Назад

Джордж Лесли Данлоп "Служанка в коричневом" (1874) Каким образом вся эта...

Описание:
Джордж Лесли Данлоп "Служанка в коричневом" (1874) Каким образом вся эта конструкция для переноски воды работала?

Похожие статьи

️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San...
️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San Daniele) в Удине, затем переехал в Венецию, где стал учеником Джорджоне. В 1514 году переехал в Рим, где поступил в мастерскую Рафаэля и считался одним из наиболее талантливых его учеников. Джорджо Вазари отмечал его стремление к гротеску и большую любовь к изображению природы — как растений и животных, так и неодушевлённых предметов. После смерти Рафаэля работал на кардинала Джулио Медичи (будущего папу Климента VII) по украшению Вилла Мадама, завершив работу к 1525 году; находился в конфликте с Джулио Романо. С 1521 по 1522 год работал во Флоренции, затем вернулся в Рим, в 1527 году покинул его, вернувшись в Удине, где стал архитектором и участвовал в восстановлении местного замка (итал. Castello di Udine), разрушенного сильным землетрясением 1511 года. В 1532 году ненадолго ездил во Флоренцию. В 1547 году создал лестницу с внешнего двора в этом замке. В 1560 году вернулся в Рим и остаток жизни провёл в бедности. Был похоронен в Пантеоне, рядом с Рафаэлем. Помогал Рафаэлю в расписывании лож ватиканского дворца и в других подобных работах. Им написаны и отчасти придуманы орнаменты в верхних ложах. В нижних ложах ему принадлежит плафонная живопись, реставрированная в 1867 году Мантовани. На вилле Фарнезина им исполнены фестоны, обрамляющие рафаэлевскую «Историю Психеи». Для папы Климента VII в сотрудничестве с Перино дель-Вага украсил живописью Торре-ди-Борджиа. Из прочих его произведений известны роспись вестибюля в вилле-Мадама, лепные украшения нижних сеней этого здания, декоративная живопись в палаццо Массими-алле-Колонне в Риме, работы в усыпальнице Медичи (в церкви Сан-Лоренцо) и рисунки, по которым изготовлены расписные стёкла в Лаврентьевской библиотеке во Флоренции.
2127 

08.02.2021 13:02

Где-то я однажды вычитала красивую фразу про Сандро Боттичелли - мол, у него не...
Где-то я однажды вычитала красивую фразу про Сандро Боттичелли - мол, у него не могло быть последователей, только подражатели. Ну вот Франческо Боттичини был художником, родившимся тоже во Флоренции всего на год позже Боттичелли. Отец его делал рисунки для игральных карт и, вероятно, был его первым учителем, а дальше Боттичини попал в мастерскую Нери ди Бичи, сбежал оттуда через год, устав раскрашивать ящики, и дальше уже учился вместе с Сандро Боттичелли в мастерской Андреа Верроккьо. В этой мастерской Боттичини настолько лихо перенял стиль учителя, что ранние его работы Верроккьо и приписывались, а потом он дополнил свою манеру боттичелиевскими нежностями, поэтому более поздние картины уже приписывали Сандро и его мастерской. И правда, сейчас увидите, что похоже. Хотя его красавицы совсем немного другие, а палитра чуть-чуть, да потемнее. Боттичини в свое время был художником уважаемым и довольно популярным. О его жизни известно довольно мало и он даже был проигнорирован Джорджио Вазари и не вошел в его знаменитый гигантский сборник “Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев” то из-за своей вторичности, то ли из-за того, что работал он, в основном, в маленьких провинциальных городах, приезжая туда чтоб выполнить роспись стен, потолка или написать алтарные образы.
2126 

23.02.2021 17:56

​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне

Одно из самых известных произведений Джорджоне...
​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне Одно из самых известных произведений Джорджоне...
​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне Одно из самых известных произведений Джорджоне изображает прекрасную библейскую героиню, которая спасла свой город и народ, соблазнив, а потом и обезглавив спящего Олоферна, вождя вражеской армии. Джорджоне показал не сам подвиг, а момент, когда Юдифь осталась одна с головой поверженного врага, которую она попирает ногой. По лицу Юдифи скользит неуловимая полуулыбка. В ее образе чувствуются и гордость победительницы, и грусть, вызванная совершенным поступком. Фигура девушки и ее поза подчеркнуто женственны, но правая рука твердо сжимает меч. Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво. http://chnly.pro/file/d022f0a0a7ef4647bd280f5f39e8e445
2098 

01.03.2021 10:40

Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века...
Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.
1903 

15.04.2021 13:31


​​Выставка работ известных участников боевых действий.

В Галерее классической...
​​Выставка работ известных участников боевых действий. В Галерее классической...
​​Выставка работ известных участников боевых действий. В Галерее классической фотографии открылась выставка «My way — мой путь». Выставка объединила работы авторов, в разное время участвовавших в боевых действиях. Журнал «MY WAY» представляет выставку творческих работ участников боевых действий. В экспозицию вошли произведения живописи, графики и карикатуры — более 100 работ трех художников, работающих в разных жанрах: ️Ренат Шафиков, майор спецназа ГРУ, участник боевых действий в Афганистане и на Северном Кавказе; ️Роман Генн, американский карикатурист, автор скандальных шаржей на Джорджа Буша, Барака Обаму, Билла и Хиллари Клинтон, Дональда Трампа, Джо Байдена; ️Искандер Галиев, участник боевых действий в Афганистане в составе 9-й роты 345-го парашютно-десантного полка, автор идеи и военный консультант культового фильма «9 рота». Средства, вырученные от продажи картин, будут переданы в помощь ветеранам-инвалидам и семьям погибших. ️ Москва, Саввинская наб., 23, стр.1. ️До 23 мая. Вход свободный. https://telegra.ph/file/8b9cb95694885d482f33e.jpg
1811 

17.05.2021 12:00

Торговцы пушниной на реке Миссури, 1845 год
Это самая известная картина Джорджа...
Торговцы пушниной на реке Миссури, 1845 год Это самая известная картина Джорджа...
Торговцы пушниной на реке Миссури, 1845 год Это самая известная картина Джорджа Калеба Бингема, американского художника-самоучки из девятнадцатого века. Называлась картина по задумке художника “Французский торговец и его сын-метис”, но ее потом переименовал Американский художественный союз, потому что им там показалось, что название может вызвать какую-то неправильную реакцию. Хотя как раз браки, которые заключали торговцы мехом с коренными американками в те годы были совершенно обычной практикой - в Канаде из потомков таких браков даже сложилась целая новая этническая группа. Правда, к середине девятнадцатого века торговлю пушниной прибрали к рукам крупные компании с баржами и пароходами, а вот такие ребята, которые на простеньком каноэ отправляются вверх по течению Миссури чтоб продать добытые собственным трудом шкуры стали уже совсем редкостью. В общем, картинка ускользающего в нежной туманной дымке прошлого. Кстати, на носу каноэ не котик, а ручной медвежонок.
1815 

16.05.2021 15:57

"Из озера" Джорджия О’Кифф, 1924 Любимыми тематиками Джорджии О’Кифф являлись...
"Из озера" Джорджия О’Кифф, 1924 Любимыми тематиками Джорджии О’Кифф являлись растения и, как ни странно, черепа и кости животных. Но не смотря на это, среди двух с половиной тысяч работ написанных ею находятся и такие, как и представленная «Из Озера» Не стоит искать сюжет в данной работе, так как его попросту нет. Линии, формы, грани смешиваются, словно волны, поднявшиеся на поверхность спокойного до сей поры озерка, играющие насыщенными красками и тонами. Исходя из названия, можно подумать, что мы кого-нибудь обнаружим выходящим из озера, но это не так. Что бы по настоящему проникнуться полотном, нужно просто любоваться фантазией автора. И кто знает, может вы разглядите что-то незамеченное ранее, что-то иное. Чем больше всматриваешься в работу, тем больше погружаешься в водоворот неосязаемых эмоций. «Из Озера» словно тайна, которую хочется разгадать.
1802 

13.05.2021 01:00

Битва Лапифов и Кентавров
1909
Джорджо де Кирико

Вообще, наиболее известен...
Битва Лапифов и Кентавров 1909 Джорджо де Кирико Вообще, наиболее известен...
Битва Лапифов и Кентавров 1909 Джорджо де Кирико Вообще, наиболее известен «метафизический» период творчества Кирико (1909—1919), когда были созданы такие полотна, как «Ностальгия по бесконечности», «Песнь любви», «Меланхолия и тайна улицы» и др. Эти работы восхищали французских сюрреалистов (Жана Кокто, Ива Танги, Сальвадора Дали, Рене Магритта), которые видели в де Кирико своего предшественника. Сцена картины выше изображает бой кентавров с лапифами — сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Эта битва метафора — победа цивилизации (лапифов) над варварами (кентаврами). Важно также отметить, что в самом названии произведения можно найти скрытый смысл. Название племени «лапифов» (греч. Λαπίθες) звучит похоже на «ляпис» (лат. Lapis), что означает «камень», а также «ляпиде» (итал. lapide), что означает «надгробная плита». Следовательно, можно утверждать, что и победа камня над плотью, а не только над варварством, тоже может быть одной из трактовок этой работы.
1645 

19.06.2021 21:58

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти...
"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history
1651 

19.06.2021 20:37

Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции...
Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции, выполненную в 1500 году художником Якопо де Барбари. Она поражает не только как предмет искусства и восхитительный пример графики, но и с точки зрения картографии является вещью совершенно революционной. Короче, откроете - обалдеете, я обещаю. Для начала, это огромная гравюра, собранная из шести блоков, надо которой Якопо де Барбари трудился три года. При том, что резку по его рисунку делали другие люди, специально нанятые резчики, то есть, он три года потратил только на рисунок. А сама карта стала самым большим изображением, вырезанным на дереве (грушевом) для печати и долго еще этот рекорд никто не мог переплюнуть. С рисунком все тоже интересно, потому что совершенно не понятно как художник умудрился зарисовать весь город практически с высоты птичьего полета. Это мы с вами балованные самолетами и дронами, а тут только XVI век начался вообще-то, поэтому надо было как-то для начала придумать рисунок в таком ракурсе, а потом его еще и осуществить. Ну вот, есть версия, что ду Барбари видел карту Флоренции, выполненную в 1480 году Франциско Росселли, не такую подробную, более средневековую по своей манере, рассказывающую о городе в общих чертах, а не работающую подробным путеводителем, но зато как раз нарисованную из похожего ракурса. Что касается совсем технической стороны дела, то некоторые считают, что де Барбари лазил на колокольни по всему городу (их тогда Венеции было 103 штуки и все они, кстати, есть на карте) и зарисовывал по кусочку пейзаж, а потом собрал все рисунки как паззл. И, скорее всего, художник пользовался не только рисованием, но и применял тригонометрию, которую, как и многие науки, вернули к жизни ученые-гуманисты совсем недавно, и эта карта не просто результат наблюдательности, но и вещь, которая построена исходя из сложных расчетов. Еще интересно то, что карта достоверна - говорят, даже сейчас можно ее использовать как путеводитель по городу. Новинка от де Барбари - изображение практических всех зданий согласно их настоящим пропорциям, а не выделение важнейших при помощи размера. Он разве что польстил Дворцу Дожей, в котором заседали все самые важные люди города и который был и остается его главной достопримечательностью, нарисовав его в половину крупнее оригинала. Ну и некоторые совсем крохотные и сложные улочки, там, где совсем окраинные лабиринты, де Барбари упростил. Зато мы видим острова - Мурано, Маццорбо, Бурано, Гвидекка и Сан Джорджио Маджоре, а вдалеке виднеются Альпы. По идее, Альпы из Венеции не должны быть видны, но это нам так показывают значение Венеции в мире, как его символический центр. Для тех же целей - ветры и, главное, в центре карты два античных бога, глядящие друг на друга. Сверху - Меркурий, покровитель торговли на троне-облаке со своим кадуцеем, знаком коммерции и атрибутом послов. Вокруг него надпись на латыни - “Я, Меркурий, благосклонно сияю над этим эмпорием”. Ну какой же из Венеции эмпорий? - спросите вы, вспомнив о том, что эмпории - это такие маленькие торговые поселения, в которых ни церкви ни армии, одни рынки. Это так, мне кажется, де Барбари, с одной стороны, скромничает за всю Венецию, а с другой - подчеркивает то, что как и средневековые или даже древние эмпории не имели укреплений и солдат потому что их безопасность гарантировалась покровительством знати, деньгами и связями, Венеция процветает за счет дипломатии. Собственно, у Венеции регулярной армии тоже ведь не водилось, были наемники, и, главное, политически опытные элиты, которые несмотря на постоянное состояние угрозы со стороны всех подряд, умудрялись при помощи переговоров (и подкупов, интриг и всего такого) удерживать Венецию от развала и разграбления.
1401 

18.08.2021 16:47

"Клевета" 1497 г. Сандро Боттичелли Галерея Уффици, Флоренция. «Клевета...
"Клевета" 1497 г. Сандро Боттичелли Галерея Уффици, Флоренция. «Клевета» (итал. Calunnia, темпера на дереве) — это работа великого итальянского художника эпохи Ренессанса Сандро Боттичелли, которая была создана им в 1495 г. По словам Джордже Вазари, картина написана автором для его товарища – Антонио Сеньи, а сам сюжет позаимствован у древнегреческого живописца. История самого оригинала такова: художник-конкурент обвиняет Апеллеса в плетении заговора против их покровителя, царя Египта Птоломея IV Филопатора, при дворе которого они пребывали. Апеллеса бросили за решетку, однако один из настоящих заговорщиков указал на невиновность художника. Птолемей реабилитировал мастера и отдал ему его соперника, Антифилоса, в качестве раба. Апеллес, будучи все еще под впечатлением от несправедливости, избрал свой способ противостояния клевете с помощью художественных средств, поэтому создал картину «Клевета». Сама она не сбереглась, однако до нас дошло детальное описание этой работы у Лукиана. Данное описание и было использовано Боттичелли при создании новой версии. По сюжету картины Боттичелли «Клевета» на троне восседает царь Мидас, «награжденный» Аполлоном ушами осла за то, что признал победителем в состязании Пана, а не его. И он прислушивается к клеветникам. Стоящие вблизи Подозрительность с Неведением шепчут что-то Мидасу на ухо, а тот обращается за поддержкой к Злобе (фигура в темной одежде). Этот персонаж, в свою очередь, ведет под руку Клевету, красивую девушку в обличье невинности, а ей плетут косу Зависть с Ложью. Клевета при этом тянет свою жертву – нагую, умоляющую о помиловании. В левой части картины мы видим фигуру Истины. Оголенная Истина указывает в небо, однако же определить правду под силу одному лишь Раскаянию – оно изображено художником в виде сгорбленной старухи, подобной плакальщице. Аллегория художника может считаться удачной только отчасти, так как фигуры, воплощающие пороки (кроме Злобы), столь же прекрасны, как и Истина. События картины Боттичелли «Клевета» происходят в просторном помещении со сводчатыми окнами в стиле XVI века. Небольшие барельефы изображают сцены из Библии и мифологии, будто бы не относящиеся к главному сюжету. Что интересно, ученые расходятся во мнениях при трактовке смысла произведения: некоторые полагают, что на создание картины Сандро Боттичелли «Клевета» спровоцировал наговор, от которого мучился живописец, а прочие увидели потаенную аллегорию суда над Савонаролой. СандроБоттичелли ЛитературнаяСцена Возрождение _history
1298 

16.09.2021 21:38

Грузовик
начало ХХ века
Марио Сирони

Итальянский художник: живописец...
Грузовик начало ХХ века Марио Сирони Итальянский художник: живописец...
Грузовик начало ХХ века Марио Сирони Итальянский художник: живописец, скульптор, архитектор, книжный график, художник монументального искусства и сценограф. Один из зачинателей итальянского футуризма и движения новеченто. В произведениях Марио Сирони 1917—1918 годов ощущается влияние метафизической живописи Джорджо де Кирико и Карло Карра. С 1920 года художник постепенно отходил от футуристического искусства. В том же году, совместно с Леонардо Дудревиллем, Акилле Фуни и Луиджи Руссоло опубликовал манифест «Против любого повторения в живописи». В период 1927—1931 годов Сирони писал критические статьи в газете «Il Popolo d’Italia». Его картины этого периода отличаются жёсткой манерой и огрублением форм, сближающих его творчество с экспрессионизмом. Он всё более внимания уделял монументальным работам.
1276 

27.09.2021 18:04

"Кенгуру из Новой Голландии" 1772 г. Джордж Стаббс Национальный морской музей...
"Кенгуру из Новой Голландии" 1772 г. Джордж Стаббс Национальный морской музей, Гринвич. Не ценителям анималистической живописи портрет животного может показаться мало занимательным: просто кенгуру, да и с небольшими изъянами. Но тем не менее картина имеет не только художественную и историческую ценности. В ее истории скрывается целый пласт научных открытий, международных отношений и просто приключений. Сэр Джозеф Бэнкс был участником первого корабельного плавания британцев, посвященного исключительно географическим открытиям. Это знаменитое путешествие капитана Джеймса Кука по Тихому океану, проходившее в 1768-1771 годах. Бэнкс был одной из ключевых фигур в развитии европейского естествознания, натуралист и ботаник, покровитель науки и искусства. В течении двух лет Стаббс писал для него эти две картины. На суд британской публике полотна были представлены в 1773 году в Королевской Академии. Именно здесь англичане впервые смогли увидеть и познакомиться с таким экзотическим животным, как кенгуру из Новой Голландии — это первое название Австралии, которое дали ей голландские мореплаватели в начале XVII в. Забавно, что сам Стаббс никогда не видел кенгуру, а при работе над портретом ориентировался на описания тех, кому посчастливилось в живую лицезреть сумчатое. Ему предоставили шкуру и череп убитого животного, и он, как профессиональный знаток анатомии отлично справился с заданием «удаленно», не считая мелких недочетов (к примеру, неправильные уши). Отныне первооткрывателями кенгуру для европейского мира считаются три человека: Джеймс Кук, Джозеф Бэнкс и Джордж Стаббс. «Кенгуру из Новой Голландии» имеет целую историю борьбы за владение, которая произошла уже в наши дни. Все время картина хранилась у потомков жены Бэнкса. Но 2012 году министр культуры Англии Эд Вейзи, узнав о предстоящей продаже портретов кенгуру и Динго на аукционе за 9,3 млн австралийских долларов анонимному покупателю, объявил о временном запрете на вывоз полотен. Картины были национальным достоянием, и британские власти не планировали прощаться с столь ценными экземплярами. Это дало возможность телеведущему и зоологу Дэвиду Аттенборо (David Attenborough) начать акцию по сбору денег «Сохраним нашего Стаббса». Денег не хватало, и картину собиралась приобрети Национальная галерея Австралии. Срок окончания запрета подходил к концу, и тут в ноябре 2013 года произошло небывалое везение. Фонд семьи Эяля Офера (израильского корабельного магната и миллиардера) пожертвовал на сборы 1,5 миллиона фунтов стерлингов. Это превысило сумму, предложенную австралийцами, и дало возможность Национальному морскому музею в Гринвиче выкупить два портрета. Бизнесмен объяснил свой поступок тем, что картины имеют прямое отношение к британскому мореплаванию, а значит им самое место в морском музее. Изображение Кенгуру кисти Стаббса имеет большое значение не только для искусства Великобритании, но и Австралии. Сэр Рон Рэдфорд — директор Национальной галереи Австралии, выражая желание приобрети портреты животных, в 2013 году говорил, что этот кенгуру более 50 лет служил образцом для множества художников, которые и понятия не имели как он выглядит на самом деле. Героя картины растиражировали с помощью гравюр, а позже работа стала одной из иллюстраций в книге о первом путешествии Кука по Тихому океану. Существует мнение, что кенгуру стал символом Австралии благодаря именно Стаббсу, а также тому факту, что это животное не умеет двигаться назад (на самом деле умеет, просто делает это крайне редко), а значит оно — символ прогресса. К тому же кенгуру на первом гербе Новой Голландии изображен на основе портрета британского анималиста. ДжорджСтаббс Анимализм Романтизм _history
1308 

27.09.2021 20:37


Нью-йоркская улица с луной
1925
Джорджия О’Кифф
Музей Тиссен-Борнемиса...
Нью-йоркская улица с луной 1925 Джорджия О’Кифф Музей Тиссен-Борнемиса...
Нью-йоркская улица с луной 1925 Джорджия О’Кифф Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид погруженные в тень высокие здания и светящий несколько сверхъестественным светом фонарь обрамляют сумеречное небо с луной, выглядывающей из-за мягких облаков. Упрощённость форм и резкость низкой перспективы, унаследованные от прецизионизма и фотографии, усиливают самобытный символизм, которым отличается зрелый этап творчества художницы. Художница считала, что «нельзя написать Нью-Йорк таким, каким он есть, а только таким, каким ты его чувствуешь». В этих словах О’Кифф отразилась любовь к городу небоскрёбов и понимание искусства как средства выражения её чувств и её понимания мира. Похоже, художница предпочитала таинственность ночных сцен, нежели солнечный свет, который она любила использовать для изображения цветов и других объектов сельской архитектуры.
1152 

28.10.2021 18:04

Рождение Венеры
1482—1486
Сандро Боттичелли
Уффици, Флоренция

Считается, что...
Рождение Венеры 1482—1486 Сандро Боттичелли Уффици, Флоренция Считается, что...
Рождение Венеры 1482—1486 Сандро Боттичелли Уффици, Флоренция Считается, что моделью для Венеры была Симонетта Веспуччи, возлюбленная Джулиано Медичи, младшего брата флорентийского правителя Лоренцо Медичи. Считалась первой красавицей флорентийского Ренессанса, за свою красоту получила прозвище "Несравненной". Описание Бога западного ветра Зефира, чьё дыхание приносит весну, встречается у Гомера. Овидий сообщает о его жене Хлориде, обнимающей Зефира руками и ногами. Через своего соседа Джорджо Антонио Веспуччи, Боттичелли был вхож в круг интеллектуальной элиты Флоренции. Возможно, он был знаком с поэтом Анжело Полициано (1454—1494), который в одном из своих стихов описывал рождение Венеры. Также советчиком художника мог быть и философ Марсилио Фичино (1433—1499), пытавшийся объединить классическую философию с христианством. В его философской доктрине важной фигурой была Небесная Венера, которая символизировала гуманизм, милосердие и любовь, при этом её красота вела смертных на небеса.
1080 

16.11.2021 21:09

"Черный ирис III" 1926 г. Джорджия О'Киф Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
"Черный ирис III" 1926 г. Джорджия О'Киф Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Джорджия О’Киф получила известность, в первую очередь, благодаря именно своим «цветочным» произведениям. В ноябре 2014 года ее картина «Дурман/Белый цветок №1» была продана на аукционе Sotheby's за рекордную сумму – 44,4 миллиона долларов, став самым дорогим произведением искусства, созданным женщиной. Ей удалось заглянуть в самую суть этой первозданной красоты, уловить сочетание хрупкости и величественности, присущее лишь творениям природы. Ее картины почти пугают своей открытостью и откровенностью, их хочется жадно разглядывать, вникая в детали, но при этом возникает странное безотчетное желание стыдливо отвести взгляд, как будто случайно становишься свидетелем чего-то слишком интимного и сокровенного. Пожалуй, именно по этой причине Джорджии О’Киф всю жизнь приходилось отбиваться от художественных критиков и обозревателей, усматривавших в ее картинах исключительно проявление женской чувственности и сексуальности. На самом же деле художница, по ее собственным словам, хотела просто заставить зрителей – в том числе и вечно занятых и озабоченных ньюйоркцев – на несколько минут оторваться от многочисленных дел и остановиться: «Никто на самом деле не видит цветы – они слишком маленькие. У нас нет на это времени, а на то, чтобы увидеть, необходимо время, как и на то, чтобы стать друзьями». Поэтому художница писала цветы так, как она их видела, но для того, чтобы другие люди увидели их ее глазами, их приходилось увеличивать в сотни раз. В работах О’Киф нет пасторальных ромашек или будуарных роз. Художница очень любила каллы (которые стали ее своеобразной «визитной карточкой»), канны, петунии и орхидеи. А среди ирисов она особенно ценила черные, вот только в Нью-Йорке их можно было найти в цветочных магазинах лишь раз в году – в течение пары весенних недель. Поэтому работы О’Киф с ирисами ценятся гораздо выше остальных, ведь эти капризные и недолговечные цветы были слишком редкими гостями на ее полотнах. ДжорджияОКиф _history
1054 

15.11.2021 21:37

Скорбящая юность
1916
Джордж Клаузен
Имперский военный музей, Лондон

Сюжет...
Скорбящая юность 1916 Джордж Клаузен Имперский военный музей, Лондон Сюжет...
Скорбящая юность 1916 Джордж Клаузен Имперский военный музей, Лондон Сюжет навеян трагическими событиями в семье автора в Первую мировую. В то время художник писал в стиле «сельский натурализм» (изображал деревенские сцены), но, в отличие от других, Клаузен подчёркивал нищету и тяжёлый труд в сельских районах Британии, суровые условия жизни простых людей. Жених младшей дочери художника, Джерейнт Пейн, был убит во время Первой мировой войны. Это событие и горе дочери вдохновили художника на создание картины. В этой картине Клаузен отошёл от привычного для него натурализма и вернулся к своим более ранним своим работам, созданным под влиянием французских символистов. Обнажённая девушка, олицетворяющая молодость, стоя на коленях, низко склонилась в охватившем её горе перед деревянным крестом на могиле. В глубине картины, находятся затопленные водой воронки от взрывов снарядов. Нагота фигуры в сочетании с бесплодным пейзажем подчёркивает печаль и пустоту смерти.
992 

10.12.2021 16:21

Муза Кампа.

Бельгийская художница Адель Рено (1988) – автор реалистичных...
Муза Кампа. Бельгийская художница Адель Рено (1988) – автор реалистичных...
Муза Кампа. Бельгийская художница Адель Рено (1988) – автор реалистичных портретов, размеры которых колеблются от камерных, небольших, до огромных масштабных полотен или росписей стен от пола до потолка. Выросла в музыкальной семье на ферме в бельгийских Арденнах. В 14 лет отправилась на семестр учиться в Венесуэлу, а затем в Англию. Во время своих путешествий изучала изобразительное искусство – от классической живописи до современных граффити, экспериментируя с новыми медиа и графическим дизайном. В 2010 году окончила Королевскую академию изящных искусств в Брюсселе. Адель легкого изображает то, что большинство может найти банальным. Пишет портреты пожилых людей, бездомных, птиц и особенно голубей. Однажды на Instagram Адель прочитала историю голубя, которого выходила пара американских художников из Чикаго – Джордж Китон и Мэрайя Наэлья. Увидев, фотографии, сразу поняла, что нашла новую музу для своего творчества. Она создала серию огромных картин, в которых отражены различные этапы жизни Кампа.
1034 

24.11.2021 11:15


Потом художники подросли, каждый отправился своей дорогой - некоторые ударились...
Потом художники подросли, каждый отправился своей дорогой - некоторые ударились в эксперименты и отошли от реализма совсем. Смотрите - это торжественное шествие друидов, обряд несения священной омелы красивыми нарядными кельтскими священниками. Отдает, конечно, прерафаэлитами. У главного друида есть золотой серп, а одежды украшены сложными узорами и вся процессия такая сказочная, чудесная и загадочная, клубиться и дрожит магией. Это совместная работа двух художников из Глазго Бойз - Джорджа Генри и Эдварда Аткинсона Хорнела, выполненная в 1890 году. И, кстати, картина была для зрителей совершенно шокирующей. Австрийский художник Густав Климт потом, лет через десять, будет и такие плоские композиции использовать и золотить свои работы беспощадно, но Друиды были раньше. Зрители и критики по всему миру, куда картина добралась, считали ее ужасающе радикальной и неожиданной. А еще художники сильно готовились, когда писали это полотно - например, они пытались выяснить сильно ли изменились цветы омелы и строения черепов быков за последние полторы тысячи лет (христианство пришло в Англию в первом веке нашей эры и долго-долго почти равноправно соседствовало с язычеством, века до шестого примерно). В общем, на этом довольно большом и очень ярком полотне - попытка передать мистический опыт средствами современной художникам живописи. Тут уж не до реализма.
1017 

30.11.2021 22:28

Пасторальный концерт
1509
Джорджоне-Тициан
Лувр, Париж

Музицирующие юноши в...
Пасторальный концерт 1509 Джорджоне-Тициан Лувр, Париж Музицирующие юноши в...
Пасторальный концерт 1509 Джорджоне-Тициан Лувр, Париж Музицирующие юноши в костюмах венецианских патрициев и обнажённые женские фигуры — нимфы природы — находятся в двух различных мирах, они не видят друг друга, и поэтому на картине они пластически не взаимодействуют. Тихий «беллиниевский» пейзаж символизирует гармонию. Удивителен колорит картины, складывающийся из золотистых, голубоватых, оливково-зелёных и ярко-красных тонов, а также общая целостность тональных отношений, кажущихся светотеневыми, но на самом деле умело сочиненных художником. Фигура пастуха со стадом в правой части картины является одновременно напоминанием об античных пасторалях (пастораль - жанр в литературе, живописи, музыке и в театре, поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь) и приметой материального мира, а музыка, неслышно пронизывающая картину, — мира идеального, воображаемого.
906 

23.12.2021 11:08

Сонет
1907
Ламберт
Нац. галерея Австралии, Канберра

Тут художник создал...
Сонет 1907 Ламберт Нац. галерея Австралии, Канберра Тут художник создал...
Сонет 1907 Ламберт Нац. галерея Австралии, Канберра Тут художник создал волшебную аллегорию, в которой мужчина читает сонет своей спутнице, созерцательно смотрящей на зрителя. Они как будто не замечают, что между ними сидит обнажённая молодая женщина, существующая словно бы в параллельной реальности — в метафизическом мире, созданном поэтом в строках сонета. Ламберт опирался на известные произведения других художников: на «Пасторальный концерт» Джорджоне и «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. С другой стороны, это может быть аллегорическое изображение двух сторон женщины — священной и приземлённой — с одетой женщиной, играющей роль священной любви. Её поза и пышный рукав имеют сходство с фигурой священной любви в шедевре Тициана «Любовь небесная и Любовь земная» Тициан. Некоторые критики возражали против сопоставления обнажённой натуры с фигурами в современной одежде на фоне пейзажа. Они считали, что обнажённая натура изображена слишком реалистично, чтобы быть аллегорической.
935 

28.12.2021 21:28

"Зимняя гармония" 1890-е Джон Генри Твахтман В начале девяностых годов 19...
"Зимняя гармония" 1890-е Джон Генри Твахтман В начале девяностых годов 19 века художник Джон Генри Твахман приобретает ферму неподалеку от городка Гринвич в Коннектикуте. Это позволяет ему совмещать жизнь в тихой сельской местности, о которой он давно мечтал, с преподавательской деятельностью в Нью-Йорке, куда от его владений было буквально рукой подать. Вскоре после переезда Твахман напишет в письме своему близкому товарищу и коллеге Уиру о том, что более всего его вдохновляет смена времен года, а в особенности – зима: «Теперь я отчетливо понимаю, насколько важно постоянно жить за городом, в каждое из времен года. Нам нужен снег, и как можно больше. Природа никогда не бывает настолько очаровывающей, как в моменты, когда идет снег. Вокруг стоит такая тишина, и вся земля, кажется, будто укутана покрывалом... Весь мир убаюкивается до полного безмолвия». Вместе с фермерскими угодьями Твахтману достается тихий пруд, окруженный деревцами. Художнику настолько полюбился каменистый ручей Хорснек, впадающий в этот водоем, что он становится частым героем картин Джона Генри. Запечатлевая один и тот же пейзаж в разные поры года, а иногда и в разные дни одного и того же сезона, он оттачивает мастерство в передаче едва уловимых изменений в природе, освещении, погоде. В отличие от работ его французских современников, зимние пейзажи Твахтмана часто монохромны, с приоритетом белого и лишь редкими вкраплениями цвета. Особенно в сравнении с куда более щедро расцвеченными зимними видами ортодоксальных европейских импрессионистов вроде Альфреда Сислея, Камиля Писсарро и Клода Моне. Живопись Твахтмана ограничена и в рамках тематики. Панорамным пейзажам он предпочитает крупный план. Насколько редко он пишет залитые солнцем ландшафты, настолько нечасто (проще сказать – никогда) привлекали его вечерние сумерки. Конек художника – зима во всех ее проявлениях: от почти полностью укрытых снегом бескрайних далей до живописания всех возможных стадий его таяния. Осеннее буйство красок едва вписывалось в его эстетику. «Зимняя гармония» – один из наиболее известных «портретов» облюбованного Твахтманом вида на свой пруд. Среди прочих он выделяется как раз нехарактерным для его снежных ландшафтов цветовым многообразием. В кои-то веки в ход идет практически вся палитра: одних только оттенков синего и лилового не счесть. Да еще желтизна жухлой травы, проступающей сквозь снег, и ржавые остатки листвы на деревцах, и намеки на оттенки зеленого в веточках хвои. Но на этом сходство с французскими импрессионистами заканчивается. В отличие от них, Твахтман работает не раздельными мазками, густо покрывающими полотно, не оставляя просветов, а применяет старую добрую лессировку, нанося почти сухие краски поверх первичной основы. Его кисть свободно порхает по холсту, так что основные оттенки и штрихи просвечивают сквозь прерывистую, неравномерную текстуру верхнего слоя. Это приближает его манеру к тонализму, создавая ощущение интимности и уюта, присущее картинам художника Уира и поздним работам пейзажиста Джорджа Иннесса. ДжонГенриТвахтман Пейзаж Импрессионизм _history
876 

08.01.2022 20:37

Демпси и Фирпо
1924
Джордж Уэсли Беллоуз
Музей американского искусства Уитни...
Демпси и Фирпо 1924 Джордж Уэсли Беллоуз Музей американского искусства Уитни...
Демпси и Фирпо 1924 Джордж Уэсли Беллоуз Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк Картина изображает боксёрский поединок 14 сентября 1923 года между американцем Джеком Демпси и аргентинцем Луисом Фирпо. Со временем это полотно стало самой известной картиной Беллоуза на боксёрскую тематику. На картине изображен драматичный момент, когда Фирпо выбил Демпси с ринга. Несмотря на это, Демпси в тот вечер вышел победителем. Художник изобразил и себя — лысеющего человека в левом нижнем углу картины. Работа написана в стилистике Школы мусорных вёдер (больша́я часть работ представителей школы посвящена реалистичному изображению повседневной жизни бедных и рабочих кварталов Нью-Йорка). Картина цитируется в эпизоде «Симпсонов». А также ненадолго появляется в телесериале «Народ против О. Джея Симпсона: Американская история преступлений». Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
301 

25.05.2022 13:09

"Любовь небесная и любовь земная" 1518 г. Тициан Вечеллио Галерея Боргезе...
"Любовь небесная и любовь земная" 1518 г. Тициан Вечеллио Галерея Боргезе, Рим. Одна из наиболее известных и в то же время одна из самых загадочных картин Тициана Вечеллио. Предыстория: для кого и с какой целью Тициан создал картину «Любовь небесная и любовь земная» Однажды на пороге дома Тициана появился высокопоставленный венецианский царедворец Николо Аурелио. Он работал в Consiglio dei Dieci – так называемом Совете Десяти, коллегиальном органе, избираемом ежегодно в Венеции из ста наизнатнейших патрициев. Совет Десяти был своего рода службой республиканской безопасности, отвечал за неприкосновенность политического строя Республики святого Марка и даже имел свою разветвлённую сеть шпионов. А Николо Аурелио был его бессменным секретарём, отвечая за все важнейшие государственные бумаги, предоставляемые дожу на подпись. Дело, которое заставило его обратиться к Тициану, было весьма деликатным. Пожилой Аурелио замыслил жениться на молодой вдове. Но для чиновника такого ранга это был рискованный шаг. Во-первых, отец невесты был казнён в Падуе за военное предательство Республики. А во-вторых, люди ведь могут подумать, что Николо привлекла не сама вдовушка, а оставленное её покойным мужем наследство – вдова действительно была сказочно богата. Нужна картина, которая подчеркнула бы возвышенный, а не грубо-материальный и не низменно-плотский характер любви Аурелио. Джорджоне не справится, слишком легкомысленный. Оба Беллини избалованы славой, с ними лучше не связываться. Только Тициан, с присущей ему рассудительностью и мудростью, сможет предложить какой-нибудь подходящий аллегорический сюжет, и тогда картина станет достойным свадебным подарком для невесты венецианского царедворца. Самого Тициана, переживавшего тогда бурный роман со значительной младшей его Виолантой, также волновала этическая коллизия между добродетелью и сладострастием, которая и была положена в повествовательную основу картины «Любовь небесная и любовь земная». Именно с Виоланты, своей возлюбленной, Тициан напишет обе женские фигуры картины, олицетворяющие две ипостаси любви – профанную (земную) и сакральную (небесную). Символика картины «Любовь небесная и любовь земная» Существует обширная литература, описывающая сложные символы в основе картины Тициана – от воззрений на сущность любви Платона и неоплатоников до аллюзий на книгу кардинала Пьетро Бембо «Азоланские беседы», посвященную Лукреции Борджиа. Широкоформатная горизонтальная композиция строится на двух незримых диагоналях, которые сходятся где-то в районе руки купидона. Сидящая слева женщина в пышном голубом платье олицетворяет целомудрие, она словно задумалась о чем-то, в то время как другая женщина, ее обнажённое alter ego, курящая фимиам из черной плошки, как будто склоняет её отдаться земной, всесокрушающей страсти. Эту же этическую дилемму символизируют барельефы – конь ассоциируется с неудержимостью страсти (так же как и пара зайцев на втором плане, символ плодовитости), а рядом изображается сцена побиения кнутом за плотские грехи. Просветленный и торжественный колорит, парадоксальное примирение чувственного и возвышенного начал делают «Любовь небесную и любовь земную» настоящим гимном женской красоте. ТицианВечеллио Возрождение _history
205 

17.06.2022 20:37