель-Вага украсил живописью Торре-ди-Борджиа. Из прочих его произведений известны роспись вестибюля в вилле-Мадама, лепные украшения нижних сеней этого здания, декоративная живопись в палаццо Массими-алле-Колонне в Риме, работы в усыпальнице Медичи (в церкви Сан-Лоренцо) и рисунки, по которым изготовлены расписные стёкла в Лаврентьевской библиотеке во Флоренции.
4955 

08.02.2021 13:02

Париж, д'Орсе Скрытое лицо за толстой завесой..." />
"Волосы" Анри Кросс, 1892 > Париж, д'Орсе Скрытое лицо за толстой завесой...
"Волосы" Анри Кросс, 1892 > Париж, д'Орсе Скрытое лицо за толстой завесой волос – единственный объект картины. Моделью для этой работы стала будущая жена художника Ирма, которая также появилась в его первом пуантилистическом произведении «Мадам Эктор Франс». В отличие от более раннего портрета, Кросс не отражает ни капли личности модели, ее социального статуса или роста. Плотное обрамление туловища женщины почти на половине картины подчеркивает важность каскадной стены из волос и придает ей монументальность. Композиция минимальна не только в простом приглушенном контрасте переднего плана и фона, но и в палитре, которую он сократил до мягких коричневых, охрово-лиловых и лиловых, придав ей почти отфильтрованное атмосферное качество. И вот что ещё интересно про художника. Его настоящее имя – Анри Эдмон Делакруа. И чтобы не путали с Эженом Делакруа он выбрал псевдоним Кросс.
4856 

10.02.2021 00:22


Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951

Самые...
Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые...
Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.
4911 

24.02.2021 21:28

Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории...
Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории европейского искусства - святого Себастьяна. Примерно в эпоху Возрождения этот святой стал символом гомоэротизма, обрел черты нежнешего из юнош, пассивного и беззащитного. Но канон подобных изображений был заложен намного раньше, в древней Греции, конечно же. До христианства было далеко, а без красивого юноши, символизирующего межмужскую любовь непонятно как обходиться, поэтому греки себе придумали Ганимеда. Был у царя Троса сын от нимфы Каллирои. Тут данные разнятся и он то сын Дардана, то Эрихтония, то еще кого, но главное, что он был смертным, а еще прекрасным настолько, что сами боги на него заглядывались. Согласно некоторым источникам, Ганимеда сначала похитила богиня зари, Эос, а потом у нее его стащил Зевс. По другим же, Зевс сразу придумал превратиться в гигантского орла и понес юношу к себе на Олимп что твоего хоббита. Там восхитительный красавец Ганимед был назначен виночерпием на божественных вечеринках. Отец его, Трос, сначала огорчился исчезновениям сына, но Зевс ему подарил очень красивую оливковую веточку из золота и пару очень хороших лошадок. А так же объяснил, что сыну отныне даровано бессмертие и даже поместил его на небо в качестве созвездия. Оттуда он на нас и глядит в виде Водолея. Трактуют этот миф по разному. Например, как историю о том, как некий прекрасный юноша умер перед свадьбой - отсюда версия с Эос, то есть, невестой, лишившейся возлюбленного. Или как историю с метафорической смертью мальчика для превращения в мужчину и царя. Или о том, как одни правители брали в плен детей других, для того чтоб наладить отношения. Но самым популярным оказалось, конечно, прочтение мифа как подтверждения того, что сам отец небес Зевс одобрял однополую любовь и был замешан. Сюжет стал одним из самых популярных в Греции, потом перекатился в Рим, позже ужасно осуждался христианами и только с наступлением Ренессанса вновь вернулся в искусство. Правда, неоплатоники эпохи Возрождения попытались миф переосмыслить и сообщали, что это все про восхождение души к Богу, а не то что вы подумали. Поэтому можно и нужно вновь писать как можно больше Ганимедов.
4905 

26.02.2021 18:53

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд

Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg
4919 

05.03.2021 19:47

Шьющая женщина
1880
Поль Гоген
Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген

Эта...
Шьющая женщина 1880 Поль Гоген Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген Эта...
Шьющая женщина 1880 Поль Гоген Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген Эта картина очень необычна для творчества Гогена. Источником вдохновения вероятно был купленный им в том же году рисунок Эдуарда Мане «Вязанье» (1879), где изображена работающая одетая женщина в похожей позе. Сходный сюжет можно встретить и в картине Писсарро «Портрет мадам Писсарро, шьющей у окна». Остаётся неизвестным, кем была модель, изображённая на картине. Пола Гоген считала, что это была горничная родителей художника, другие исследователи думают, что для Гогена позировала профессиональная натурщица. Картина была выставлена в Копенгагене и её купил Теодор Филипсен у жены Гогена Метте в 1892 году. Филипсен сначала хотел передать картину в Лувр, но потом отказался от своего намерения и пожертвовал её Королевскому музею изящных искусств в Копенгагене (1920). В настоящее время картина выставлена в Новой глиптотеке Карлсберга.
4701 

27.04.2021 19:58


Читатели газет в Неаполе
Орест Кипренский
1831
Третьяковка, Москва

Картина...
Читатели газет в Неаполе Орест Кипренский 1831 Третьяковка, Москва Картина...
Читатели газет в Неаполе Орест Кипренский 1831 Третьяковка, Москва Картина русского художника. Это групповой портрет четырёх мужчин, один из которых читает газету, а остальные слушают. Национальность изображённых на картине персонажей по-разному трактовалась различными исследователями творчества Кипренского — их называли то русскими, то поляками. Сам Кипренский разъяснял сюжет так: «…изображает политическое чтение в 1831-м году. Я сцену взял с натуры. Русские путешественники в Неаполе читают La Gazette de France статью о Польше, как то усмотрите в картине.» Относя «Читателей газет в Неаполе» к самым интересным работам позднего Кипренского, искусствовед Магдалина Ракова писала, что эта картина «принадлежит к числу наиболее ранних русских групповых портретов, показывающих не членов одной семьи, а единомышленников, людей, объединённых общими интересами». Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
3129 

03.06.2022 17:13

"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам...
"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана. Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие. Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок. Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли. Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми. Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим. ЖакЛуиДавид Классицизм _history
4659 

