Назад

«Купание красного коня» в разных стилях живописи. Ценитель Искусства

Описание:
«Купание красного коня» в разных стилях живописи. Ценитель Искусства

Похожие статьи

​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ...
​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ...
​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ 300К В МЕСЯЦ Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что вообще могу зарабатывать на этом. И сейчас встречаю большое количество художников с таким же мнением! Можно сказать, что жизнь сама привела меня к профессии художника. И, спустя годы, меня стали часто просить научить рисовать гиперреализм. Так и появилась Школа гиперреализма и росписи стен Арона Оноре. За годы творческой деятельности я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке: http://aron-onore-school.ru/ https://telegra.ph/file/838ef97d59679502e5560.jpg
2158 

20.02.2021 13:11

«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк

Некогда скандальная картина изображает Мадонну в...
«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк Некогда скандальная картина изображает Мадонну в...
«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк Некогда скандальная картина изображает Мадонну в необычном ракурсе. Из канонических деталей здесь лишь нимб непривычно красного цвета. Неприкрытая нагота, экстаз на лице и распущенные волосы - произвели некогда на публику весьма неоднозначное впечатление. Максимальное очеловечивание образа Девы Марии, попытка показать ее земное, человеческое величие - вот главная задача, которая стояла перед автором. Известно, что мастер несколько раз менял название этой работы. Среди версий были - «Зачатие», «Любящая женщина». Автор остановился на «Мадонне», чтобы подчеркнуть свое отношение к изображаемой женщине. Фигура героини пластична и округла, живот подчеркнут особенно, руки схематичны, они словно исчезают за полупрозрачным фоном. Всякий может заметить неоспоримое сходство «мадонны» с античными скульптурными образцами, послужившими источниками для работы.
2148 

18.02.2021 10:40

Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука

1. «Танец с саблями» из...
Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука 1. «Танец с саблями» из...
Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука 1. «Танец с саблями» из балета Хачатуряна «Гаяне» Этот балет написан во время войны по всем канонам соцреализма. За него Хачатурян получил Сталинскую премию I степени. Тут и трудовые подвиги армянских колхозников (красавица Гаяне - бригадир колхозного звена), и враги народа, и диверсант с парашютом, и финальная победа добра над злом с плясками и вручением переходящего красного знамени. 2. «Танец рыцарей» из балета Прокофьева «Ромео и Джульетта» Музыка этого Танца так впечатляет своей жёсткой силой, что любое хореографическое воплощение кажется бледным. Этот фрагмент звучит в начале балета и не оставляет сомнений в том, что развязка будет кровавой. 3. «Болеро» Равеля «Болеро» - это женский сольный танец размером в целый балет. Сейчас эта музыка известна больше в симфоническом варианте, но написал её Равель именно для балетного перформанса Иды Рубинштейн - иконы парижского творческого бомонда.
2139 

25.02.2021 15:10

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа...
"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history
2100 

03.03.2021 19:37

​ ЛЮБИТЕ РИСОВАТЬ? ПОВЫШАЙТЕ СВОИ НАВЫКИ И ЗАРАБАТЫВАЙТЕ НА ЭТОМ! 

Художник...
​ ЛЮБИТЕ РИСОВАТЬ? ПОВЫШАЙТЕ СВОИ НАВЫКИ И ЗАРАБАТЫВАЙТЕ НА ЭТОМ! Художник...
​ ЛЮБИТЕ РИСОВАТЬ? ПОВЫШАЙТЕ СВОИ НАВЫКИ И ЗАРАБАТЫВАЙТЕ НА ЭТОМ! Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что могу расписывать стены на высоком уровне и зарабатывать на этом. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 тр., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: -За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. -11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. -3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. -6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество. Воскресенье, 18:00 Регистрируйся: http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie https://telegra.ph/file/fe58bf5f7559fbd09fa11.jpg
2092 

13.03.2021 12:10


Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим...
Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим личным придворным художником. Должность хорошая, но к ней прилагалось одно небольшое условие - запрет на частные заказы. И действительно, зачем тебе писать еще кого-то, если тебе позволено писать целого Наполеона! Только вот заказы от Наполеона случались не так часто, как хотелось бы художнику и поэтому он втихушку иногда соглашался исполнить что-нибудь налево. Князь Николай Борисович Юсупов был ценителем и коллекционером живописи,а особо ему по душе приходился неоклассицизм, видным представителем которого и был Давид. Юсупов был личным консультантом по вопросам покупки произведений искусства Екатерины II и Павла I, был дружен с Ангеликой Кауфман, Помпео Батони, Антуаном-Жаном Гро и многими другими маститыми и популярными художниками своего времени. Он-то и смог убедить Давида написать для него картину, посулил огромные деньги и даже позволил художнику самостоятельно выбрать сюжет. А тот и выбрал. Это картина о том, как влюбленная древнегреческая поэтесса Сафо млеет от любви к прекрасному юному лодочнику Фаону. Однажды Фаон перевозил саму Афродиту на остров Лесбос и не взял с нее платы, за что Афродита наградила его сосудом с благовониями, имевшим чудесную силу - все женщины отныне влюблялись в прекрасного юношу. Не устояла и уже немолодая Сафо, но юноша отверг ее любовь и Сафо разбежавшись, прыгнула с Левкадийской скалы. Вероятно, эту знаменитую скалу мы и видим на картине вдалеке. Амур зажигает огонь любви, Фаон стоит ужасно самодовольный, а то, что вы видите на лице у Сафо - это вдохновение, переходящее в любовный экстаз. На коленях у нее свиток, на котором она на древнегреческом выводит первые строки одной из своих од, а над ними написано “посвящение Фаону”. Правда, в оригинале никакого посвящения Фаону нету, да и сам этот Фаон ни разу в ее лирике не встречается и считается, что эту ее последнюю трагическую любовь придумали более поздние авторы, которые на тему влюбленности Сафо в лодочника периодически сочиняли комедии, а стихи ее, как известно, и вовсе обращены к женщинам. Вот перевод полного текста оды от Гавриила Державина: Счастлив, подобится в блаженстве тот богам, Кто близ тебя сидит и по тебе вздыхает, С тобой беседует, тебе внимает сам И сладкою твоей улыбкой тайно тает. Я чувствую тот миг, когда тебя с ним зрю, Тончайший огнь и мраз, из жил текущий в жилы; В восторгах сладостных вся млею, вся горю. Ни слов не нахожу, ни голоса, ни силы. Густая темна мгла мой взор объемлет вкруг, Не слышу ничего, не вижу и не знаю; В оцепенении едва дышу — и вдруг, Лишенна чувств, дрожу, бледнею,— умираю. В общем, картину Давид успешно написал, передал Юсупову и она уехала в Санкт-Петербург. Там и живет поныне - можно пойти поглазеть на бленеющую-умирающую Сафо в Эрмитаже.
1941 

17.03.2021 23:23

Краб, лежащий на спине
1887 или 1889
Холст, масло
38 × 46,5 см
Музей ван Гога...
Краб, лежащий на спине 1887 или 1889 Холст, масло 38 × 46,5 см Музей ван Гога...
Краб, лежащий на спине 1887 или 1889 Холст, масло 38 × 46,5 см Музей ван Гога, Амстердам Идея Ван Гога нарисовать краба пришла из японских гравюр. Он и его брат Тео собирали такие красочные гравюры на дереве. Картина, возможно, вдохновлена иллюстрацией краба японского художника Кацусики Хокусая, который Ван Гог видел в журнале Le Japon Artistiqueв, который брат Тео прислал ему в сентябре 1888 года. Ван Гог нарисовал яркие оттенки красного краба на зелёном фоне. Он сделал это, чтобы экспериментировать с так называемыми «законами цвета» французского художника Эжена Делакруа (1798—1863). Согласно теории последнего, некоторые цвета, такие как красный и зелёный, образуют пару. Их называют «дополняющими»: они усиливают друг друга, когда используются рядом. Ван Гог был большим поклонником Делакруа. _vangog
2025 

21.03.2021 16:13

​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси

Аукционы...
​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы...
​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы в марте 2021 года принесли несколько неожиданных сюрпризов. Вновь заявил о себе криптовалютный рынок. На этот раз один из его игроков за внушительную сумму купил целиком самое большое в мире полотно, которое автор планировал продать частями. «Воин» Жана-Мишеля Баскии стал самым дорогим произведением западного искусства, проданным в Азии. А антипандемическое заявление Бэнкси установило рекорд для его работ. Осенью прошлого года британский художник Саша Жафри попал в книгу рекордов Гиннеса как создатель самой большой в мире картины под названием «Путешествие человечества». Теперь она продана на аукционе за не менее внушительную сумму в 62 миллиона долларов. Такой результат поставил Жафри на четвёртое место в списке самых дорогих из ныне живущих мастеров — после Джеффа Кунса, Дэвида Хокни и цифрового художника Бипла. Покупателем стал французский крипто-бизнесмен Андре Абдун. Выручка от продажи картины пойдёт на благотворительность. Произведение занимает площадь в 1580 квадратных метров, что приблизительно соответствует двум теннисным кортам. Жафри создавал его в течение восьми месяцев, когда застрял на карантине в пятизвёздочном отеле Atlantis The Palm в Дубае. Холсты он размещал на полу танцевального зала гостиницы. Картина навеяна детскими рисунками — художник просил детей со всего мира нарисовать их впечатления во время пандемии. 44-летний Жафри получил работы более чем из 140 стран. Первоначально он планировал разделить картину на 70 частей и продать на четырёх аукционах. Но теперь, благодаря Андре Абдуну, для неё будет построен музей и открыт благотворительный фонд. Картина «Воин», которую Жан-Мишель Баския написал в 1982 году, установила новый рекорд среди произведений западного искусства, проданных в Азии. Она ушла на аукционе Christie’s в Гонконге за 41,8 миллиона долларов США. Предыдущим рекордсменом была абстракция немецкого художника Герхарда Рихтера. В октябре прошлого года на Sotheby’s за неё выложили 27,7 миллиона долларов. Продажа картины Баскии стала аукционом одного лота перед лондонско-гонконгским марафоном произведений XX века, сюрреализма и современного искусства. Фокусом торгов стала работа Бэнкси «Тот, кто меняет игру» (2020), которую продавали в пользу сотрудников и пациентов университетской больницы Саутгемптона. Художник даже получил особое разрешение от Красного Креста на использование культового знака организации в своей работе — подобные просьбы удовлетворяются редко. Предварительная оценка картины кол...ась от 2,5 до 3,5 миллионов фунтов стерлингов, и когда ставки достигли 5-ти миллионов, торги несколько замедлились. Однако они вновь оживились, когда в битве остались двое участников. Они шли нос к носу с шагом в 200 тысяч фунтов стерлингов, и в конце концов победитель предложил 14,8 миллиона. С учётом премии окончательная цена составила 16,8 миллиона фунтов стерлингов или 23,2 миллиона долларов США. Это не только впечатляющий вклад в благое дело, но и новый аукционный рекорд для Бэнкси. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/25ffc61083c73277f5828.jpg
2025 

26.03.2021 21:36

"Святая Маргарита Антиохийская" 1630-е Франсиско де Сурбаран Лондонская...
"Святая Маргарита Антиохийская" 1630-е Франсиско де Сурбаран Лондонская Национальная галерея. «Святая Маргарита Антиохийская» – одна из нескольких картин загадочной серии Сурбарана, изображающей христианских мучениц. Загадочно в этих полотнах, прежде всего, их назначение. Номинально они изображают святых, по факту же – привлекательных жительниц Севильи в современных одеждах. И хотя Сурбаран всю жизнь работал для монастырей, его святые женского пола мало пригодны для украшения церковных стен. Для всех мучениц Сурбаран выбрал повторяющуюся из раза в раз композицию. Фигуры занимают всё пространство портретов, почти все они на 2/3 развернуты к зрителю и – что важно – все без исключения самым тщательным образом разодеты. Доротея, Аполлония и другие – просто в роскошные накидки и платья, дочка мавританского правителя Касильда – в царское облачение, ну а святая Маргарита – всего лишь в пастушеский костюм, однако чрезвычайно гармоничный и красивый. Но не странно ли это? Не абсурдно ли подобное сосредоточение на внешности в ущерб непосредственно христианским подвигам святых? Ведь их жития содержат массу подробностей – живописных, хотя и кровавых, на которые в искусстве барокко был большой спрос. Мавританка Касильда носила пищу христианским пленникам, а когда отец застукал её с хлебом в подоле, могла бы быть казнена, но хлеб превратился в розы. Аполлония Александрийская отказалась поклоняться языческим богам, за что ей сначала вырвали клещами зубы, а потом сожгли на костре. Святая Маргарита своим крестом распорола брюхо самому дьяволу, который предварительно её сожрал. Обо всех этих холодящих душу подробностях Сурбаран сообщает лишь вскользь – розами в подоле Касильды, щипцами в руках Аполлонии. Но сами девы никак не производят впечатления святых и тем более мучениц – во всяком случае, не таких, как их представляет церковный канон. Маргариту Сурбаран изобразил в изящном костюме в народном духе. Соломенная шляпа с загнутыми полями оттеняет точеное лицо с ярким румянцем; монументально сочетание белого, синего и красного в наряде; особенно выразительной выглядит вышитая холщовая сумка (такие вплоть до наших дней время от времени входят в моду как элементы испанского стиля). Между тем, в отличие от Касильды, жившей незадолго до Сурбарана, в XV столетии, Маргарита никак не могла быть его близкой современницей. Она была дочерью языческого жреца в Антиохии в далёком III веке, еще до того, как Антиохия вошла в состав Византии, а христианство стало государственной религией. Христианкой Маргарита стала тайно. Правитель Антиохии, покоренный её юностью и красотой, хотел жениться на Маргарите. Но она ответила отказом, объяснив, что не может стать суженой царя земного, поскольку уже является невестой Царя Небесного. За это Маргариту бросили в темницу, а дьявол, приняв облик огнедышащего дракона (его мы видим на заднем плане картины Сурбарана) прилетал, чтобы пугать мученицу, и однажды даже проглотил её. Тогда крест в руках Маргариты внезапно стал расти и увеличивался до тех пор, пока не вспорол дракону брюхо. Житие Маргариты наполнено сказочно-готическими элементами и драматическими поворотами. Но не они привлекают Сурбарана. Как и во всех картинах серии, его главный интерес представляет не что иное как тщательное, виртуозное исполнение одежды. Сейчас в исследовательской среде все чаще звучат идеи о том, что неправильно ограничивать творчество Сурбарана монастырскими стенами. Быть может, его неоправданно прекрасные мученицы просто служили рекламой семейному бизнесу по продаже дорогих тканей? Во всяком случае, такую версию в фильме об испанском барокко высказывает арт-критик Вальдемар Янушчак. А писатель Теофиль Готье признавал, что святые Сурбарана – «это самые романтические существа, которых только можно себе представить». ФрансискоДеСурбаран Портрет Барокко _history
1903 

29.04.2021 21:13


"Женщина, ловящая блоху" 1638 г. Жорж де Латур Лотарингский исторический музей...
"Женщина, ловящая блоху" 1638 г. Жорж де Латур Лотарингский исторический музей, Нанси. «Женщина, ловящая блоху», представленная в Историческом музее города Нанси (административного центра Лотарингии – родины Латура), была обнаружена и атрибутирована сравнительно недавно и сразу же породила дискуссии. Спор касался в первую очередь содержания: чем именно занята полуобнажённая малопривлекательная женщина на картине? И как следует понимать смысл этого неожиданного и шокирующего своей приземлённостью живописного сюжета? Некоторые брались утверждать, что героиня полотна, прижав подбородок к груди и соединив кисти в области солнечного сплетения, перебирает четки. Такая интерпретация вменяла картине религиозный смысл. Однако большинство сошлось на том, что женщина сосредоточена на занятии более прозаическом, хотя и обычном для быта времён Латура – она пытается раздавить пальцами пойманное насекомое. Удивительна здесь не блоха: французская живопись того времени подобных сюжетов избегала, но их вполне можно встретить в живописи фламандской, с которой Латур был знаком. Не был редкостью в XVII веке подобный сюжет и у испанцев – вспомнить хотя бы «Вшивого» или «Туалет» Бартоломе Эст...а Мурильо. Удивительнее другое: «Женщина, ловящая блоху» – единственная из известных картин Латура, где дана обнажённая натура. Правда, вполне допустима мысль, что прочие работы художника, изображающие неприкрытую человеческую плоть, до нас не дошли: сгорели в большом Люневильском пожаре или же попросту затерялись. Но всё равно остаётся вопрос, почему эта, по сути, бытовая сцена производит столь мрачное впечатление? Ведь не преувеличивая можно сказать: все использованные выразительные средства направлены именно на создание гнетущей атмосферы. И сама картина в качестве первой непосредственной реакции не вызывает ничего, кроме омерзения и желания немедленно отстраниться от происходящего. Мы видим здесь привычный для Латура тёмный колорит, его псевдо-караваджиевскую контрастную светотень. Видим любимые Латуром киноварно-красный акцент и неизменную для него горящую свечу. Но здесь и близко нет эффектности и эмоциональной открытости Караваджо. Наоборот: героиня закрыта, как «вещь в себе». Она погружена в своё малопритяное дело, а её лицо не выражает ничего. На нём написана какая-то почти аутичная эмоциональная отрешённость. Это изумляет и озадачивает: какова здесь интонация Латура, что хочет он нам сказать? Как и большинство героинь Латура, «Женщина, ловящая блоху» с её крупным туловищем, круглым животом и тяжелыми ступнями – некрасива. Её нагота не внушает мыслей о пороке, но и не пробуждает чувства прекрасного, подобно обнажённым античным изваяниям и живописи Возрождения. Возможно, это далёкое от привлекательности тело лишь притча о неизбывном человеческом одиночестве? Возможно, цель мрачного и мощного искусства Латура – раз и навсегда избавить зрителя от его прекраснодушных иллюзий? Во всяком случае, споры о смысле картины «Женщина, ловящая блоху» утихнут еще не скоро. ЖоржДеЛатур Барокко _history
1802 

14.05.2021 20:37

"Ханс Титце и Эрика Титце-Конрат" 1909 г. Оскар Кокошка Нью-Йоркский музей...
"Ханс Титце и Эрика Титце-Конрат" 1909 г. Оскар Кокошка Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Кокошка был ясновидцем. Так во всяком случае говорили многие его заказчики и друзья. И речь здесь не только о необъяснимом проникновении в душу человека – художник угадывал даже некоторые факты прошлого и будущего своей модели. Одного из своих героев он, к примеру, без причин и объяснений написал заключенным, не подозревая, что тот и правда сидел в тюрьме. Другой своей модели, убежденной городской жительнице, художник предсказал скорое переселение в деревню, изобразив на фоне соответствующего пейзажа. Поэтому не верить Кокошке нет никаких оснований: он знает все об этих двух людях – Хансе и Эрике Титце. Кажется, что герои этой картины погружены внутрь электрического поля, что сейчас их пальцы соприкоснутся и произойдет мощнейший разряд или короткое замыкание. А на самом деле это свадебный портрет одной семейной пары, который был написан для водружения над каминной полкой. Ханс и Эрика Титце были, конечно, не простыми любителями прекрасного, а продвинутыми искусствоведами, которые страстно поддерживали художников-авангардистов и даже создали Венское общество развития современного искусства. Поэтому свой парный портрет они заказали самому скандальному в Австрии молодому художнику – 23-летнему Оскару Кокошке. Нужно помнить, что примерно в это же время венские критики в ярости и священной брезгливости предупреждали: на выставку Кокошки можно идти только если вы уже пережили сифилис. А тут каминная полка в семейном гнездышке молодоженов! Это, пожалуй, самые симметричные и гармоничные лица во всем портретном творчестве художника. Строгие и правильные. В чертах и мимике – ни искажающих переживаний, ни страстей. Но настоящий ключ внутрь персонажей – это руки. Кокошку гипнотизируют руки, они – символ телесности и вещественной, реальной сути, которая важнее слов и масок-лиц. На всех его портретах (и автопортретах) руки говорят о герое больше, чем глаза, улыбка и поза. Чтоб никто не сомневался, где искать правду, Кокошка увеличивает руки героев, делая их несоразмерно большими, он заостряет суставы и переплетает пальцы, добавляет интенсивности цвету и линиям на руках. И если читать по рукам, то совершенно очевидно, кто из двух изображенных героев отрешен и погружен в свои мысли, а кто – волнуется и пытается прорваться в мир другого. О Хансе и Эрике Титце художник говорил: они замкнутые люди, и это создает напряжение вокруг них. Оскар Кокошка, который не считал кисти единственным инструментом художника, уверенно пускал в ход пальцы, ногти, иглы и вполне представлял себе в этой роли даже молоток, все же ни на одной из своих картин не оставил столько нервных царапин, сколько на этой. Здесь все трещит и искрится. Будет буря. ОскарКокошка Портрет Модерн _history
1569 

05.07.2021 20:50

"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де...
"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. «Святая Екатерина Александрийская» – это вневременное изображение красоты в лучших традициях портретной живописи. Микеланджело Меризи да Караваджо не показал героиню в мистическом трансе, а повернул её к зрителю, установив между ними прямой зрительный контакт. Для картины, которую почти наверняка заказал в Риме кардинал Франческо Мария дель Монте, первый покровитель живописца, позировала молодая куртизанка Филлида Меландрони, входившая в круг общения Караваджо. Святая одета в богатые одежды по моде того времени – белую блузу с широкими рукавами, ниспадающими свободными складками, и с золотой отделкой на декольте, а также в лиловое платье, украшенное широкой тесьмой из золотой нити спереди и на бретелях. Она стоит на коленях на подушке из красного дамаста, наклонённое тело опирается на сломанное колесо, символ её мученичества, с оси которого свисает роскошная, плотная и тяжёлая синяя ткань. Женщина осторожно сжимает меч, кончик которого окрашен красным – возможно, это намёк на пролитую кровь или просто отражение подушки – а у её ног лежит пальмовая ветвь. Драматическое освещение сцены создаёт эффект кьяроскуро, характерный для Караваджо. Его подход к свету и объёму, ярко выраженный на этом полотне, оказал значительное влияние на художников как в Италии, так и по всей Европе. Ныне «Святая Екатерина Александрийская» – одна из самых знаковых работ в коллекции Национального музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Полный провенанс позволяет проследить её историю практически с момента написания и до наших дней. Холст значится в описи имущества, составленной после смерти кардинала Франческо Марии дель Монте, а затем в посмертной инвентаризации собственности его наследника Угуччоне дель Монте в 1626 году. Двумя годами позже картина была продана, и её новым владельцем, судя по всему, стал кардинал Антонио Барберини. В документах его семьи «Святая Екатерина» фигурирует в 1644-м, 1671-м и 1817 годах. Позже она была выставлена на рынок, и в 1934 году куплена для коллекции Тиссена-Борнемисы в галерее в Люцерне. Картина была предметом многочисленных комментариев и дискуссий по поводу своей атрибуции, даты создания и того, как художник подошёл к раскрытию темы. В 1916 году Роберто Лонги, один из крупных специалистов по Караваджо, предположил, что автором полотна может быть Орацио Джентилески. Однако шесть лет спустя искусствовед Маттео Марангони заявил, что высокое качество работы свидетельствует о том, что это – рука Караваджо. На сегодняшний день это мнение принимается всеми экспертами по художнику без каких-либо оговорок. Холст был написан незадолго до крупного цикла, который Караваджо создал для капеллы Контарелли в Риме. Тогда он переходил к использованию более компактных форм на основе техники кьяроскуро (игры света и тени), которой подчёркивал выразительность своих композиций. Специалисты отмечают, что в этой работе источник света находится справа, что необычно для творчества Караваджо. Такой нюанс наводит на мысль, что картина разрабатывалась для определённого интерьера. В 2018 году Музей Тиссена-Борнемисы завершил реставрационные и технические исследования картины. Анализ красок показал, что в первом варианте платье героини было красным, но позже художник выбрал для него другой оттенок. Причина изменений неизвестна, можно лишь предположить, что кардинал Франческо Мария дель Монте пожелал, чтобы святая выглядела более сдержанно и пристойно. Караваджо РелигиознаяСцена Барокко _history
1603 

06.07.2021 20:37

"Автопортрет со скелетом" 1896 г. Ловис Коринт Городская галерея в доме...
"Автопортрет со скелетом" 1896 г. Ловис Коринт Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен. Художник Коринт взял за правило отмечать каждый день рождения написанием автопортрета. Поэтому сохранилось их немало: одних лишь холстов штук тридцать, не считая акварелей и рисунков углем. Причем большинство из них заслуживают внимания. Обладая отменным чувством юмора, достаточной самоиронией и не испытывая к своей внешности особого пиетета, художник всякий раз предстает в новом образе – часто комичном, а иногда и беспощадном к самому себе. Многоликий Коринт Мы видим его и облаченным в рыцарские доспехи, и со стаканом красного шампанского в одной руке и правой грудью своей жены – в другой. Тридцатилетним франтом с щегольски подкрученными усами и дряхлеющим, обезображенным болезнью стариком. А один из наиболее сдержанных автопортретов Коринта был выпущен в ФРГ в виде почтовой марки по случаю 50-й годовщины смерти художника. «Автопортрет со скелетом» – один из самых известных, можно сказать, каноничных образов художника. Коринт запечатлел себя в мюнхенской студии в компании с анатомическим экспонатом для студентов-медиков. То, как он будто бы нарочно не скрывает, а выпячивает свои недостатки: невыгодное положение лица, подчеркивающее двойной подбородок, глубокие залысины и потешно поджатый подбородок – не отталкивает, но, напротив, с первого взгляда заставляет проникнуться симпатией к нескладному на вид художнику. В правом верхнем углу в обрамлении дурашливых вензелей виднеется подпись автора и его возраст на тот момент: 38 лет. В том, как обозначена дата создания полотна – буквой «a.» – сокращением от латинского слова anno («в году»), некоторые исследователи склонны усматривать отсылку к автопортрету Дюрера 1500 года, подписанным на похожий манер. Танцы со смертью «Автопортрет со скелетом» написан Коринтом в качестве ответа, или даже насмешки над известной картиной глубоко почитаемого в то время во всей Германии швейцарского художника Арнольда Беклина. Его «Автопортрет со смертью, играющей на скрипке» в своей предельной серьезности – полная противоположность подчеркнуто обыденной сцены с холста Коринта. Если Беклин сдувает пыль с популярного средневекового сюжета «Пляска смерти», чтобы в очередной раз напомнить, что костлявая стоит у каждого буквально над душой (но и нередко играет роль музы для деятелей искусства), то скелет Коринта – лишь учебная модель без какого-то ни было зловещего или потустороннего контекста. Он безвольно подвешен за железный крюк, словно разделанная бычья туша в мясной лавке. «Да, человек смертен, – будто бы соглашается художник. – Но все мы сгнием в земле, оставив после себя только обнаженные кости и череп». Для Коринта смерть на данном этапе жизни – всего-навсего ее естественный и неизбежный итог, лишенный всякого мистического, сверхъестественного или драматического символизма. Эту констатацию оттеняет и усиливает атмосфера очередного будничного баварского денька. Сквозь раскрытое панорамное окно студии врывается свежий воздух. Снаружи зеленеют деревца, возвышаются купола старинных мюнхенских соборов и дымятся заводские трубы. Как будто подчеркнуто ординарен наряд Коринта – ничем не примечательная клетчатая рубашка и такой же скучный галстук. В шутку и всерьез По-настоящему глубокомысленный здесь один только взгляд художника. И в этом весь Коринт: за любой его насмешкой всегда скрывается нечто большее. Слишком уж много яростной энергии бурлило в его мятущейся душе, чтобы он мог оставаться простым комиком-пересмешником. «Ловис Коринт – это художник-экспрессионист во всех смыслах этого термина. Это художник, нарушающий всякую меру, вводящий в живопись насилие и жестокость, секс, болезненность. ЛовисКоринт Портрет Импрессионизм _history
1578 

11.07.2021 21:05

"Помада" 1908 г. Франтишек Купка Национальный центр искусства и культуры Жоржа...
"Помада" 1908 г. Франтишек Купка Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. «Помада» изображает проститутку, красящую губу. Франтишек Купка в этот период любил писать «полусвет» Парижа. Большим любителем изображать этот срез парижского общества был также Анри де Тулуз-Лотрек. «Помада» написана в фовистическом стиле с уклоном в экспрессионизм. Изображенная в профиль женщина вытянулась в направлении зеркала и тщательно подводит губы. Яркий цвет помады и интенсивный макияж явно свидетельствуют о том, что они не являются всего лишь украшением, а представляют собой печать профессиональной принадлежности. В левой руке женщина сжимает еще несколько тюбиков для наведения подобающей ситуации красоты. Цветовая палитра картины интенсивная, синий фон – густой и плотный, женская фигура на нем выделяется очень ярко. Практически прямая диагональ, созданная спиной и изящной, вытянутой шеей, и округлая, мягкая нижняя линия, подчеркивающая изгибы и формы, выводят взгляд зрителя к смысловому и цветовому эпицентру картины – месту соприкосновения алого рта и алой помады. Через несколько лет Купка присоединиться к течению Робера Делоне, орфизму. О сочетании красного и синего Делоне говорил, что по воздействию оно подобно удару кулака. Купка об этом явно знал и раньше, не зря ведущие акценты «Помады» – красный и синий (это же сочетание он повторяет еще в одной своей работе с "макияжем"). Картина лишена как морализаторства, так и любования пороками. Купка показывает очень реальный, земной мир, никоим образом не кажущийся порождением воображения. Он такой, как есть – деградирующий, материалистический и при этом обладающий своеобразным притяжением. Конечно, до Тулуз-Лотрека, особо отличившегося в деле познания этой стороны жизни, Купка не дотягивал, но моделей своих для этого цикла писал по личным, так сказать, впечатлениям. ФрантишекКупка Портрет _history
1492 

20.07.2021 20:37

"Танец" 1910 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Русский...
"Танец" 1910 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Русский коллекционер Сергей Щукин в 1908 году заказал Анри Матиссу три больших панно, которые должны были изображать танец, музыкантов и купание. «Купание» не было написано, а «Музыка» и особенно «Танец» – это уже в полный голос заявивший о себе гений Матисса. Щукин планировал украсить этими панно холл своего московского особняка. Это был первый крупный заказ в жизни Матисса, позволивший ему окончательно проститься с нехваткой средств. Источником вдохновения для Анри Матисса послужили представления Айседоры Дункан, порвавшей с официальной балетной школой и наполнившей танец страстью, эмоциями, неистовством. Посещение Матиссом кабаре «Мулен де ла Галетт», в котором исполнялась фурандола (провансальский народный танец), тоже внесло свою лепту в создание панно. Матисс окончательно уходит как от детализации, так и от расплывчатости импрессионистов. Вот как он описывает работу над картинами для Щукина: «Мы стремимся к ясности, упрощая идеи и пластические средства. Цельность — наш единственный идеал… Речь идет о том, чтобы учиться и, быть может, учиться наново писать линиями». Технические средства действительно сведены до минимума, Матисс в этих работах предельно лаконичен: лазурное небо, изумрудная зелень холма, пылающие огненные тела. Люди максимально обобщены, перефразируя известное выражение Матисса про женщину и картину "Я рисую не женщин - я рисую картины"), здесь он пишет не танцоров - он пишет танец. Обнаженные тела несут ощущение некой первобытности, первозданности, вызывают аналогии с настенными росписями. Танец кажется грандиозным узором бытия, он вышел за пределы картины, это архетип, стихия танца, это сам миф о танце. Перед нами кружение пяти фигур, соединивших руки в неистовом хороводе. Они образуют замкнутый круг, настолько заряженный энергией, что кажется, от холста должно искрить. Картины были выставлены на Салоне 1911 года и вызвали бурную реакцию. Яростная, страстная обнаженность слившихся в танцевальном экстазе тел возмутила поклонников академических жеманных красавиц, возлежащих на диванах и окруженных пухлощекими амурами. Обнаженная натура не в диковинку, но здесь – больше, чем тела: чистый экстаз, страсть и секс выплескивались на зрителей из этого трехцветного полотна с танцующими фигурами. Щукину даже пришлось попросить Матисса заретушировать «срамоту». Но разве это могло сдержать эмоциональный и чувственный накал картины, который, право, живет не в линиях, уточняющих половые признаки. На первом этаже московского особняка Сергея Щукина должен был располагаться «Танец» Матисса – будоражащий, возбуждающий, влекущий. На втором этаже настроение гостей предполагалось уравновешивать «Музыкой», передающей совсем другое состояние – спокойствие, медитативность, погруженность в себя. Всё те же три краски, те же пять фигур изображены уже не на холме, а на равнине, они не сливаются воедино, а предстают отдельными персонажами, погруженными в себя и музыку. На третьем этаже планировалось разместить панно, изображающее отдых, купание, расслабление. У «Танца» Матисса есть еще одна версия. Она находится в Нью-йоркском Музее современного искусства (МоМА). Раймон Эсколье полагал, что это второй вариант «Танца», в котором Матисс превзошел чувственность и вакханские мотивы первой версии. Но большинство исследователей сходятся на том, что это лишь набросок к настоящему панно, которое после революции было национализировано и передано в Эрмитаж, где находится и поныне. Позже для Фонда Барнса по заказу его создателя Матисс создаст еще одно панно на тему танца, размером уже 13 метров, в котором применит технику декупажа. АнриМатисс Экспрессионизм _history
1512 

31.07.2021 20:53


Москва, Третьяковская..." />
"Композиция VII" Василий Кандинский, 1913 > Москва, Третьяковская...
"Композиция VII" Василий Кандинский, 1913 > Москва, Третьяковская галерея "Композиция VII" является одним из центральных произведений первой половины 1910-х годов. Существует более трех десятков эскизов этюдов и эскизов к "Композиции VII". Тщательная проработка пластического решения картины в эскизах и этюдах способствовала тому, что процесс написания большого полотна занял буквально несколько дней - с 25 по 28 ноября 1913 года. Большой размер произведения предполагает своеобразное "погружение" внутрь полотна, некий эффект присутствия и сопричастности происходящему в картине. Художник приглашает не просто созерцать картину, но приобщиться к творческому процессу создания произведения. Направление движения фиксируется цветовыми акцентами синего ("элемент покоя") и красного ("ощущение силы") цветов, а объединяющим и гармонизирующим началом является белый цвет, разработанный с множеством оттенков, на котором развивается все построение картины.
1442 

06.08.2021 13:00

"Девка" 1903 г. Филипп Андреевич Малявин Государственная Третьяковская галерея...
"Девка" 1903 г. Филипп Андреевич Малявин Государственная Третьяковская галерея, Москва. Сложно определить точно, то ли Малявин увековечил и популяризовал во всем мире колоритный, манящий образ русской крестьянки, то ли малявинские бабы, ставшие уже именем нарицательным, обессмертили имя художника. В любом случае, подавляющее большинство наиболее впечатляющих и известных картин Малявина импрессионистским образом фиксируют самую суть, чистую эссенцию сильных, а где-то и могучих, но прекрасных в своей ошеломляющей мощи женщин из народа. В этом отношении Малявина традиционно считают последователем Цорна, который также много полотен посвящал любованию простой, дородной, первозданной красоте крестьянских девушек. И если шведский коллега Малявина предпочитал писать их ню, выдвигая на первый план эротизм деревенских нимф, то малявинские бабы – монументы во плоти, подлинные иллюстрации к классическому некрасовскому определению про горящую избу и коня на скаку. Хотя и у него проскакивают пара-тройка обнаженных селянок. Но у Малявина их нагота – скорее естественная, необходимая составляющая сюжетов, бесконечно далекая от подчеркнутой чувственности цорновских наяд. 50 оттенков красного Размеры холстов для крестьянских портретов Малявин подбирал соответствующие: в среднем метр на полтора, а то и все два, как в данном случае. В течение какого-то времени он ищет композиционное решение, которое позволит в полной мере воплотить его благоговение и трепет перед сокрушительным темпераментом женщин из русских селений, и его фирменным ракурсом становится «взгляд снизу». Благодаря этой точке зрения крестьянки будто бы вырастают из нижней части холста, нависая над зрителем доминирующими, захватывающими дух величественными статуями. Проработке нарядов своих моделей Малявин уделяет даже большее внимание, чем их лицам. В 1895 году он в первый раз изображает крестьянскую девушку в красном одеянии, и с тех пор он пускает в ход все мыслимые оттенки этого цвета, ставшего его любимым, именным красочным выбором. Что довольно логично: в старославянском языке «красный» означало «красивый», и все самые лучшие, праздничные наряды крестьянок обязательно содержали какой-либо из его тонов. Разумеется, позировать художнику они предпочитали в одеждах «на выход». Видимо, палитра красного, помимо всего прочего, предоставляла Малявину всю необходимую ему силу экспрессии. Поэтому он часто использует его и для прорисовки заднего плана портретов, буквально заливая алым заревом все полотно. На этом фоне особенно четко контрастируют дробные, мозаичные мазки сарафанных узоров, где-то даже занося Малявина на территорию художника Климта. Отменно поддается его кисти и шелковистый отлив одеяний в скупом отблеске свечи, озаряя холст мягким, деликатным сиянием. Скор на расправу Была в стиле работы Малявина еще одна черта, усиливающая его родство с заграничным коллегой-импрессионистом Цорном – небывалая скорость создания портретов с натуры. Подобно шведу, он умел выдавать готовое полотно практически за один сеанс, чем приводил в трепет свидетелей этого иллюзиона. «Когда я приехал, то застал его в мастерской вместе с четырьмя или пятью бабами, разодетыми в цветные сарафаны. Бабы ходили по мастерской, а Малявин быстро зарисовывал их движения в огромный альбом, – вспоминает художник Грабарь. – На мольберте у него стояла законченная большая картина, изображавшая баб, а у стен стояло еще несколько холстов, также с фигурами баб. Владея хорошо рисунком и чувствуя форму, Малявин позволял себе роскошь таких фокусов и трюков, на которые немногие способны. Так, картина, которая стояла у него на мольберте – три толстолицых бабы, – была начата им без рисунка и без какой-нибудь наметки композиции, прямо красками по чистому холсту, притом с глаза одной из этих баб».
1351 

02.09.2021 19:37

Большой город
1917
Георг Гросс

Превращение городов в гигантские метрополии...
Большой город 1917 Георг Гросс Превращение городов в гигантские метрополии...
Большой город 1917 Георг Гросс Превращение городов в гигантские метрополии было одной из самых любимых тем художников XX в., к которым принадлежал и Георг Гросс. В стремлении запечатлеть эти быстрые перемены Гросс изображает Берлин в самый разгар Первой мировой войны в экспрессионистском стиле с преобладанием красного цвета. В построении сцены использованы приёмы кубизма и футуризма — утрированная перспектива и наложение фигур, — передающие лихорадочный ритм городской жизни. Но в противоположность триумфальному мироощущению других художников, личный фронтовой опыт автора придаёт его произведению апокалиптический характер, выявляя безумие человека и стремление к самоуничтожению. С приходом нацистов к власти полотно «Метрополис» экспонировалось на выставке «Дегенеративное искусство». Вскоре после этого оно было среди произведений, проданных нацистским режимом в галерею Фишера в Люцерне в рамках сбора средств для программы перевооружения. Сейчас картина находится в Музее Тиссен-Борнемиса в Мадриде
1122 

26.10.2021 15:56

"Авиньонские девицы" 1907 г. Пабло Пикассо Нью-Йоркский музей современного...
"Авиньонские девицы" 1907 г. Пабло Пикассо Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Едва ли найдется много художников, которые кардинально меняли стиль в один момент. Чаще всего существует некий переходный период, во время которого работы совмещают в себе разные техники и стили. «Авиньонские девицы» Пикассо относятся, пожалуй, именно к таким картинам. С одной стороны это уже практически кубизм в чистом виде, но в то же время лица героинь полотна имеют неоспоримое сходство с масками, что было свойственно «африканскому периоду» в творчестве художника. Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены. По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе. ПаблоПикассо Кубизм | Слушать аудиоразбор _history
1164 

16.10.2021 20:37


"Бордель" Октябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Фонд Барнса, Филадельфия. Наверное...
"Бордель" Октябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Фонд Барнса, Филадельфия. Наверное, не будет преувеличением, если сказать, что Винсент Ван Гог был завсегдатаем борделей. В некоторые периоды жизни художника женщины легкого поведения были едва ли не единственными, к кому он мог обратиться в поисках поддержки и понимания. И получить их, пусть даже и за деньги. Частые визиты к проституткам, конечно, печальным образом сказались на состоянии здоровья Винсента, однако эти женщины зачастую помогали ему в работе, становясь его натурщицами. Картина «Бордель» была написана осенью 1888 года, когда Ван Гог жил в Арле. И, вероятнее всего, работница именно этого заведения сыграла немаловажную роль в судьбе художника. Как известно, в истории с отрезанным ухом Ван Гога фигурировала некая проститутка Рошель, которой художник то ли отправил, то ли даже лично принес свой кровавый «презент». Существует мнение, что эта женщина была главной причиной размолвки двух художников, поскольку Винсент испытывал к Рошель нежную привязанность, а любвеобильный Гоген этим пренебрег. Возможно, с помощью такого экстравагантного подарка Ван Гог хотел продемонстрировать женщине всю глубину своих чувств. Можно предположить, что на картине «Бордель» изображено то самое место, где работала Рошель, ведь Арль все же был маленьким городом, и подобных заведений в нем вряд ли было много. С помощью довольно скупых выразительных средств Ван Гогу удалось передать интимную и немного зловещую атмосферу, царящую в борделе. В одном из писем Тео, рассказывая о другом своем полотне – «Ночное кафе» - художник пишет, что хотел «выразить пагубную страсть, которая движет людьми, с помощью красного и зеленого цвета». Но если в «Ночном кафе» преобладал красный цвет, то здесь первую скрипку играет зеленый. Словно постепенно наступающие сумерки, этот цвет поглощает картины на стенах, столики и одежду героев, превращает лица в лишенные индивидуальности маски. Остаются только яркие детали, не поддающиеся этой обезличивающей «болотистой» атмосфере – вроде золотисто-теплой лампы на стене или ярко-красного мазка губ женщины на переднем плане. ВанГог Постимпрессионизм _history
1076 

18.11.2021 20:13

"Ночное кафе" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Художественная галерея Йельского...
"Ночное кафе" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен. Картина Винсента Ван Гога «Ночное кафе» отсылает нас к другой его работе с похожим названием – «Ночное кафе в Арле». И, несмотря на то, что два этих полотна были написаны в один и тот же период (более того – в один месяц), они абсолютно, почти диаметрально разные по настроению. Одна из самых знаменитых работ Винсента с летней террасой под звездами пронизана ощущением безмятежности и спокойствия: теплый желтый и оранжевый свет в окнах, чистое высокое небо, прогуливающиеся по улице и сидящие за столиками люди… А в этом «Ночном кафе» картина совсем иная. Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на интерьер кафе направлен сверху вниз, а перспектива намеренно искажена. Висящие на стене часы показывают начало первого ночи: в это время в подобном заведении едва ли можно было встретить приличную публику. В отличие от людей за столиками летней террасы, некоторые из здешних посетителей, похоже, уснули на месте, выпив лишнего. Да и вся эта сцена выглядит так, будто бы мы смотрим на нее глазами весьма нетрезвого человека. