Назад

Холодная война и Айвазовский Казалось бы, как связаны Иван Айвазовский, наш...

Описание:
Холодная война и Айвазовский Казалось бы, как связаны Иван Айвазовский, наш главный маринист, и холодная война? А связь есть Рассказываю Иван Константинович очень любил путешествовать. И даже в преклонном возрасте не мог усидеть на месте. Например, в свои 75 лет в 1892 году Айвазовский поехал в Америку. А это несколько недель на корабле… Хотя, думаю, понимаете, что Айвазовский обожал море и все, что с ним связано. И корабли уважал А теперь к картине и Холодной войне! ️ А за год до поездки Ивана Айвазовского в Америку, в 1891 году, в Российской империи разразился страшный голод из-за неурожаев в Центральной, Юго-Восточной России и Поволжье. США тогда собрали гуманитарную помощь для империи и отправили ее кораблем. Айвазовский был так впечатлен этим широким жестом, что год спустя, находясь в путешествии, написал несколько картин на тему помощи США Российской империи. И подарил Америке Одну из этих картин вы можете видеть в иллюстрации. Но кто бы мог подумать, что произведение будет не просто знаком благодарности от русского художника, но и сыграет свою роль в ходе переговоров в 20 веке С 1961 по 1964 первая леди, Жаклин Кеннеди, решила выставить «Корабль помощи» в Белом доме. И во время встречи Хрущева и Кеннеди «Корабль помощи» висел в зале переговоров, которые предотвратили ядерную войну. Может, так намекали на давние и добрые отношения? Позже, уже в начале 21 века, это произведение было продано за 2,4 миллиона долларов. Правда, не одно. «В комплекте» шла картина «Раздача продовольствия». Такие вот морские и странные дела P. S. Все-таки биография каждого художника - это нечто удивительное. Столько интересного открывается, когда начинаешь погружаться в подробности. Если хотите узнать больше про Айвазовского (и не только) и получить свою порцию вдохновения - вступайте в клуб PROISKUSSTVO ️ ️Остался 1 день ️ Иван Айвазовский. Корабль помощи. 1892 PROайвазовский PROинтересныефакты

Похожие статьи

Картина Александра Николаевича Волкова, «Испания»-как символ сопротивления и справедливости.
Картина Александра Николаевича Волкова, «Испания»-как символ сопротивления и справедливости.
Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.
772 

02.06.2024 17:09

М.Я. Будкеев родился 23 декабря 1922 года в крестьянской семье, в старинном...
М.Я. Будкеев родился 23 декабря 1922 года в крестьянской семье, в старинном...
М.Я. Будкеев родился 23 декабря 1922 года в крестьянской семье, в старинном селе у подножия Салаирского хребта Овсянниково Целинного района Алтайского края. Красота природы, самобытность жизненного уклада, природные склонности будили романтическое отношение к миру, формировали цельный характер. В крестьянской юности у М.Я. Будкеева были занятия, определяемые полузабытыми ныне словами "коногон", "копновоз"; помнятся художнику и клички всех лошадей из того далекого прошлого - Лапоть, Попиха, Пегуха - и о каждой из этих трудяг - поэма воспоминаний. Рано определившийся интерес к художественному творчеству не был тогда подкреплен обучением и художническим знанием, так как по судьбе будущего художника прошла Великая Отечественная война. М.Я. Будкеев закончил Канскую военную авиационную школу, летал штурманом, но воевать пришлось после окончания Новосибирского пехотного училища командиром взвода автоматчиков - апрель, май, июнь, июль 1943 года.
5438 

12.03.2021 16:29

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории...
"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history
5367 

