​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство...

​​️Еврейский музей и центр толерантности представляет выставку «Маленькое искусство» с работами Левитана, Поленова, Репина, Серова и Малевича. Эта выставка — собрание работ, которые обычно остаются в запасниках (в папках, на полках) после того, как для показа отобраны главные, «убедительные» предметы. Чаще всего на вернисажи не попадают вещи маленького размера, но иногда они сохраняют то, что о даровании художника понимать важнее всего. ️На ВДНХ открылась бесплатная выставка о женском репродуктивном здоровье.   ️ЮНЕСКО подготовило отчет о воздействии локдауна на музейный сектор.   Во время пандемии было временно  закрыто 90% музейных институций — 85 тыс. музеев и галерей.   ️Галерея Люмьер открылась после переезда в новом пространстве на Большой Полянке в Москве.   Галерея запустила на новой площадке Lumiere Club — просветительский проект, который включает в себя курс по истории искусства фотографии и международного арт-рынка, клуб с лекциями и экскурсиями на новой площадке.   ️Музей Прадо получил в постоянную коллекцию самую раннюю известную работу Франсиско Гойи.   Работа приобретена Фондом друзей Прадо за €3,3 млн и подарена музею в честь 40-летия основания фонда. Гойя создал картину во время своего двухлетнего пребывания в Италии и представил ее на конкурс, проводившийся пармской Академией художеств.   P. S. Если вы не смотрели шедевральный фильм о Гойя, то обязательно посмотрите! Не пожалеете! Очень забавно наблюдать за прямолинейностью мастера по версии режиссёра. Фото: Франсиско Гойя, Ганнибал-победитель впервые смотрит на Италию с высоты Альп, 1771, холст, масло. Музей Прадо, Испания https://telegra.ph/file/3fb0bf3a0d9fa83948416.jpg

Плохое предчувствие 1862 Джироламо Индуно Пинакотека Брера, Милан Мастера знали как наблюдательного и умелого композитора, который умело замечал детали композиции, которые и делали картину живой и дышащей. Про него говорили,что он художник наделённый теплотой чувства и превосходно владеющий всеми средствами живописи. Главные в ряду его картин — «Письмо из лагеря», «Рассказ гарибальдийца», «Гарибальдиец на карауле», «Маджентская битва», «Галантный друг дома», «Италия 1866 г.», «Эмигранты», «Расставанье призванного к отбыванию воинской повинности с его возлюбленной», «Любитель древностей», «Савоярка» и конечно сегодняшняя "Плохое предчувствие".

​​Как начать разбираться в искусстве Дурацкий способ. Скачать кучу книг для чайников, отложить их до лучших времен и никогда не читать. Сложный. Пойти в Третьяковскую галерею, ходить по залам, выписывать фамилии художников... но это дорого и вообще Третьяковка закрыта на карантин. Простой. Подписаться на _ru, где уже разжевали главные темы из искусства, чтобы вы не чувствовали себя идиотом. Чем так крут Пабло Пикассо, почему «Черный квадрат» Малевича — это подлинное искусство, что такое эйдос. После подписки начнете отличать готику от барокко. Дерзайте: _ru https://telegra.ph/file/9cc6d0bfe2a5f0a33b9f4.jpg

«Композиция с красным, синим и желтым». В 1915 году, на пару с нидерландским художником Тео ван Дусбургом, Мондриан основал движение De Stijl («Стиль») и начал работать над новым жанром живописи — неопластицизмом. «Первичными элементами» неопластицизма Мондриан назвал линии, геометрические фигуры и цвета. В конце концов художник решил ограничить свой «словарь» тремя основными цветами — красным, синим и желтым, — тремя основными значениями — черным, белым и серым — и двумя основными направлениями: горизонтальным и вертикальным. Одна из главных работ Пита Мондриана, которая включает все главные изобразительные элементы неопластицизма — «Композиция с красным, синим и желтым» 1930 года.

Вандализм, подделки, кражи: главные скандалы в истории Третьяковской галереи Самые громкие события из 165-летней истории Третьяковской галереи https://www.gazeta.ru/culture/2021/05/22/a_13603058.shtml

Онлайн-выставка "Открытый музей". Главные шедевры Русского музея Русский музей – это первый в стране государственный музей национального изобразительного искусства. Сегодня в его коллекции хранится более 400 000 экспонатов. В этом выпуске о шедеврах собрания второй половины XIX века – картинах Ильи Репина, Карла Брюллова, Ивана Шишкина, Василия Сурикова – рассказывает искусствовед, заведующая экскурсионно-лекционным отделом Государственного Русского музея Валентина Горлова. https://www.youtube.com/watch?v=nvufVa0JXXQ