05.05.2021 20:37

"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства...
"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства, Вашингтон. Трудно узнать в прилично одетой даме с ребенком ту самую скандальную натурщицу, которая позировала Эдуару Мане для «Олимпии» и «Завтрака на траве». Разве что прямой вызывающий взгляд ее выдает. Но это действительно она, Викторина Меран. Викторина Меран вернулась неожиданно. 6 лет о ней не было ничего слышно, никто не знал, куда она исчезла. Говорили, что все эти годы любимая натурщица Мане прожила в Америке. Бросать ей в Париже было нечего, жалеть тоже не о чем: нищета, мечты об актерской славе, гитара и несколько художников, которые готовы платить за то, что она раздевается в их мастерских. Поэтому Викторина рванула за океан, не раздумывая, за какой-то страстной роковой любовью. А вернувшись, опять согласилась позировать Мане. Правда предупредила, что на этот раз у нее совсем другие планы, позирует по старой дружбе и искренней сердечной привязанности, но уже готовит первые картины в Салон и тоже, да-да, стала художницей. В «Железной дороге» она наконец-то прилично одета, да и вообще просто одета. Вместо злополучного черного кота, который вызвал бурю возмущения у критиков и зрителей, Мане возвращает ей на колени мирно спящего щенка. Собака, символ преданности и верности, спала на кровати тициановской «Венеры урбинской», и была безжалостно заменена в «Олимпии» Мане на выгнувшего спину шипящего черного котенка. Кошка – это возмутительно, воплощение изменчивости, вожделения, ведьмовской натуры и, наконец, порочности, она стояла у ног обнаженной Олимпии и шипела на зрителя. Картину приняли в Салоне в 1874 год, в тот самый год, когда в ателье фотографа Надара состоялась первая выставка импрессионистов. В «Железной дороге» все было пристойно – и ничего не сбивало зрителя с благочестивых мыслей. Но над Мане снова смеялись. Современному зрителю трудно понять, что смешного видел карикатурист или журнальный критик в этой картине. Их выводила из себя абсолютная бессюжетность и нелитературность изображенного: то ли портрет, то ли жанровая сцена, железная дорога, а поездов не видно. Так смотрят на магазинные вывески из проезжающей кареты, а не на женщину с ребенком. Говорили, что картина схематична, а перспектива бездарно искажена, переднее пространство будто кто-то сжал и впечатал в железные прутья ограды. Это последняя картина, для которой Викторина Меран позировала Мане. Потом ее принимали несколько раз в Салоне, а потом перестали, позже она пристрастилась к выпивке, стала жить с юной натурщицей, играла на гитаре у входа в парижские кафе, продавала рисунки их нетрезвым посетителям. А после смерти Мане написала письмо его вдове, в котором попросила выдать ей процент от продажи картин с ее изображением. Утверждала, что Эдуар обещал с ней поделиться, когда наконец-то прославится и начнет зарабатывать. Не известно, как отреагировала мадам Мане на письмо Викторины. Известно только, что в 1898 году «Железная дорога» была продана за 100 тысяч франков американцу Генри Осборну Хэвемайеру, принадлежала его потомкам до 1956 года и ими же была передана в дар Национальной галерее искусств Вашингтона. ЭдуарМане Портрет Импрессионизм _history
4612 

15.05.2021 22:58

"Портрет картезианца" 1446 г. Петрус Кристус Метрополитен-музей...
"Портрет картезианца" 1446 г. Петрус Кристус Метрополитен-музей, Нью-Йорк. «Портрет картезианца» из коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке – возможно, самая изящная и самая ранняя из подписанных и датированных работ Петруса Кристуса. Изображение послушника картезианского ордена – своего рода оммаж (выражение почтения) реалистичным портретам Яна ван Эйка. С произведениями этого мастера портрет роднит трёхмерное погрудное расположение натурщика в три четверти, а также внимание к отображению текстур и игры света на поверхностях. Кроме того, Кристус добавил к изображению раму-тромплёй («обманку») – подобный приём использовал и ван Эйк – как окно между моделью и зрителем, тем самым создав иллюзию пространства. Чтобы усилить это ощущение, живописец сделал оригинальный ход – «посадил» над своим именем очень реалистичную муху. Однако само исполнение «Портрета картезианца» отличается от манеры ван Эйка и демонстрирует новшества, которые Кристус привнёс во фламандскую портретную живопись. Вместо того чтобы использовать равномерный тёмный задний план, художник поместил своего анонимного героя в белых одеждах на тёплый сложный красный фон. Здесь он также представил новую концепцию в панельной живописи – портрет в угловом пространстве. Фигура освещена с двух сторон – расположенным наискось интенсивным источником света справа и более мягким лучом, озаряющим задний левый угол. Возможно, Кристус позаимствовал эту идею диагонального освещения отдалённых углов у доэйковских миниатюристов, например, у братьев Лимбургов. В более поздних портретах живописец отказался от сложного освещения и замысловатого ощущения пространства, которые демонстрирует эта работа. Вместо этого Кристус отдавал предпочтение композиционному балансу вертикальных, горизонтальных и диагональных линий, замыкающих модель в динамичной геометрической конструкции. Наиболее яркий пример тому – «Портрет девушки» (ок. 1470 года) из коллекции Берлинской картинной галереи. Нимб, следы которого окружают голову монаха, был удалён в июне 1992 года. Тщательно изучив изображение, реставраторы пришли к выводу, что он был сделан при помощи циркуля, игла которого повредила красочный слой на правом виске модели. А смещение даты относительно центра в нижней части рамы свидетельствует, что мысль указать год создания работы пришла Кристусу позже. ПетрусКристус Портрет _history
4480 

15.06.2021 20:46


"Интерьер, мать и сестра художника" 1893 г. Жан Эдуар Вюйар Нью-Йоркский музей...
"Интерьер, мать и сестра художника" 1893 г. Жан Эдуар Вюйар Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер, мать и сестра» - одна из самых дерзких работ Вюйара. В репродукции на первый взгляд очень легко спутать ее с цветной литографией: лица-маски и руки в один тон, четкий, почти декоративный, узор на обоях, сплошное черное пятно платья. Вюйар, увлеченный японским искусством и подготовивший к печати немало собственных гравюр, переносит в живописную работу визуальные эффекты, присущие цветной печати. При этом сохраняет фактуру масляного мазка в других частях картины, не давая нам шанса ошибиться со второго взгляда на работу. Это тонкая живопись. Но дерзость Вюйара даже не в техническом изяществе – эта небольшая работа настолько интимная, открывающая личные связи, мысли и отношения, что способна вызвать ощущение неловкости и беспокойства. Как будто вы случайно услышали ссору или исповедь, не предназначенную для ваших ушей. Женщины на этом странном двойном портрете – мать художника мадам Вюйар и его сестра Мари. Они находятся в пространстве, готовом довести кого угодно до приступа клаустрофобии. Если Мари разогнется, ей придется удариться о картинную раму. Этот эффект сдавленности, даже угрожающей подвижности пространства довершают падающие вперед комод и стол, подскочивший кверху пол. Наверняка, в пределы полотна попала только нижняя часть комнаты, но фигура Мари ясно дает понять, что все! Потолок тоже где-то неподалеку, он падает и висит просто над головой. Мари в этом пространстве неуютно, узор на обоях сливается с узором на ее платье – и стены поглощают ее фигуру, она теряется здесь, становится лишь частью интерьера. Это мир, в котором доминирует мать – именно она чувствует себя спокойно и уверенно. Это ее мир. Мадам Вюйар была на 27 лет младше мужа, отставного военного – и скоро осталась вдовой без средств к существованию и с двумя детьми, которых еще предстояло выучить и вырастить. И тогда она открыла швейную мастерскую, в которой работала сама и нанимала помощниц. В этом доме на ней держалось все. Мать за работой, ее заказчиц, выкройки, ножницы, узоры на тканях Вюйар будет писать постоянно. Он проживет с матерью до самой ее смерти (Вюйару будет 60 лет, когда матери не станет) – и эти швейные декорации будут интерьером его собственной взрослой жизни. Современные арт-критики находят такие небольшие личные работы Вюйара не только обнажающее, исповедально откровенными, но и социально острыми. Резкие перемены в обществе того времени способствуют поискам таких смыслов. Ну или хотя бы делают их оправданными. Это эпоха, когда женщины начинают работать и выбираться из кухонь, когда гендерные и социальные модели стремительно меняются. В другой работе Вюйара «Интерьер с рабочим столом» Мари, стоящая спиной, как будто вышла из стены мастерской – узор ее платья повторяется в нескольких элементах окружающего пространства. Она – лишь то, чем она занимается в этих стенах: монотонная, тихая, повторяющаяся работа, бесконечные узоры, от которых кружится голова. ЭдуарВюйар Постимпрессионизм _history
4500 

17.06.2021 20:37

Нью-Йорк, Метрополитен-музей Развитие..." />
"Прерванный сон" Франсуа Буше, 1750 > Нью-Йорк, Метрополитен-музей Развитие...
"Прерванный сон" Франсуа Буше, 1750 > Нью-Йорк, Метрополитен-музей Развитие искусства в эпоху рококо тесно связано с именем известного французского художника Франсуа Буше. Как ярчайший представитель и верный поклонник этого изящного стиля, в работе Буше отдавал предпочтение утонченным возвышенным аллегориям, нежным пейзажам, пасторальным и жанровым сценкам. На опушке леса, в тени густых деревьев, прекрасную пастушку сморила полуденная дремота, однако, сон продлится недолго, к юной красавице уже подкрался юноша, решивший подшутить над девушкой, слегка пощекотав травинкой. На лужайке пасется стадо овец, а вдалеке можно различить окраину небольшого села. Образы на картине традиционно приукрашены и идеализированы художником. Реалистичность в живописи эпохи рококо отходила на второй план, уступая место утрированной красоте и безупречному совершенству.
4127 

31.08.2021 00:14

"Женщина в шляпе" 1905 г. Анри Матисс Музей современного искусства...
"Женщина в шляпе" 1905 г. Анри Матисс Музей современного искусства, Сан-Франциско. С картины «Женщина в шляпе» началась известность Матисса. Ее можно считать переломным этапом: художник окончательно простился с неоимпрессионизмом и провозгласил фовизм – искусство яркого цвета, смелых решений и декоративности. Матисс выставил ее на Осеннем салоне в 1905 году. Бедная публика только смирилась с выходками импрессионистов, и снова всё изменилось! Президент Осеннего салона Франсис Журден придерживался позиции «я, конечно, человек прогрессивный, но меру знать надо», поэтому на всякий случай настаивал на отклонении картины. На открытый конфликт с академизмом Журден не шел, хоть и сочувствовал новым исканиям… Про портрет он сказал, что Матисс здесь «чересчур современен». Когда жюри вопреки его «антипротекции» приняло картину к экспозиции, Журден воскликнул: «Бедный Матисс! А я-то думал, что у него здесь все друзья!». На портрете Матисс изобразил свою жену Амели. Смелое, невиданное досель сочетание красок образует удивительную гармонию и одновременно дает понять, почему это направление нарекли фовизмом (les fauves - дикий). Теплые киноварь, кармин, марена уравновешиваются ледяным изумрудно-зеленый, фиолетовым, кобальтовым. Разве женщина может бытьт такой? Но цвет у Матисса – это всегда цвет преображенный, это не цвет быта, это цвет живописи, что подтверждает его знаменитое высказывание: «Я создаю не женщину, я создаю картину». Интересно проанализировать влияние Ван Гога на живопись Матисса. «Вангоговские» неистовство и импульсивность Матисса и влекли, и отталкивали. Его путь лежал в другой стороне – не безудержное следование импульсу, но и не подавление его в пользу рассудочности, а некое «воспитание чувств», по определению Эсколье (ни в коем случае не путать с дидактизмом – такое Матисс на холст не пускал никогда). Страсть, пропущенная через внутреннюю дисциплину, не перестаёт быть страстью, но в исполнении Матисса приобретает глубину и тонкость. Писатель Франсис Корко говорил, что относительно авангардистских течений «Женщина в шляпе» мгновенно пояснила ему больше, «чем все эти парадоксы», то есть многочисленные манифесты и теории того времени. Картина вызвала бурную, в основном негативную реакцию публики, а вот американская писательница Гертруда Стайн пожелала ее приобрести. Она обратилась к администратору выставки, тот сказал, что на картину установлена цена 500 франков, но, как правило, в цену заложена возможность уступки, поэтому он бы рекомендовал мадам предложить 400 франков. Гертруда так и сделала. Каково же было ее удивление, когда ей передали отказ художника снизить стоимость картины! Дело в том, что Матиссы тогда остро нуждались. Когда принесли записку от секретаря Салона, сообщающую о покупателе, готовом отдать за картину 400 франков, Матисс очень обрадовался. Амели же настояла на отказе, заявив, что если покупатель настолько заинтересован в картине, что хочет ее приобрести, то разница в 100 франков не будет для него существенна. Зато на эти деньги можно будет купить зимнюю одежду для Марго (внебрачная дочь Матисса, жившая в семье). Ох и непростые несколько дней пришлось пережить мадам Матисс! От покупателя не было никаких известий, а если что-то не ладилось в делах живописных, то нрав у Матисса был крут. Но через три дня из Салона сообщили, что картина куплена за 500 франков. Личное знакомство Матиссы с Гертрудой Стайн свели позднее. АнриМатисс Портрет Фовизм _history
4090 