16.03.2021 20:38


"Расстрел императора Максимилиана I" 1868 г. Эдуар Мане Кунстхалле...
"Расстрел императора Максимилиана I" 1868 г. Эдуар Мане Кунстхалле, Мангейм. Эдуар Мане занимал четкую гражданскую позицию и был ярым политическим спорщиком. Во время Франко-Прусской войны, например, он остается в осажденном Париже, идет добровольцем на его защиту и по вечерам, голодный, больной и измученный, тяжело переживает вести о гибели друзей, скучает от разлуки с женой и ведет яростные споры с Эдгаром Дега. Сходятся в итоге на том, что не прощают бегства Золя из Парижа, мирятся. Но это будет уже в 1870 году, когда война положит конец правлению Наполеона III, а Эдуара Мане доведет до нервного срыва. А за несколько лет до этого недовольство Мане-француза правлением императора прорвется лишь в одной напряженной, политически-заряженной картине. «Расстрел императора Максимилиана» был обречен – такую картину не отправишь в Салон и даже не покажешь на собственной выставке. Ее запретили – и до самой смерти Мане полотно не видел никто, кроме близких друзей художника. Здесь не обойтись без предыстории. «Расстрел» - это быстрая, дерзкая и вполне конкретная реакция на одну из самых постыдных кампаний Наполеона III: тщеславное завоевание Мексики, политический переворот и позорное бегство французской армии из этой заокеанской страны. Наполеону хотелось провернуть что-то вроде египетской кампании своего знаменитого родственника, а заодно подобраться поближе к Америке. Французская армия свергла местного правителя Мексики и усадила править здесь марионетку Наполеона III, императора Максимилиана. Все бы ничего, история не оригинальная и не новая, но только французов надолго не хватило: содержать армию в Мексике оказалось дорого и совершенно нелогично. Армию вернули домой, а императора Максимилиана оставили разбираться с мексиканцами. Когда мексиканцы расстреляли чужака Максимилиана и французские газеты об этом сообщили, Эдуар Мане задумал новую картину, свой единственный шедевр на основе исторического события. Страстный исследователь творчества Мане и один из лучших современных британских арт-критиков Вальдемар Янушчак говорит: «В истории современного искусства есть всего две картины, на которых с достаточной силой и эффектом запечатлены события своего времени: «Герника» Пикассо и «Расстрел» Мане». Мане удалось не просто рассказать о событии, а вовлечь в него зрителя. Глухую серую стену на заднем плане Мане выстроит только в третьей версии картины (на первых версиях-эскизах за расстрельной группой простирался сухой, лаконичный пейзаж), солдаты тоже сначала были одеты в сомбреро и вполне походили на мексиканцев. Потом, переодев солдат во французские мундиры, Мане бросит вызов и обвинит французов в соучастии, а французского императора – в убийстве. Это его черты должны были опознать современники в лице того солдата, который готовит ружье к финальному выстрелу в упор. Это он, Наполеон III, - убийца Максимилиана. Но кроме зевак, наблюдающих из-за забора за казнью, на картине присутствует еще один наблюдатель, который был рядом и ничего не сделал, чтобы помешать. Это вы. Это вы отбрасываете тень в нижней части картины и спокойно наблюдаете за казнью императора Максимилиана. Каждый из нас. ЭдуарМане Реализм _history
5168 

19.05.2021 22:40

​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар.

Она станет первой женщиной...
​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар. Она станет первой женщиной...
​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар. Она станет первой женщиной на посту директора музея. ️29 мая в Flacon.Cube Flowgardenz совместно с музыкантом Кариной Казарян (kptransmission) покажут аудиовизуальный перформанс Still Life. ️Пушкинский музей и Томский государственный университет откроют первую в России резиденцию, объединяющую искусство и науку. ️Два филиала «Ясной Поляны» откроют в Тульской области к 100-летнему юбилею музея-заповедника — в Туле и бывшем уездном городе Крапивна. Этим летом обязательно навестите Льва Николаевича! Незабываемее впечатления от усадьбы и атмосферы 19 века, где были написаны «Война и мир» и «Анна Каренина». Больше понимаешь князя Болконского, который так полюбил жизнь в усадьбе: размеренно и по-настоящему счастливо. ️В Москве на территории бывшего завода «Рассвет» на Пресне открылось новое культурное пространство. ️Фестиваль «Первая фабрика авангарда» превратил город в настоящую столицу современного искусства, пусть и всего на неделю. Выставка «Светлый путь» в Музейно-выставочном центре продлится до 22 августа. Иваново — чудесный город и настоящая «текстильная столица России»! Вокзал в Иванове был возведен в 1929–1933 годах по проекту архитектора-конструктивиста Владимира Каверинского. Это крупнейший в России вокзал в конструктивистском стиле: его площадь составляет более 9 тыс. кв. м. https://telegra.ph/file/82b700d66271a284bad2a.jpg
5113 

27.05.2021 19:46

Португалка
1916
Робер Делоне
Холст, масло и воск. 180 × 205 см
Музей...
Португалка 1916 Робер Делоне Холст, масло и воск. 180 × 205 см Музей...
Португалка 1916 Робер Делоне Холст, масло и воск. 180 × 205 см Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид Делоне французский художник, но первая мировая война застигла Робера и Соню Делоне на курорте Сан-Себастьян в Испании. После недолгого пребывания в Мадриде, с июня 1915 по март 1916 г., они поселились в португальской деревушке Вила-ду-Конди, неподалёку от Порту. Оба были очарованы тёплым ясным светом северной Португалии, который запечатлели в серии работ на тему деревенских рынков. Хотя Робер Делоне уже экспериментировал с беспредметной живописью в 1912—1913 годах, в отличие от таких художников как Василий Кандинский и Франтишек Купка, он не считал абстрактность самоцелью. В этой картине фигуративные абстрактные элементы комбинируются, усиливая динамизм цветовых сочетаний. Делоне достигает максимальной насыщенности цвета, с помощью техники смешивания масла и воска, к которой после отъезда из Португалии он больше не вернётся.
5155 