"Зонтик" 1777 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Увлекательная «Санта-Барбара» «Санта-Барбара» – это не только бесконечная американская мыльная опера. В Испании XVIII века так же называлась королевская ковровая фабрика – мануфактура «Санта-Барбара» (или, сказать проще, фабрика святой Варвары). «Совпадение? Не думаю», – так и тянет пошутить, тем более что и задача у обеих Санта-Барбар была примерно одинаковой: на длительное время сделать людям красиво, а также приятно, весело и интересно. Испанская «Санта-Барбара» для этой цели выпускала гобелены – большие безворсовые ковры ручной работы с жизнерадостными сюжетами и исполненными изящества харизматичными героями. Такие гобелены могли занимать почти всю стену, и ими с удовольствием декорировали не только частные дома, но и королевские покои. Вот на такую фабрику гобеленов и устроился работать приехавший в конце XVIII века в Мадрид из Сарагосы молодой художник Франсиско Гойя (справедливости ради скажем – попал он туда не с улицы, а по протекции Франсиско Байеу, придворного художника и старшего брата жены Гойи Хосефы). Задачей Гойи было создавать рисунки, на основе которых «Санта Барбара» будет ткать гобелены. Какие же сюжеты могут подойти? Кстати сказать, во Франции примерно в это же время или чуть раньше фабрику гобеленов возглавлял коллега Гойи – знаменитый художник Франсуа Буше. Темы для гобеленов выбирались идиллические: у французов это были резвящиеся на лоне природы пастухи и пастушки, в Испании персонажами гобеленов тоже были люди из простонародья – махо и манолас. Махо – это представители испанских городских низов, весёлые, темпераментные и витальные. Они готовы в любой момент схватиться за нож, не дураки выпить и вообще довольно криминализированы (как всякие социальные «низы») и в то же время остаются хранителями народных традиций. Их страстных подруг называют «махи» (отсюда – название известных картин Гойи). «Махи» – женщины легкого нрава и таких же правил, что отличает их от «манолас» – приличных девушек строгих правил, этаких «благородных мах», впрочем, столь же безоглядно уверенных в собственной неотразимости. Во времена Гойи изображения махо, мах и манолас были чрезвычайно популярны. Их национальные наряды были так выразительны, ярки и красивы, что даже аристократки, женщины из знатных родов, очень любили время от времени, особенно во время карнавалов и светских вечеринок, наряжаться в народном духе. Это было модно, а в текущей политической ситуации еще и помогало сохранять национальную идентичность. Особой приверженностью к испанскому народному костюму отличалась небезызвестная герцогиня Альба. На ростовых портретах Гойи она, аристократка, как раз одета в испанском народном стиле. Картоны Гойи для «Санта-Барбары» Всего Гойя выполнил не менее шестидесяти монументально-декоративных панно, служащих эскизами для гобеленовой мануфактуры. Их отличает удивительная, не представимая в дальнейшем творчестве Гойи искрящаяся жизнерадостность, многообразие и звучность палитры. Гойя вдохновенно создаёт счастливую утопию «естественного человека» с опорой на глубоко народные образы и представления о мире – образы той среды, откуда вышел и он сам. Картоны Гойи едва не были утрачены. После создания шпалер эскизы, на основе которых делались гобелены, становились не нужны. Сам Гойя, чей ранний период исследователи назовут «гобеленовым», не очень любил эти работы, справедливо полагая, что способен на большее, и не собирался их хранить. Картоны были забыты и некоторое время их местонахождение оставалось не известным. В 1860-х они были случайно обнаружены в каком-то подвале и переданы в Прадо. Гобелен Гойи «Зонтик» «Зонтик» – один из самых жизнерадостных и красивых картонов Гойи. Он изображает молодую манолас, сидящую на траве с маленькой собачкой на коленях. День солнечный, и чтобы красотка не обгорела, её услужливо прикрывает зонтиком юный махо в бархатном костюме и головном платке, которые, наряду с широкополыми шляпами, любили носить молодые испанцы. ФрансискоГойя Романтизм _history

"Интерьер, мать и сестра художника" 1893 г. Жан Эдуар Вюйар Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер, мать и сестра» - одна из самых дерзких работ Вюйара. В репродукции на первый взгляд очень легко спутать ее с цветной литографией: лица-маски и руки в один тон, четкий, почти декоративный, узор на обоях, сплошное черное пятно платья. Вюйар, увлеченный японским искусством и подготовивший к печати немало собственных гравюр, переносит в живописную работу визуальные эффекты, присущие цветной печати. При этом сохраняет фактуру масляного мазка в других частях картины, не давая нам шанса ошибиться со второго взгляда на работу. Это тонкая живопись. Но дерзость Вюйара даже не в техническом изяществе – эта небольшая работа настолько интимная, открывающая личные связи, мысли и отношения, что способна вызвать ощущение неловкости и беспокойства. Как будто вы случайно услышали ссору или исповедь, не предназначенную для ваших ушей. Женщины на этом странном двойном портрете – мать художника мадам Вюйар и его сестра Мари. Они находятся в пространстве, готовом довести кого угодно до приступа клаустрофобии. Если Мари разогнется, ей придется удариться о картинную раму. Этот эффект сдавленности, даже угрожающей подвижности пространства довершают падающие вперед комод и стол, подскочивший кверху пол. Наверняка, в пределы полотна попала только нижняя часть комнаты, но фигура Мари ясно дает понять, что все! Потолок тоже где-то неподалеку, он падает и висит просто над головой. Мари в этом пространстве неуютно, узор на обоях сливается с узором на ее платье – и стены поглощают ее фигуру, она теряется здесь, становится лишь частью интерьера. Это мир, в котором доминирует мать – именно она чувствует себя спокойно и уверенно. Это ее мир. Мадам Вюйар была на 27 лет младше мужа, отставного военного – и скоро осталась вдовой без средств к существованию и с двумя детьми, которых еще предстояло выучить и вырастить. И тогда она открыла швейную мастерскую, в которой работала сама и нанимала помощниц. В этом доме на ней держалось все. Мать за работой, ее заказчиц, выкройки, ножницы, узоры на тканях Вюйар будет писать постоянно. Он проживет с матерью до самой ее смерти (Вюйару будет 60 лет, когда матери не станет) – и эти швейные декорации будут интерьером его собственной взрослой жизни. Современные арт-критики находят такие небольшие личные работы Вюйара не только обнажающее, исповедально откровенными, но и социально острыми. Резкие перемены в обществе того времени способствуют поискам таких смыслов. Ну или хотя бы делают их оправданными. Это эпоха, когда женщины начинают работать и выбираться из кухонь, когда гендерные и социальные модели стремительно меняются. В другой работе Вюйара «Интерьер с рабочим столом» Мари, стоящая спиной, как будто вышла из стены мастерской – узор ее платья повторяется в нескольких элементах окружающего пространства. Она – лишь то, чем она занимается в этих стенах: монотонная, тихая, повторяющаяся работа, бесконечные узоры, от которых кружится голова. ЭдуарВюйар Постимпрессионизм _history

Вольф Эрльбрух (род.в 1948 году) - немецкий иллюстратор и автор книг для детей, лауреат многочисленных премий. Считается, что Эрльбрух как никто умеет говорить с детьми на трудные и мрачные темы. В своих книгах он не боится поднимать самые сложные вопросы, стирая границы между детской и взрослой литературой. «Утка, смерть и тюльпан» - философская притча об Утке, которая встречает Смерть и постепенно сближается c ней, была опубликована в 2007 году и сразу приобрела большую известность. Книга с иллюстрациями автора, над которой он работал в течение 10 лет, была издана на 20 языках и экранизирована в 2010 году. В своей книге Вольф сочетает коллаж и рисунок. Здесь почти нет фона, только кое-где встречаются редкие растения и появляются важные для сюжета объекты, вроде пруда или дерева. Поэтому ничто не отвлекает наше внимание от главных героев. А главные в книге - утка и смерть. Ну и тюльпан, конечно. Вольф Эрльбрух очень не любит, когда в детских книжках рисуют персонажей похожими на симпатичных диснеевских мультяшек. Смерть в его книге, как и положено смерти, изображена в виде скелета. А чтобы сделать её более дружелюбной, он просто её…одел. В уютное клетчатое платье, мягкие туфли и рукавички. А ещё вставил в глазницы черепа по горошинке чёрного перца. По положению этих глаз-горошинок и изгибам рта мы понимаем, задумалась смерть, грустит или улыбается. В одном из своих интервью Эрльбрух говорил, что нельзя ставить создание детских книг «на поток»: хорошая детская книга должна отражать субъективный опыт автора и иллюстратора, переживая который через книгу, дети смогут сформировать свои собственные идеи и представления о мире. художник иллюстрация галерея арт искусство лебедиЛеонардо притча

"Письмо" 1891 г. Мэри Кассат Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк. «Письмо» — одна из десяти цветных гравюр Кассат, посвященных жизни современной женщины. Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в 1891 году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи. Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в 1871 году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов. В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет. «Письмо» иллюстрирует одно из важнейших занятий образованных и обеспеченных женщин конца XIX века. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации (различные заказы, ответы на приглашения и проч.) тоже были завязаны на переписке. Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо. В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно. Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ. Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета (пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта). Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице. «Письмо» отличается не только композиционной упорядоченностью и гармоничным цветовым решением. Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега. Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти. МэриКассат _history

​​️2021 году свое 800-летие отмечает Нижний Новгород — один из древнейших российских городов. В Средневековье он был крепостью, которая защищала границы Руси от набегов татар. В 16 веке здесь появилась одна из крупнейших ярмарок страны, а к 19 столетию город стал одним из главных промышленных центров России. Портал «Культура.РФ» представляет гид по Нижнему: познакомьтесь с историей города и узнайте, как интересно провести в нем время. ️«Сила ветра» проведет благотворительную гонку в поддержку Якутии. ️Новый ресурс «Карта культурных инноваций» расскажет о технологических инновациях в учреждениях культуры. ️Обязательно успейте на выставку «Маленькое искусство» в Еврейском музее и центре толерантности: Она покажет более 130 работ Исаака Левитана, Василия Поленова, Валентина Серова, Ильи Репина, Михаила Врубеля, Казимира Малевича, Антонины Сафроновой, Льва Бакста и других художников. Эта выставка — собрание работ, которые обычно остаются в запасниках (в папках, на полках) после того, как для показа отобраны главные, «убедительные» предметы. Чаще всего на вернисажи не попадают вещи маленького размера, особенно если это только набросок или замысел композиции. И посмотрите кураторскую экскурсию по выставке от Марии Гадас Фото: посмотрите как прекрасен Лев Толстой на наброске Ильи Репина https://telegra.ph/file/7b93d3c04c17b6f92024b.jpg

"Танцующая пара" 1663 г. Ян Стен Национальная галерея искусства, Вашингтон. «Танцующая пара» – жанровая сцена, которую Ян Стен написал в 1663 году. Это изображение живой деревенской вечеринки в настоящее время входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия. На картине художник создал суетливую атмосферу kermis или деревенской ярмарки, включив в повествование множество символических отсылок, популярных как у голландских живописцев, так и у фламандца Питера Брейгеля Старшего. Ян Стен чаще всего ассоциируется с изображениями безудержного веселья в тавернах, на деревенских праздниках и в беспутных семействах. Однако его творчество охватывает гораздо более широкий спектр настроений и сюжетов – от интимного образа скромной семьи, возносящей благодарственную молитву перед едой, до картин на исторические и религиозные темы. Но большинство из них объединяет тёплая и сострадательная реакция на жизнь обычных людей. В работе «Танцующая пара» представлены все пять чувств человека, перечисленные древнегреческим философом Аристотелем: зрение, слух, обоняние, осязание и вкус. В центре композиции находится пара, танцующая на веранде, увитой виноградом. Вокруг расположились люди, которые наслаждаются едой и выпивкой, музыканты со скрипкой и флейтой, а также играющие дети, в том числе – мальчик, пускающий мыльные пузыри. Из-за ограды за весельем наблюдают несколько человек, причём группа на среднем плане справа – с явным осуждением. Музыка здесь воплощает слух, танец – зрение, прикосновения танцоров – осязание, еда – вкус, а её запах и аромат табака – обоняние. Ян Стен часто изображал себя среди персонажей своих картин. Тут он включил автопортрет в левую часть композиции, представив себя в виде мужчины, который кончиками пальцев касается подбородка сидящей рядом дамы. На полотне есть множество намёков, которые расширяют повествование. Пара танцоров, похоже, происходит из разных классов: наряд женщины богаче, чем костюм её партнёра. Это подтверждает распространённое мнение о том, что в Голландии XVII века социальные различия не играли значительной роли. Виноградные лозы символизируют собой удачу и богатство с одной стороны, а с другой могут олицетворять женскую плодовитость, если украшают свадебный пир. Вполне возможно, что Стен изобразил именно такой праздник, хотя танцующие и выглядят маловероятной парой. Однако Стен был моралистом и часто включал в свои картины символы скоротечности человеческой жизни, мимолётности времени и любви. В этой, казалось бы, легкомысленной сцене такой смысл несут разбитый горшок, срезанные цветы и мыльные пузыри. Некоторые учёные полагают, что птицы в клетке означают девственность, а яичная скорлупа на полу – её потерю. Художник даёт понять, что земные удовольствия недолговечны, и нужно обращаться к нетленным ценностям, которые воплощает церковная колокольня на заднем плане. Большинство произведений Яна Стена (считается, что за свою карьеру он создал порядка восьмисот картин, из которых до наших дней дошли 350) характеризуются тонкими отсылками к литературе и театру, в том числе – к итальянской площадной комедии дель арте (комедии масок). Стереотип о том, что художник много пил и часто изображал на своих картинах собственное хаотичное семейство, базируется на том факте, что помимо живописи он занимался пивоварением и держал трактир. В нидерландском языке даже есть выражение «дом Стена», означающее шумное и безалаберное хозяйство. Однако нет ни одного достоверного подтверждения этой легенде. Судя по количеству, качеству и глубине работ, Ян Стен был предан живописи, а финансовые трудности его семьи объясняются количеством домочадцев (у художника было восемь детей от двух браков) и экономическими катастрофами, постигшими Голландию на закате Золотого века. ЯнСтен Барокко _history

Сэму сделали необычное предложение — стать живым произведением искусства Попав в Европу, он случайно встречает известного современного художника Джеффри Годфруа. Годфруа хочет наколоть на спине беженца огромную татуировку шенгенской визы и выставлять Сэма как арт-объект в музеях мира. Надеясь, что сделка позволит ему свободно передвигаться по Европе и наконец повстречаться с возлюбленной, с которой они были разлучены, Сэм соглашается. Сперва все идёт замечательно — сириец становится настоящей звездой. Но вскоре он почувствует, что стал всего лишь вещью, которая переходит из рук в руки. В основе картины лежит классическая история о сделке с дьяволом. В облике искусителя предстает художник Годфруа, известный своими эпатажными инсталляциями. Этот коварный Мефистофель предлагает одинокому и потерянному Сэму подарить ему свою спину. Договор не нужно даже подписывать кровью. Бывший беженец, работавший на складе, внезапно оказывается сверхпопулярен — люди носят футболки с изображением его татуировки, поклонники совершают настоящее паломничество в музей, а главные арт-дилеры мира мечтают заполучить тело Сэма себе в коллекцию. По мнению Бен Ханья, режиссёрски фильма, тиражируемость и эксплуатация современного искусства сегодня приобретают характер хищнический, капиталистический.И сам фильм подтверждает это — «Человек, который продал свою кожу» был представлен на Венецианском кинофестивале, а также получил номинацию на «Оскар» в категории «лучший иностранный фильм». https://www.youtube.com/watch?v=GwSS62Vp2NY

Тишина 1916-1918 Кес ван Донген Частная коллекция Один из основоположников фовизма. Работа впечатляла современников своей эпатажностью, но сейчас понятно насколько это было мощным живописным новаторством, кстати, имевшим большой резонанс в искусстве того времени, да и сейчас остаётся актуальным. За грубыми и примитивными формами скрывается утончённость, элегантные позы, гармоничность. Главные его картины посвящены "современным женщинам", погруженным в мир домашней неги, моды и развлечений. Наибольшую известность Ван Донген получил как автор стилизованных женских портретов. И в наши дни Кес ван Донген остается непревзойденным в своем стиле мастером женского портрета.

Цветочная вышивка. Ольга Принку (Olga Prinku) — английский графический дизайнер из Ярма, Северный Йоркшир. Ольга начинала с изучения вязания крючком и спицами различных изделий из шерсти. Постепенно экспериментируя с рукоделием и исследуя социальные сети, художница переключилась на работу с сухими цветами. Позднее она разработала технику цветочной вышивки, используя органические материалы в качестве нити.

Фотография вдохновляет Если вы интересуетесь фотографией, то должны наверняка знать этих современных фотохудожников, которые иллюстрируют целую эпоху своими работами. Колберт Грегори Канадский фотограф и кинорежиссер. Известен фотоработами из серии “Пепел и снег” на тему отношений человека с окружающим миром. Марк Рибу Французский фотожурналист. Снимал удивительно “живые” и характерные портреты, пейзажи городских улиц, а также остросоциальные репортажи. Сет Резник Американский фотограф. В основном занимается тревел-фотографией. Ричард Аведон Американский фотограф, мастер документальной и модной фотографии. Ольга Мичи Российский фотограф. Основная тема ее фотографий — проблемы, связанные с глобализацией мира и потерей идентичности. В этом году на ARTLIFE FEST 2021 впервые будут представлены работы фотохудожника Ольги Мичи. Билет на ARTLIFE FEST 2021 можно получить по ссылке: https://artlife-fest.com/

Ссора Оберона и Титании 1849 Джозеф Ноэль Патон Национальная галерея Шотландии, Эдинбург Картина шотландского художника по мотивам произведения Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь». Спор между Обероном и Титанией возник из-за малыша, похищенного у индийского султана (он — подменыш, существовало поверье, что феи похищают новорождённых детей и вместо них подкидывают своих младенцев). Оберон требует от Титании отдать ему мальчика в пажи, Титания непреклонна в своём отказе мужу, так как мать мальчика была её подругой. В ссоре Титания обвиняет своего супруга в измене с Ипполитой, а он её — в связи с Тесеем. На картине реальный мир переходит в мир волшебной фантазии. Главные герои — король и королева фей и эльфов — изображены в полный рост и выглядят великанами на фоне малышей-эльфов. Индийский мальчик в колпаке, виновник ссоры, прячется за спиной Титании, держась за край шлейфа её платья. Восхищённый живописным произведением Льюис Кэрролл в своё время насчитал на картине 165 фей.

«Воз сена». (1 часть). «Воз сена» – триптих Иеронима Босха, трёхстворчатый складень. Некоторые исследователи считают «Воз сена» первым триптихом из написанных Босхом (и датируют его 1502-м годом). На сегодняшний день "Воз сена" известен в двух версиях, и обе хранятся в Испании. В основе сюжета триптиха — библейское пророчество Исаии и нидерландская поговорка. Первое гласит, что «всякая плоть — трава, и вся красота её — как цвет полевой», вторая сообщает, что «мир — как воз сена, и каждый хватает, сколько сможет». Жанр, в котором работал Иероним Босх, можно назвать «визуальной проповедью». Он обличал смертные грехи, грозил адским пеклом и Страшным судом, цитировал на своих картинах притчи и изречения из Библии. На этом триптихе в центре внимания алчность и сластолюбие — главные пороки эпохи, по мнению мастера и его богобоязненных современников.

"Реквием" 1905 г. Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов Государственная Третьяковская галерея. «Реквием» Борисова-Мусатова сравнивают с «Реквиемом» Моцарта. Как оказалось, художник его тоже написал себе самому. Впрочем, создавал он эту акварель, будучи глубоко взволнован смертью Надежды Станюкевич, жены его друга, бывшей одной из его немногочисленных моделей. «Что же это, как не доведение собственной жизни до религии?» – воскликнул Владимир Станюкевич, увидев эту работу. Надежда Станюкевич напоминала художнику возлюбленную Джулиано Медичи Симонетту Веспуччи, с которой написана легендарная картина Боттичелли «Рождение Венеры». В каком-то смысле художник подтолкнул ее к гибели, вернее, не удержал от рокового шага. Ее муж, Владимир Станюкевич, был призван на фронт, в военный госпиталь, как военный врач. Надежда хотела отправиться с ним в качестве сестры милосердия. Супруги приехали к Борисову-Мусатову, Владимир надеялся, что тот поможет ему отговорить жену, которая обладала слабым здоровьем. Но художник восторженно воспринял готовность Надежды Станюкевич следовать за мужем и ее самопожертвование. Увы, ни к чему хорошему это не привело. В госпитале было очень тяжело и физически, и морально. Надежда просто не выдержала и сломалась в этой обстановке. Ее перевезли в Москву. Оказалось, что она не только ослабла, но и основательно пошатнулось ее душевное здоровье. Надежда Станюкевич попала в лечебницу для душевнобольных доктора Усольцева (кстати, в это же время там находился Врубель). Борисов-Мусатов часто навещал ее, она умерла практически на руках у своего друга. На посвященной ей акварели мы видим прозрачные, почти призрачные фигуры восьми печальных женщин. В центре – сама Надежда Станюкевич. Ее образ соединяет две группы девушек. Она «уже не здесь, но еще не там», между жизнью и – смертью? иной жизнью? Большинство исследователей считает, что в этих восьми фигурах воплотились его три главные натурщицы. Помимо Станюкевич, там фигурируют жена и сестра Борисова-Мусатова. Облик жены безоговорочно опознаваем в повернутой в профиль высокой фигуре слева. Рядом с ней, похоже, сестра художника Лена. Замыкает цепочку слева еще одна фигура, в которой можно опознать саму Надежду Станюкевич. Впрочем, есть и другая версия. Изображенные на акварели женщины вызывают в памяти разные картины Борисова-Мусатова, «Реквием» – словно своеобразный «коллаж» из его героинь. Все они имели свои прообразы, иногда конкретные, иногда – смутно угадываемые. Скорее уместно говорить о том, что все женщины этой акварели воплощают в разных ипостасях некий женский обобщенный образ в творчестве Борисова-Мусатова. Всем работам художника присуща особая музыкальность, мелодичность, и эта картина – не исключение. Один из исследователей провел тонкую аналогию: отличающиеся по росту, расположенные на разных уровнях вокруг центральной фигуры, эти девушки – словно ноты на импровизированном нотном листе. Без труда опознается место действия, это любимая Борисовым-Мусатовым усадьба в Зубриловке. И здесь не обошлось без мистики – реквием написан и по усадьбе, хотя тогда художник не мог об этом знать. За неделю до его смерти взбунтовавшиеся крестьяне разгромили имение. Многие считают, что «Реквием» – последняя картина Борисова-Мусатова. Это не так. Но, безусловно, эта акварель оказалась очень символична и стала реквиемом не только по близкому другу, но и по столь милой его сердцу усадьбе, и по нему самому. После смерти Борисова-Мусатова была организована посмертная персональная выставка, чтобы помочь его семье. Но расставаться с «Реквиемом» жена не захотела. Она всегда возила с собой эту картину при любых перемещениях. Однажды Елена попала в сильный шторм на Черном море. Упакованная в специальный чемоданчик картина оказалась единственным не поврежденным предметом на борту. Но, опасаясь, что следующий подобный случай может быть не столь удачным, вдова художника приняла решение подарить картину Третьяковской галерее. БорисовМусатов Символизм _history

​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.   Начиная с 10 июня под открытым небом будет демонстрироваться уникальный контент — фильмы, недавно вышедшие в прокат и вызвавшие интерес у публики.   Покажут и ролики победителей конкурса «Миры Тарковского». За расписанием сеансов в летнем кинотеатре можно следить на сайте   Вход бесплатный при регистрации ️Фестиваль креативных индустрий НИУ ВШЭ Telling Stories пройдет в Казани 11 июня.   Посетителей ждут бесплатные лекции, выставка и концерты.   Проект посвящен инновациям, трендам и образованию в сферах кино, новых медиа, игровой индустрии, маркетинга и коммуникаций, искусства, дизайна и моды. Регистрация и программа   ️10 июня на ВДНХ откроется мультимедийная выставка-погружение «Петр Великий. Рождение империи».   ️Шестой международный театральный фестиваль под открытым небом «Толстой» пройдет в музее «Ясная Поляна». Даты будут объявлены позднее.   От автора: Была в «Ясной Поляне» и до сих пор чувствую запах яблок и то впечатление, будто время остановилось. Усадьба у Льва Николаевича необъятна. Невероятно, но музей был основан в 1921 году. А саму усадьбу прадед Льва Толстого князь Сергей Волконский купил в 1763 году. В своем доме Лев Толстой родился и прожил более 50 лет. Именно здесь он написал свои главные труды.   Читала, что Лев Николаевич сам насажал большой яблочный сад: более 7800 деревьев. Софья Толстая писала: «Взглянешь в окно в сад и всякий раз поразишься этим воздушным белым облакам цветов в воздухе, с розовым оттенком местами и со свежим зеленым фоном вдали». Сейчас в яблочном соду можно найти 30 различных сортов яблок. Посмотрите это чудесное видео и навестите «Ясную Поляну» этим летом   Фото: Дом Льва Николаевича Толстого, Предоставлено пресс-службой фестиваля https://telegra.ph/file/db1fccc49e08b32606da6.jpg

Работы Константина Маковского стоили так дорого, что даже Третьяков не мог себе позволить их приобрести. Художник был достаточно предприимчивым, и пока художники-передвижники писали работы на остросоциальные темы, Константин Егорович создавал красочные картины для американцев. Его работы покупали за тысячи долларов. Он демонстрировал быт и культуру русских людей, часто не соблюдая доподлинную атмосферу того времени. Маковский мог написать полотно за пару часов без предварительных эскизов. Элегантный красавец Маковский умел очаровывать женщин. Сам тоже охотно очаровывался. У художника было девять детей. Погиб Маковский в 1915 году в возрасте 76 лет, попав в несчастный случай: его экипаж врезался в трамвай. Художник вылетел из кареты и умер от удара виском об угол дома на Невском проспекте. О себе Маковский писал: "Лучшие красавицы наперебой позировали мне. Я зарабатывал громадные деньги и жил с царственной роскошью. Успел написать несметное количество картин; Я не зарыл своего Богом данного таланта в землю, но и не использовал его в той мере, в которой мог бы. Я слишком любил жизнь, и это мешало мне всецело отдаться искусству."

Алмазный фонд Московского Кремля Среди самых известных экспонатов - императорские символы власти, главные из которых Корона, Держава и скипетр. Корона Екатерины II, изготовленная в 1762 году для ее коронации, является символом всей коллекции музея. Она украшена 5000 бриллиантами и 75 жемчужинами. На вершине ее - тёмно-красная шпинель (398, 72 кар). Длина нижней окружности короны - 64 см. Высота с крестом - 27,5 см. Золотая Держава - гладкий полированный шар, внутри полый, обвитый бриллиантовой гирляндой. В месте соединения поясков - индийский алмаз в 42,92 карата. Венчает Державу сапфир цейлонского происхождения в 200 карат. Весит Державы - 861 грамм, высота с крестом - 24 см. Скипетр (жезл, символ власти) со знаменитым алмазом «Орлов» был подарен фаворитом Екатерине II графом Орловым на её именины вместо обыкновенного букета цветов. Эти три реликвии - Алмаз "Орлов" в скипетре, синий сапфир в державе и алая шпинель в короне символизируют цвета Российского флага - белый, синий, красный.

Разбираемся в стиле: кубизм ⠀ В кубизме некоторые свойства художественных объектов отражаются более отчетливо, чем в произведениях классической живописи. До сих пор кубизм является одним из самых востребованных направлений не только в современной живописи, но и в скульптуре, дизайне и интерьере. Характерные черты ⠀ В кубизме самые главные изображаемые объекты — геометрические фигуры, на которых строится вся композиция. Кубисты «раскладывают» трехмерные объекты на полотне, будто разбирая фигуры на части, изображая сюжеты (портрет, натюрморт, пейзаж) плоскими. Это дает возможность зрителю рассмотреть предметы с разных сторон. Художники кубизма искажают реальность, чтобы не просто отразить ее, а позволить зрителю почувствовать и воспринять окружающий мир через формы. В кубизме нет правил по использованию перспективы, светотеней или цвета. Здесь важна «интеллектуальная игра» формами. Известные художники-кубисты: Натан Альтман, Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис.

История про здание Третьяковской галереи на Крымском валу, она же - Новая Третьяковка, или то место, где проходят обычно самые посещаемые выставки - Серов, Репин, Поленов, Врубель - все показывают там. К середине 1950-х годов и Третьяковская Галерея, и Союз Художников СССР ощущали острую необходимость в пространстве для экспонирования коллекции. Главным архитектором был назначен Н.П. Сукоян Часть здания, которую финансировал Союз Художников, открылась в 70-е годы, вторая часть - за которую платило государство, строилась дольше и была сдана только в 1986 году. Проект здания на Крымском Валу аккумулировал в себе основные принципы классической архитектуры и главные достижения модернизма. Основа здания - железобетонный каркас. Одно из важнейших технических решений — устройство освещения. К работе над ним привлекались сотрудники лаборатории светотехники Института строительной физики. В результате удалось осветить 70% экспозиции верхним естественным светом, для чего в крыше были сделаны зенитные фонари, а в экспозиционных залах — подвесной потолок со светопроницаемым остеклением. Цветовая гамма здания строится на использовании контрастных оттенков природного камня: мрамора, гранита, известняка. Самыми выразительными предметами интерьера холлов и вестибюлей стали люстры. Они были заказаны специально для здания в компании «М. Хаупт» (Австрия), которая несколькими годами ранее выполняла заказ для Кремлевского Дворца съездов. Так что, когда пойдете в Новую Третьяковку, обратите внимание на люстры! PROинтересныефакты

️В Центре Гиляровского откроется выставка, посвящённая 120-летию со дня рождения певца Сергея Лемешева. Лемешев играл главные роли в операх «Руслан и Людмила», «Снегурочка», «Золотой петушок», «Садко», «Севильский цирюльник». Больше 30 лет он был солистом Большого театра. Партию Ленского в «Евгений Онегин» он исполнил 500 раз. От автора: уделите 2 минуты и послушайте любимейшее исполнение Сергея Лемешева стихотворения Алексея Толстого «Средь шумного бала» на музыку Петра Чайковского. Невероятный голос! ️Бэнкси получил звание профессора в Университете Великобритании UCA (the University for the Creative Arts) Звание носить символический характер — «за гуманитарную деятельность и вклад в развитие мировой художественной сцены». Лекции Бэнкси проводить не будет. Во всяком случае, пока такой информации нет. ️Музей-заповедник «Кузьминки-Люблино» и Askeri Gallery 30 июня представят совместный проект «Между прошлым и будущим. Современные художники в усадьбе Люблино». ️Кинотеатр «Пионер» и фонд «Дом с маяком» запускают цикл благотворительных показов. В июльской программе премьеры и новинки французского кино, ранее не выходившие в прокат в России: «Любовное письмо», «Красная земля», «Ночной доктор» и «Безумный Пьеро» https://m.youtube.com/watch?v=t89swJa6Uy0

Рукоделие — главный тренд сезона! А еще самый доступный Рассказываем, как обновить свои старые вещи, используя главные тренды мировых модельеров с показов весна-лето 2022. Jil Sander отдает предпочтение различным видам вышивки: от бисера до французского узелка. С помощью таких деталей дизайн приобретает характер и фактуру. Попробуйте применить одну из техник на своей белой футболке. Chloe предлагает использовать ненужный текстиль (полотенце или постельное белье) для создания японских тапочек — дзори. Техника называется «nuno zori». Плетеный топ в технике макраме станет незаменимой вещью в летнем гардеробе. Для вдохновения взгляните на образы с показов Altuzarra или Magda Butrym. JW Anderson представил вязаную сумку, очень напоминающую авоську. Вы можете смело выбирать любые цвета и материалы, чтобы самостоятельно создать трендовый аксессуар. Модный дом Jacquemus использует хаотичное расположение жемчуга на трикотаже для свежих образов. Предлагаем заимствовать идею!

Сон о лучшей жизни В 2018 году художники Олег Карпов, Умида Ахмедова, Тимур Карпов создали фильм «Сон о лучшей жизни (фрагмент фильма „Безвременье. Light“). Видео состоит из двух частей: в первой камера следует за женщиной с шариками. Во второй — мы попадаем на выставку портретов 1-ого президента Узбекистана, на которую привели экскурсию из интерната для детей с особенностями развития. Авторы иллюстрируют как люди, в реальной жизни исключённые из общественной жизни и словно не замечаемые властью в сегодняшнем обществе Узбекистана, были приведены на выставку, этой власти посвящённую. Парадоксальный сон, который стал привычной реальностью. На выставке экран с видео художников оказался заклеенным надписью «Показ нецелесообразен», имитирующим печать. Этот кураторский ход является саркастической отсылкой к действиям власти Узбекистана, которая не давала выезд художникам, говорящим на политические и социальные темы, объясняя это «нецелесообразностью». Искусство или нет?

«Рождение Венеры» ~1485 г. Сандро Боттичелли Героиня полотна — римская богиня красоты, любви и плодородия Венера. Картина полна символов. Например, раковина — это символ женственности, женского лона, из которого рождается богиня. Венера печальна — почему? Дело в том, что Венера, едва успев обрести свободу и радость жизни, теряет их. Она перестаёт быть обычной девушкой и становится богиней. Больше о культовых полотнах великих художников узнаете на курсе «О чём молчат картины» от лектория Синхронизация. На курсе разберётесь, как великие художники создавали свои шедевры. В программе работы Фриды Кало, Анри Матисса, Сальвадора Дали и других гениев. Вы изучите биографию художника, главные особенности его стиля, его влияние на искусство и секреты лучших работ. Запомнить материал помогут памятки, тесты и статьи. По промокоду PICHISTORY скидка 20%. Промокод действует для всех курсов Синхронизации и суммируется с акциями на сайте Переходите по ссылке и покупайте курс дешевле! https://bit.ly/3QRS5m0

Венеция, пожалуй, была для Фрица Таулова идеальным местом для работы. Кроме родной Норвегии, конечно. Художник, который учился писать у знаменитого датского мариниста Карла Фредерика Сёренсена и который первые годы своей художественной карьеры посвятил изображениям воды, просто не мог остаться равнодушным к городу, в котором вода окружала его повсюду. Таулов приезжал в Венецию в 1894 и 1897 годах и, как и всегда, практически не изображал здесь людей. Художника мало интересовали как толпы туристов, так и колоритные местные жители. Вода была его главной целью и предметом бесконечных исследований. Он находил вдохновение в самых отдаленных, не исхоженных людьми уголках города. В отличие от многих коллег-современников, Таулов никогда не пытался с помощью своих работ делать какие-то громкие политические или социальные заявления. Его в первую очередь интересовала художественная ценность картины и правильная передача всех качеств изображаемых объектов. В итоге картина "Уголок Венеции" становится очень нетипичным изображением этого города. Таулову удалось запечатлеть почти интимную сцену из жизни Венеции, ее обратную сторону, "изнанку", за которую далеко не каждому удается заглянуть. Он детально, но без лишнего драматизма прописывает старые здания с осыпавшейся штукатуркой. И устойчивость этих зданий кажется призрачной и зыбкой, когда их окружает постоянно движущаяся вода. Конечно, именно она становится главным "действующим лицом" этой картины. Очень живая, очень по-импрессионистски написанная, в исполнении Таулова вода выглядит одновременно и спокойной, и стремительной. Художник настолько мастерски передает настроение этой тихой, камерной городской сцены, что даже одинокая фигура гондольера бросается в глаза не сразу. Единственный человек на полотне кажется неотъемлемой частью пейзажа, спокойной и неторопливой, но при этом тоже пребывающей в движении. ФрицТаулов Импрессионизм _history

«Надо это временами: нет-нет да малость спятишь» - описывал как-то свой творческий метод Валентин Серов. Он тогда говорил о другой картине. Но, наверняка, мог бы сказать так и про «Окно» - работу, по которой непросто угадать автора. То, что Серов был скрытым импрессионистом, пожалуй, не сенсация. Время от времени это начало в нем пробуждалось – сказывалась дружба с Константином Коровиным (а, возможно, и то, что в детстве Серов жил с матерью в Париже на бульваре Клиши). Но даже на фоне этих импрессионистских всплесков «Окно» кажется слишком беглым эскизом. То ли несвойственная Серову интуитивная легкость исполнения, то ли нарочитая небрежность: воздух, блики, суматошная летняя рябь. Тот ли это Серов, что изводил себя и своих моделей сотнями сеансов, марафонами, которые, порой, тянулись годами? Тот ли это хмурый правдолюб, под чьим взглядом терялись Шаляпин и Николай II? Юный возраст художника тут ни причем. Очень скоро он напишет свои главные шлягеры: всего через год – «Девочку с персиками», через два – «Девушку, освещенную солнцем». Для Серова всегда было важно испытывать какие-либо эмоции по отношению к тому, что он рисовал. Окно в простом деревенском доме было для него важнее роскошных интерьеров романовских и юсуповских дворцов. Неказистая эта натура будоражила его чувства не меньше, чем позднее – кровавые события 1905 года или, к примеру, голая Ида Рубинштейн. Написанное Серовым окно – в доме его тети Аделаиды Симанович в Едимоново – деревне с неожиданно обширными связями с миром русского изобразительного искусства. Брат Василия Верещагина – Николай – основал здесь школу молочного хозяйства. Бывал здесь и Михаил Врубель. Что касается Серова, в его судьбе Едимоново сыграло существенную роль – здесь в доме Аделаиды Симанович он познакомился со своей будущей женой Ольгой Трубниковой. Это окно (наряду с другим, написанным в том же году) – эскиз для ее портрета. Сам портрет Серов поначалу невзлюбил – он казался ему слишком темным, недостаточно «отрадным». Другое дело эскиз – его «окно в лето», глядя в которое художник словно переносился в беззаботный 86-й. Серову 21. Он полон сил, наивен, влюблен. Окно распахнуто настежь, и нет за ним ни дрязг в Академии художеств, ни бытовых неурядиц, ни размолвок с друзьями, ни 1905 года – только солнце и большие надежды. ВалентинСеров _history

Произведение, посвященное исчезновению с лица земли древнего города, своим названием наводит на мысли о другом грандиозном полотне, принадлежащем кисти Карла Брюллова. Сравнение не случайно, поскольку Айвазовский был дружен с автором «Последнего дня Помпеи», в какой-то степени считал его своим наставником, а его творчество, несомненно, оказало влияние на живописную манеру великого мариниста. Кроме того, тема была популярна из-за возобновившихся и принявших систематический характер раскопок, проводившихся в 60-70 годах XIX века. Все это повлияло на выбор сюжета для картины Айвазовского «Гибель Помпеи», однако это произведение ни в коем случае не является подражанием полотну Брюллова. Основное отличие в том, что главными героями «Гибели Помпеи» являются вовсе не люди. В первую очередь, внимание зрителей привлекает борьба стихий: огня и воды, мастерски показанная художником. На заднем плане картины изображены теперь уже развалины города, погребенные под слоем лавы и пепла и охваченные огнем. Судя по историческим документам, извержение Везувия началось днем, но на полотне Айвазовского оно предстает в полном разгаре уже глубокой ночью. Отблески пламени контрастируют с темным небом, что подчеркивает драматичность ситуации. Для усиления реалистичности на картине Айвазовского «Гибель Помпеи» по всему полотну изображен пепел, падающий с неба в море. Цветовая палитра произведения также соответствует замыслу живописца: все, включая море, написано в алых, желтых и коричневых тонах, благодаря чему создается атмосфера ужаса и страха, охвативших несчастных людей. Грозные черные волны — главные герои большинства произведений гениального мариниста — отражают бушующее пламя и облака дыма и пара, написанные в багровых тонах. Однако, в отличие от полотна Карла Брюллова, на картине Айвазовского есть место надежде на спасение для жителей Помпеи. На переднем плане изображено множество поспешно отплывающих кораблей с испуганными, но избежавшими смерти людьми. Возможно, именно благодаря их свидетельствам мир узнал подробности трагедии, а величайшие художники смогли запечатлеть трагический момент на своих картинах. ИванАйвазовский Романтизм _history