Цветущие маки (1907) - Густава Климта Пейзажи Климта близки к...

Маки (Поле маков) 1873 Клод Моне Это одна из самых узнаваемых работ мастера. Композиция имеет ярко выраженное диагональное построение, подчёркнутое маками. При этом всё композиционное решение воплощено с помощью цвета – красный организует и структурирует пространство картины. Две фигуры людей у нижнего правого угла полотна уравновешиваются двумя фигурами в начале диагонали. Моне не стал искать новую натуру, а снова изобразил жену и сына, как зеркальное отражение фигур ближнего плана. Работа над картиной шла на пленере. С небольшим переносным холстом в руках Моне отправлялся к макам, стремясь запечатлеть сиюминутное впечатление, при этом гармонично скомпоновав все детали и фрагменты картины.

Ограбление музея в Цюрихе В феврале 2008 года вооруженные люди ворвались в музей Собрание Фонда Эмиля Бюрле в Цюрихе, Швейцария, и похитили 4 шедевра, общей стоимостью 140 миллионов долларов. Это самая крупная кража произведений искусства в швейцарской истории. Картина «Маковое поле близ Ветёйя» Клода Моне была одной из похищенных картин. Также преступники унесли такие шедевры, как «Людовик Лепик и его дочери» Эдгара Дега, «Цветущие ветви каштана» Винсента Ван Гога и «Мальчик в красном жилете» Поля Сезанна. Картины Ван Гога и Моне были быстро обнаружены полицией и их вернули в музей, остальные бесследно исчезли.

«Женщина с цветком» 1929г. Грант Вуд Картина содержит все авторские стилистические черты художника– главная героиня изображена крупным планом, чёткая линия рисунка, точная прорисовка, присутствие аллегорических символов. На полотне живописец изобразил свою мать. Ей здесь 71 год, и Вуд написал мать очень реалистично и максимально правдиво. Зритель сразу может отметить характерный «возрастной» цвет лица, глубокие морщины треугольником, уставший взгляд, старческие руки и редеющие седые волосы. Особенная худоба модели также характерна для пожилого человека. Передник, который был в моде десяток лет назад, ещё одна красноречивая отсылка к возрасту героини. Самый неожиданный элемент в картине – цветок в руках женщины. Читая название, мы ожидаем увидеть какое-нибудь цветущие живописное растение. Однако сразу замечаем, что мать художника держит трёхполосную сансевиерию в коричневом глиняном горшке. Сам живописец утверждал, что этот выбор не случаен - растение символизирует прямолинейный характер его мамы.

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Над городом" 1918 г. Марк Захарович Шагал Государственная Третьяковская галерея. «Над городом» - одна из самых знаменитых картин Марка Шагала. На ней художник изобразил всё, что у него было важного в жизни на тот момент: самого себя, любимую жену Беллу и Витебск. Отбросив земное притяжение, счастливые влюбленные летят над городом, обнявшись. Под ними расчерченный и опоясанный бесконечными заборами Витбеск – в этом же году Шагал в недолгий период очарования новой властью устроит на этих заборах уникальное граффити, разрисовав их к годовщине Октябрьской революции. Люди часто летают на картинах Шагала. Особенно ему нравилось отправлять в полет влюбленных. В таких случаях мы видим буквальное воплощение метафоры «летать от счастья». В книге воспоминаний Беллы Шагал «Горящие огни» есть описание того, как Марк Шагал отправляет их двоих в полет: «Ты бросаешься к полотну, дрожащему под твоей рукой. Обмакиваешь кисти. Хлещет красный, синий, белый, черный. Втягиваешь меня в водоворот красок. И внезапно ты отрываешься от земли и тянешь меня за собой». Однако летают у Шагала не только от счастья. Полет на его картинах – это даже не преодоление земного притяжения, а простое и естественное состояние человека. Идет ли речь о счастливых влюбленных, цирковых акробатах, обнаженной женщине или еврее, пролетающем над Витебском. Такова особенность картин Шагала – в них безудержен полет фантазии, но при этом фантастическое абсолютно реально и достоверно. Особый эффект картины «Над городом» создается трогательным сочетанием бытовых моментов и выхода за пределы быта. Пикантная деталь – присмотритесь к нижнему левому углу. Что происходит под витебским забором? Совершенно верно, кто-то, стянув штаны, справляет нужду. Вот так сюрприз, одна из самых романтичных картин Шагала! В том и романтизм его, в том и прелесть, что всё – едино. И полет, и голый зад, и изящный наряд Беллы, которая ведь тоже представлена отнюдь не как абстрактная идея прекрасной возвышенной дамы. Если фигура самого художника кубизирована, то Белла написала мягкими округлыми линиями. Она более чем реальна – кружевные оборки на платье, в подробностях тщательно прорисованные туфельки… Впоследствии искусствоведы не раз удивятся тому, как можно было создать бесконечную симфонию любви, посвятив ее реальной женщине, с которой живешь рядом многие годы. Вероятно, для этого нужен тот особый взгляд, позволяющий видеть в любимой одновременно и в деталях кружевную оборку платья и полет ее души. МаркШагал Сюрреализм _history

Гермафроди́т — согласно древнегреческой мифологии, прекрасный юноша, сын посланника богов Гермеса и богини любви Афродиты. Он либо изначально был двуполым, либо, согласно более поздним версиям мифа, стал таковым, будучи слит богами в единый организм с влюблённой в него нимфой Салмакидой. Имя Гермафродита стало нарицательным для обозначения животных и людей, обладающими признаками обоих полов. Позднее этот термин перешёл в биологию и медицину. https://tanjand.livejournal.com/3299440.html https://tanjand.livejournal.com/3299440.html

"Майский пикник" 1873 г. Пал Синьеи-Мерше Венгерская национальная галерея, Будапешт. Разве можно, глядя на «Майский пикник» Синьеи-Мерше, не вспомнить многочисленные импрессионистские «завтраки»? Мане и Моне ко времени написания картины уже отправили свои компании молодых людей и девушек завтракать на природе. Пожалуй, в данном случае скорее возникает аналогия с мирным благопристойным «завтраком» Моне, а не со скандальным пикником с обнаженными девушками Эдуара Мане. Герои расположились на отрытом пространстве, причем композиция так выстроена (точнее сказать, что правилами композиции автор несколько пренебрег), что взгляд словно «проваливается» в расположившуюся на поляне компанию. Синьеи-Мерше вводит в сюжет картины интригу – отдыхающие не равноценны, очевидно, что двое молодых людей активно пытаются завладеть вниманием двух девушек. Все они изображены вполоборота, мы видим их увлеченные лица. Еще двое мужчин предоставлены сами себе: один что-то выискивает в траве, второй лежит на пледе. Лицо первого скрыто широкополой шляпой, второй отвернут от зрителя. Кажется, самого автора они интересуют меньше, чем две кокетничающие пары. Светло-зеленое пространство поляны на заднем плане сливается с синевой неба. Красные пледы и цветы справа от девушки в розовом демонстрируют незаурядное умение Синьеи-Мерше использовать цветовые контрасты. Более чем через 20 лет это безоговорочно подтвердят его великолепные «Маки».

"Ужин" 1902 г. Лев Самойлович Бакст Государственный Русский музей. На картине Бакста «Ужин» изображена жена Александра Бенуа Ася, в девичестве – Анна Кид. Кстати, сам Бакст эту работу предпочитал называть «Дама с апельсинами» или «Дама в ресторане». На пятой выставке «Мира искусства» в феврале 1903 года вокруг «Ужина» разразился скандал. Даже великий князь Владимир Александрович с супругой укорили художника в скабрезности и неприличной игривости. Чем же эпатировала искушенную публику эта невинная по сюжету картина? Идеолог передвижников Владимир Стасов раскритиковал «Ужин» Бакста, камня на камне от него не оставив. Он назвал героиню «кошкой в дамском платье», а саму картину – невыносимой вещью. «…ее мордочка в виде круглой тарелки, в каком-то рогатом головном уборе; тощие лапы в дамских рукавах протянуты к столу, но она сама смотрит в сторону, словно поставленные перед нею блюда не по вкусу, а ей надо стащить что-нибудь другое на стороне; талия ее, весь склад и фигура – кошачьи, такие же противные, как у английского ломаки и урода Бердслея». Сравнение с Бердслеем вполне уместно, а оценочное суждение Стасова спорно. Леон Бакст действительно написал картину в стиле модерн. И кошачьей грации героине не занимать. При внешней сдержанности сюжета изображенная женщина действительно завораживающе чувственная и манящая. Да и сама обстановка может вызвать разные трактовки. Это что же, она изволит в одиночестве в ресторане ужинать? Известно, что за девицы ходят одни в ресторан! Изысканный головной убор, богатый наряд, небрежно брошенная на спинку стула меховая горжетка – дама явно обеспеченная (и у благочестивого обывателя возникает вопрос, откуда ее обеспеченность). А самое невыносимое – дерзкий взгляд! Ох и доставалось за него изображенным в одиночестве красивым женщинам. Будь речь о скандальной «Олимпии» Мане, или овеянной легендами «Неизвестной» Крамского, или бросающей вызов парижскому обществу женщине из кафе на картине Репина. Всем авторам досталось за эти картины, а уж что говорилось о самих героинях! Помимо упреков в безнравственности Баксту пришлось выслушать много нелицеприятного и по поводу примитивного колорита. Отставим в сторону вопросы морали, но однозначно опротестуем последнее утверждение. При минимальном количестве использованных цветов Бакст проявил виртуозное владение колоритом, изобразив удивительно богатые переходы, переливы, оттенки и контрасты. Чего стоят складки скатерти! Были и положительные отзывы на «Даму с апельсинами». К примеру, критик и философ Василий Розанов пришел в восторг от картины. В героине он увидел стильную, тонкую декадентку «с улыбкой аля-Джоконда». Кстати, любопытный и забавный нюанс. Возможно, свою лепту в скандализацию «Ужина» внесли устроители выставки. То ли случайно, то ли по чьему-то умыслу рядом с модерновой изящной дамой Бакста оказались «Три бабы» Малявина. Невольное сопоставление зрителями этих образов: крепких крестьянских баб и изящной декадентки – наводило на множество мыслей. Такие разные! Такие ли разные? Так далеки друг от друга! Полно, да правда ли далеки? Эти рядом расположенные ипостаси женственности не могли не взволновать посетителей выставки, потому разговоры об «Ужине» долго не смолкали. ЛевБакст Модерн _history

В гостях 1915 Абрам Архипов Русский музей, Питер Молодые рязанские крестьянки, каждая из которых олицетворяет бытующее в народе представление о женской красоте. Это крепкие, здоровые, цветущие женщины с румянцем во всю щеку, знающие себе цену. В их облике, позах, жестах – величавость, уверенность, достоинство. Несмотря на обобщенность образов, данных преимущественно в своеобразии внешне броского облика, и типизированность лиц, художник передает и индивидуальные черты своих моделей. Применяя в размещении четырех женских фигур на полотне принцип кольцевой композиции, Архипов сдвигает всю эту группу вправо и акцентирует на ней внимание зрителя сочно взятыми, широко положенными пятнами освещенных солнцем одежд. Архипов искал пути, краски, лица и, наконец, достиг апогея творчества. Картина действительно имела успех и стала лучшей в творчестве Архипова этого периода.

"Автопортрет с желтыми лилиями" 1907 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. «Автопортрет с желтыми лилиями» – изображение не просто человека, женщины, а художницы. Наталья Гончарова обладала невероятным трудолюбием. За свою жизнь она успела поработать, кажется, во всех направлениях, которыми была так богата эпоха модернизма. Здесь она запечатлена в период становления своего таланта. Гончарова все еще увлечена импрессионизмом, об этом свидетельствуют мягкие переливы картин на заднем плане и белой блузке. Но полыхающие лилии в руках художницы отсылают к постимпрессионизму и фовизму и даже вполне определенно перекликаются с Ван Гогом. Гончарова изобразила себя нарочито крупной, никакой «тонкости изящных запястий», напротив – охапку сияющих лилий держит рука труженицы, сильная рука художника. Марина Цветаева так описывает Гончарову: «Внешнее явление Гончаровой. Первое: мужественность. (…) Прямота черт и взгляда, серьезность — о, не суровость! — всего облика. Человек, которому все всерьез. Почти без улыбки, но когда улыбка — прелестная». И действительно, мягкая обезоруживающая улыбка, умный, несколько насмешливый и ироничный взгляд смягчают грубость черт и придают всему образу художницы нежность и открытость. Не нежность ее двоюродной прабабки и тезки Натали Гончаровой (жены Пушкина), выраженную в покатых линиях, изящных чертах и тонких изгибах, а нежность сильной и мудрой женщины, не открытость наивного ребенка, но открытость художника, оживляющего своими руками холст. Само лицо героини портрета выглядит так, словно оно – холст. Кажется, фактурой оно схоже с картинами на заднем плане. И действительно, через несколько лет Наталья Гончарова вместе с мужем Михаилом Ларионовым, Давидом Бурлюком и другими футуристами будет разгуливать по городу, разукрасив лицо красками. Нет-нет, не в смысле макияжа, речь о том, что мы сегодня называем фейс-артом, когда лицо становится холстом. НатальяГончарова Портрет _history

"Помада" 1908 г. Франтишек Купка Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. «Помада» изображает проститутку, красящую губу. Франтишек Купка в этот период любил писать «полусвет» Парижа. Большим любителем изображать этот срез парижского общества был также Анри де Тулуз-Лотрек. «Помада» написана в фовистическом стиле с уклоном в экспрессионизм. Изображенная в профиль женщина вытянулась в направлении зеркала и тщательно подводит губы. Яркий цвет помады и интенсивный макияж явно свидетельствуют о том, что они не являются всего лишь украшением, а представляют собой печать профессиональной принадлежности. В левой руке женщина сжимает еще несколько тюбиков для наведения подобающей ситуации красоты. Цветовая палитра картины интенсивная, синий фон – густой и плотный, женская фигура на нем выделяется очень ярко. Практически прямая диагональ, созданная спиной и изящной, вытянутой шеей, и округлая, мягкая нижняя линия, подчеркивающая изгибы и формы, выводят взгляд зрителя к смысловому и цветовому эпицентру картины – месту соприкосновения алого рта и алой помады. Через несколько лет Купка присоединиться к течению Робера Делоне, орфизму. О сочетании красного и синего Делоне говорил, что по воздействию оно подобно удару кулака. Купка об этом явно знал и раньше, не зря ведущие акценты «Помады» – красный и синий (это же сочетание он повторяет еще в одной своей работе с "макияжем"). Картина лишена как морализаторства, так и любования пороками. Купка показывает очень реальный, земной мир, никоим образом не кажущийся порождением воображения. Он такой, как есть – деградирующий, материалистический и при этом обладающий своеобразным притяжением. Конечно, до Тулуз-Лотрека, особо отличившегося в деле познания этой стороны жизни, Купка не дотягивал, но моделей своих для этого цикла писал по личным, так сказать, впечатлениям. ФрантишекКупка Портрет _history

"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в Нарни» – первый по времени пейзажный шедевр Камиля Коро и первая его картина, представленная в Салоне. С неё начинаются два важных сюжета. Первый – вполне мучительное противостояние художника и французского Салона. Второй и более глобальный – досрочное и непредвиденное, как всякий фальстарт, зарождение идей и техник импрессионизма задолго до его «официального» возникновения. Нарни, или Нарния, – так называется древний городок в центрально-итальянской Умбрии. Коро попал туда во время трёхлетнего (1825-1828) творческого путешествия по Италии. На родине, во Франции, ему преподавали искусство пейзажа художники Мишалон и Бертен, но это был пейзаж академический (или, как его еще называли – исторический) с его традиционными условностями и статичной монументальностью. А Коро искал чего-то совсем иного – более живого, более непосредственного. Его интуиция подталкивала к пейзажу менее умозрительному и более близкому к реальности. В Италии Коро писал продуктивно и много, он чувствовал себя освободившимся. Одним из результатов этого вдохновенного труда стал замечательный «Мост в Нарни». По сути, традиционная тема: живописные руины, вписанные в ландшафт. Но Коро наполняет её новым, живым и праздничным, содержанием. С поразительной точностью ему удаётся схватить и передать момент раннего солнечного утра. Короткий и лучезарный миг, который вот-вот исчезнет: солнце поднимется выше, свет станет ярче, тени обозначатся резче и пейзаж переменится, станет совсем другим. А ощущение радости – уйдёт. И потому для Коро так важно запечатлеть испытанное настроение (его потом станут называть создателем «пейзажа настроения»). Коро не особо интересны отдельные детали пейзажа – важнее передать прозрачность воздуха, рассеянный утренний свет, контраст желтого песчаного дна и темно-зелёного холма, оттенки цветных отражений в мутноватой воде. Конечно, критики и публика Салона приняли первую работу Коро довольно прохладно. И вторую. И много последующих. А для Коро, по складу своего характера чуждого всякой революционности (он ведь целых 7 лет не решался бросить торговлю, чтобы заняться живописью, – отец не разрешал), официальное признание Салона было так важно! И так недостижимо. Однажды он все-таки получил второй приз и нравоучение: «В следующий раз, мсье, привозите полотна поменьше». В другой раз о его деревьях станут говорить, что они написаны губкой, которую Коро обмакивал в грязь. И вечно картины Коро будут развешивать в самых темных уголках – там, где его валёры (тончайшие переливы цвета) и вовсе не разглядеть. В 1865-м, когда Коро уже будет под 70, его картины войдут в моду и получат признание, но золотая медаль Салона всё равно уйдёт академисту Александру Кабанелю, изобразившему президента Наполеона III. Того самого Наполеона III, который съязвил по поводу утренних пейзажей Коро: «Чтобы понять этого художника, нужно слишком рано вставать». Только постфактум критика поймёт, что «Мост в Нарни» – это точка отсчёта для пейзажного искусства новейшего времени и настоящий шедевр. Один из критиков справедливо напишет о прорыве, который, сам того не осознавая, совершил своей картиной Коро: «Самостоятельно, не имея никакой программы, чисто интуитивно Коро перенёсся через пятьдесят лет живописи, перейдя от классицизма к имрпессионизму». А британский историк искусства и писатель Кеннет Кларк пошутит по поводу «Моста в Нарни», что в этой картине Коро сделался «свободен, как самый энергичный Констебл». КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

"Маки и бабочки" Май 1889 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Настоящий мастер сумеет отыскать сюжет для картины даже в самых простых вещах и явлениях. Таким мастером по праву можно назвать Винсента Ван Гога — любое его полотно, будь то зарисовка из уличной жизни или натюрморт, наполнены глубокой задумчивостью и скрытым восторгом перед красотой живой природы, предстающей перед нами в разнообразных обличьях. Картина Ван Гога «Маки и бабочки» — одна из многих композиций великого художника, которые привлекают зрителя гармоничностью линий и контрастными оттенками. На ней изображены цветки мака и пара бабочек, порхающих возле них. Это произведение живописец написал в сложный период своей жизни. Поссорившись в 1888 году с Гогеном, художник утратил душевное равновесие и обратился за помощью к врачам. Весной 1889 года он был помещен в лечебницу неподалеку от городка Сен-Рени, где провел целый год. На протяжении этого времени Ван Гог боролся с приступами депрессии и отчаяния, находя спасение в рисовании: неиссякаемым источником вдохновения для него служил живописный сад, в котором росли разнообразные деревья и цветы. Именно здесь он создал свои пейзажи с оливами и кипарисами, а также множество натюрмортов с цветами, в числе которых — картина Ван Гога, на которой изображены маки и бабочки. Искусствоведы отмечают созвучие этого полотна традиционной японской живописи. Художник словно скопировал традиционную манеру японских живописцев, изобразив все детали максимально декоративно. Издалека картина напоминает цветной эскиз, наспех набросанный в перерыве между работой над крупным холстом. Грубая неровная рамка, будто вышедшая из-под широкой кисти, обмакнутой в черную тушь, создает канву асимметричной композиции. Практически вся правая сторона картины Ван Гога «Маки и бабочки» заполнена художником, а в левой части он оставил почти пустое пространство, тронутое краской лишь в нескольких местах. Основная роль на картине Ван Гога «Маки и бабочки» отведена ярким контрастным пятнам, которые складываются в изображение пылающих красных маков, ярко-зеленой остролистной травы и нераспустившихся бутонов. Фоном для них служит лазурное небо, которое художник схематически изобразил несколькими широкими мазками. Две белых бабочки-капустницы, порхающих на клумбе с маками, служат противовесом крупным лепесткам цветков и составляют с ними единое целое. От картины веет спокойствием, которого можно достигнуть только во время созерцания живой природы. Картина Ван Гога «Маки и бабочки» хранится в Амстердаме в музее Винсента Ван Гога. Она стала источником вдохновения для многих современных художников и скульпторов, а ее многочисленные репродукции украшают интерьеры частных домов и деловых офисов. ВинсентГог Натюрморт Постимпрессионизм _history

Парижский поезд в виде музея. В Париже 5 пригородных поездов на линии RER-C получили поистине королевскую раскраску. Железнодорожная компания SNCF превратила вагоны в подобие залов и садов Версальского дворца. Для макияжа интерьеров поездов команда использовала специальную самоклеящуюся пленку. Различные вагоны воссоздают сады, фонтаны или интерьеры Версальской резиденции, включая даже детали, такие как цветы, мебель и потолочные плафоны. Поезда были выпущены на линию 2016 году. Это не первый раз, когда SNCF решает украсить свой транспорт. Ранее в пригородных поездах воссоздавали картины импрессионистов из любимого туристами Музея Орсэ.

Пряничные домики. Художница Карла Жерар (Karla Gerard), родилась и живет в штате Мэйн, в США. Работы Карлы сложно отнести к какому-то одному жанру. Обычно их позиционируют как примитивизм или абстракцию. Сама художница считает, что она пишет акрилом по холсту скорее в фолк-абстрактной манере. На ее картинах с детской наивностью и непосредственностью изображены городские и деревенские пейзажи, цветущие деревья и птицы, люди и животные. Все выглядит очень ярко и позитивно.

"Пара ботинок" Август 1888 г. Винсент Ван Гог Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В 1886 году начался новый период творческой жизни Ван Гога, один из самых плодотворных и значимых для становления его как художника. Он покинул Антверпен, поняв, что дальнейшее творческое развитие в Голландии невозможно, и переехал в Париж. Знакомство с импрессионистами и посещение художественной студии, изучение японской живописи наложили свой отпечаток на творчество живописца. В его картинах появились яркие сочные цвета и особая манера передачи воздушного пространства. Ван Гог окончательно ушел от реализма, свойственного голландской школе живописи. Здесь была написана знаменитая серия работ, посвященная обуви, преимущественно, бедняков. Имеющая непосредственное отношение к этому циклу картина Ван Гога «Пара ботинок», относится к арлезианскому периоду. Создавая полотна, изображающие рваную стоптанную обувь бедняков, Винсент обращается к одной из своих излюбленных тем: жизни простых людей, их тяжелому быту. Кроме того, многие исследователи рассматривают все его произведения как отражение внутреннего мира художника. Неизвестно, чьи башмаки изображены на картине Ван Гога «Пара ботинок»: кого-то из жителей Арля, купленные на блошином рынке или принадлежавшие ему самому. Но они вполне могут служить символом лишений и страданий носившего их человека. Далеко не новые, принявшие форму ног своего владельца, покрытые изломами, как морщинами, ботинки явно только что сняты и небрежно брошены на пол. Судя по всему, их владелец долго бродил под дождем или по влажной траве: об этом свидетельствует лужа, натекшая на пол. Их невозможно рассматривать как просто предмет, безликий и неодушевленный, поскольку они являются свидетелями, пусть и молчаливыми, всего, что случилось за день с их хозяином. Натюрморты с обувью сюжетно перекликаются с известной картиной художника «Едоки картофеля», продолжают ее тему: есть ощущение, что поношенные ботинки принадлежат героям именно этого полотна. Картина же Ван Гога, созданная в Арле, скорее более личная, имеющая непосредственное отношение к самому живописцу: «Пара ботинок» написана в другой манере и иной обстановке. Это произведение заметно отличается от первых в этой серии: явно прослеживается влияние импрессионизма, живописец использует приемы и знания, полученные во время пребывания в Париже. Скорее всего, фоном для этого натюрморта стал пол в «Желтом доме» — несостоявшемся проекте Винсента, ставшим еще одним разочарованием в его жизни. Идея создания мастерской на юге, в Провансе, провалилась. Самое печальное, что ее обсуждение с Гогеном, которому предназначалась главная роль в будущей студии, закончилось ссорой, увечьем и дальнейшим пребыванием Винсента в лечебнице. Все эти события случились после написания картины Ван Гога «Пара ботинок», однако ее можно рассматривать как символическое полотно: ботинки, снятые после тяжелого трудового дня, проделали вместе с хозяином долгий путь, но неизвестно, была ли эта дорога выбрана правильно. ВанГог Постимпрессионизм _history

Спящий Гермафродит Римская копия с оригинала II века н. э. (матрас добавлен Бернини в XVII веке). Лувр Согласно легенде, сын Гермеса и Афродиты был очень красивым юношей, и влюбленная в него нимфа Салмакида попросила богов соединить их в едином теле. Скульптура считается римской копией с греческого оригинала II века н. э., попала в музей в начале XIX века. В 1807 году Наполеон попросил зятя, князя Камилло Боргезе, продать некоторые экспонаты коллекции. Отказаться от предложения императора была по понятным причинам нельзя. Мраморные матрас и подушка, на которых возлежит Гермафродит, были добавлены в 1620 году Джованни Лоренцо Бернини, скульптором эпохи барокко, чьим покровителем был кардинал Боргезе. Впрочем, эта деталь подчеркивает скорее анекдотичную сторону композиции, что вряд ли входило в задумку греческого автора. Со скульптурой связано и поверье, о котором иногда рассказывают экскурсоводы музея: якобы, мужчины, прикоснувшиеся к спящему, тем самым увеличивают свою мужскую силу.

Многие думают, что искусство - это скучно. Помните эти унылые школьные походы в музеи, когда экскурсовод монотонно рассказывает историю искусства? Вот я помню, мне не нравилось. Детей, да и взрослых, можно заинтересовать только интересными фактами и подробностями. А дальше они сами втянутся, проверено Поэтому расскажу вам про макияж в 18 веке Дамам выходить без пудры, румян и белил было нельзя. В белила добавляли свинец, а это, сами понимаете, для кожи не очень полезно. Но не всегда дамы знали меру с «тональником» 18 века, поэтому в случае, если они вдруг переборщили с количеством макияжа, его снимали специальным ножиком, как художник снимает лишнее масло с холста Ну и румяна! Румяна должны быть обязательно. Кстати, очень хороший способ заинтересовать детей - рассказать подобный интересный факт и искать с ребёнком картины, на которых этот феномен изображён PROинтересныефакты