11.06.2021 17:13

️ Ушин Андрей Алексеевич (1927 - 2005) График. Член Союза художников СССР.
️ Ушин Андрей Алексеевич (1927 - 2005) График. Член Союза художников СССР. Заслуженный художник РСФСР. В 1939 году поступил в Средную художественную школу при институте живописи, скульптуры и архитектуры Академии художеств. Занятия в школе прервала война. В блокаду работал художником-декоратором у М.П. Зандина, помогал восстанавливать декорации для театра оперы и балета им. С.М. Кирова. От голода умерли его отец и дядя. Отец А.А. Ушина был художником книги, дядя Н.А. Ушин театральным художником и тонким иллюстратором. Блокадной зимой 1943 года, при свете коптилки Андрей совершил свои первые опыты в эстампе. Он нашел дома пальмовые доски и штихели, оставшиеся от дяди-художника, и в короткий срок с 1943 по 1946 год создал несколько сотен гравюр, но сохранились из них немногие. После войны продолжил занятия в СХШ, затем учился в Ленинградском художественном училище на Таврической улице. С 1948 года был мультипликатором на киностудии «Леннауч-фильм». Создал множество живописных полотен, офортов, ксилографии. Выдающийся мастер линогравюры.
4970 

21.07.2021 12:49

"Судьбы животных" 1913 г. Франц Марк Базельский художественный музей. В 1914...
"Судьбы животных" 1913 г. Франц Марк Базельский художественный музей. В 1914 году Франц Марк затеял большой и дерзкий проект: совместно с Альфредом Кубином, Паулем Клее, Эрихом Хекелем и Оскаром Кокошкой проиллюстрировать Библию. За собой Марк оставил ту часть Библии, в которой идет речь о сотворении мира. Совсем скоро началась война и проект не состоялся, но если бы кто-нибудь сейчас задумал поискать среди картин экспрессионистов иллюстрации к Библии, ему бы эта затея удалась. Работами Франца Марка можно смело иллюстрировать сотворение мира: «Борьба форм», «Сон» , «Тироль». А вот картиной «Судьбы животных» можно библейскую историю (и вместе с ней историю мира) завершать. Марк безразлично пролистал остальные разделы Библии – и сразу после сотворения взялся за апокалипсис. Это единственное предельно экспрессионистское полотно художника: напряженное, отчаянное, пророческое, тревожное. Раньше его животные всегда были мечтой о рае, о естественности и гармонии, они спали и пили воду, паслись и смотрели в небо, а здесь они охвачены ужасом, они погибают, на них сыплется огненный град и падают деревья, земля уходит у них из-под ног. У картины есть подзаголовок, придуманный самим Марком и записанный с обратной стороны полотна: «Деревья показывают свои кольца, а животные - свои жилы». Страшно, что и одни, и другие делают это только после смерти. И даже если бы этого страшного поэтичного подзаголовка не было, смысл произведения не нуждался бы в объяснениях. 1913-й – до начала первой Мировой войны остался год, по Европе со скоростью эпидемии распространяется страх и растет предчувствие большой трагедии. Художники-экспрессионисты чувствительней простого человека – они уже несколько лет только и делают, что усиливают контрасты цветов на своих полотнах, изламывают до неестественности жесты персонажей и нагнетают напряжение в композиции. Они чувствуют беду и умножают это чувство в десять раз в живописи. Одним из самых сильных языков эмоций для Марка, как и для многих художников-авангардистов этого времени, оказывается цвет. «Синий – это мужской принцип, строгий и духовный. Желтый – женский принцип, мягкий, радостный, чувственный. Красный – жестокий, тяжелый цвет материи, который постоянно преодолевается первыми двумя!» - писал художник в письме другу Августу Макке. Синяя лань в «Судьбе животных» абсолютно ясно на языке Марка читается как воплощение духовности и мирового порядка. А красный огненный вихрь, обрушившийся на нее – это материя, которую невозможно уже преодолеть, которая побеждает, разрушая истинную жизнь, закономерную и гармоничную. ФранцМарк Экспрессионизм _history https://t.me/pic_history2/172
4854 

15.08.2021 20:37


​Психоделический художественный активизм 1960-х (йиппи)