09.09.2021 20:38

Что такое анаморфоз?

Это конструкция в живописи, созданная таким образом, что...
Что такое анаморфоз? Это конструкция в живописи, созданная таким образом, что...
Что такое анаморфоз? Это конструкция в живописи, созданная таким образом, что в результате оптического смещения, изначально не распознаваемая форма складывается в легко читаемый образ. Именно такой прием использовал участник ARTLIFE FEST 2021 Арсен Курбанов в своей работе «Анаморфозы COVID». Являясь мастером сюжетной живописи, Арсен Курбанов стремится придавать актуальное прочтение технике старых мастеров, сочетая в своих картинах библейские и исторические сюжеты с современными темами. Свои навыки и знания он передаёт студентам отделения станковой живописи Института им. И. Е. Репина в Санкт-Петербурге. А в рамках ARTLIFE FEST 2021, 27 октября в 16:00, художник проведет авторский мастер-класс «Портрет с натуры», на котором расскажет, как создавать объемные, динамичные и реалистичные портреты с натуры. Билеты можно приобрести по ссылке: https://bit.ly/3lKGOpR Получилось найти анаморфоз на изображении?
4111 

21.09.2021 19:33

"Вид Дельфта" 1661 г. Ян Вермеер Королевская галерея Маурицхёйс...
"Вид Дельфта" 1661 г. Ян Вермеер Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага. Великолепная ведута «Вид Дельфта» всегда считался одним из шедевров Яна Вермеера. На аукционе в 1696 году это была самая дорогая картина, проданная за 200 гульденов. В 1822 году её приобрела Королевская галерея Маурицхёйс за впечатляющие 2900 гульденов. Говорят, что инициатором покупки выступил первый король Нидерландов Виллем I. В середине XIX века «Вид Дельфта» вдохновил французского критика Теофила Торе на повторное открытие Вермеера. «Вид Дельфта» – самый известный в западном искусстве пейзаж XVII века и одна из самых больших картин Вермеера. Абсолютным шедевром её делают взаимодействие света и тени, изумительное облачное небо и тонкие отражения в воде. Это безветренный день, и в городе царит атмосфера спокойствия. Вермеер отразил это умиротворение в своей композиции, разбив её на четыре горизонтальные полосы – берег, воду, город и небо. На набережной слева находятся мать с ребёнком, двое модно одетых мужчин и женщина, ведущие беседу, а ближе к центру – ещё две женщины. Вода – это часть реки Схи, впадающей в Рейн. Водный район, изображённый Вермеером, был расширен в 1614 году и стал гаванью Дельфта. Художник выбрал вид на север. На картине доминируют крепостные стены с двумя воротами XIV века – Схидамскими и Роттердамскими. В левой части на горизонте вдали виднеется шпиль Старой церкви. Значительная часть города скрыта в тени, за исключением освещённой солнцем башни Новой церкви. Более половины картины отведено драматическому утреннему небу; крошечные часы на Схидамских воротах показывают время после семи. «Вермеер также изобразил здания немного более опрятными, чем они были на самом деле», – отмечает Маурицхёйс. Вид сверху на город Вермеер, вероятно, писал со второго этажа гостиницы. Для передачи мерцающего отражения на воде он использовал точечную технику – её легко увидеть в районе двух лодок справа. Некоторые искусствоведы считают это свидетельством того, что художник использовал камеру-обскуру: рассеянные блики, подобные этим, появляются на частично сфокусированных изображениях, которые передаёт устройство. Доказательством того, с какой тщательностью Вермеер работал над этим шедевром, является то, что он подмешал песок в некоторые краски, чтобы достигнуть определённого эффекта. Изучение картины показало, что песок был добавлен к охре, которой написаны оконные рамы длинного здания слева, за крепостными стенами. Это усилило отражающую способность поверхности краски. Несмотря на впечатление точности, которое производит картина, Вермеер не стремился к документальности. Кажется, он немного сместил здания ради построения более гармоничной композиции. На топографических рисунках, сделанных примерно в то же время и с той же точки зрения, строения выглядят выше и стоят плотнее друг к другу. Сегодня район, который писал Вермеер, выглядит совершенно иначе, хотя форма старой гавани осталась прежней. Крепостные валы давно исчезли, а ворота были снесены в период с 1834-го по 1836 годы. Большинство средневековых построек у этой части реки также утрачено. Шпиль Новой церкви сгорел в 1872 году и был заменен более высоким неоготическим. Первоначальная башня Старой церкви сохранилась, хотя теперь имеет ярко выраженный наклон. В 2019 году команда под руководством профессора Дональда Ольсона из Техасского государственного университета применила методы астрономии в попытке определить точную дату написания «Вида Дельфта». Ключом стала восьмиугольная башня Новой церкви, по теням на которой учёные определили положение солнца, а затем зафиксировали время на нынешних башенных часах. Ранее считалось, что сцена изображена сразу после семи утра – как упоминалось выше, это время показывают часы на Схидамских воротах. Но это лишь приблизительно, ведь минутные стрелки появились только в конце XIX века (то, что на картине кажется минутной стрелкой, на самом деле – противовес к часовой). Так что альтернативное прочтение дало результат «ближе к восьми».
3847 

12.11.2021 20:37

"Ночное кафе" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Художественная галерея Йельского...
"Ночное кафе" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен. Картина Винсента Ван Гога «Ночное кафе» отсылает нас к другой его работе с похожим названием – «Ночное кафе в Арле». И, несмотря на то, что два этих полотна были написаны в один и тот же период (более того – в один месяц), они абсолютно, почти диаметрально разные по настроению. Одна из самых знаменитых работ Винсента с летней террасой под звездами пронизана ощущением безмятежности и спокойствия: теплый желтый и оранжевый свет в окнах, чистое высокое небо, прогуливающиеся по улице и сидящие за столиками люди… А в этом «Ночном кафе» картина совсем иная. Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на интерьер кафе направлен сверху вниз, а перспектива намеренно искажена. Висящие на стене часы показывают начало первого ночи: в это время в подобном заведении едва ли можно было встретить приличную публику. В отличие от людей за столиками летней террасы, некоторые из здешних посетителей, похоже, уснули на месте, выпив лишнего. Да и вся эта сцена выглядит так, будто бы мы смотрим на нее глазами весьма нетрезвого человека. Стены окружают со всех сторон, давят и не дают дышать, и в то же время как будто «разъезжаются». Но самое главное, что отличает эти две картины – цветовая гамма, которая задает настроение. Несмотря на типичное для арльских работ Ван Гога обилие желтого и ореолы света вокруг ламп, «Ночное кафе» лишено ощущения уюта и спокойствия. В письме брату Винсент писал об этой картине так: «Я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цветов». На самом деле красный цвет довольно редко становился доминирующим в работах художника. И похожий грязноватый кровавый оттенок в следующий раз станет фоном для его «Автопортрета с перевязанным ухом и трубкой». Существует и второй вариант «Ночного кафе», в котором изображение еще более плоское, а цвета – еще более ядовитые. В «Ночном кафе» Винсент изобразил реально существовавший интерьер маленького привокзального заведения, принадлежавшего супругам Жино. Художник снимал у них комнату, когда только поселился в Арле, и позже написал портреты обоих. Мадам Жино и ее сурового супруга уговорил позировать присоединившийся к Ван Гогу Поль Гоген. И хотя художники работали над портретами мадам Жино одновременно, готовые полотна оказались очень разными. У Ван Гога хозяйка кафе стала воплощением некоего светлого образа задумчивой прекрасной дамы. Гоген же не упустил случая немного поиздеваться над другом и соперником: зная, что Винсенту сложно писать «из головы», он по памяти воспроизвел интерьер кафе, использовал те же красные и зеленые оттенки и поместил на передний план мадам Жино, придав ее образу оттенок порочности. ВанГог Постимпрессионизм _history https://t.me/pic_history/5882
3881 

23.11.2021 20:37

"Бал в Мулен де ла Галетт" 1876 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе...
"Бал в Мулен де ла Галетт" 1876 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. Однажды в начале лета Ренуар сделал набросок бала в кабачке «Мулен де ла Галетт» на Монмартре. Этот замысел не давал ему покоя: устроить большой пленэр не в лесу, среди неподвижных деревьев и не у реки, а в самой гуще многолюдного праздника. Для этого художник поселился на Монмартре на целое лето, быстро стал местной знаменитостью, хотя место оказалось не самым спокойным и благонадежным. Дети здесь часто рождались без брака, и пока матери работали, а бабушки занимались хозяйством, малыши были предоставлены сами себе, ходили неумытые и голодные. Ренуар ежедневно раздавал им печенье, молоко и носовые платки и искренне переживал за брошенных младенцев: а вдруг начнется пожар или кошка влезет в колыбель? Он не задумывался над нравственностью девушек-соседок, а по привычке любовался их красотой, блестящими глазами и юной кожей, собранными в небрежный пучок волосами и искренними улыбками. Проект для застенчивого Ренуара выглядел отчаянным: найти с десяток натурщиков, расположиться с огромным холстом прямо рядом с танцующими парами и повторять этот трюк ежедневно. Но все на удивление легко складывалось – для мужских персонажей согласились позировать друзья-художники, а для привлечения местных девушек Ренуар изобрел собственный метод. Он знакомился с матерью юной красотки, просил разрешения писать дочь и предлагал плату за эту работу. Закончилось тем, что монмартрские мамаши приходили к нему сами и просили писать своих дочерей – натурщиц было хоть отбавляй. Каждый день на протяжении всего лета 1876 году кто-нибудь из друзей помогал художнику вынести огромный холст к танцевальной площадке «Мулен де ла Галетт» - и начиналась работа. Тот фантастический эффект солнечного света, пробивающегося сквозь листья акаций, который Ренуару удалось передать на подвижных фигурах, критики не оценили. На третьей выставке импрессионистов, где картина впервые предстала перед зрителями, на нее просто не обратили внимания. Мадам Ренуар, мать художника, сказала ему однажды, что должно пройти 50 лет, прежде чем люди начнут понимать его живопись. На самом деле прошло 20, пока из личной коллекции Гюстава Кайботта картина переехала в Музей Люксембургского сада, и 53 – пока ее перевезли наконец-то в Лувр. Больше столетия пройдет после того монмартрского лета Ренуара – и уменьшенная копия его картины «Бал в Мулен де ла Галетт» уйдет с торгов Sotheby’s за 78 млн. долларов. Мадам Ренуар была мудрой женщиной, которая мало понимала в искусстве и много – в людях. ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history
3420 

21.02.2022 20:37


"Лежащая обнаженная" 1935 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж...
"Лежащая обнаженная" 1935 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Лежащая обнаженная – не кто иная, как Лидия Делекторская, русская эмигрантка, любимая модель и просто любимая Матисса, его бессменный секретарь и помощник на протяжении 20 лет. Лидия стала вдохновением и лебединой песней позднего Матисса. Гений колористики, художник, которому цвет повиновался, как никому иному ни до, ни после, откладывал порой кисти и брал карандаш. Не это ли означает – учиться всегда, ни на мгновение не прекращая? Достигший совершенства в использовании цвета, получивший всемирное признание создатель чувственных, сладострастных одалисок, отстраненно на них взирающий, одевающий и раздевающий их по взмаху кисти своей, пожилой уже художник берет в руки бумагу и карандаш и, словно впервые влюбившийся мальчишка, рисует женщину, которая совсем не в его вкусе. И глядя на результат, мы хорошо понимаем, почему мадам Матисс долго смотрела на одно из изображений Лидии, а потом потребовала развод. Матисс берег Лидию от молвы, упоминал о ней исключительно как о «своем личном секретаре», но не рисовать её не мог. И любой карандашный набросок выдавал всё об отношении мастера к этой странной светловолосой русской, так не похожей на любимых им смуглых одалисок. Словно в молодости, когда простился с неоимпрессионизмом, художник заново открывает свойства линии. Он рисует линии, и каждая из них выдает безудержную, кажется, всю жизнь копившуюся нежность к Лидии. Один из критиков, глядя на рисунок, где несколькими штрихами изображена Лидия, облокотившаяся на руки, воскликнул: «Эти руки – само объятье, здесь только женская голова и руки, но они созданы для того, чтобы обнимать мужчину!» На рисунке «Лежащая обнаженная» художник изобразил и себя, и модель. Клод Роже-Маркс, характеризуя многочисленных «Одалисок» Матисса, отмечает, что они для художника – лишь часть обстановки, элементы рая. Иными словами, изображая сладчайших одалисок, Матисс сохраняет некую отстраненность и не теряет самообладания в этой наполненной негой атмосфере. Но у нас нет ни малейшего повода сказать нечто подобное о рисунке лежащей Лидии. Женщина в центре рисунка, окруженная со всех сторон художником, – без сомнения желанна и любима. Об этом говорит каждый изгиб и каждая линия ее тела, его расслабленность, поворот головы, приоткрытый рот, счастливо-рассеянный взгляд. Этот рисунок будет с некоторыми изменениями процитирован в «Лежащей обнаженной на фиолетовом фоне». В картине сохранилась особая мягкость, свойственная выходившим из-под кисти Матисса изображениям Лидии, но безоружной, беспредельной нежности, которая заметна в рисунке, убавилось. АнриМатисс Экспрессионизм _history
3498 

24.02.2022 20:38

"Ветряная мельница в солнечном свете" 1908 г. Пит Мондриан Муниципальный музей...
"Ветряная мельница в солнечном свете" 1908 г. Пит Мондриан Муниципальный музей Гааги. Один из наиболее часто повторяющихся мотивов в раннем творчестве Мондриана – мельница. Что, впрочем, совсем неудивительно для художника, родившегося и прожившего внушительную часть жизни в Нидерландах. Еще одним таким объектом стал маяк в Весткапелле, который Мондриан изображал в разных стилях и техниках, экспериментируя с ними так, как в свое время Моне с многочисленными стогами в разном освещении. Мельницы же Мондриан начал писать еще до экспериментов, новшеств и открытий. Но уже тогда, особенно поддавшись влиянию теософов, он тяготел к изображению этих крестообразных конструкций. «Мельница в солнечном свете» стала одной из самых знаменитых работ художника, обозначив некий рубеж в его творчестве. Это полотно, очень похожее на работы люминистов, – яркий, солнечный аккорд, созданный с помощью одной лишь триады основных цветов. Голландская живопись, повлиявшая на ранние работы Мондриана, была далека от понимания колористики. Большинство нидерландских художников XIX века отдавали предпочтение тонализму, в котором нюансы и оттенки были важнее цвета как такового. Пожалуй, только Винсент Ван Гог сумел выйти за рамки этой традиции. Но в начале ХХ века ситуация изменилась. В 1907 году друг Мондриана Ян Слёйтерс привозит из Франции новые модные веяния – пуантилизм и фовизм. Для всего европейского искусства начала ХХ века и для Мондриана в частности сосредоточенность в первую очередь на цвете стала первым шагом к обновлению. Прежде чем перейти к проблеме формы, европейская живопись находит новое видение реальности через выразительность цвета. Но интересно, что в то же самое время, когда Мондриан увлекается цветом, во Франции Пабло Пикассо и Жорж Брак обращаются к новому видению формы, которая позже станет такой значимой для Мондриана. ПитМондриан Пейзаж Импрессионизм _history
3278 

16.04.2022 21:04

Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о...
Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о Сюзанне Валадон, кого имеем в виду? Прекрасную, всегда разную натурщицу, запечатленную на шедеврах импрессионистов? Художницу, которая и сама оставила след в живописи? Мать знаменитого художника? Яркую, самобытную женщину? А может, скандальную даму Монмартра, участницу «проклятой тройки»? Вспомним всех. Вспомним Сюзанну Валадон. Сюзанна Валадон не родилась Сюзанной Мог ли кто-то предположить, что Мари-Клементин Валадон, незаконнорожденная дочь прачки, прославится отнюдь не достижениями на поприще стирки и прочего клининга, а станет всемирно известна как модель, запечатленная на картинах Ренуара, Тулуз-Лотрека, Пюи де Шаванна (сегодня мы любуемся ею в самых знаменитых музеях)? Но не только. Знаем мы Сюзанну Валадон и как самобытную художницу. Позируя этим мужчинам, Мари-Клементин училась у них. Художники писали ее, она же словно впитывала их умения. Сеансы позирования были для нее и сеансами обучения, о чем до поры до времени никто не подозревал. Известна она и как мать художника Мориса Утрилло, чья слава в итоге превзошла ее собственную. Но почему же Сюзанна? Ревнивый Тулуз-Лотрек (кстати, именно он первый увидел ее рисунки) так нарек ставшую на тот момент знаменитой любимую (во всех смыслах) натурщицу, прозрачно намекая на библейскую историю Сусанны и старцев. В роли старцев Лотрек представил именитых живописцев, которым Мари позировала. Правда, в отличие от Сусанны библейской, Сюзанна Валадон, смущающая «старцов Монмартра», чаще всего им не отказывала. Фамилию какого именитого художника должен был носить ее сын Морис Утрилло, не знала даже она. Мальчику было 8 лет, когда его усыновил один из возлюбленных Сюзанны, архитектор, художник и арт-критик Мигель Утрилло. По этому поводу ему приписывают шутку, мол, подписать творение одного из великих мастеров — большая честь для него. Сюзанна Валадон: «все сложно» С Сюзанной Валадон точности и определенности не будет, это становится очевидно уже при попытке начать стандартную биографию. Имя-фамилия, дата рождения, вот это всё. Насчет имени разобрались выше, но с датой тоже не всё просто. Мари-Клементин Валадон родилась в 6 утра 23 сентября 1865 года в доме мадам Гимбо в Бессине, так значится в книге регистрации актов о рождении. Однако сама художница настаивала на другой дате — 23 июля 1867 года. Мать Мари служила в доме Гимбо прачкой. Ее беременность вызвала множество пересудов: такая тихая, строгая и ответственная работница, и вдруг такой казус, ах. А что с папенькой, кстати? Неизвестно. В рассказах Сюзанны он появлялся то человеком знаменитого имени и голубых кровей, то всего лишь «простым» банкиром, а временами и каторжником. Впрочем, иногда она заявляла, что мать нашла ее у ступеней Лиможского собора. Практически всю свою жизнь Сюзанна Валадон создавала миф о себе, словно дразня биографов и потомков противоречивыми сведениями и шокируя непредсказуемыми выходками. Чего стоило утверждение, что свои неудачные картины она скармливает козе, обитающей в ее мастерской. А посещение мероприятий с пучком морковки в качестве букета? В последние годы жизни уже создавшая себе имя Сюзанна Валадон забросила живопись. Четко увидеть и определить момент, когда ты сказала всё, что могла сказать, и остановиться, — это, пожалуй, даже эффектнее, чем коза в мастерской. «У меня были великие учителя, от которых я взяла лучшее в отношении профессионализма и мастерства. Я нашла себя, стала той, кем в действительности являюсь. Мне было что сказать, и я сказала все. Так чего же хорошего в том, чтобы во что бы то ни стало продолжать, впадать в самоповторы, как старый маразматик? Нет уж, спасибо, не мой стиль».
3300 

18.04.2022 21:36

Рукоделие — главный тренд сезона! А еще самый доступный 

Рассказываем, как...
Рукоделие — главный тренд сезона! А еще самый доступный Рассказываем, как...
Рукоделие — главный тренд сезона! А еще самый доступный Рассказываем, как обновить свои старые вещи, используя главные тренды мировых модельеров с показов весна-лето 2022. Jil Sander отдает предпочтение различным видам вышивки: от бисера до французского узелка. С помощью таких деталей дизайн приобретает характер и фактуру. Попробуйте применить одну из техник на своей белой футболке. Chloe предлагает использовать ненужный текстиль (полотенце или постельное белье) для создания японских тапочек — дзори. Техника называется «nuno zori». Плетеный топ в технике макраме станет незаменимой вещью в летнем гардеробе. Для вдохновения взгляните на образы с показов Altuzarra или Magda Butrym. JW Anderson представил вязаную сумку, очень напоминающую авоську. Вы можете смело выбирать любые цвета и материалы, чтобы самостоятельно создать трендовый аксессуар. Модный дом Jacquemus использует хаотичное расположение жемчуга на трикотаже для свежих образов. Предлагаем заимствовать идею!
3144 

04.05.2022 13:35

«Зимой в лесу» – одна из композиций Левитана этюдного характера, написанная в...
«Зимой в лесу» – одна из композиций Левитана этюдного характера, написанная в середине 1880-х годов. В это время в творчестве Левитана, вышедшего после 11-летнего обучения из Училища живописи, ваяния и зодчества, всё более проявлялась его художественная индивидуальность: чуткость к трудноуловимым движениям природы, эмоциональная заряженность, способность посредством пейзажа выразить человеческие переживания. Картина «Зимой в лесу» особенно интересна еще и потому, что зиму Левитан писал очень мало, отдавая предпочтение другим временам года. Биографы художника утверждают, что зима была для него нелюбимым и самым трудным временем года. Короткий световой день, частая облачность, при которой постоянно недостаёт света, а краски гаснут, не успев проявить себя в полную силу, – всё это нередко доводило склонного к меланхолии Левитана до отчаяния. Тем не менее, его редкие зимние пейзажи замечательны и деликатны по цвету. «С удивительной точностью запечатлел Левитан мягкость влажной оттепели в пасмурный день», – пишет о картине «Зимой в лесу» искусствовед Владимир Петров. С большой колористической достоверностью показана влажная шершавость стволов старых деревьев, торчащие из-под снега остовы сухой травы, небо в преддверии сумерек. Во многих языках для обозначения этого короткого промежутка времени, когда солнце уже зашло, но окончательная тьма еще не наступила, служит поэтичное выражение «между собакой и волком». Происхождение волка на картине Волк на этой картине написан другом Левитана Алексеем Степановым. Так же как Левитан, он был студентом Московского училища живописи, ваяния и зодчества и страстным охотником. Степанов сотрудничал с журналом «Природа и охота» и впоследствии сделал себе имя пейзажами и жанрами, в которых животные играют сюжетообразующую роль. А сразу после училища оба небогатых художника ютились в дешёвых комнатах по соседству. Вероятно, в это время волк и был «подселен» Степановым в картину Левитана. Еще один их друг, художник Михаил Нестеров, вспоминал: «По зимам он (Левитан – ред.) кочевал по меблирашкам, набитым всяким людом. Последними из таких шамбр-гарни были номера «Англия» на Тверской. Там часто мы виделись с ним; там в те дни жил, еще холостяком, наш общий любимец Алексей Степанович Степанов, Стёпочка, как все его звали, лучший после Серова анималист». Нужно заметить, что в последней трети XIX века в русской живописи подобная «узкая специализация», когда пейзаж пишет один художник, а фигуры (не только животных, но и людей) доверяет написать другому, была явлением если и не общераспространённым, то, во всяком случае, не редким. Медведей в шишкинском «Утре в сосновом лесу» написал Константин Савицкий, женщину в картине Левитана «Осенний день. Сокольники» – Николай Чехов, Репин вписывал фигуру Пушкина в марину Айвазовского, Перов обращался к Алексею Саврасову с просьбой дописать пейзаж в некоторых из его картин. Впрочем, и назвать эту практику чрезвычайно успешной нельзя: чужая рука часто привносит в картину ощущение утраты художественной целостности. В биографическом романе Ивана Евдокимова «Левитан» автор вкладывает в уста учителя Левитана Саврасова такой монолог: «Василий Григорьевич Перов просил меня в картине «Птицелов» и «Охотники на привале» написать пейзаж, и я написал. – Он фыркнул пренебрежительно. – Хорош бы я был мастер, если бы грача мне написал Васька Перов, а я бы только лазурь и облака». ИсаакЛевитан Пейзаж Реализм _history
2166 

09.01.2023 21:37

Для Мизии Годебской даже в современном мире вряд ли можно подыскать правильное...
Для Мизии Годебской даже в современном мире вряд ли можно подыскать правильное профессиональное амплуа. Она не создала ни одного художественного произведения, она творила шедевр из собственной жизни и вдохновляла самых ярких художников и писателей своего времени. Мизиа дружила с Тулуз-Лотреком, Дебюсси, Малларме, Ренуаром, Стравинским, Пикассо, без нее не состоялась бы премьера «Петрушки» - именно она помогла Дягилеву деньгами, когда постановка оказалась под угрозой. Когда Мизиа была женой Тоде Натансона, редактора художественного журнала La Revue blanche, часто именно она оказывалась консультантом редакции в выборе тем и персоналий. Она говорила на всех европейских языках и была самой близкой подругой Коко Шанель, в ее честь назван один из ароматов модного дома – Misia. Мизиа Годебска была замужем три раза и, к огромному разочарованию многих страстно влюбленных поклонников, никогда не заводила романов на стороне. В то время, когда Ренуар писал ее портрет, это была Мизиа Эдвардс. А вот для Альфреда Эдвардса, мужа Мизи, уже тогда профессиональное амплуа определялось точно: заводчик-мультимиллионер. Он владел добрым десятком предприятий и одним из первых начал добывать бокситы для изготовления нового металла с большим будущим – алюминия. «Чтобы добиться такой женщины и на ней жениться, он придумал следующий способ: каждый вечер приглашал на обед всех ее друзей. Чтобы не оставаться одной, она была вынуждена присоединяться к компании. Эдвардс усаживал ее по правую руку и всякий раз под салфеткой она обнаруживала футляр с бриллиантом большой цены», - вспоминал Ренуар и добавлял, что ни одна женщина против такого не устояла бы. Для Огюста Ренуара, тогда уже прикованного к инвалидному креслу, в доме Мизи и Альфреда построили лифт, чтобы художник мог подниматься в комнату хозяйки для сеансов позирования. Когда работа была окончена, Мизиа выдала Огюсту пустой чек и попросила самостоятельно оценить картину. Ренуар, на взгляд мадам Эдвардс (фамилию Серт она получит от своего следующего мужа), оказался слишком скромен в оценке своего произведения. Для художника это было время, когда он заговорил на своем живописном языке, когда стал знаменит и наконец-то мог не заботиться о деньгах. Этот поздний период искусствоведы называют «красным» - Ренуар не боится ярких, страстных цветов и мастерски создает сложные колористические решения. Его палитра становится предельно лаконичной. «Бедными средствами богатый результат» - ставит художник перед собой головоломную задачу и блестяще с ней справляется. Трудно поверить, что в этом году Огюст уже не смог жонглировать и заменил эту зарядку для больных, изуродованных ревматизмом рук более простой – подбрасыванием поленца. Скоро он не сможет держать в руках и его. ПьерОгюстРенуар Портрет Импрессионизм _history
2204 

10.01.2023 20:37

Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на...
Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на интерьер кафе направлен сверху вниз, а перспектива намеренно искажена. Висящие на стене часы показывают начало первого ночи: в это время в подобном заведении едва ли можно было встретить приличную публику. В отличие от людей за столиками летней террасы, некоторые из здешних посетителей, похоже, уснули на месте, выпив лишнего. Да и вся эта сцена выглядит так, будто бы мы смотрим на нее глазами весьма нетрезвого человека. Стены окружают со всех сторон, давят и не дают дышать, и в то же время как будто «разъезжаются». Но самое главное, что отличает эти две картины – цветовая гамма, которая задает настроение. Несмотря на типичное для арльских работ Ван Гога обилие желтого и ореолы света вокруг ламп, «Ночное кафе» лишено ощущения уюта и спокойствия. В письме брату Винсент писал об этой картине так: «Я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цветов». На самом деле красный цвет довольно редко становился доминирующим в работах художника. И похожий грязноватый кровавый оттенок в следующий раз станет фоном для его «Автопортрета с перевязанным ухом и трубкой». Существует и второй вариант «Ночного кафе», в котором изображение еще более плоское, а цвета – еще более ядовитые. В «Ночном кафе» Винсент изобразил реально существовавший интерьер маленького привокзального заведения, принадлежавшего супругам Жино. Художник снимал у них комнату, когда только поселился в Арле, и позже написал портреты обоих. Мадам Жино и ее сурового супруга уговорил позировать присоединившийся к Ван Гогу Поль Гоген. И хотя художники работали над портретами мадам Жино одновременно, готовые полотна оказались очень разными. У Ван Гога хозяйка кафе стала воплощением некоего светлого образа задумчивой прекрасной дамы. Гоген же не упустил случая немного поиздеваться над другом и соперником: зная, что Винсенту сложно писать «из головы», он по памяти воспроизвел интерьер кафе, использовал те же красные и зеленые оттенки и поместил на передний план мадам Жино, придав ее образу оттенок порочности. _history ВанГог Постимпрессионизм
82 

23.06.2024 21:03

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru