Назад

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно...

Описание:
"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

Похожие статьи

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и...
​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и...
​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg
2337 

10.02.2021 21:21

В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению...
В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению эмоционального содержания живописных полотен. В связи с этим повысилась роль света и цвета в картине. В творчестве Арта ван де Нера эти новые черты можно проследить наиболее отчётливо. Перед вами одно самых известных полотен в наследии мастера - «Пейзаж с мельницей». В Эрмитаже хранится 11 работ ван дер Нера, и более половины из них - это вариации с лунным освещением. Подобную разновидность жанра в голландскую живопись художник ввёл впервые. Но и в пейзажах с солнечным светом художник отдавал предпочтение вечеру или утру, когда окрашенная световоздушная среда позволяла ему создавать эффектные закаты и восходы. Мирное противоборство отблесков светила, которое только что скрылось позади мельницы за горизонтом, с сумерками, что окутали речную долину с заболоченными берегами, не даёт ощущения драматической битвы. «Пейзаж с мельницей» - это мирный отход ко сну утомившихся за день человека и природы. Свет присутствует везде, даже в самых глубоких тенях. Ноктюрны, которые писал ван дер Нер, не были слишком популярны у современников. Таинственные чары ночи и волшебное обаяние сумерек по достоинству были оценены значительно позже, в эпоху романтизма.
2359 

13.02.2021 14:01

Архип Куинджи - Осенняя распутица, 1872.

Архип Иванович Куинджи (1842−1910)...
Архип Куинджи - Осенняя распутица, 1872. Архип Иванович Куинджи (1842−1910)...
Архип Куинджи - Осенняя распутица, 1872. Архип Иванович Куинджи (1842−1910) – провинциал-самоучка, над чьей техникой рисования потешались столичные снобы, – довольно быстро завоевал славу главного русского пейзажиста. Его новаторство проявилось в неустанных поисках и опытах со светом, с цветом, красящим пигментом: художник осознанно использовал в своем творчестве новейшие открытия в физике и химии. Опыты Куинджи привлекают внимание искусствоведов по сей день: перед началом выставки его картины будут исследовать эксперты. Один из акцентов – на мастерское изображение лунного света, которое на ночных пейзажах Куинджи выглядит прямо-таки неоновым сиянием. Этот «фирменный» лунный свет вызвал потрясение у современников художника; и для него даже придумали специальный термин – «куинджевское пятно».
2394 

09.02.2021 12:04

Амстердам..." />
"Натюрморт с серебряным кувшином" Виллем Кальф, 1660 > Амстердам...
"Натюрморт с серебряным кувшином" Виллем Кальф, 1660 > Амстердам, Государственный музей Тип натюрмортов, который развивал Кальф, называется «десерты»: такие композиции состоят из роскошных предметов, говорящих о богатстве заказчика. На картине серебряный кувшин, бокал с вином на золоченой подставке, глубокая тарелка из китайского фарфора с фруктами. И кувшин и подстаканник украшены модным в то время орнаментом, напоминающие форму ушной раковины. Художника интересовала игра света и цвета; он использует сочетание синего, желтого и белого цветов. Лимон отражается в кувшине, серебро блестит рядом с позолотой, тускло сияет, сверкает каплями сока мякоть лимона, в бокале мерцает в полумраке вино. Все будто живое, фрукты пахнут и хочется протянуть руку, взять и откусить. Также есть карманные часы: они лежат справа. Стеклянная крышка откинута, будто кто-то только что смотрел на циферблат. Часы, символ уходящего времени, напоминают о том, что плотские утехи не вечны.
2337 

12.02.2021 00:11

Кошка с птенцом во рту
1885
Бруно Лильефорс
Национальный музей, Стокгольм

Этот...
Кошка с птенцом во рту 1885 Бруно Лильефорс Национальный музей, Стокгольм Этот...
Кошка с птенцом во рту 1885 Бруно Лильефорс Национальный музей, Стокгольм Этот художник один из лучших и самых ярких художников-анималистов Швеции конца XIX — начала XX века. Автор реалистических изображений животных и птиц в дикой природе. Его называют великим живописцем дикой природы, в работах мастера биологические принципы объединились с мастерством реалистического импрессионизма, наука стала частью искусства. Всю свою жизнь Лильефорс был азартным охотником, и часто изображал действия хищника и его жертва (например, охоту лисы на зайца, орлана на гагу, ястреба на тетерева и пр.). Его картины лишены сентиментальности. Влияние импрессионистов проявилось в его внимании к воздействию окружающей среды и света. Лильефорс был пионером изображения дикой природы в искусстве, установил стандарты анимализма и пейзажа, которые существенно повлияли на последующее развитие этого вида искусства в XX веке. А 1 марта, кстати, в России отмечают день кошек
2300 

01.03.2021 14:11

«The Weather Project» (Проект Погода) Олафур Элиассон

Датско-исландский...
«The Weather Project» (Проект Погода) Олафур Элиассон Датско-исландский...
«The Weather Project» (Проект Погода) Олафур Элиассон Датско-исландский художник Олафур Элиассон разработал свою впечатляюще амбициозную инсталляцию «The Weather Project», которая олицетворяет эффект огромного солнца, появляющегося сквозь тонкую и зыбкую пелену тумана. Низкочастотные лампы вокруг его искусственного солнца позволяли солнечному золотому сиянию доминировать в пространстве, уменьшая все окружающие цвета до волшебных оттенков золота и чёрного. Мастер иллюзии сделал свой светящийся шар из полукруга света, отражающегося зеркальными панелями на потолке, которые завершают круг, придавая верхней половине солнца туманное, мерцающее сияние, имитирующее настоящее солнечное свечение. Эти зеркальные панели были размещены по всему потолку, позволяя посетителям видеть своё отражение, как будто парящее в небе над ними, создавая ощущение невесомости в пространстве.
2323 

28.02.2021 18:30

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа...
"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history
2323 

03.03.2021 19:37

Лот с дочерьми
1537
Альбрехт Альтдорфер
Музей истории искусств...
Лот с дочерьми 1537 Альбрехт Альтдорфер Музей истории искусств...
Лот с дочерьми 1537 Альбрехт Альтдорфер Музей истории искусств, Вена Щекотливый сюжет пользовался популярностью у живописцев. Бог сжёг Содом и Гомору, два библейских города, которые были уничтожены Богом за распутство. Её жители спасались бегством. Несмотря на веление посланников Господа не оглядываться на умирающий город, жена Лота всё же это сделала и превратилась в соляной столб. Так Лот потерял жену. Дочери Лота приняли уничтожение греховных Содома и Гоморры за конец света и посчитали, что они остались последними женщинами на земле. Их долг, решили дочери, не дать роду человеческому сгинуть и «возлегли» они с отцом своим Лотом, до этого опоив его вином. Примечательно и колористическое исполнение: автору удалось особенное освещение, так что тела героев на картине будто светятся. Заметна тонкая прорисовка деталей, игра света и тени, цветовая насыщенность. Несомненно, перед нами зрелая работа, демонстрация выкристаллизованного стиля, который складывался годами…и последняя картина кисти мастера.
2352 

13.03.2021 21:06

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории...
"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history
2255 

16.03.2021 20:38


«Увенчание терновым венцом» около 1542г. Тициан Вечеллио

Одну из сцен страстей...
«Увенчание терновым венцом» около 1542г. Тициан Вечеллио Одну из сцен страстей...
«Увенчание терновым венцом» около 1542г. Тициан Вечеллио Одну из сцен страстей Христа Тициан, величайший мастер эпохи Возрождения, изобразил на фоне арки под мраморным бюстом императора Тиберия. Коронование терновым венцом в знак того, что Иисус называл себя Царем Иудейским, происходит словно в безмолвном присутствии последнего римского императора, в годы правления которого случилось это событие. Мраморный двойник всеми почитаемого владыки похож на бессильного идола, а Тот, кто может врачевать людские души, унижен, оскорблен и осужден на смерть. Остервенелые и ослепленные ненавистью воины набросились на него, словно лютые звери, и палками возложили терновый венец. Блики света тревожно скользят по фигурам, выделяя ярким пятном обнаженное измученное тело Христа. Среди приглушенных красок вишнево-красная ткань сброшенной багряницы выделяется особенно ярко, подчеркивая напряженность происходящего. Лик Христа искажен страданием.
2306 

15.03.2021 10:40

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины...
"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history
2289 

20.03.2021 20:22

В индонезийской пещере обнаружены старейшие в мире произведения искусства

В...
В индонезийской пещере обнаружены старейшие в мире произведения искусства В...
В индонезийской пещере обнаружены старейшие в мире произведения искусства В пещерах на острове Сулавеси в Индонезии археологи обнаружили древнейшие наскальные рисунки. Радиоуглеродный метод датирования определяет возраст этих рисунков приблизительно в 40 тыс. лет. Среди петроглифов* в пещерах Сулавеси археологи выделяют рисунки диких копытных животных и трафаретные рисунки рук, сделанные путем выдувания краски вокруг прижатой к скале кисти. Находка в Индонезии говорит как о том, что искусство развивалось параллельно сразу в нескольких частях света, так и о том, что оно зародилось десятки тысяч лет назад. Исследователи точно не знают, что обозначают эти отпечатки рук. Возможно, это своеобразная подпись автора, а может, ранние признаки мистицизма. *Петро́глифы — выбитые или нанесённые краской изображения на каменной основе.
2245 

24.03.2021 19:30


Василий Дмитриевич Поленов (20 мая (1 июня) 1844, Санкт-Петербург – 18 июля...
Василий Дмитриевич Поленов (20 мая (1 июня) 1844, Санкт-Петербург – 18 июля...
Василий Дмитриевич Поленов (20 мая (1 июня) 1844, Санкт-Петербург – 18 июля 1927, усадьба Борок, Тульская область) - выдающийся русский пейзажист, мастер исторической и жанровой живописи, педагог Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Ученик Павла Чистякова, учитель Исаака Левитана и Константина Коровина. Талантливый декоратор, организатор народных театров. Особенности творчества художника Василия Поленова: картинам Поленова присущи яркие, чистые цвета, а также нехарактерный для русской живописи 2-й половины ХIХ века избыток солнечного света и воздуха. Художник считается создателем так называемого «интимного пейзажа», «лирического пейзажа», «пейзажа настроения»; первым в русской живописи представил пленэрный этюд как самостоятельное произведение искусства. Поленов живо интересовался проблемами живописной техники, химии красок и их взаимодействия, проводил эксперименты, направленные на длительную сохранность красочного слоя, благодаря чему большинство картин Василия
2252 

29.03.2021 17:10

Москва, Третьяковская..." />
"Московский дворик Василий Поленов, 1878 > Москва, Третьяковская...
"Московский дворик Василий Поленов, 1878 > Москва, Третьяковская галерея Василий Дмитриевич Поленов – выдающийся русский пейзажист, мастер исторической и жанровой живописи, педагог Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Ученик Павла Чистякова, учитель Исаака Левитана и Константина Коровина. Талантливый декоратор, организатор народных театров. Картинам Поленова присуще яркие, чистые цвета, а также нехарактерный для русской живописи 2-й половины ХIХ века избыток солнечного света и воздуха. Художник считается создателем так называемого «интимного пейзажа», «лирического пейзажа», «пейзажа настроения»; первым в русской живописи представил пленэрный этюд как самостоятельное произведение искусства. Поленов живо интересовался проблемами живописной техники, химии красок и их взаимодействия, проводил эксперименты, направленные на длительную сохранность красочного слоя, благодаря чему большинство картин очень хорошо сохранились.
2227 

31.03.2021 22:35

"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства...
"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства, Вашингтон. Клод Моне честно признавался, что кроме живописи и садоводства ни на что больше не годен. И пожалуй, хуже всего ему удавалась роль мужа, особенно в первый раз. Камилла Моне оказалась одной из самых несчастных и печальных женщин во всей истории живописных героинь и жен художников. 18-летняя натурщица Камилла Донсье, дочь торговца, позировала юному красавчику Моне для картины «Женщина в зеленом», одной из самых успешных и стремительно прославившихся. Картину не просто приняли в Салоне, но и удостоили нескольких лестных отзывов. Камилле приятно, Моне счастлив, они молоды, влюблены и им кажется, что все прекрасное в их жизни только начинается. Следующие несколько отчаянных лет Камилла и Клод живут в сырых, холодных комнатах, часто без света и отопления и очень часто без еды. Бывает, что Ренуар приезжает к ним в гости, чтобы писать вместе с Клодом (в том числе - и Камиллу), и привозит немного хлеба – на несколько дней хватает. Иногда среди ночи они собирают вещи и бегут из очередного сельского домика, зная, что наутро не смогут заплатить хозяину долг за несколько месяцев. Клод работает с утра до вечера, как одержимый, не получая ни одобрения в официальном Салоне, ни признания среди заказчиков. Его картины не покупают. Хотя бы за 30, за 50 франков – он готов получить любые копейки. Когда Камилле придет время рожать, Моне уедет искать вдохновения – не очень-то похоже на безумную любовь. Издалека он будет в письмах умолять Фредерика Базиля выслать голодной Камилле денег, взывая к его человеколюбию, а вернувшись ненадолго, почти с удивлением обнаружит, что ребенок его по-настоящему радует. Отец и тетка Моне, узнав о его любовнице, отказывают в содержании и требуют бросить и возлюбленную, и новорожденного сына. Клод пишет Камиллу взахлеб, постоянно – и почти на всех портретах в глазах Камиллы такая бездонная пропасть и такая непоправимая печаль, что опознавать ее среди моделей художника можно именно по этой безнадежности. Она умрет в 32 года, в 1879-м, в страшных мучениях, всю заботу о ней во время тяжелой болезни возьмет на себя другая женщина, Алиса Ошеде, которая к тому времени будет в доме Моне чувствовать себя полноправной хозяйкой. Пройдет больше 10 лет – и призрак Камиллы с зонтиком Моне случайно увидит, возвращаясь вечером после пленэра в своем саду в Живерни. На насыпи, на фоне огромного неба, стояла его падчерица Сюзанна. «Вылитая Камилла в Аржантее! Завтра придем сюда, ты мне будешь позировать!» Он ставит Сюзанну в нужную позу, запрещая шевелиться и гонясь за призраком давно ушедшей за горизонт Камиллы. Он в ярости пинает ногами один из двух этюдов (1 и 2), рвет холст, Сюзанна теряет сознание от зноя, Моне в отчаянии – у него ничего не получается. У женщины с зонтиком, повернутой влево, и у женщины с зонтиком, повернутой вправо, не видно лица. Критики в один голос заявляют, что это шедевры, по сравнению с первой картиной, написанной в Аржантее, более динамичные, идеально уравновешенные, мастерски исполненные и создающие ощущение живописной целостности. Но когда видишь все три рядом, трудно отделаться от мысли, что безликие, застывшие в правильных позах правая и левая женщины – два неподвижных призрака той легкой, внезапно повернувшейся к художнику, тревожной, еще живой, но уже готовой скрыться за холмом Камиллы. КлодМоне Импрессионизм _history
2154 

12.04.2021 22:35

​​Свежие новости

Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: 

️3...
​​Свежие новости Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: ️3...
​​Свежие новости Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: ️3 июня – 28 августа 2022 Святитель Николай Чудотворец. Иконы XIII–ХХ веков Инженерный корпус, Лаврушинский переулок, 12, 2-й этаж Святитель Николай архиепископ Мир Ликийских, — один из самых почитаемых святых христианского мира. На Руси святой Николай получил прозвания «угодник» и «скорый помощник». Ему было посвящено множество храмов, а его образы находились в каждой церкви. Святитель Николай покровительствовал и семье Третьяковых. На выставке будут представлены иконографические изводы, воспроизводящие чудотворные образы святителя Николая, которые сыграли заметную роль в русской истории и культуре: иконы Николы Зарайского и Николы Великорецкого, а также иконописные и резные реплики с деревянной статуи Николы Можайского. Ряд памятников экспонируются впервые. ️8 июня - 2 октября 2022 Петр Великий. Усы властелина Лаврушинский переулок, 10, зал 11 Камерная выставка, приуроченная к 350-летию со дня рождения Петра I, представляет около 30 произведений живописи, графики, скульптуры и книги. Экспозиция предлагает зрителям наглядный и весьма нетривиальный взгляд на портретные изображения Петра Великого, относящиеся к XVIII–XXI векам. ️ 16 июня – 14 ноября 2022 Василий Чекрыгин Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Расширенная экспозиция произведений Василия Чекрыгина знакомит с наследием едва ли не самого гениального художника-графика начала ХХ века. Графическими средствами мастер добивается впечатления прозрачности и эфемерности телесного начала, преображающегося в потоках света. ️29 июня – 18 сентября 2022 Велимир Хлебников. Король Времени Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Велимир Хлебников — выдающийся поэт начала XX века, прозаик, драматург, автор утопических теорий, вошедший в историю русской литературы как реформатор поэтического языка и один из основоположников футуризма в России. Региональные проекты: ️2 июня – 17 июля 2022 Сокровища Третьяковской галереи Якутск, Национальный художественный музей Республики Саха, ул. Кирова, 9, 2-й этаж Третьяковская галерея представляет крупный выставочный проект, приуроченный к празднованию 100-летия образования Якутской АССР. Представленные в экспозиции художественные произведения — это образцы классического русского и советского искусства. ️ 19 июня – 17 июля 2022 Выставка одной картины Калининград, Кафедральный собор, ул. Канта, 1 Проект, появившийся в 2018 году, откроется уже в четвертый раз. В этом году в Кафедральный собор приедет «Портрет сестер княжон А.Г. и В.Г. Гагариных» знаменитого художника-сентименталиста Владимира Боровиковского. Фото: ГТГ https://telegra.ph/file/ebd7a5f103fad5f830baf.jpg
496 

30.05.2022 18:29

Хьюстон, Музей изящных..." />
"Апельсиновые деревья" Гюстав Кайботт, 1878 > Хьюстон, Музей изящных...
"Апельсиновые деревья" Гюстав Кайботт, 1878 > Хьюстон, Музей изящных искусств Кайботт запечатлел тему изысканного отдыха. На картине изображен уголок сада семейного имения Кайботтов в Йере. Эта усадьба была куплена отцом художника в 1860 и продана в 1878, в год написания картины и смерти матери художника. Кайботт имел тягу к садоводству, предпочитал ухоженное расположение растений. Мужская фигура на переднем плане – брат художника Марсиаль. Одетый в соломенную шляпу и фиолетовые туфли, он изображен читающим газету или журнал с наклоненной вперед головой спиной к зрителю. На заднем плане кузина Зои в полосатом платье и красных сапожках склонилась над кадкой с апельсиновым деревом. Кайботт использует резкий контраст между теневым пространством и ярким солнечным задним фоном. Тени окрашены в приглушенные зеленые и фиолетовые тона, в то время как газон и цветник сочетают в себе яркие зеленые, красные и белые краски. Контраст между областями света и тени вносит ощущение полуденного зноя, покоя и тишины.
2122 

02.04.2021 22:21

Филадельфия, Музей искусств Генри..." />
"Благовещение" Генри Оссава Таннер, 1898 > Филадельфия, Музей искусств Генри...
"Благовещение" Генри Оссава Таннер, 1898 > Филадельфия, Музей искусств Генри Оссава Таннер – американский художник-реалист. Он был первым из художников негритянского происхождения, который добился международного признания. Картина "Благовещение" написана после путешествия Таннера в Египет и Палестину, где он хотел погрузиться в жизнь и культуру жителей Святой земли. Художник создал самобытный, неканонический образ Девы Марии, которой явился архангел Гавриил. Мария изображена как крестьянка в одежде, характерной для женщин Ближнего Востока, без нимба и других атрибутов святости. Еще более оригинально показан архангел Гавриил – это столп света. Источник света и интенсивная контрастная тень создают почти реально ощутимое пространство и атмосферу, усиливая эмоциональное настроение картины. Полотно "Благовещение" было представлено на парижском Салоне 1898 года. Картина была куплена для Филадельфийского музея и стала первой картиной Таннера, которую приобрел американский музей.
2055 

15.05.2021 12:11

ОБ ОБЩЕСТВЕ ПРОШЛОМ, НАСТОЯЩЕМ, И ГРЯДУЩЕМ Русская Пустошь – канал...
ОБ ОБЩЕСТВЕ ПРОШЛОМ, НАСТОЯЩЕМ, И ГРЯДУЩЕМ Русская Пустошь – канал марксистского издания, посвящённого развитию теории адекватной современным культурно-историческим реалиям. Догматикам вход воспрещён. North Korea Daily – канал о современной Северной Корее. Много Кима, политики и фото счастливых людей. Атмосфера пропаганды присутствует. Пробковый шлем – канал о колониальных империях, антиколониальных движениях и постколониальной реальности. Картинные истории – Картины и Художники, их жизнь, истории, факты. От средних веков до современности. VATNIKSTAN – познавательный интернет-журнал о русскоязычной цивилизации. Самое интеллектуальное медиа из народных, самое народное из интеллектуальных. CHUZHBINA – канал о русском зарубежье от эмигрантской живописи, литературы и известных персоналий до потомков эмигрантов, видеоклипов и интервью с нашими современниками. ХУНТА – новейшая история стран третьего мира. Соцреализм – канал, позволяющий увидеть и проследить историю развития социалистического реализма в работах художников, архитекторов, скульпторов, мозаистов. Антология Палеонтолога – Авторский канал коммуниста с радикальными теоретическими рассуждениями на тему истории, культуры и искусства. Красный тебе к лицу – левый историко-философский канал. Здесь пишут об истории русской революции и марксистской теории, а также обсуждают философские проблемы прошлого и грядущего. СССР – канал об истории самой большой страны мира с 1922 по 1991 года, простёршейся на территории 1/6 части Земли. Чернозём и Звёзды – канал о русском космизме, бессмертии, воскрешении и путях их достижения, пролегающих через изобретения современного искусства, равенство и социальную справедливость, а также технологическое развитие. Залесская земля – социальная антропология великой русской равнины. О субстратной истории, культуре и метафизике Северо-Восточной России - свежо, весело и без понтов. Начетчик – канал профессионального историка. Рассказывает о прошлом без унылой копипасты с Википедии. Стальной шлем – исторический канал об эпохе революций, массовых идеологий и мировых войн. Memes War – историко-политический юмор и самые важные актуальные новости. Туркестан и Поволжье – Канал рассказывающий об истории Туркестана и Поволжья. Самые интересные события, редкая информация, неизвестные фотографии. ЭнергоТройка – канал о положении современной российской, и не только, энергетики. Записки на заборе – Советский Союз разрушен, но процессы, запущенные с его уничтожением, ещё далеки от завершения. Здесь новости из всех бывших советских республик, их анализ и прогнозы на будущее. Главред во времена Оруэлла – авторский канал о современной политике, истории, масс-медиа и немного о пиаре. НРБУ – группа для общения, объединения, совместной выработки повестки, определения проблем и поиска их решений для наемных работников и учащихся. Око Толерастии – Новостные обзоры, политическая сатира и злоба дня стран "Просвещенной Европы" и "Цитадели демократии". Хоть глазочком заглянуть бы – Канал об утопии и ностальгии в популярной музыке. Почему группа "Молчат дома" лепит на обложки бруталистские здания, а Kate NV вспоминает советское телевидение – и много ли советского в совиетвейве? РетроДаша – делает историю 80-х живой и близкой любому поколению. Артефакты времени, истории из молодости, музыка, кино, техника: все это с острым словцом или горячей любовью. Улыбаемся & Машем – парадоксы самого богатого континента в канале африканских новостей: аналитика, фото, видео и очерки в основном по франкоязычным странам Западной и Центральной Африки. Если желаете присоединиться к списку пишите :
1988 

18.05.2021 23:14


Собор семян. 

Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал...
Собор семян. Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал...
Собор семян. Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал отдельным произведением современного искусства. Его отметили Премией Любеткина. Награда присуждается ежегодно лучшей постройке архитектора — члена Королевского института британских архитекторов за границей, чаще всего — за пределами Евросоюза. Автор инсталляции —Томас Хезервик. Архитекторы из Heatherwick Studio создали уникальное хранилище, собрав обширную коллекцию мировых ботанических ресурсов. Он, по мнению архкритиков, явился идеальным воплощением «экспо-архитектуры»: запоминающаяся и привлекательная форма сочеталась в нем с простым, но интересным содержанием. Во внутреннем конце каждой из его 60 тысяч щетинок располагалось семя растения из собрания ботанического сада Кью. «Собор» работал в режиме постоянного преобразования солнечного света: днем стержни пропускали внутрь помещения свет. Ночью включались искусственные источники освещения, которые работали за счет аккумулированной днем энергии.
2020 

25.05.2021 11:15

Ранний и поздний Тициан: следствие болезни или задумка художника?

У Тициана...
Ранний и поздний Тициан: следствие болезни или задумка художника? У Тициана...
Ранний и поздний Тициан: следствие болезни или задумка художника? У Тициана могли быть проблемы с подвижностью рук. Художнику мешал тремор. Поэтому многие верят, что поздние работы изменялись вследствие его болезни: на них мы видим широкие, мягкие мазки. Однако поздняя работа Тициана - портрет Якопо Страда - показывает, наоборот, потрясающую работу с деталями, которые прописаны самыми точными и тонкими мазками. Поэтому скорее работал в такой технике именно специально. Впоследствии он стал одним из новаторов в этой технике. Если вам интересно больше узнать об истории искусства, о тайнах использования цвета и света в живописи, об интересных фактах из жизни художников, присоединяйтесь к онлайн -школе ScienceME с искусствоведом из Рима, Еленой Гусевой. В Telegram - информация о предстоящих событиях, об экспертах и актуальных темах в культуре и науке! https://scienceme.ru/artonline?utm_source=&utm_medium=07.11.2020&utm_campaign=scienceme.ru&utm_content=tg_school1&utm_term=post
1965 

29.05.2021 20:18

"Клоунесса Ша-Ю-Као" 1896 г. Анри де Тулуз-Лотрек Метрополитен-музей...
"Клоунесса Ша-Ю-Као" 1896 г. Анри де Тулуз-Лотрек Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В 1896 году Тулуз-Лотрек задумал альбом литографий, который оказался одним из самых провальных прижизненных проектов художника, который Амбруазу Воллару приходилось разделять на отдельные листы, чтоб хоть как-то продать, и за экземпляр которого современные коллекционеры отдали бы полцарства. Тираж был достаточно большим – 100 пронумерованных экземпляров с личной подписью Лотрека на каждом листе. Но для любителей фривольных картинок альбом «Они» оказался недостаточно пикантным, а для любителей искусства – недостаточно красивым. Здесь не было портретов звездных певиц и танцовщиц, которые могли бы привлечь хотя бы их поклонников. Среди изображений безымянных тружениц публичных домов оказалась только одна звезда, клоунесса Нового цирка и танцовщица кабаре Оллера – мадемуазель Ша-Ю-Као. Ша-Ю-Као восхищала Лотрека и была одной из любимых моделей. Он рисовал ее долго и много, чаще всего именно в сценическом клоунском наряде. Уверенная, свободная и искренняя, Ша-Ю-Као выбрала профессию клоуна, в которой даже во времена победившего феминизма встретишь немного представительниц женского пола, а в XIX веке это был тем более исключительно смелый выбор для дамы. Ни от кого не скрывала клоунесса и своих лесбийских наклонностей, чем привлекала Лотрека еще больше. «Женщина, влюбленная в другую – самое безумное существо», - говорил художник и с восторгом писал это безумие. Проститутки, лесбиянки, танцовщицы, исполняющие фривольные танцы и выставляющие напоказ сразу все части тела, певицы и клоунессы – все эти женщины полусвета, выброшенные за пределы приличного мира, участвовали вместе с Тулуз-Лотреком в рождении совершенно нового типа привлекательности и красоты в искусстве. В чулках, колпачках, перчатках, корсетах, смешных воротниках, в гриме и без, в смешных и неестественных позах они себе редко по-женски нравились на картинах Лотрека, но всецело доверялись его чутью и таланту. Он умудрялся в их часто гротескных портретах передавать такую внутреннюю силу и особость, которая была лестнее внешней красивости. Ша-Ю-Као на этом портрете уставшая и отрешенная, позволяет себе просто быть уставшей, не заботясь о красивой позе и выгодном повороте головы. Эта литография открывала альбом «Они», который изначально должен был называться «Проститутки» и который Лотрек переименовал, утверждая, что женщины одинаково прекрасны, в аристократических салонах или в домах терпимости, на сцене или за кулисами. ТулузЛотрек Постимпрессионизм _history
1996 

29.05.2021 20:56

"Благовещение" 1909 г. Александр Александрович Мурашко Национальный...
"Благовещение" 1909 г. Александр Александрович Мурашко Национальный художественный музей Украины, Киев. В 1901 году, когда Александр Мурашко впервые приехал в Париж, чтобы учиться настоящей европейской живописи, творчество импрессионистов здесь уже перестало считаться чем-то из ряда вон выходящим. Но для молодого художника, которому в юности прочили карьеру иконописца, игры света и тени на их полотнах стали настоящим откровением. Даже модерн, наступавший импрессионизму на пятки, не смог перебить это впечатление. Понемногу оттачивая свое мастерство в путешествиях по Европе, а затем и после возвращения домой, Мурашко часто уделяет немалое внимание световым эффектам в своих работах. Одной из таких работ стала довольно знаковая картина в творчестве художника – «Благовещение». Примечательно то, что это единственное полотно на религиозную тематику, написанное Мурашко. Чаще всего он писал своих современников, даже в тех сюжетах, которые подсказывало ему воображение. Здесь же героев картины сложно отнести к какой-либо эпохе. Девушка, стоящая на коленях на плетеном коврике и, по всей видимости, занятая вышивкой, может быть родом из любого времени. С другой стороны, резная деревянная веранда и цветы в горшках скорее говорят о том, что эти детали Мурашко писал с натуры. Позже художник рассказывал, как ему пришел в голову этот сюжет. Дело в том, что в их дом часто наведывались самые разные гости, и однажды он увидел девушку, бесшумно отодвинувшую занавеску и вошедшую в гостиную. В воображении художника девушка превратилась в архангела Гавриила, пришедшего к Марии с благой вестью – почти бесплотную фигуру с закрытыми глазами, просвечиваемую солнцем. Эта тихая и какая-то очень домашняя сцена вместе с тем удивительным образом передает всю торжественность момента. АлександрМурашко _history
1954 

07.06.2021 20:37

"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая...
"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая картина «Этюд натурщика» попала в собрание ГМИИ из коллекции С.М. Третьякова. Несмотря на имя «Теодор Жерико» на табличке, полной уверенности в авторстве нет — великолепно сложенного усатого натурщика, позировавшего в мастерской наставника Жерико Пьера Герена, писали многие. Среди предполагаемых авторов «Этюда...» называли и Делакруа, и некоего неизвестного русского мастера (что сомнительно — всё-таки картина была приобретена в коллекцию Третьякова при посредничестве известного дома «Буссо и Валадон» за солидную сумму в 4 500 франков). Но, учитывая, что подписанного Жерико в наших музеях нет, да и просто работ Жерико в мире немного, будем относиться к этому портрету как к доказанной работе одного из первых французских художников-романтиков. Тем более, что все характерные признаки у этюда присутствуют: сложный разворот фигуры, резкий контраст света и тени, глубокая темнота фона, великолепная лепка формы, и, главное, предельная романтизация образа — всё, что так любил Жерико. Героя картины — растрёпанного хмурого человека с античным торсом и совершенно не античным лицом, легко представить и на поле боя, и на палубе корабля, и на покорённой вершине — в любом месте, позволяющем поспорить с судьбой или стихией и красиво победить или драматически погибнуть. Известно, что занимаясь у Герена, Жерико часто «улучшал» постановки, то приписывая натуре воображаемый фон, то усиливая контрастность света. Герен, известный живописью классической и скучноватой, терпел его эксперименты, но предостерегал от подобного остальных студентов: «Что вы стараетесь подражать ему. Пусть работает как хочет, в нем материала на трех-четырех живописцев, не то, что у вас». Вероятно, когда-то картина была светлее, но сейчас её краски изрядно изменились — причина в готовом красителе на основе битума, который был очень эффектен при написании теней, но со временем сильно потемнел. ТеодорЖерико Портрет Романтизм _history
1932 

16.06.2021 22:33

"Портрет картезианца" 1446 г. Петрус Кристус Метрополитен-музей...
"Портрет картезианца" 1446 г. Петрус Кристус Метрополитен-музей, Нью-Йорк. «Портрет картезианца» из коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке – возможно, самая изящная и самая ранняя из подписанных и датированных работ Петруса Кристуса. Изображение послушника картезианского ордена – своего рода оммаж (выражение почтения) реалистичным портретам Яна ван Эйка. С произведениями этого мастера портрет роднит трёхмерное погрудное расположение натурщика в три четверти, а также внимание к отображению текстур и игры света на поверхностях. Кроме того, Кристус добавил к изображению раму-тромплёй («обманку») – подобный приём использовал и ван Эйк – как окно между моделью и зрителем, тем самым создав иллюзию пространства. Чтобы усилить это ощущение, живописец сделал оригинальный ход – «посадил» над своим именем очень реалистичную муху. Однако само исполнение «Портрета картезианца» отличается от манеры ван Эйка и демонстрирует новшества, которые Кристус привнёс во фламандскую портретную живопись. Вместо того чтобы использовать равномерный тёмный задний план, художник поместил своего анонимного героя в белых одеждах на тёплый сложный красный фон. Здесь он также представил новую концепцию в панельной живописи – портрет в угловом пространстве. Фигура освещена с двух сторон – расположенным наискось интенсивным источником света справа и более мягким лучом, озаряющим задний левый угол. Возможно, Кристус позаимствовал эту идею диагонального освещения отдалённых углов у доэйковских миниатюристов, например, у братьев Лимбургов. В более поздних портретах живописец отказался от сложного освещения и замысловатого ощущения пространства, которые демонстрирует эта работа. Вместо этого Кристус отдавал предпочтение композиционному балансу вертикальных, горизонтальных и диагональных линий, замыкающих модель в динамичной геометрической конструкции. Наиболее яркий пример тому – «Портрет девушки» (ок. 1470 года) из коллекции Берлинской картинной галереи. Нимб, следы которого окружают голову монаха, был удалён в июне 1992 года. Тщательно изучив изображение, реставраторы пришли к выводу, что он был сделан при помощи циркуля, игла которого повредила красочный слой на правом виске модели. А смещение даты относительно центра в нижней части рамы свидетельствует, что мысль указать год создания работы пришла Кристусу позже. ПетрусКристус Портрет _history
1917 

15.06.2021 20:46

Супрематистская композиция
1921
Иван Кудряшов
Бумага, карандаш, акварель. 23,5...
Супрематистская композиция 1921 Иван Кудряшов Бумага, карандаш, акварель. 23,5...
Супрематистская композиция 1921 Иван Кудряшов Бумага, карандаш, акварель. 23,5 × 22,2 MoMA, Нью-Йорк Русский художник-авангардист, ученик Казимира Малевича. Кудряшов вместе с Лисицким изучал принципы сечения красок, преломления света в живописи и пространственного формообразования. В своих произведениях он активно разрабатывал тему полетов в космос. В концептуально связанных с теориями космизма работах Кудряшова геометрическая абстракция служит средством для рассказа о межзвездном пространстве, исполненном непостижимого вихреобразного движения и особенного цвета и света. Художник писал об этом: «исследуя супрематическую форму в движении, приходим к решению, что движение по прямой к какой-нибудь планете не может быть побеждено иначе, как через кольцеобразное движение промежуточных супрематических спутников, которые образуют прямую линию колец от спутника к спутнику». Пластическое воплощение космических полетов и космоса в живописи стало ведущей темой в творчестве Кудряшова.
1902 

23.06.2021 20:16


"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача...
"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача Бреды» Диего Веласкеса – одно из наиболее знаменитых и значительных произведений европейской исторической живописи. Масштабное полотно (307 х 367 см) создавалось специально для новопостроенной королевской резиденции Буэн-Ретиро (к сожалению, разрушенной в ходе наступления на Мадрид французов в начале XIX века). Само название замка Буэн-Ретиро переводится с испанского как «благодатное уединение». Тем не менее, его оформление, которым занимался первый министр короля герцог Гаспар Гусман граф де Оливарес, было отнюдь не камерным, а чрезвычайно торжественным и парадным. «Сдача Бреды» являлась лишь одной из 20-ти больших картин, которые предназначались для Зала королевств, и должны были воспевать военные подвиги и завоевания испанского монарха (и патрона Веласкеса) Филиппа IV. Бреда – голланский город, важный стратегический пункт в войне Испании с Нидерландами. Протестантские по преимуществу Нидерланды стремились отстоять свою независимость от католической Испании. Но Мадрид, под чьей короной еще в начале XVII века объединялась чуть ли не половина территорий Старого и Нового света, не желал лишаться своей северной колонии. В 1625-м году героически сопротивлявшаяся Бреда была осаждена испанцами. Целых девять месяцев продолжалась осада. И всё-таки Бреда пала под напором испанцев. Веласкес показывает момент, когда комендант голландской крепости Юстин Нассауский с поклоном передаёт ключ испанскому адмиралу Амбросио Спиноле, который, в свою очередь, уважительно похлопывает противника по плечу. Изображая центральную группу, Веласкес почти буквально цитирует картину Питера Пауля Рубенса «Встреча Авраама и Мельхиседека» Мы видим не противостояние непримиримых соперников и не позорную сдачу города, а едва ли не акт подписания мира. Оба полководца преисполнены благородства и доблести: Веласкес трактует передачу ключей от Бреды почти как встречу между старыми друзьями. Только группы офицеров по обеим сторонам от них свидетельствуют, что здесь есть и победители, и побеждённые. Победители-испанцы изображены слева. Стройный ряд испанских копий смотрит в небо: их густота указывает на многочисленность испанцев, а то, что копья почти параллельны, – на их блестящую военную дисциплину. Нидерландцы слева, напротив, выглядят разрозненными и растерянными. Но испанец Веласкес очень бережно относится к чувству собственного достоинства противников: он не показывает их ни разбитыми, ни униженными. Кстати, «Сдача Бреды» еще известна под альтернативным названием «Копья», а в крайнем справа испанце (с закрученными усами, гордым взглядом и в шляпе с плюмажем) многие исследователи усматривают автопортрет художника. Ни Юстин Нассауский, ни Амбросио Спинола (с которым Веласкес был коротко знаком) не сумели оценить величественного искусства Веласкеса: ко времени создания картины (около 1635 г.) ни того, ни другого уже не было в живых. Но живопись сберегла их для истории. И теперь всякий, попав в залы мадридского Прадо, может собственными глазами взглянуть на одно из самых объективных исторических полотен во всей истории. Здесь ни одна сторона не показывается более правой или менее благородной, чем другая, а победитель и побеждённый демонстрируют невиданное между врагами взаимное уважение. ДиегоВеласкес Барокко _history
1869 

26.06.2021 19:47

"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де...
"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. «Святая Екатерина Александрийская» – это вневременное изображение красоты в лучших традициях портретной живописи. Микеланджело Меризи да Караваджо не показал героиню в мистическом трансе, а повернул её к зрителю, установив между ними прямой зрительный контакт. Для картины, которую почти наверняка заказал в Риме кардинал Франческо Мария дель Монте, первый покровитель живописца, позировала молодая куртизанка Филлида Меландрони, входившая в круг общения Караваджо. Святая одета в богатые одежды по моде того времени – белую блузу с широкими рукавами, ниспадающими свободными складками, и с золотой отделкой на декольте, а также в лиловое платье, украшенное широкой тесьмой из золотой нити спереди и на бретелях. Она стоит на коленях на подушке из красного дамаста, наклонённое тело опирается на сломанное колесо, символ её мученичества, с оси которого свисает роскошная, плотная и тяжёлая синяя ткань. Женщина осторожно сжимает меч, кончик которого окрашен красным – возможно, это намёк на пролитую кровь или просто отражение подушки – а у её ног лежит пальмовая ветвь. Драматическое освещение сцены создаёт эффект кьяроскуро, характерный для Караваджо. Его подход к свету и объёму, ярко выраженный на этом полотне, оказал значительное влияние на художников как в Италии, так и по всей Европе. Ныне «Святая Екатерина Александрийская» – одна из самых знаковых работ в коллекции Национального музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Полный провенанс позволяет проследить её историю практически с момента написания и до наших дней. Холст значится в описи имущества, составленной после смерти кардинала Франческо Марии дель Монте, а затем в посмертной инвентаризации собственности его наследника Угуччоне дель Монте в 1626 году. Двумя годами позже картина была продана, и её новым владельцем, судя по всему, стал кардинал Антонио Барберини. В документах его семьи «Святая Екатерина» фигурирует в 1644-м, 1671-м и 1817 годах. Позже она была выставлена на рынок, и в 1934 году куплена для коллекции Тиссена-Борнемисы в галерее в Люцерне. Картина была предметом многочисленных комментариев и дискуссий по поводу своей атрибуции, даты создания и того, как художник подошёл к раскрытию темы. В 1916 году Роберто Лонги, один из крупных специалистов по Караваджо, предположил, что автором полотна может быть Орацио Джентилески. Однако шесть лет спустя искусствовед Маттео Марангони заявил, что высокое качество работы свидетельствует о том, что это – рука Караваджо. На сегодняшний день это мнение принимается всеми экспертами по художнику без каких-либо оговорок. Холст был написан незадолго до крупного цикла, который Караваджо создал для капеллы Контарелли в Риме. Тогда он переходил к использованию более компактных форм на основе техники кьяроскуро (игры света и тени), которой подчёркивал выразительность своих композиций. Специалисты отмечают, что в этой работе источник света находится справа, что необычно для творчества Караваджо. Такой нюанс наводит на мысль, что картина разрабатывалась для определённого интерьера. В 2018 году Музей Тиссена-Борнемисы завершил реставрационные и технические исследования картины. Анализ красок показал, что в первом варианте платье героини было красным, но позже художник выбрал для него другой оттенок. Причина изменений неизвестна, можно лишь предположить, что кардинал Франческо Мария дель Монте пожелал, чтобы святая выглядела более сдержанно и пристойно. Караваджо РелигиознаяСцена Барокко _history
1817 

06.07.2021 20:37

Поединок Пересвета с Челубеем на Куликовом поле
1943
Михаил Иванович...
Поединок Пересвета с Челубеем на Куликовом поле 1943 Михаил Иванович...
Поединок Пересвета с Челубеем на Куликовом поле 1943 Михаил Иванович Авилов Русский музей, Питер Самая известная картина советского художника Михаила Авилова. Изображён бой русского богатыря Пересвета с татарским воином Челубеем перед началом Куликовской битвы. Развевающиеся гривы, оскаленные зубы и свирепые морды делают коней страшными. Щиты и кольчуги не выдерживают удара и копья протыкают их, вонзаясь в тела богатырей. Челубей слетает с седла лошади от удара копья русского богатыря. С его бритой головы летит красный малахай. Подался назад и Пересвет. Его фигура крайне напряжена, глаза лютой ненавистью впиваются в поверженного врага. Игрой красок Авилов передаёт состояние войск перед боем. Скромные, строгие, сероватые тона в левой части картины характеризуют выдержку, спокойствие и уверенность в победе русского войска. Впереди строя на белом коне великий князь Дмитрий Иванович Донской. Яркие, пёстрые краски татаро-монгольского войска передают их беспокойство и неуверенность в исходе поединка.
1828 

13.07.2021 20:16

"Женщина за клавикордом" 1665 г. Геррит Доу Далиджская картинная галерея...
"Женщина за клавикордом" 1665 г. Геррит Доу Далиджская картинная галерея, Лондон. Панели на музыкальную тему встречаются в творчестве Геррита Доу относительно редко. Несмотря на то, что художник, судя по всему, сам играл на музыкальных инструментах, изображения музицирующих персонажей среди его работ можно пересчитать по пальцам. И потому «Женщина за клавикордом» представляет интерес не только как великолепный образец лейденской живописной школы fijnschilders («изысканных художников»), но и как картина, имеющая собственное «звучание». Сейчас произведение входит в коллекцию лондонской галереи Далиджа. Сама работа типична для техники fijnschilder, которая требовала гладкого письма, блестящих глянцевых поверхностей, точной передачи материалов, текстур и света, а также скрупулёзного, реалистичного изображения предметов в малых (иногда крошечных) масштабах. В этой композиции лучи солнца из окна мягко отражаются на полированном корпусе альта, подчёркивают бархатистость красной подушки и холод металла птичьей клетки. Складки гобелена, отведённого вправо, становятся практически осязаемыми. Виртуозная техника Геррита Доу принесла мастеру невероятный успех у коллекционеров XVII – XVIII веков, которые ценили его больше, чем любого другого голландского художника, включая Рембрандта. Доу писал в основном домашние сцены, часто с моральным или аллегорическим подтекстом. Изображение музыкантов в Нидерландах XVII века ассоциировалось с любовью. Здесь молодая женщина сделала паузу в игре, возможно, повернувшись к возлюбленному, который будет аккомпанировать ей на альте-да-гамба. На интимные отношения указывает, например, птичья клетка, которая тогда носила эротический подтекст. «Женщина за клавикордом» связана с другой «музыкальной» картиной Доу, «Молодая дама за вирджиналом», ныне хранящейся в частной коллекции. Обе работы были написаны в 1665 году, на обеих изображены женщины за инструментами. Однако одну и ту же тему голландский мастер интерпретировал с разными настроениями и смыслом. Если панель из коллекции галереи Далиджа представляет собой интимную и тихую сцену, то её «сестра» воплощает радости жизни. Позади девушки за вирджиналом находится группа людей, что придаёт сцене живости, в то время как женщина за клавикордом находится в комнате в умиротворённом одиночестве. Впервые обе работы демонстрировались вместе в 1665 году в Лейдене – на выставке, которую организовал Йохан де Бай, покровитель Доу. Возможно, это была первая в истории персональная экспозиция ещё живущего художника. В следующий раз картины воссоединились на короткое время лишь спустя три с половиной столетия – на показе в галерее Далиджа в 2016-м году. ГерритДоу Портрет Барокко _history https://t.me/pic_history2/266
512 

30.05.2022 20:37

ОБ ОБЩЕСТВЕ ПРОШЛОМ, НАСТОЯЩЕМ, И ГРЯДУЩЕМ Русская Пустошь – канал...
ОБ ОБЩЕСТВЕ ПРОШЛОМ, НАСТОЯЩЕМ, И ГРЯДУЩЕМ Русская Пустошь – канал марксистского издания, посвящённого развитию теории адекватной современным культурно-историческим реалиям. Догматикам вход воспрещён. ШТОРМ – канал коммунистов, которые первыми за последние 30 лет поставили на поток коммунистическую агитацию среди масс – они строят компартию. North Korea Daily – канал о современной Северной Корее. Много Кима, политики и фото счастливых людей. Атмосфера пропаганды присутствует. Пробковый шлем – канал о колониальных империях, антиколониальных движениях и постколониальной реальности. Картинные истории – все картинные галереи и собрания мира в одном месте (Художники. Живопись. Искусство.) VATNIKSTAN – познавательный интернет-журнал о русскоязычной цивилизации. Самое интеллектуальное медиа из народных, самое народное из интеллектуальных. CHUZHBINA – канал о русском зарубежье от эмигрантской живописи, литературы и известных персоналий до потомков эмигрантов, видеоклипов и интервью с нашими современниками. ХУНТА – новейшая история стран третьего мира. Соцреализм – канал, позволяющий увидеть и проследить историю развития социалистического реализма в работах художников, архитекторов, скульпторов, мозаистов. Антология Палеонтолога – Авторский канал коммуниста с радикальными теоретическими рассуждениями на тему истории, культуры и искусства. Красный тебе к лицу – левый историко-философский канал. Здесь пишут об истории русской революции и марксистской теории, а также обсуждают философские проблемы прошлого и грядущего. СССР – канал об истории самой большой страны мира с 1922 по 1991 года, простёршейся на территории 1/6 части Земли. Чернозём и Звёзды – канал о русском космизме, бессмертии, воскрешении и путях их достижения, пролегающих через изобретения современного искусства, равенство и социальную справедливость, а также технологическое развитие. Залесская земля – социальная антропология великой русской равнины. О субстратной истории, культуре и метафизике Северо-Восточной России - свежо, весело и без понтов. Начетчик – канал профессионального историка. Рассказывает о прошлом без унылой копипасты с Википедии. Стальной шлем – исторический канал об эпохе революций, массовых идеологий и мировых войн. Memes War – историко-политический юмор и самые важные актуальные новости. Туркестан и Поволжье – Канал рассказывающий об истории Туркестана и Поволжья. Самые интересные события, редкая информация, неизвестные фотографии. ЭнергоТройка – канал о положении современной российской, и не только, энергетики. Записки на заборе – Советский Союз разрушен, но процессы, запущенные с его уничтожением, ещё далеки от завершения. Здесь новости из всех бывших советских республик, их анализ и прогнозы на будущее. Главред во времена Оруэлла – авторский канал о современной политике, истории, масс-медиа и немного о пиаре. НРБУ – группа для общения, объединения, совместной выработки повестки, определения проблем и поиска их решений для наемных работников и учащихся. Око Толерастии – Новостные обзоры, политическая сатира и злоба дня стран «Просвещенной Европы» и «Цитадели демократии ». Хоть глазочком заглянуть бы – Канал об утопии и ностальгии в популярной музыке. Почему группа «Молчат дома » лепит на обложки бруталистские здания, а Kate NV вспоминает советское телевидение – и много ли советского в совиетвейве? РетроДаша – делает историю 80-х живой и близкой любому поколению. Артефакты времени, истории из молодости, музыка, кино, техника: все это с острым словцом или горячей любовью. Улыбаемся & Машем – парадоксы самого богатого континента в канале африканских новостей: аналитика, фото, видео и очерки в основном по франкоязычным странам Западной и Центральной Африки. Кафка на завтрак – цитаты, письма, дневники Франца Кафки. Катехизис Катарсиса – сборник авторских статей, мемов и постов на историческую тематику. «О прошлом: информативно и с юмором » – наш девиз. Если желаете присоединиться к списку пишите :
1801 

17.07.2021 22:31

"Увенчание терновым венцом" 1510 г. Иероним Босх Лондонская Национальная...
"Увенчание терновым венцом" 1510 г. Иероним Босх Лондонская Национальная галерея. На темно-сером фоне, лишённом даже намёка на глубину, с почти геометрической простотой скомпонованы пять фигур: Христос, облаченный в белые одежды, и четверо его мучителей. Один рвёт одежды Спасителя, второй с издевательской ухмылкой прикасается к его руке, третий, в железных перчатках римского воина, возлагает на голову Христа терновый венец, а роль четвёртого остаётся до конца непрояснённой. Во времена Христа символом царской власти в Римской империи (игравшей по отношению к Иудее роль метрополии) был лавровый венок. Венок из терний был его антиподом, издевательской пародией. Именно поэтому римский воин водружает терновый венец на голову того, кого уверовавшие в Него называли Царём Иудейским. Так римлянин показывает, чего, с его точки зрения, стоит этот «царь». На примерах мучителей Христа Босх пытается осмыслить природу человека. И его вывод неутешителен: человек оказывается равнодушен и жесток, корыстен и порочен, он ищет унижения другого и жаждет кровавых зрелищ. Но образы тех, кто окружает на картине Христа, неравнозначны. Они предельно физиологически конкретны и психологически дифференцированы: на лице фарисея в левом нижнем углу написан садистский азарт, римский воин в зелёной чалме излучает тупую суровость, человек в меховой шапке, украшенной дубовыми листьями, демонстрирует подобие сочувствия. Символика листьев дуба и функция орудия в руке этого персонажа неясны, но вот черты его лица напоминают предполагаемые автопортреты Босха – например, в образе Странника с внешних створок триптиха «Воз сена» или «меланхоличного чудовища» из «Сада земных наслаждений». Возможно, таким образом художник иллюстрирует мысль о том, что любой человек (и сам Босх не исключение), в силу своей греховной природы, является мучителем Христа и одновременно одним из тех, за кого Иисус отправляется на крестные муки. Загадкой для толкователей Босха является и ошейник с шипами. Во времена, когда жил художник, подобные надевали на собак, чтобы защитить их от волков. Есть и в творчестве Босха собака с колючим обручем на шее – она изображена на внешних створках триптиха «Воз сена». Но почему собачий атрибут передан человеку, да еще и имеющему предполагаемые портретные характеристики Босха? Здесь нет однозначного ответа, зато остаётся обширное поле для интерпретаций. Заслуживает внимания версия о том, что на примере мучителей Христа Босху удается изобразить четыре основных темперамента. Теорию четырех его типов разрабатывали еще в античности, так что исторически это предположение вполне обоснованно. Двое вверху считаются представителями холерического и меланхолического темперамента, а двое внизу, соответственно, – сангвинического и холерического. Христос, в отличие от тех, кто его окружает, изображён лишённым признаков темперамента. Он остаётся бесстрастным и словно бы не замечает своих палачей, устремляя полный смирения взгляд куда-то вне пространства картины. Интересны поэтика и геометрия «Увенчания терновым венцом», построенного на символике числа «четыре». В естественнонаучной картине мира «четыре» – важнейший опорный пункт: четыре стороны света (север, юг, запад, восток), четыре элемента (вода, земля, огонь, воздух), четыре времени года. Геометрический эквивалент числа «четыре» – квадрат, сакральный эквивалент – крест. В мистическом плане «четыре» означает всемогущество, всеохватность, власть над пространством и временем. Не случайно так часто число «четыре» встречается в Библии: 4 реки в Раю, 4 величайших пророка Ветхого Завета (Исайя, Иеремия, Иезекииль, Даниил), 4 символических животных несут ковчег Завета в видении Иезекииля, Евангелий – тоже четыре. Вот почему «четыре» в картине Босха может означать «все»: все без исключения виновны в смерти Спасителя на кресте, и, тем не менее, все имеют шанс на прощение и спасение. ИеронимБосх РелигиознаяСцена _history
1632 

17.08.2021 20:37


Отправление на рынок
1859
Констан Тройон
Холст, масло. 260,5 × 211 см
Эрмитаж...
Отправление на рынок 1859 Констан Тройон Холст, масло. 260,5 × 211 см Эрмитаж...
Отправление на рынок 1859 Констан Тройон Холст, масло. 260,5 × 211 см Эрмитаж, Санкт-Петербург Картина французского художника, одного из ведущих представителей барбизонской школы (группа французских художников-пейзажистов. Имя школа получила по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где длительное время жили Руссо, Милле и некоторые другие представители группы). Раннее утро, в лучах взошедшего солнца женщина на ослике, с навьюченными на него корзинами с ягнятами, двигается на рынок в сопровождении мужчины на лошади, с ними также идёт небольшое стадо овец и коров. Слева на пригорке виден дом с соломенной крышей. Слева внизу стоит подпись художника и дата: C. Troyon 1859. В Салоне 1859 года картина вызвала значительный резонанс, её хвалил в прессе А. Дюма-сын; молодой Клод Моне писал своему учителю Эжену Будену: «Там также есть „Отправление на рынок“. Оно показывает эффект тумана на восходе солнца. Оно великолепно и, главное, полно света».
1721 

31.07.2021 17:13

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник...
"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history
1716 

29.07.2021 21:05

"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных...
"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных искусств, Хьюстон. Картина Камиля Коро «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» – пожалуй, самое волнующее из всех живописных воплощений древнего мифа. Пронзительная нежность её тончайшей серебристо-зеленоватой гаммы сопоставима разве что со скрипичной увертюрой к опере «Орфей и Эвиридика» Кристофа Виллибальда Глюка. Согласно мифу, воспроизводимому в «Георгиках» Вергилия, лесная нимфа Эвридика была покорена музыкой и пением влюблённого в неё Орфея. Но счастье взаимной любви длилось недолго. Когда Эвридика с подругами-дриадами водила хороводы в роще, её ужалила смертоносная змея. Потерявший жену Орфей был безутешен. Он решает отправиться в подземное царство и вымолить у Аида и Персефоны отпустить Эвридику с ним. Его музыка помогла ему быть убедительным. Лишь одно условие было выдвинуто легендарному певцу: не оглядываться – иначе Эвридика умрёт. Но Орфей не вытерпел. Он повернулся удостовериться, что любимая следует за ним, и лишился Эвридики, теперь уже навсегда. У Камиля Коро есть и менее известная картина «Орфей оплакивает Эвридику», рисующая предпоследний акт свершившейся драмы (финалом которой станет растерзание Орфея обезумевшими вакханками). А картина «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» показывает зрителю тот момент, когда еще жива надежда, когда Орфей держит свою лиру в высоко поднятой руке, как путеводный факел, озаряющий путь, а мрачные тени подземного царства тают в предутреннем тумане. Пейзаж для Коро в этой картине оказывается, как ни удивительно, намного важнее главных персонажей. Коро был настоящим виртуозом в передаче переходных состояний природы – этих туманов, которые вот-вот рассеются, но могут и угрожающе сгуститься. Или этих коротких минут, которые уже и не ночь, но и еще и не утро – недаром его называли «певцом рассвета», а президент Французской Республики Наполеон III шутил: «Чтобы понять этого художника, придётся слишком рано вставать». В изображении Царства теней нет ничего пугающего или резкого – только призрачность, только прозрачность. Достичь этой невероятной зыбкости Коро помогали валёры – тончайшие переходы тонов в пределах одного цвета. Известен афоризм художника «Валёры – прежде всего!». Коро еще будут называть «поэт деревьев». Его деревья – особые, узнаваемые. Они написаны тонкой кистью, мазками и помельче, и покрупнее. Разные размер и плотность мазка дают возможность показать, как волнуется крона деревьев, как подрагивают на ветру листья. Мы смотрим на неподвижное полотно и – о, чудо! – ощущаем вибрацию воздуха и трепет листвы. После импрессионизма этому больше не принято удивляться. Но Коро начал писать за несколько десятилетий до экспозиций импрессионистов, а к ним самим отнёсся настороженно: называл «бандой», отговаривал своего ученика и тёзку Камиля Писсарро участвовать в их выставках. И, тем не менее, лирический пейзаж Коро делает его самым близким предтечей имперессионизма. Коро пришлось снести немало нападок за верность собственной манере, за свой незапланированный авангардизм. Им долго и высокомерно пренебрегал официальный Салон. Картины Коро развешивали в самых тёмных залах выставок Салона, где его валёры мудрено было разглядеть, а о его великолепных деревьях обидно утверждали, что это-де «какая-то грязная мыльная пена». В действительности живые деревья в царстве мертвых – чудесная живописная находка Коро. Он видел в создании пейзажей высшую и единственную цель собственной жизни. Ради неё он отрёкся от радостей супружества – по сути, сознательно отказался от счастья Орфея и Эвридики. «У меня, – признавался Коро, – есть единственная цель, которой я намерен следовать всю жизнь, – писать пейзажи. Это решение не подлежит изменению и не позволяет мне связывать себя узами брака». КамильКоро МифологическаяСцена Романтизм _history
1694 

01.08.2021 20:37

Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с...
Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с чего начались иллюстрации к этому тексту. На дворе был примерно 780 год, когда монах по имени Беат из Ль...ы (это в Испании) составил Комментарии к Откровению Иоанна Богослова, чем изрядно подогрел интерес к нему. До Беата Откровение периодически комментировали, но как-то без особой страсти, а монах собрал этакую компиляцию из более ранних толкований, дополнил ее, развернул некоторые важные пункты и, главное, снабдил свою версию забористыми картинками. Считается, что за эту работу Беат взялся для того чтоб обучать монахов по книгам и еще для того, чтоб поддержать и подбодрить небольшие и не слишком сильные на тот момент христианские общины, которые выживали на Пиренейском полуострове, где почти повсеместно доминировали мусульмане. Там как раз в 711 году арабы набежали на вестготское государство и завоевали практически весь полуостров, организовав потом Кордовский эмират и стало понятно всем бедным христианам, что Иоанн Богослов в Откровении под “Зверем” совсем не Римскую империю имел в виду, а Халифат, а Вавилон этот противный не город Рим, а город Кордова. В общем, легло идеально - как я и писала ранее, Апокалипсис - действительно творение на все времена и на любую эпоху, когда страшно. К слову, конец света Беат примерно назначил на 801 год, хотя и предупредил, что прогноз может быть неточным. Как пишет Жак ле Гофф в “Рождении Европы”, “Благодаря Беату в Европе появился первый настоящий триллер”. И действительно, работа Беата настолько поразила воображение современников, что число копий этого текста, да еще и с иллюстрациями, стремительно росло. До технологий, вроде тех, которыми пользовался Дюрер создавая свой цикл гравюр, еще далеко - тиражную печать еще не придумали, так что все делалось вручную. До наших дней дошло 35 копий этой книги, не все, конечно, полные, но зато 27 из них богато иллюстрированы. Первую книгу, скорее всего, разрисовал сам Беат, следующие рисовались под его руководством, а дальше уже более поздние художники поняли, что так можно и радостно продолжали дело, давая волю фантазии - картинки, конечно, копировались, но каждый был рад добавить чего-нибудь пугающего от себя. Лучшие мастера брались за эту работу, демонстрируя каких высот они добились в своем деле. Там еще и карта мира есть!
1716 

30.07.2021 19:59

Санкт-Петербург, Эрмитаж На картине..." />
"Бассейн в гареме" Жан-Леон Жером, 1876 > Санкт-Петербург, Эрмитаж На картине...
"Бассейн в гареме" Жан-Леон Жером, 1876 > Санкт-Петербург, Эрмитаж На картине изображена турецкая баня в гареме. Сквозь маленькие щелочки в потолке проникает солнечный свет. Взоры двух женщин обращены к служке, подающей им кальяны. Одна из них сидит на разноцветном национальном ковре, другая полулежит на ступеньке хамама. На заднем плане возле бассейна виднеется еще несколько женских фигур. Излюбленная Жеромом тема наготы женских тел противоречила мусульманским традициям. Художник с такой точностью изобразил все составляющие турецкой бани, что невольно возникает мысль, будто он видел это собственными глазами. Но этого быть никак не могло, потому что гарем ревностно охранялся от посторонних взглядов, тем более европейских мужчин. Гарем был гордостью султана. Он постоянно пополнялся новыми наложницами со всех концов света. И даже при всём уважении к творчеству Жерома ему вряд ли позволили бы писать с натуры в женской бане. Неординарная фантазия художника в очередной раз воссоздала реальный мотив.
1741 

29.07.2021 21:07

Санкт-Петербург, Русский музей В..." />
"Лунная ночь на Днепре" Архип Куинджи, 1880 > Санкт-Петербург, Русский музей В...
"Лунная ночь на Днепре" Архип Куинджи, 1880 > Санкт-Петербург, Русский музей В 1880 году в Санкт-Петербурге состоялась выставка одной картины – "Лунная ночь на Днепре". Произведение имело небывалый успех. Сияние лунного света было настолько фантастическим, что художника подозревали в использовании каких-то необычных японских красок, обвиняли в связях с нечистой силой или пытались отыскать с обратной стороны полотна спрятанные лампы. Конечно, весь секрет заключался в умелом построении композиции и сочетании красок, которое создавало эффект сияния и иллюзию мерцающего света. Куинджи на самом деле много лет работал над созданием новых красочных пигментов и грунтовок. Художник продал картину Великому князю Константину Константиновичу, который взял ее с собой в кругосветное путешествие. Под действием морского воздуха состав красок изменился, что привело к потемнению пейзажа. О творчестве знаменитого пейзажиста Архипа Куинджи говорили, что его картины на выставках затмевают все остальное.
1665 

18.08.2021 13:36

"Две девушки за фортепиано" 1892 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. У...
"Две девушки за фортепиано" 1892 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. У самого бесстрашного и дальновидного французского маршана Поля Дюран-Рюэля в 1892 году открывается выставка. Выставка посвящена одному Ренуару. Еще 10 лет назад Дюран-Рюэль скупал у импрессионистов картины, чтоб они не умерли от голода, и идея такого мероприятия выглядела дерзко даже для него. А теперь ему пришлось собирать экспозицию, выпрашивая самые значимые полотна Ренуара у новых владельцев. 111 произведений, написанных совсем недавно и очень давно, оказались собраны в галерее и представлены восхищенным парижанам. За последние 20 лет они научились видеть иначе: солнечные блики на коже «Обнаженной» уже не кажутся им трупными пятнами, объемные, страстные мазки не выглядят мазней. На этой выставке происходит важное для 50-летнего Ренуара событие: впервые его картину покупает Департамент изящных искусств для Люксембургского музея. Когда-то продававший картины по 50 франков, Ренуар получает за нее 4 тысячи! Эта картина – «Две девушки за фортепиано». Дальше ее ждала феерическая звездная судьба: Лувр, Галерея современного искусства Же-де-Пом и, наконец, Музей д'Орсе. А пока французы привыкали к импрессионизму, каждый импрессионист уже подумывал, к чему приучать французов дальше, изобретал новые техники и замешивал на палитре новые краски. После путешествия в Италию, после встречи с Рафаэлем и Энгром Ренуар счистил со своей палитры весь этот яркий изумрудный и прозрачно-розовый, аккуратно выдавил краски из тюбиков с охрой и кобальтом и начал обводить фигуры настойчивым контуром. Он убежден, что импрессионизм недооценивал значение классического рисунка. Очень скоро ренуаровской палитре становится скучно – и он возвращает туда для начала красный, белый, черный и все остальные. Картину «Девушки за фортепиано» Ренуар написал в тот восторженный период выхода из классицистического кризиса и обретения собственного живописного языка. «Жемчужный» период – называют его искусствоведы за особую, уже не импрессионистскую и не совсем не энгровскую, переливчатость цветов. И тени на платьях, и волосы двух девушек, и штора на заднем плане, и отблески света на рояле создают цельную переливающуюся, полную взаимных рефлексов, светящуюся изнутри маленькую вселенную, где все со всем связано и ничто друг без друга невозможно. В этот художественный мир ничего не добавишь и ничего не убавишь. Он идеально уравновешен. ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history
1615 

23.08.2021 20:38