Это искусство протеста...
​Психоделический художественный активизм 1960-х (йиппи) Это искусство протеста...
​Психоделический художественный активизм 1960-х (йиппи) Это искусство протеста и удовольствия, ориентированное на ментальные исследования. Интерес вызывает ощущение на телесном уровне, происходящее за пределами себя и границами сознания. Психоделическая контркультура развивалась параллельно борьбе за гражданские права, антивоенным выступлениям в Америке и молодежным протестам. Активисты разделились на тех, кто вынес свое политическое недовольство на улицы, и тех, кто ушел в себя, погрузившись в духовные практики. Считалось, что мир на планете наступит в том случае, если "все приведут свою голову в порядок". В контркультуре "быть самим собой" и транслировать это — стало формой политического заявления. Расскажу о двух акциях: 1. Улицы превратились в театр Свободно организованное движение — партия Йиппи* (The Youth International Party) — в 1967 году представило антивоенное выступление, где демонстранты собрались вокруг Пентагона и пели "ом", чтобы этими звуками изгнать злых духов из военных и заставить американскую армию исчезнуть с лица Земли. 2. Выборы В 1968 году в Чикаго йиппи выдвинули собственного кандидата в президенты — свинью, и прогуливались с животным по улице. Цель акций: свержение правительства или же демонстрация свободы. Сопротивление не формулировалось, оно разыгрывалось в творческом хаосе. * Йиппи — конфедерация анархистов, художников, театралов. Эти ребята появились из-за обстановки в стране: война во Вьетнаме казалась абсурдной; культура и политика наталкивали на определенные вопросы; общество стало жадным и потребительским. Выход из этой ситуации активисты видели в том, чтобы направить художественный абсурд против абсурда мира. йиппи https://telegra.ph/file/16b9fd217817145f35280.jpg
4740 

19.09.2021 12:51

Девушка с жемчужной серёжкой
1665
Ян Вермеер

Какая красивая девушка изображена...
Девушка с жемчужной серёжкой 1665 Ян Вермеер Какая красивая девушка изображена...
Девушка с жемчужной серёжкой 1665 Ян Вермеер Какая красивая девушка изображена на картине… Да, действительно очень красивая. Наверное, поэтому эту картину часто называют «Голландской Моной Лизой». Этот портрет отличается от многих других портретов того времени необычной позой девушки – кажется, что она находится в порывистом движении. Будто она и не позирует вовсе, а лишь на секунду повернула голову, чтобы улыбнуться нам. Почему на девушке турецкий тюрбан? Дело в том, что в то время как раз шла война с Турцией, и, как это иногда случается, военное противостояние только помогло взаимному проникновению культур. Так, в 15 веке турецкий тюрбан стал одним из самых популярных головных уборов в Северной Европе. Вермеер использовал минимальное количество цветов. При этом он виртуозно обыгрывал контрасты. На зеленом фоне (он потемнел со временем) так ярко выделяется белизна воротника, сочетание желтого и голубого в ткани, и, конечно, сияющая сережка притягивает взгляд.
4644 

07.10.2021 11:09

"Застольная молитва" 1951 г. Норман Роквелл Частная коллекция. Когда в 1955...
"Застольная молитва" 1951 г. Норман Роквелл Частная коллекция. Когда в 1955 году журнал «The Saturday Evening Post» провел опрос своих читателей, какая иллюстрация Нормана Роквелла им больше всего нравится, то большинство назвали картину «Застольная молитва». Эта работа была написана ко Дню Благодарения и долгие годы оставалась олицетворением святого для американцев праздника. Опубликованная в журнале в 1951 году иллюстрация Норманна Роквелла точно передавала атмосферу послевоенного времени в Америке и сопровождалась текстом: «Наш мир – не самое счастливое место в наши дни». Вторая Мировая война перевернула сознание людей и очередной раз доказала как «призрачно все, в этом мире бушующем». После всемирного хаоса пришли растерянность, страх и безнадежность – неумолимые последствия войны. Картина Роквелла отвечала на многие вопросы американцев: как, пройдя через насилие и жестокость, сохранить веру в любовь и доброту и где взять силы, чтобы снова доверять людям и смотреть в будущее с надеждой? Ответ пришелся по душе многим американцам – источник силы художник видит в идущей от самого сердца молитве-благодарности за дар жизни. Идея сюжета появилась благодаря одной из читательниц «The Saturday Evening Post». В 1950 году миссис Эрл в своем письме описала сцену, очевидицей которой она стала. Она красочно поведала, как на ее глазах в кафе вбежала веселая молодая женщина с маленьким озорным мальчиком. Эта парочка сразу привлекла внимание всех посетителей своим радостным и возбужденным настроением. Когда они, довольные собой, сели за столик, то, ничуть не смущаясь переполненного зала и соседей по столику, на несколько минут застыли в молитве. Затем они с воодушевлением принялись за свой обед. Впечатленный рассказом, Роквелл написал эту сцену так достоверно, словно сам ее увидел, только для большей выразительности вместо молодой женщины художник изобразил бабушку с внуком. Каждый раз, когда художник загорался идеей, им овладевала патологическая страсть к совершенству и картина «Застольная молитва», как и многие другие, была тщательнейшим образом спланирована. Вначале сцена была разыграна в кафе на Тайм-сквер на Манхеттене. Оставшись недовольным сделанными там фотографиями, Роквелл выбирает кафе на вокзале, а чтобы точно изобразить обстановку, он даже привозит столики и стулья из кафе в свою студию. Неутолимое желание достоверности вынудило его сфотографировать двор железной станции в Ренселларе недалеко от Нью-Йорка, который на окончательном варианте виднеется за окном. В работе над картиной Роквелл, как обычно, выступает в роли режиссера спектакля: он придумывает сцену, подбирает моделей, антураж и кроме подготовительных эскизов делает сотню фотографий. Он считал, что фотография очень хорошо передает спонтанность и экспрессию. В этой картине Роквелл даже использовал прием фотографов «глубокий фокус», в котором первый и второй планы переданы с гипер-реалистичной ясностью. Для картины художнику позировали его любимые модели: молодой человек, сидящий спиной к окну, – старший сын художника Джерри, рядом с ним за столиком с сигаретой сидит ученик Роквелла, Дон Уинслоу. Картина Нормана Роквелла «Застольная молитва» стала самым дорогим произведением американского реалистического искусства - в 2013 году она была продана на аукционе Сотбис за 46 млн. долларов. НорманРоквелл Реализм _history
4657 

04.10.2021 20:12

"Великая война" 1964 г. Рене Магритт «Великая война» - одна из работ цикла...
"Великая война" 1964 г. Рене Магритт «Великая война» - одна из работ цикла, посвященного скрытому и видимому, как и знаменитые «Сын человеческий» и «Человек в котелке», созданные в том же 1964 году. Эти сюрреалистические работы Магритта предлагают зрителю множество трактовок, основанных как на содержании работ, так и на их названиях, играющих роль своеобразных ключей для расшифровки загадок художника. На картине мы видим состоятельную даму, одетую в изящное белое платье, стоящую перед кирпичной стеной на фоне океана. Используя прием, часто встречающийся в его работах, Магритт помещает меньший объект перед большим, маскируя часть объекта на заднем плане. В этой работе Магритт помещает букет сирени перед лицом женщины, скрывая ее личность от зрителя, заставляя, тем самым, задаться вопросом – не являются ли ее дорогая одежда, изысканная сумочка, украшенная бисером и вышивкой, шляпа с перьями, вычурный парасоль более значимыми, чем ее лицо? Искусствовед Патрик Вальдберг, близкий к сюрреалистам, приводит такие слова Магритта: «Интересное в этих картинах – это внезапно ворвавшееся в наше сознание присутствие открытого видимого и скрытого видимого, которые в природе никогда друг от друга не отделяются. Видимое всегда прячет за собой еще одно видимое. Мои картины просто выявляют такое положение вещей непосредственным и неожиданным образом. Между тем, что мир предлагает нам как видимое, и тем, что это данное видимое под собой прячет, разыгрывается некое действие. Это действие – зримо, и оно – как борьба, и потому название «Великая война» воспроизводит его содержание с достаточной точностью». Хотя картина, изображающая женщину, является именее известной, чем связанная с ней работа «Сын человеческий», ее трактовки так же разнообразны. Название «Великая война», очевидно, отсылает к кровопролитным событиям XX века: скрывая лицо женщины прекрасным букетом, художник словно намекает, что лицо войны может быть куда более чудовищно, чем ее одеяние, сотканное из обещаний и обманчивых надежд, а сама война – обезличенное насилие, разрушающее привычный уклад жизни и человеческие судьбы. Важную роль в понимании этой работы играет и наряд женщины: когда солдат умирал на фронте, помолвленный с девушкой, она оставалась, по сути, вечной невестой, вдовой в белом. Букет фиалок - символ невинности и нежности, словно букет невесты, - усиливает это впечатление. Скрывая лицо, этот букет словно прячет скорбь и траур от посторонних глаз, оставляя лишь символичное напоминание о том, чего может лишить война. Мы ничего не знаем ни об этой женщине, ни о мужчине, которому она была обещана – только о том, что произошло с ними. Само название цветов фиалки (viollette – фр.) ассоциативно намекает на насилие (viol, violence – фр.), которым является война и которое, видимо, навсегда разлучило возлюбленных. Магритт написал эту работу за три года до смерти, будучи уже немолодым мужчиной, пережившим ужасы двух мировых войн. Возможно, художник выразил свою скорбь об этих событиях метафорически изобразив невесту с уже ненужным свадебным букетом, обреченную оставаться в белом свадебном платье, одной на пирсе, идущем вдоль пустынного моря. РенеМагритт АллегорическаяСцена Сюрреализм _history
4618 

19.10.2021 21:38

Когда я в прошлом посте написала, что невероятная популярность Жюля...
Когда я в прошлом посте написала, что невероятная популярность Жюля Бастьен-Лепажа в России объясняется исключительно тем, что все под подушкой с фонариком читали дневники его ученицы Башкирцевой, я, конечно, слукавила, потому что его нежная дружба с Марией - это только одна из причин. Вот смотрите, когда мы говорим про французское искусство последней трети девятнадцатого века, то на ум, конечно же, сами собой приходят импрессионисты. Но понятно, что импрессионистами дело не ограничивается - их же в начале пути не сильно покупали, в салоны не брали и не совсем понимали и им даже пришлось вон свои Салоны отверженных устраивать. А покупали-понимали и в Парижском салоне в то время показывали других художников - академистов, реалистов и натуралистов так называемых. Вот наш Бастьен-Лепаж был учеником “первого живописца империи” Александра Кабанеля, и, кстати, этот статус Кабанель получил в год, когда произошла самая важная выставка Салона отверженных - в 1863. Кабанель с импрессионистами был не в ладах, ну и понять можно - их стиль работы различался разительно - не ясно было гладко пишущему мраморных красавиц академисту что за мазню устраивают эти недоучки. Жюль Бастьен-Лепаж же писал не как учитель - он чутко воспринял веяния барбизонской школы, поглядывал все-таки за тем, чего там придумала нового тусовка импрессионистов и еще обратился к совсем другим сюжетам - не писал античных матрон и пугливых нимф, а искал сюжеты по большей части в деревенской жизни. Даже берясь за типа античные сюжеты, Бастьен-Лепаж их старается осмыслить через более-менее современное ему пониание реализма - вы там ниже в подборке увидите его изображение Диогена например. Родился Жюль Бастьен-Лепаж в 1848 году в деревеньке Данвилье недалеко от Вердена в небогатой семье крестьян и помещиков. Во время учебы в средней школе начал проявлять художественные способности и решил ехать поступать в Парижскую школу изящных искусств, не поступил в нее с первой попытки, год пробыл кем-то вроде вольного слушателя, подтягивая рисование и после наконец попал в мастерскую Кабанеля. Чтоб оплачивать учебу, художник участвовал во всех возможных конкурсах, подавал заявки на любой грант и стипендию и, судя по всему, успешно. В 1870 году началась франко-прусская война и Бастьен-Лепаж был призван на фронт, получил ранение в том же году вернулся в родную Лотарингию. Он продолжит писать, на него станут обращать внимание критики, потом будет попытка получить очередную стипендию чтоб уехать в Рим, к истокам - хотя, по свидетельству друзей Бастьен-Лепажа Рим на самом деле не сильно привлекал, просто если бесплатно, то почему бы и нет. Впрочем, его картина “Благовещение пастухам”, написанная для Римского конкурса вязала только второе место в конкурсе на стипендию, поэтому художник отправился сначала в Англию, потом в Алжир, а после вернулся в Париж. Ну и там текла его жизнь вполне покупаемого, выставляемого и уважаемого художника. Тем временем в России начал собираться клуб его фанатов. Ну то есть правда - Бастьен-Лепаж не был и вполовину так популярен и обсуждаем у себя на родине, как в России. К нему выстроилась очередь из художников, желавших стать его учениками, но, кстати, не только из России - он повлиял и на англичан и их движение “Глазго Бойз”, пришедшее на смену Прерафаэлитам, и на датчан и на вообще на многих художников, которые не были готовы резко перепрыгнуть в новые художественные течения. Ведь реализм тоже не стоял на месте, а Бастьен-Лепаж старался в своей живописи показать все лучшее сразу и был ну такой нежный и поэтичный! Всем художникам, пребывающим в его мастерскую, Бастьен-Лепаж говорил, что поучиться в Париже, конечно, обязательно надо, но оставаться не стоит, потому что только на родине художник может раскрыться во всю мощь. Товарищ Бастьен-Лепаж желает видеть вас в родном кишлаке, короче.
4465 

23.11.2021 18:19

Еще про Нестерова - его в невероятный восторг привела вот эта картина - Жанна...
Еще про Нестерова - его в невероятный восторг привела вот эта картина - Жанна...
Еще про Нестерова - его в невероятный восторг привела вот эта картина - Жанна Д’Арк, написанная в 1879 году. Вообще, Лепаж ее написал в настроение общества: тут же недавно та самая франко-прусская война прогремела и Франция потерпела в ней поражение, потеряв Эльзас и родину Д’Арк - Лотарингию. Вот французские мастера и стали массово изображать Жанну - мол, верните и отвойюте исконные земли! Тут она и поражена видением того, что ей предстоит и страдает за родные края. Так вот, зрителей (опять, правда, в основном, российских) поражала глубина переживания героини и то, что художник осмелился изобразить ее простой крестьянкой, которой только предстоят подвиги и, в качестве высочайше похвалы, называли Лепажа истинным славянином. Так вот Нестеров под впечатлением от этой работы написал картину Видение отроку Варфоломею по мотивам “Жития преподобного Сергия” в 1889 году!
4412 

23.11.2021 18:27

ВИДЕОЭКСКУРСИЯ. АГАТОВЫЕ КОМНАТЫ ЕКАТЕРИНЫ...
ВИДЕОЭКСКУРСИЯ. АГАТОВЫЕ КОМНАТЫ ЕКАТЕРИНЫ...
ВИДЕОЭКСКУРСИЯ. АГАТОВЫЕ КОМНАТЫ ЕКАТЕРИНЫ II https://youtu.be/LA0b2cqqu2U?t=42 Агатовые комнаты павильона «Холодная баня» – архитектурный шедевр XVIII века. Они уникальны как в художественном, так и в техническом отношении и не имеют аналогов не только в России, но и в мире. По указу венценосной заказчицы (Екатерина II лично наблюдала за отделкой этих интерьеров и вносила коррективы в проект) придворный архитектор Чарльз Камерон в 1780-х годах создал во втором этаже павильона неповторимые изысканные интерьеры – помещения для отдыха и развлечений, ставшие личными покоями императрицы, в которых она в утренние часы просматривала государственные документы, отвечала на письма, занималась литературными трудами. Авторская экскурсия многолетнего главного хранителя музея-заповедника «Царское Село», хранителя фонда живописи Ларисы Бардовской. https://youtu.be/LA0b2cqqu2U?t=42
4385 

23.11.2021 14:16

"Портрет Вари Адоратской" 1914 г. Николай Иванович Фешин Варенька Адоратская...
"Портрет Вари Адоратской" 1914 г. Николай Иванович Фешин Варенька Адоратская – племянница подруги и ученицы Николая Фешина, казанской художницы и меценатки Надежды Сапожниковой. «Портрет Вари» – одна из самых, а возможно самая удачная реализация детской темы у Фешина. Как только публика увидела эту картину, ее сразу же стали сравнивать с «Девочкой с персиками» Валентина Серова. Они действительно очевидно перекликаются. В обоих случаях детский портрет – это не просто ребенок в интерьере, это полное отсутствие сюсюкающего умиления и глоток свежего воздуха, это воплощенный мир детства – чистого, светлого и дающего надежду всем нам. Фешин использует экстравагантный композиционный приём: девочка сидит на столе. Это придает картине особую прелесть и подчеркивает обособленность пространства – радостного, светлого, яркого, в котором любимому ребенку можно многое. Это – защищенный мир (между тем, на дворе 1914 год, Первая мировая война). Лицо Вареньки сияет чистотой и ясностью детского мироощущения, натюрморт на переднем плане сочетает легкую небрежность и беспорядок (здесь играл ребенок!) и удивительную завершенность. Это не парадный портрет, это – часть жизни живой, подвижной, возможно, несколько стеснительной девочки с пытливым взглядом. Сама Варя вспоминала: «Мне было тогда 9 лет, я была довольно застенчива и дика…» Начиная с «Портрета Вади Адоратской», художник часто обращался к форме композиционного портрета-картины. Но перед нами ни в коем случае не «портрет на фоне аксессуаров». Сама девочка и детали интерьера неразделимы – это та обстановка, в которой только и может жить ребенок с таким ясным взглядом. Помимо смысловой нагрузки, интерьер выполняет и важную цветовую задачу. Удивительно, что такой светлое, радостное пространство, говорящее о здоровой, счастливой жизни, создано, по сути, серым цветом. Но серый Фешина – это цвет спокойствия и благополучия, рассеянный свет дня, он дышит, живет и переливается, словно перламутр, это светлый фон, создающий защищенность. Яркие акценты вносят чистые цвета оранжевого, желтого и голубого. Градация холодных цветов доходит до черного, теплых – до солнечного. Самый светлый штрих – белоснежное платье девочки – приобретает особую теплоту на прохладном фоне стен. Фешин довольно часто использовал такой технический контраст: достаточно сдержанная палитра и экспрессия нанесения мазков и наложения цвета. Великолепно передана игра фактур: гладкая кожа, тонкое платьице, прозрачный стакан, блестящий чайник, матовые фрукты и прохладная ваза. На самом деле, Фешин писал Варю не в детской, а в мастерской Надежды Сапожниковой. Повзрослевшая Варвары Адоратская вспоминала, что позировать ей было не очень-то удобно, постоянно немели ноги. Отец Вари отказался приобрести портрет, и его забрала себе Надежда Сапожникова. После смерти она завещала картину ее героине. В ГМИИ Татарстана портрет был передан в 1964 году. Детская тема занимает большое место в наследии Фешина. Особенно часто он писал свою дочь Ию. Уже эмигрировав в США, Фешин напишет парафраз к «Портрету Вари Адоратской», импрессионистическую картину «Ия с дыней». Сонная Ия в ночной рубашке сидит на столе, в руках у нее дыня, возле нее фруктово-цветочный натюрморт, фоном служит драпировка. Девочка тоже смещена от центра в сторону. В американской картине четко противопоставлены плотность портрета и натюрморта: фрукты осязаемые, густо написанные, а девочка кажется светящейся, полупрозрачной. НиколайФешин Портрет _history
4306 

27.12.2021 20:37

​​Государственный Исторический музей отмечает 150 лет со дня основания.

Начало...
​​Государственный Исторический музей отмечает 150 лет со дня основания. Начало...
​​Государственный Исторический музей отмечает 150 лет со дня основания. Начало коллекции было положено в 1872 году. 09 февраля император Александр II подписал указ об устройстве Музея. Здание построено по проекту архитектора Владимира Шервуда и инженера Анатолия Семёнова в русском стиле. В коллекции музея более 5 млн экспонатов! С 1990 года здание музея входит в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО. ️Запущены новый проект «Четверг в Историческом» и Клуб друзей Исторического музея, пройдут выставки, в том числе «Сокровища музеев Генуи» и «Война и мир в Древней Греции»! Сегодня на свой день рождения музей дарит подарок — бесплатные мероприятия для всех. Подготовлена обширная программа на юбилейный год. https://telegra.ph/file/a0ce18f704412fc332c81.jpg
4075 

09.02.2022 11:31

Сразу обозначу - то, что пишу про Верещагина, относится исключительно к...
Сразу обозначу - то, что пишу про Верещагина, относится исключительно к искусству и к тому, каким оно может быть разным. Аналогии с современностью проводить не нужно! Итак, классический батальный жанр, то есть картины, которые изображают военные действия, - обычно изображают триумф. У Верещагина все иначе. Он во многом наследует идеологию просветительства, мессианской идеи, искусство для него реализация важной просветительской идеи. А ведь он был великолепным пейзажистом. Верещагин говорил, что он не может писать пейзажи, так как это как красть время у солнца, когда нужно тратить энергию на просвещение общества. Он участвовал в войнах: в средней Азии, в русско-турецкой 1870х. Верещагин был документалистом и писал сериями. В своей "Туркестанской серии, которую, кстати, Третьяков купил полностью (это было условие художника) Верещагин с этнографической тщательностью изображает быт среднеазиатских народов — курение опиума, работорговли. В полотне "Двери Тамерлана" (Тимура) нас поражает застылость почти приравненных к дверям фигур стражников — неизменная, косная суть восточной жизни. Военные наблюдения Верещагин выразил в серии под названием "Варвары", включающей полотна “Нападают врасплох", "Представляют трофей", "Торжествуют". В документальности этих работ заключены сильные и слабые стороны метода художника. Их сила — в непосредственности, точности документального свидетельства. Их слабость — в отсутствии отбора, в умалении эмоционально-образного начала и психологической выразительности. В свете нынешних событий разбор картины "Апофеоз войны" оставлю за рамками блога. Или для личных встреч PROверещагин
3810 

03.05.2022 11:00

Триптих «Окопная война»
Создав серию «Война», Дикс сказал о Первой мировой всё...
Триптих «Окопная война» Создав серию «Война», Дикс сказал о Первой мировой всё...
Триптих «Окопная война» Создав серию «Война», Дикс сказал о Первой мировой всё, что хотел, и почти десять лет эта тема не играла заметной роли в его творчестве. Как мы упоминали выше, во второй половине 20-х годов художник наслаждался славой и популярностью, вышедшими за пределы Германии. Но в мрачной атмосфере кризиса Веймарской республики, накануне и во время прихода к власти нацистов Дикс вернулся к призракам своего прошлого. Когда Германию захлестнул реваншизм, и массовую поддержку получили национал-социалисты, Дикс смело создавал яркие антивоенные манифесты. С высоты наших дней триптих «Окопная война» (1932 год) можно назвать своеобразным эпилогом темы Первой мировой войны в творческой карьере Отто Дикса, неким подведением итогов. Не может не вызывать восхищение мастерство художника – Дикс блестяще обыгрывает эстетику средневековой и ренессансной религиозной живописи, делая её актуальной для своей эпохи.
3349 

21.07.2022 10:17

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru