Назад

Клод Моне "Стога сена на закате, эффект снега" (1891)

Описание:
Клод Моне "Стога сена на закате, эффект снега" (1891)

Похожие статьи

Твёрдое в мягком
1927
Кандинский

Карьеру художника Кандинский выбрал в...
Твёрдое в мягком 1927 Кандинский Карьеру художника Кандинский выбрал в...
Твёрдое в мягком 1927 Кандинский Карьеру художника Кандинский выбрал в возрасте 30 лет. Во многом это произошло под влиянием выставки импрессионистов, прошедшей в Москве в 1895 году (и в частности, под впечатлением от картины Клода Моне «Стог сена»). В ноябре 1895 года он написал своему научному руководителю Чупрову, что «решил оставить занятия наукой. И чем дальше идёт время, тем сильнее притягивает меня к себе старая и прежде безнадёжная любовь к живописи». В 1896 году Кандинский отказался от предложенного Дерптским университетом места приват-доцента и уехал в Мюнхен, чтобы учиться живописи. После смерти Кандинского с 1946 по 1961 год по инициативе вдовы художника в Париже вручалась премия Кандинского. Множество его работ она завещала парижскому центру Помпиду. В 1980 году Нина Кандинская была задушена на своём шале «Эсмеральда» в Гштаде; убийца не установлен. Картины Кандинского, находившиеся в её доме, не были похищены, пропали только драгоценности.
2143 

20.02.2021 13:11

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg
2177 

26.02.2021 22:13

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума...
"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history
2044 

14.03.2021 22:27

"Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога" 1844 г. Уильям...
"Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога" 1844 г. Уильям Тёрнер Лондонская Национальная галерея. «Дождь, пар и скорость», картину, изображавшую мчащийся по мосту Мейденхед над Темзой поезд, очень любили импрессионисты. В каком-то смысле, именно из этого тумана, окружающего поезд, они и сами появились. Но, конечно, Тёрнер не мог знать, что противопоставление скорости нового и замедленности уходящего – это и противопоставление грядущего импрессионизма и исчерпавшей себя академической живописи. Клод Моне через несколько десятков лет создаст свою вокзальную серию. Англию в те годы охватила настоящая железнодорожная лихорадка. Тёрнер изобразил ее в своем ключе, без любования «железным конем». Не машину он написал, а скорость. Поезд – словно неутомимый яростный зверь - мчится вперед, за ним все скрыто в дымке. Кажется, поезд появляется из ниоткуда, взрезая пространство, несется прямо на нас, а после умчится в никуда. Сверкающая сфера на передней части паровоза – словно распахнутая пасть, это самый яркий элемент картины. «Перед нами ослепляющее видение или мимолетная реальность?» – спрашивает посетивший выставку обозреватель The Times. Мимолетная реальность? Вы тоже чувствуете, что скоро здесь будут импрессионисты? Лодка с людьми по левую сторону от поезда, призрачные фигуры танцующих девушек, застывший пахарь с плугом справа, силуэт зайца на рельсах, – всё это кажется элементами уходящего мира, уступающего место новому, скоростному. Но при этом, и лодки, и танцующие девушки, и пахарь с плугом, и влажный туман, в котором все они практически растворены – вне времени, они есть и будут даже после того, как промчится этот поезд. Им не угнаться за этой скоростью, но поезд уйдет, а они – останутся. Противопоставлением «новое – уходящее» картина близка к настроению знаменитого «Последнего рейса фрегата “Отважный”». Некоторые исследователи сопоставляют колористику этой картины с работами Рембрандта. «Он – мастер в изображении тонкой грани между утренней зарей и полднем, грани, которая обычно ускользает», – признавал заслуги голландца в виртуозном владении цветом и светом художник, посвятивший себя «богу-солнцу». УильямТёрнер Романтизм _history
1990 

27.03.2021 21:33

"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот...
"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот сад писал не только Сислей. Хозяин сада и дома в Монжероне, Эрнест Ошеде, был одним из первых поклонников молодых художников-импрессионистов. Он покупал их картины и часто спасал этим от голода. И был, кстати, владельцем легендарного полотна Моне «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всему движению молодых художников. Он приглашал Клода Моне, Эдуара Мане и Альфреда Сислея в свое поместье в Монжероне, где они жили по несколько месяцев и писали местные пейзажи и декоративные панно для огромного дома Ошеде. Художники отдыхали: в этом доме их всегда ждала мастерская в парковом павильоне, приятное общество, изысканная еда и вино, солнце и живописные места. Эрнест - наследник успешного бизнеса. Его родители создали торговое предприятие и занимались продажей тканей. У него жена Алиса, тоже богатая наследница крупных промышленников, и пятеро детей. Дела идут неплохо. Когда Эрнест разорится, бестолково угробит родительский бизнес и истратит родительские деньги, парижские журналисты будут писать ядовитые статьи: как это мило со стороны художника Клода Моне - приютить у себя в доме семью Эрнеста Ошеде, который стал банкротом, покупая его картины. Это была правда лишь наполовину: Моне действительно пригласил Эрнеста, Алису и их детей снимать один дом на две семьи, когда с деньгами у Ошеде стало туго. Но в разорении неудачливого торговца виноват был только он сам. Этот солнечный пейзаж Сислея подписан 1881 годом - к тому времени Эрнест уже разорился и заложил поместье. Его семья уже жила с Клодом Моне, а сам он был в постоянных разъездах и увлеченно делал карьеру журналиста в Париже. Дети Эрнеста скоро станут называть Клода Моне папой, а пока еще законная жена Ошеде Алиса станет возлюбленной и помощницей Моне. Так что скорее всего Сислей начал работу над «Садом Ошеде» за несколько лет до этого, когда Эрнест еще мог себе позволить скупать картины импрессионистов сотнями, когда беззаботная жизнь в Монжероне казалась бесконечной, а легкий летний флирт хозяйки дома Алисы Ошеде и молодого темпераментного талантливого Клода Моне еще казался мимолетным и несерьезным. Вот только дотянутся знойные ленивые тени до другого края сада - и все это наваждение рассеется. АльфредСислей Импрессионизм _history
2017 

30.03.2021 20:13

​​Название музея Орсе изменят в знак уважения к его основателю

Министерство...
​​Название музея Орсе изменят в знак уважения к его основателю Министерство...
​​Название музея Орсе изменят в знак уважения к его основателю Министерство культуры Франции анонсировало переименование всемирно известного парижского музея. Формальное утверждение соответствующего правительственного декрета состоится в ближайшее время. Таким образом будет отмечена роль бывшего президента Франции Валери Жискар д’Эстена в создании институции. Запомните новое название: «Музей д’Орсе — Валери Жискар д’Эстен» (Musee d’Orsay-Valery Giscard d’Estaing). Присоединённый к нему в 2010 году в качестве филиала Музей Оранжери сменит название аналогичным образом. Напомним, Музей Орсе (или музей д’Орсе) — это «перепрофилированный» вокзал с таким же названием. Здание 1900-го года планировали снести, но во времена президентства Жоржа Помпиду возникла идея о переустройстве его в музей. Проект реализовывали во время правления преемника Помпиду — Валери Жискара д’Эстена, который был активным сторонником создания культурного учреждения. Музей Орсе открылся в 1986 году — президентом тогда уже стал Франсуа Миттеран. А нынешнее переименование одобрено президентом Франции Эмманюэлем Макроном — инициатива возникла в 2020 году после того, как Жискар д’Эстен умер в возрасте 94 лет (тест на COVID-19 был позитивным). Сокровища музея Орсе — крупнейшая в мире коллекция полотен французских импрессионистов. А главный акцент музея Оранжери — Овальный зал с серией из 8-ми масштабных полотен, «Кувшинок» Клода Моне. Собственно, в свое время здание оранжереи было специально перестроено для представления этого проекта. Очевидно, команде двух культурных институций предстоит огромная работа по переизданию каталогов и сувенирной продукции. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f493c61d31f95a9b19e6c.jpg
1958 

31.03.2021 22:32


"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ...
"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history
2024 

01.04.2021 23:08

"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства...
"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства, Вашингтон. Клод Моне честно признавался, что кроме живописи и садоводства ни на что больше не годен. И пожалуй, хуже всего ему удавалась роль мужа, особенно в первый раз. Камилла Моне оказалась одной из самых несчастных и печальных женщин во всей истории живописных героинь и жен художников. 18-летняя натурщица Камилла Донсье, дочь торговца, позировала юному красавчику Моне для картины «Женщина в зеленом», одной из самых успешных и стремительно прославившихся. Картину не просто приняли в Салоне, но и удостоили нескольких лестных отзывов. Камилле приятно, Моне счастлив, они молоды, влюблены и им кажется, что все прекрасное в их жизни только начинается. Следующие несколько отчаянных лет Камилла и Клод живут в сырых, холодных комнатах, часто без света и отопления и очень часто без еды. Бывает, что Ренуар приезжает к ним в гости, чтобы писать вместе с Клодом (в том числе - и Камиллу), и привозит немного хлеба – на несколько дней хватает. Иногда среди ночи они собирают вещи и бегут из очередного сельского домика, зная, что наутро не смогут заплатить хозяину долг за несколько месяцев. Клод работает с утра до вечера, как одержимый, не получая ни одобрения в официальном Салоне, ни признания среди заказчиков. Его картины не покупают. Хотя бы за 30, за 50 франков – он готов получить любые копейки. Когда Камилле придет время рожать, Моне уедет искать вдохновения – не очень-то похоже на безумную любовь. Издалека он будет в письмах умолять Фредерика Базиля выслать голодной Камилле денег, взывая к его человеколюбию, а вернувшись ненадолго, почти с удивлением обнаружит, что ребенок его по-настоящему радует. Отец и тетка Моне, узнав о его любовнице, отказывают в содержании и требуют бросить и возлюбленную, и новорожденного сына. Клод пишет Камиллу взахлеб, постоянно – и почти на всех портретах в глазах Камиллы такая бездонная пропасть и такая непоправимая печаль, что опознавать ее среди моделей художника можно именно по этой безнадежности. Она умрет в 32 года, в 1879-м, в страшных мучениях, всю заботу о ней во время тяжелой болезни возьмет на себя другая женщина, Алиса Ошеде, которая к тому времени будет в доме Моне чувствовать себя полноправной хозяйкой. Пройдет больше 10 лет – и призрак Камиллы с зонтиком Моне случайно увидит, возвращаясь вечером после пленэра в своем саду в Живерни. На насыпи, на фоне огромного неба, стояла его падчерица Сюзанна. «Вылитая Камилла в Аржантее! Завтра придем сюда, ты мне будешь позировать!» Он ставит Сюзанну в нужную позу, запрещая шевелиться и гонясь за призраком давно ушедшей за горизонт Камиллы. Он в ярости пинает ногами один из двух этюдов (1 и 2), рвет холст, Сюзанна теряет сознание от зноя, Моне в отчаянии – у него ничего не получается. У женщины с зонтиком, повернутой влево, и у женщины с зонтиком, повернутой вправо, не видно лица. Критики в один голос заявляют, что это шедевры, по сравнению с первой картиной, написанной в Аржантее, более динамичные, идеально уравновешенные, мастерски исполненные и создающие ощущение живописной целостности. Но когда видишь все три рядом, трудно отделаться от мысли, что безликие, застывшие в правильных позах правая и левая женщины – два неподвижных призрака той легкой, внезапно повернувшейся к художнику, тревожной, еще живой, но уже готовой скрыться за холмом Камиллы. КлодМоне Импрессионизм _history
1931 

12.04.2021 22:35

Питер ван Лар, нидерландский художник из Перелетных Птиц, о которых я в прошлый...
Питер ван Лар, нидерландский художник из Перелетных Птиц, о которых я в прошлый раз рассказывала, был еще основателем группы Бамбоччанти, хулиганских художников, которые писали народные сценки, повседневную жизнь бедняков в Риме и его окрестностях. Большинство художников в этой группировке были выходцами из Северной Европы, хотя среди них были и итальянцы. Сам Питер ван Лар родился в Харлеме в 1599 году. Отец его был школьным учителем, один брат стал писателем, а другой - художником. Правда с братом-художником случилась беда, когда братья вместе отправились в Италию - тот упал вместе со своим мулом с моста и погиб. Питер ван Лар учился рисованию еще в Харлеме, потом поехал во Францию, заглянул в Рим и там и остался, примкнув к Перелетным птицам. При приеме в члены братства получил прозвище de Snuffelaar - вроде как, нюхач или носач, из-за большого носа. А вот итальянцы прозвали ван Лара bamboccio - карапузом или коротышкой, потому что, согласно воспоминаниям современников, у того было очень специфическое телосложение - большая голова, короткое туловище и непропорционально длинные ноги. Везло ему на прозвища, в общем, но как раз второе его прозвище дало название группе художников, которые стали его последователями и, можно сказать, даже целому жанру. Ван Лар придумал работать на открытом воздухе и любил ходить на пленэры, что было штукой совсем новой. Еще он дружил с Клодом Лореном и Никола Пуссеном, и вместе с последним путешествовал вокруг Рима в поисках сюжетов. В 1639 году ван Лар, уже очень уважаемый, популярный и даже немного легендарный художник, решает вернуться на родину чтоб жить там с большим комфортом, чем в Италии, и отправляется в Харлем. Там он немного потусовался с художниками, а потому куда-то делся. То ли пошел путешествовать налегке, то ли, как о нем написал современник, Теодор Шревелиус “последовал примеру Эмпедокла”.
1915 

24.04.2021 19:57

"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода...
"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода Моне и Эдуара Мане началось с очевидного недоразумения – путаницы с фамилиями. После открытия очередного Салона к Мане начали подходить знакомые и хвалить две его марины. Какие марины? Он не посылал на Салон никаких марин! Оказывается, что какой-то молодой нахал пользуется сходством фамилий, чтобы прославиться, мало того – еще и картины его имеют больший успех. Со временем обиды и претензии растворились в огромном взаимном уважении и восхищении. Летом 1874 года художники работали вместе на берегу Сены, в Аржантейе – и Мане как будто решил поиграть со своими друзьями в их импрессионизм. Но по своим правилам. Все импрессионистские находки он этим летом примерил и освоил: короткие отрывистые мазки, светлая палитра, пленэр и солнечный свет. И все равно остался самим собой. Он писал воду и пейзажи, самого Клода Моне, работающего в плавучей мастерской-лодке, но всегда отыскивал то, что интересовало его всегда: отношения мужчины и женщины и внутренние живописные законы произведения, которые не всегда совпадали с закономерностями природных цветов. Так появилась загадочная средиземноморская синева Сены на картине «Аржантей», за которую Мане исступленно поносили критики, требующие соответствия действительности, и которая стала очередной попыткой художника натренировать глаза зрителей на новый взгляд на искреннее, эмоциональное искусство. «Художник может все выразить при помощи фруктов и цветов или одних облаков», - считает Мане. И на этот раз ему хватило синевы Сены, чтобы создать то радостное настроение, в котором пребывал он в то лето и в котором находились окружавшие его влюбленные пары, медленно плывущие по реке и звонко смеющиеся. Когда на Салоне 1874 года кто-то робко пытался похвалить картину Мане, ему обязательно кричали в ответ: «Но эта синева!» «Река цвета индиго, плотная, как металл, прямая, как стена», - захлебывались в возмущении критики. Их интересовала одна только вызывающе синяя река. Этот Мане просто издевается и смеется над ними, нарочно устраивает шумиху и раздувает скандалы вокруг своего имени. «Мое честолюбие – никогда не повторять завтра то, что сделал вчера», - говорил Мане. И после этого лета он больше никогда не напишет синюю Сену, но напишет «Весну», проданную в 2014 году за 65 млн. долларов, и «Бар в «Фоли-Бержер», никогда не повторяя себя вчерашнего. ЭдуарМане Импрессионизм _history
1793 

16.05.2021 20:38


"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой...
"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой карандашный рисунок, выполненный Пабло Пикассо в 1946 году, – один из самых лирических и чувственных портретов Франсуазы Жило. И, пожалуй, самый реалистичный из них. Пикассо создал этот рисунок в самом начале их отношений, в период, исполненный нежности и искреннего обожания. Несколько лет спустя, когда союз с Франсуазой уже начнет трещать по швам, Пикассо будет безжалостно сминать и искажать черты ее лица на своих картинах, как это уже бывало с ее предшественницами. О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше. Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения. Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи. К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти. ПаблоПикассо Графика _history
1759 

21.05.2021 22:14

"Завтрак на траве" 1865 г. Клод Моне ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1865 году...
"Завтрак на траве" 1865 г. Клод Моне ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1865 году Клод Моне решил писать огромную картину - 4 на 6 метров. Фигуры людей на ней должны превосходить средний человеческий рост вдвое. В лесу Фонт... он делает много этюдных зарисовок, для которых просит позировать друзей, и вскоре набрасывает предварительный вариант - именно этот пробный вариант сейчас хранится в музее Пушкина в Москве. И название будущей работы, и ее общий замысел - это дань уважения другому «Завтраку на траве», картине Эдуара Мане, которая двумя годами ранее была представлена в знаменитом Салоне отверженных и вызвала бурю негодования критиков, салонных судей и посетителей. На Клода Моне, ученика частной студии, она произвела тогда грандиозное впечатление - и сейчас он готов объявить Мане о своем восхищении и совершить что-то настолько же невероятное. Он не собирается возмущать публику обнаженными женщинами, как это сделал Мане, он хочет писать яркие солнечные пятна и контрастные глубокие тени на одежде и на лицах, на траве и белом покрывале. Трудно представить, где и как юный художник хранил огромное полотно во время работы над ним. Зато он подробно рассказывал позже, как при своем росте в 165 сантиметров ухитрялся доставать до его верхней части. Моне вырыл глубокий длинный ров, опускал в него картину - и сам оказывался на нужном уровне. Этой работой Моне одержим, он пишет друзьям, что не может больше ни о чем думать, что сойдет с ума, если не доведет дело до конца. Эта работа отнимает все силы и, если честно, обходится совсем не дешево. Сегодня воссоздать общий вид готового «Завтрака на траве» можно только по этому предварительному наброску. Окончательный вариант не сохранился, вернее, сохранился изрядно потрепанным, побывав в нескольких передрягах. Моне полжизни был в долгах - он сбегал среди ночи из арендованной квартиры, когда не мог расплатиться с хозяином, он делил долгое время мастерскую с Фредериком Базилем и с Огюстом Ренуаром, он ссорился с владельцами гостиниц и давал обещания. А однажды, оставшись без гроша в кармане, он свернул свой огромный «Завтрак на траве» и оставил хозяину квартиры в качестве залога. Деньги у Моне появятся не скоро - и он вернется за картиной много лет спустя. Все это время она пролежала свернутая в рулон в сыром подвале - и в некоторых местах начала подгнивать. Картину пришлось разрезать на куски - и спасти удалось только три неповрежденных фрагмента. Но и из этих трех фрагментов до музейных стен добрались только два - сегодня они находятся в музее д’Орсе. Каждый - в отдельной раме. Третий фрагмент потерялся. От предварительного, но вполне самостоятельного и завершенного, варианта огромная итоговая картина немного отличалась. Моне переодел девушку слева из белого платья в серо-красное и заменил центральную фигуру сидящего юноши на другую. Новый участник «Завтрака на траве», веселый, крупный бородач, очень похож на художника Гюстава Курбе. С Курбе, тогда уже шумно знаменитым и признанным мастером, Клод Моне познакомился как раз во время работы над «Завтраком». Картину Курбе, по одним воспоминаниям, восторженно повалил, по другим - одобрил, но порекомендовал немного доработать. Как бы то ни было, Моне уже не собирается отправлять «Завтрак» в Салон, он решительно настроен покорить судей новым портретом дамы в зеленом платье. КлодМоне Импрессионизм _history
1771 

08.06.2021 21:37

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека...
"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history
1695 

12.06.2021 20:37


Пал Фрид.

Пал Фрид (16 июня 1893, Будапешт —6 марта 1976, Нью-Йорк)...
Пал Фрид. Пал Фрид (16 июня 1893, Будапешт —6 марта 1976, Нью-Йорк)...
Пал Фрид. Пал Фрид (16 июня 1893, Будапешт —6 марта 1976, Нью-Йорк) — венгерско-американский живописец. Известный портретист, мастер картин на темы балета и театра, последователь французского импрессионизма. Пал Фрид обучался искусству рисования в Венгерской академии под руководством профессора Хьюго Пола. Под его влиянием Пал Фрид написал много портретов, обнаженных фигур и восточных сцен. Затем продолжил образование в Париже у Клода Моне и Люсьен Симон. Пал Фрид находился под большим влиянием и впечатлением от французской импрессионистской школы, в частности — Ренуара и Дега. В 1947 году, после Второй мировой войны, Пал Фрид эмигрировал в Америку, где преподавал в Академии искусств в Нью-Йорке и разработал свой собственный уникальный стиль. Стал гражданином США в 1953 году. В 1950 —1960-х годах художник жил и работал в Голливуде, где приобрёл большую популярность как портретист. Он специализировался на портретах дам из высшего общества. Основная техника у Пала Фрида: пастель и масло.
1698 

18.06.2021 21:15

Отправление на рынок
1859
Констан Тройон
Холст, масло. 260,5 × 211 см
Эрмитаж...
Отправление на рынок 1859 Констан Тройон Холст, масло. 260,5 × 211 см Эрмитаж...
Отправление на рынок 1859 Констан Тройон Холст, масло. 260,5 × 211 см Эрмитаж, Санкт-Петербург Картина французского художника, одного из ведущих представителей барбизонской школы (группа французских художников-пейзажистов. Имя школа получила по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где длительное время жили Руссо, Милле и некоторые другие представители группы). Раннее утро, в лучах взошедшего солнца женщина на ослике, с навьюченными на него корзинами с ягнятами, двигается на рынок в сопровождении мужчины на лошади, с ними также идёт небольшое стадо овец и коров. Слева на пригорке виден дом с соломенной крышей. Слева внизу стоит подпись художника и дата: C. Troyon 1859. В Салоне 1859 года картина вызвала значительный резонанс, её хвалил в прессе А. Дюма-сын; молодой Клод Моне писал своему учителю Эжену Будену: «Там также есть „Отправление на рынок“. Оно показывает эффект тумана на восходе солнца. Оно великолепно и, главное, полно света».
1492 

31.07.2021 17:13

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник...
"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history
1507 

29.07.2021 21:05


"Завтрак, или Столовая" 1887 г. Поль Синьяк Музей Крёллер-Мюллер...
"Завтрак, или Столовая" 1887 г. Поль Синьяк Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo. «Завтрак» Поля Синьяка – своеобразная присяга на верность неоимпрессионизму. «Неоимпрессионист не начинает писать холст, не уточнив композицию», – заявлял художник. Над этой картиной он работал долго, писал множество набросков и «композицию уточнял» тщательно. Картину показали на третьей выставке Салоне независимых, и она вызвала весьма прохладный прием. Синьяка упрекали в том, что он изобразил вместо лиц «раскрашенные поверхности». Художник написал своего деда, мать и служанку. В его портретах действительно не встретить тщательно прорисованных лиц. Тем не менее, в данном случае Синьяк мастерски показал психологические характеристики персонажей, не детализируя портреты как таковые. В позе мужчины во главе стола, его волевом профиле, сжатых в кулак руках чувствуется властность, привычка к подчинению окружающих, возможно, самодурство. Его впору отлить из бронзы! Лицо женщины неразличимо, единственное, в чем мы можем быть уверены – глаза ее опущены вниз. Ее фигура выражает смирение, покорность, даже забитость, пожалуй. Несмотря на то, что сидят они друг от друга не так уж далеко, создается впечатление, будто их разделяет огромное расстояние. Он – на передовой, она – где-то на задворках. На одном из предварительных вариантов не было фигуры служанки, ее Синьяк включил в композицию в процессе работы над картиной. В отличие от главных персонажей, служанка безлична, о ее характере мы ничего особо сказать не можем, она изображена скорее как функция, а не как человек. В том числе, одна из ее задач – еще больше разделить фигуры сидящих за столом, увеличить пропасть между ними. Фигура служанки – перекличка Синьяка с Жоржем Сёра, ее поза повторяет позу дамы на переднем плане на картине «Воскресный день на острове Гранд-Жатт». Сёра в те годы был для Синьяка безусловным лидером, а «Воскресный день» произвел фурор, так что речь явно не о совпадении, а о диалоге. Отчуждение – это, пожалуй, основное качество, характеризующее отношения между объектами на картине Синьяка. Причем речь не только о людях, предметы на столе – и те разделены. Графин, сахарница, тарелки, чашка, свернутая салфетка не соединяются в ансамбль, не соотносятся, а существуют отдельно друг от друга. Пуантилистская манера зачастую создавала эффект остановившегося времени. Имеет место этот феномен и в данном случае. Даже чашка, которую подносит ко рту женщина, вовсе не обещает дальнейшее движение, это мгновение застыло, и выход из него не предусмотрен. Не будем забывать, что неоимпрессионисты появились не на пустом месте, а как противодействие импрессионистам, у которых «завтрак» – одна из любимых тем. Вспомним «Завтраки на траве» Эдуарда Мане и Клода Моне, «Завтрак гребцов» Ренуара и множество других вариаций на эту тему. Картина Синьяка кардинально отличается от предвосхитивших ее «завтраков». Здесь совершенно иное «меню»: нет яркости, легкости, праздничности импрессионистских завтраков. Напротив, статичная, четко структурированная картина оставляет довольно тягостное, гнетущее впечатление, импрессионистской радости и мимолетности мы здесь не найдем. ПольСиньяк Пуантилизм _history
1405 

25.08.2021 21:07

"Лидия Эммет" 1892 г. Уильям Меррит Чейз Бруклинский музей, Бруклин. Для...
"Лидия Эммет" 1892 г. Уильям Меррит Чейз Бруклинский музей, Бруклин. Для своего времени это один из самых дерзких женских портретов. До сих пор так писали только мужчин: уверенный поворот, выставленная вперед нога, энергичное и свободное положение руки. Ван Дейк, Веласкес, Рубенс, все написанные ими короли и принцы, со шпагами и плащами, званиями и титулами. За 20 лет до Чейза подобную дерзость позволял себе только Эдуар Мане, смягчая ее все же веером, сценическим костюмом с испанскими корнями и более нежным поворотом тела. В остальных же случаях дамам на портретах положено было левой рукой придерживать платье, теребить платок, укачивать младенца, сжимать зонтик или веер. Нежным полукругом изгибать ее в крайнем случае. Но художницу Лидию Эммет необходимо было написать именно так. В 1892 году Лидия Эммет (ей 26 лет!) принимала участие в росписи свежеотстроенного Женского здания на готовящейся Всемирной колумбовой выставке в Чикаго. Выставка состоится через год и станет самой масштабной и посещаемой за всю историю. Лидия, бывшая ученица Уильяма Чейза, уже вернулась к тому времени из Парижа, где училась, из Живерни, где жила некоторое время в колонии американских импрессионистов, поклонников-последователей Клода Моне. Теперь Лидия Эммет – помощница Чейза и преподаватель начального курса в его летней школе в Лонг-Айленде. Она получила первый заказ на иллюстрации к детской книге, когда ей было 16 лет, стала академиком в 45 лет, разработала эскиз медали Американского географического общества, рисовала иллюстрации для журнала Harper’s Bazaar, создавала витражи для Луиса Тиффани, написала портрет первой леди Лу Гувер, который сейчас находится в Белом доме. Одним словом, веер, платок и зонтик – абсолютно посторонние для нее вещи. По портрету Лидии Эммет можно составлять подробный список живописцев, которыми восхищался Чейз, от которых с удовольствием перенимал технические находки, по которым цитировал кружева и платье, позу модели и композицию картины. И все это вместе оставалось бы ловким реверансом в сторону Веласкеса, Ван Дейка, Уистлера, если бы не эта гендерная дерзость. И еще одно: эта длинная розовая лента, пересекающая вертикально всю фигуру Лидии, написана одним тягучим, виртуозным, вызывающе точным мазком. УильямЧейз Портрет _history
297 

27.05.2022 20:37

"Бульвар Сен-Мишель" Начало XX века Жан-Франсуа Рафаэлли ГМИИ имени А. С.
"Бульвар Сен-Мишель" Начало XX века Жан-Франсуа Рафаэлли ГМИИ имени А. С. Пушкина. Картина «Бульвар Сен-Мишель» переливается всеми оттенками серого и жёлтого — мерцающее тёпло-жемчужное небо, серовато-охристый коридор из стен, ведущих к громаде Пантеона, сизая, серебристая, грязно-лимонная земля — и поверх всего россыпь сияюще-жёлтых мазков: точек фонарей, квадратов светящихся окон, длинных бликов на влажной мостовой. По всем признакам — тема, свежий цвет, лёгкий длинный мазок, этюдная небрежность письма — эта работа должна быть импрессионистской, но классики импрессионизма с этим соглашаться не хотели. Да и самого Жана-Франсуа Рафаэлли — ученика академиста Жерома, итальянца по крови и парижанина по рождению — в своих рядах видеть не хотели. Масштабное участие Рафаэлли в пятой выставке импрессионистов привело к тому, что группу покинул один из родоначальников движения — Клод Моне, заявивший, что устроители «открыли двери малярам-самоучкам». Вместе с ним в выставке отказались участвовать и такие «монстры» импрессионизма, как Ренуар, Сислей и Сезанн. Строго говоря, винить в этом расколе стоит не столько Рафаэлли или Гогена, живопись которого тоже чрезвычайно не нравилась Моне, сколько Дега, который не просто пригласил их на выставку, но и отобрал для экспонирования целых 37 работ Рафаэлли. Нелюбовь Моне и прочих «отцов-основателей» к живописи Рафаэлли можно понять — при всём увлечении импрессионизмом, этот мастер пишет не столько «первое впечатление» от вечера, осени, бульвара, сколько продуманную и выверенную имитацию «первого впечатления». Анализ его работ позволяет почувствовать, как он оценивает художественные приёмы своих предшественников и коллег, выбирая у кого позаимствовать колорит, у кого – композицию, у кого – манеру писать толпу, чтобы получить в целом самостоятельный, но в деталях чрезвычайно эклектичный продукт. Впрочем, нельзя не признать, что при всей вторичности и компилятивности это очень обаятельная живопись. Возможно, дело в том искреннем удовольствии от собственного мастерства, которое художник и сейчас транслирует зрителю. Рафаэлли Импрессионизм _history
302 

26.05.2022 21:12

Четвёртый сборник экскурсий 1 Государственный Эрмитаж.Документальный...
Четвёртый сборник экскурсий 1 Государственный Эрмитаж.Документальный фильм-экскурсия на 3,5 часа 2 Пешеходная экскурсия по Венеции без комментариев. 3 «Ночь на Днепре» ⁄ История одного шедевра 4 Константиновский дворец. Из цикла фильмов "Красуйся, град Петров!" 5 Рубенс - экскурсия по дому-музею художника в Антверпене. 6 Ян ван Эйк ваша персональная экскурсия по выставке в Генте 7 Экскурсия по музею Урании – Московский планетарий 8 МАМАЕВ КУРГАН 9 Экскурсия по Мамаеву кургану 10 Государственный Дарвиновский музей в Москве 11 Музей Ретро автомобилей в Запорожье “Фаэтон“ 12 Путешествие по Воронежу 13 Экскурсия Парфёнова по выставке "Щукин. Биография коллекции" 14 Внутри Лувра. Экскурсия без комментариев. 15 Пять шедевров Музея Прадо 16 Фрида Кало. Краткая история жизни 17 Парадные, дворы и лифты на улице, где вырос Путин.Экскурсия по Петербургу 18 Экскурсия по выставке «Авангард. Список №1» 19 Летняя прогулка по КиевуМузыкальный фильм экскурсия. 20 Эрмитаж на связи.“Сады“ Клода Моне 21 Париж. Экскурсия по историческому центру. Жизнь во Франции 22 ЭКСКУРСИЯ ПО ВАНАДЗОРУ С ГИДОМ 23 Большая экскурсия по студии Wylsacom с сюрпризами... 24 Дворец Хоф ван Буслейден жемчужина Северного 25 Возрождения в Мехелене. 26 Кураторская экскурсия по выставке «Пикассо & Хохлова» 27 Экскурсия по выставке «Михаил Ларионов» 28 ВЛАДИМИР - город с тысячелетней историей 29 Экскурсия по выставке «Архип Куинджи» 30 История одной картины. Левитан «Ненюфары» 31 Экскурсия по дому купца Игумнова 32. 11 МУЗЕЕВ, КОТОРЫЕ ВЫ ЗАХОТИТЕ ПОСЕТИТЬ 33 РУССКАЯ СКАЗКА. От Васнецова до сих пор / Экскурсия по выставке 34 Дмитрий Гутов. Рембрандт и фламандцы 35 Жемчужины коллекции. Мастера Лейденской школы тонкой живописи 36 Египетский музей в Каире. Лекция Виктора Солкина Санкт-Петербург. ТОП-5 мест для прогулок! Легенды и факты о Питере! 37 Москва. ТОП-5 неочевидных мест для прогулок. Вместо Красной площади. 38 Золотое кольцо. Часть 1 39 Золотое кольцо. Часть 2 40 В мире древних животных 41 Экскурсия по лаборатории популяризации математики 42 Экскурсия по Музею науки и техники 43 Прогулка - экскурсия по Эрмитажу 44 ВИДЕОЭКСКУРСИЯ “РОМАНОВЫ В ЦАРСКОМ СЕЛЕ” 45 Санкт-Петербург. Экскурсия в Гатчинский дворец 46 Прогулка по Клину - музей и фабрика ёлочных игрушек Третий Сборник экскурсий Второй сборник экскурсий Первый сборник экскурсий
1259 

21.09.2021 17:35

"Поднятое колено" 1922 г. Анри Матисс Фонд Барнса, Филадельфия. «Поднятое...
"Поднятое колено" 1922 г. Анри Матисс Фонд Барнса, Филадельфия. «Поднятое колено» – одна из множества одалисок, написанных Матиссом. Матисс уже приобрел известность, его выставки проходят по всему миру. Он остается верен своему манифесту: живопись должна быть понятна любому, независимо от его проникновения в теоретические глубины. Задача искусства – не смущать и тревожить, а подарить блаженство, внутреннее равновесие и наслаждение. Значительное влияние на творчество Матисса оказал Делакруа. Путешествия на Восток придали обоим художникам вдохновения, а ответом Матисса на «Алжирских женщин» знаменитого предшественника стали многочисленные одалиски, один из символов живописи Матисса. Все как на подбор – стройные, с женственными, мягкими изгибами, высокой грудью, округлыми бедрами, плавными линиями тела, самим своим существованием утверждающие, что рай на земле достижим. Эти цветы могли вырасти исключительно в атмосфере «роскоши, спокойствия и наслаждения». В изображении одалисок Матисс обрел глубину, отказавшись от резких контрастов фовистического периода, от склонности к примитивистическим методам. Уход от крайностей позволил ему найти свою собственную меру. «Искусство держится не на крайностях. Это штука «умеренная, - настаивал он. - Умеряемая чем? Да рассудком, черт побери! Но рассудком рассуждающим». Колористика одалисок – утонченная, изящная, не взрывающая зрительные рецепторы мгновенным буйством красок, но вовлекающая, завлекающая зрителя – и более не отпускающая. Сам Матисс говорил, что и женщина, и ваза, и цветок для него равноценны. Одалиски кажутся роскошными украшениями, прекрасными вещами, услаждающими взор (нет-нет, ни дидактичности, ни упреков в «бездуховности» у Матисса и в помине нет, речь о том, что предназначение одалиски, равно как и распускающихся цветов – услаждать взор, свидетельствовать о красоте, быть этой красотой). И независимо от того, изображены ли они обнаженными, полуобнаженными или одетыми, укутаны ли в тончайшую вуаль или тяжелые шелка – они свою задачу выполняют. Одалиски стали той соломинкой, которая переломила последнее сопротивление критиков. Художественный критик, кубист Андре Лот после выставки 1923 года в галерее Бернхейма в Париже сдался и признал: «Матисс — волшебник… При первом взгляде на эти легкие ткани, как бы хранящие мимолетное или рассеянное прикосновение руки, забываются возражения, которыми вы хотели от него отгородиться. Вы сдаетесь, вы побеждены». Эта обнаженная, в легчайшей газовой юбке "Сидящая одалиска" изображена на фоне ориентальныхх узоров – узнаваема отсылка к поразившим художника во время его путешествий на Восток мавританским орнаментам. Сама атмосфера картины – восточная, Западу с его постоянной гонкой за достижениями здесь нет места. Одалиски Матисса знают, что суть жизни – в наслаждении ею. При этом сексуальность одалисок истинно восточная, это ни в коем случае не агрессивное утверждение – цветку нет нужны доказывать, что он цветок. Одалиски Матисса, безусловно, перекликаются с одалисками Энгра. Ключевое отличие между раскрытием этой темы у двух мастеров изящно описал Клод Роже-Маркс. Об одалисках Энгра: «Разве не возникает при виде его одалисок чувство, что он пронзен желанием и сами его деформации полны неги?» Об одалисках Матисса: «Он властвует над этими живыми существами, задуманными почти как предметы, в них его привлекают не они сами, а живописные возможности и то удовольствие, которое они должны доставить зрителю». Одна из одалисок Матисса, «Одалиска в красных шароварах», поучаствовала в детективной истории. В 2002 году из Музея современного искусства в Каракасе картина была похищена. Пропажу обнаружили не сразу, поскольку злоумышленники заменили подлинник копией. К поискам было привлечено ФБР, и только через 10 лет удалось обнаружить, что оригинал находится на Майами. Еще два года потребовалось на то, чтобы вернуть картину. Летом 2014 года она наконец была выставлена в Венесуэле. Матисс оставил нам много одалисок - но мы не согласны разлучиться ни с одной из них. АнриМатисс _history
1223 

02.10.2021 20:12

Учимся различать работы представителей художественной династии Брейгелей. Часть...
Учимся различать работы представителей художественной династии Брейгелей. Часть...
Учимся различать работы представителей художественной династии Брейгелей. Часть 2. Ян Брейгель Младший в тени отца Жизнь Яна Брейгеля Старшего, его второй супруги и троих детей унесла эпидемия холеры в 1625 году. Однако болезнь пощадила его сына от первого брака – тоже Яна Брейгеля, прозванного затем, соответственно, Младшим. В то время он жил в Италии, куда отправился в свое время для продолжения ученичества. Вернувшись на родину, Ян ожидаемо возглавил мастерскую отца и продолжил работать в его художественном стиле – аллегорические пейзажи, цветочные композиции, вазы и венки... Несмотря на собственные успехи, Ян Брейгель Младший нередко выдавал свои работы за картины отца, что сегодня создает проблему с атрибуцией их произведений. Считается, что младший любитель цветов все же не превзошел живописных достижений своего родителя, и особенно трудно давалась ему светотень. Супруга Яна Брейгеля Младшего также была художницей и обучала, в частности, его младшего сводного брата – Амброзиуса Брейгеля. Смотрим "Корзину с цветами". Амброзиус Брейгель и его собственный путь Амброзиус большую часть своей карьеры работал с братом и следовал тому же небольшому спектру тем – сады, венки, цветочные натюрморты… Однако он никогда не стремился подражать отцу (что ничуть не помогает исследователям в атрибуции его работ – авторство многих из них остается неопределенным). Когда супруг его сестры Анны, Давид Тенирс Младший, основал в Антверпене Академию художеств, Амброзиус принял его предложение и начал преподавательскую деятельность. Как живописец, при жизни он снискал определенную популярность, однако сведений о его творчестве осталось сравнительно немного. Смотрим "Пейзаж с берегом реки". Итальянская любовь Абрахама Брейгеля Сын Яна Брейгеля Младшего – известный художник эпохи барокко, прославившийся не только своими цветочными композициями (да, еще один продолжатель дела «райского» Брейгеля), но и скандальной, по меркам консервативных фламандцев, личной жизнью. Известен стал он уже в пятнадцать, в двадцать пять уехал в Рим на стажировку, где с головой окунулся в богемную жизнь. Вошел в несколько художественных объединений, получил в драке с коллегой сотрясение мозга (таковы были традиции художественной жизни Италии), нашел богатых покровителей, завязал дружбу со «столпами» классицизма, Клодом Лорреном и Никола Пуссеном. Женился на итальянке – дочери местного скульптора, завел любовницу-итальянку... В общем, прочно пустил корни на итальянской земле. Правда, из Рима со временем он перебрался в Неаполь, где писал роскошные натюрморты до самой смерти. Иногда в его работах появляется загадочная женская фигура, грациозная и элегантно одетая, однако личность этой дамы установить не удалось. Смотрим "Женщина, берущая фрукты" Первая часть вот тут. _history https://t.me/pic_history2/213
1157 

28.10.2021 20:37

Еженедельный новостной дайджест ARTLIFE. Собираем самые интересные события из...
Еженедельный новостной дайджест ARTLIFE. Собираем самые интересные события из мира современного искусства. Этикет и искусство На YouTube-канале ARTLIFE TV вышло интервью с международным экспертом по этикету Татьяной Поляковой. Must watch этой недели. Реэкспозиция Пушкинского музея ГМИИ им. А.С.Пушкина объявил о масштабной реэкспозиции залов старых мастеров. Теперь в музейном пространстве больше света, как и задумывалось основателем и архитектором. Ставки на искусство Новый тест на оценку произведения искусства. На этот раз — Клод Моне. OnlyFans и Венские музеи Facebook постоянно усложняет публикацию контента, в том числе по соображениям защиты от порнографиии. Вот как Венские музеи вышли из положения, чтобы публиковать обнаженную натуру из своей коллекции. Фотография: прошлое, настоящее и будущее YouTube-канал ARTLIFE TV выпустил видео о фотографии. В формате круглого стола участники фотохудожественного проекта «ГРОМ» и арт-продюсер Крестина Ланцова обсудили фотографию.
1144 

22.10.2021 20:21


Аукционные рекорды для Ван Гога и Кайботта установлены в Нью-Йорке

Три...
Аукционные рекорды для Ван Гога и Кайботта установлены в Нью-Йорке Три...
Аукционные рекорды для Ван Гога и Кайботта установлены в Нью-Йорке Три произведения Винсента Ван Гога, написанные в последние годы его жизни, стали «звёздами» на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Их общая стоимость составила 150 миллионов долларов, причём пейзаж «Стога пшеницы» стал рекордсменом среди работ художника на бумаге. А «Молодой человек у окна» Гюстава Кайботта стал самой дорогой картиной в наследии этого французского мастера. Знаковую работу приобрел музей. В целом на торги были выставлены более двух десятков произведений, охватывающих всю историю импрессионизма. Работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Берты Моризо и других мастеров принесли в общей сложности 332 миллиона долларов. Картины были частью «Коллекции Кокса», названной в честь её владельца — техасского бизнесмена Эда Кокса, который умер в 2020 году. Музей Гетти в Лос-Анджелесе купил сцену «Молодой человек у окна» Кайботта за 53 миллиона долларов. Это более чем вдвое превышает предыдущий рекорд, установленный для произведений художника. До этого «чемпионский титул» принадлежал пейзажу «Тропинка вверх», проданному за 22 миллиона долларов в 2019 году. «Молодой человек у окна» — одна из восьми картин, которые Кайботт отобрал для своего дебюта на Второй выставке импрессионистов в 1876 году. Марсьяль, младший брат художника, писал, что на полотне изображён их средний брат Рене. Он смотрит из окна семейной квартиры на втором этаже дома на углу улиц Миромесниль и Лиссабон в Париже. Резкий контраст между ярким уличным пейзажем и мягким полумраком интерьера сводит главного героя к силуэту на фоне освещённой сцены перед ним. Обитый плюшем стул на переднем плане предполагает, что молодой человек наслаждался уличными сценами сидя. Но что-то заставило его прервать праздное наблюдение, вскочить и подойти ближе. Возможно, это элегантная молодая женщина, чья миниатюрная фигура заметна на втором плане. Объявляя о покупке «Молодого человека у окна», Музей Гетти назвал картину «шедевром модернистского городского реализма XIX века». Это будет первая работа Кайботта, вошедшая в коллекцию учреждения. Её выставят в 2022-м, и она станет центральным элементом галереи импрессионистов и одной из главных достопримечательностей Центра. Среди трёх работ Ван Гога, выставленных на аукцион, наибольший интерес у коллекционеров вызвал холст «Деревянные хижины среди оливковых деревьев и кипарисов». За него сражались сразу семь участников. Победитель выложил за эту работу 71,3 миллиона долларов, и теперь это одно из самых дорогих произведений Ван Гога. Акварель «Стога пшеницы», выставленная на торги позже, взяла «планку» в 35,9 миллиона долларов и стала самой дорогой работой Винсента на бумаге. Она подвинула с пьедестала портрет под названием «Мусме», проданный в марте 2021 года за 10,4 миллиона долларов. «Стога пшеницы», написанные в последний год жизни художника, до Второй мировой войны принадлежали коллекционерам-евреям и затем были конфискованы нацистами. Эд Кокс приобрёл акварель в 1979 году, и сотрудникам Christie’s пришлось изрядно попотеть, чтобы заключить мировое соглашение между наследниками бывших владельцев и нынешним собственником работы. И «Стога», и «Деревянные хижины» приобрёл один человек — Хьюго Натан, сооснователь консалтинговой фирмы Beaumont Nathan из Лондона. Превысила все ожидания и ещё одна нетипичная (и, прямо скажем, не самая привлекательная) работа Ван Гога — портрет румяного молодого человека с васильком, зажатым в губах. Предварительная оценка лота составляла всего 5−7 миллионов долларов, но после ожесточенной борьбы победитель, специалист из Нью-Йорка, выложил за неё в шесть раз больше — 46,7 миллиона долларов. Все 23 лота из «Коллекции Кокса» были проданы за общую сумму в 332 миллиона долларов (с премией), что намного превысило максимальные ожидания. Торги также показали, что интерес к импрессионистам по-прежнему высок, несмотря на заявления скептиков, что они вышли из моды. Значительная часть картин отправилась к коллекционерам из Америки, 35 процентов — в Европу и 13 процентов — в Азию. новостиИОК _history https://t.me/pic_history2/218
1074 

16.11.2021 20:37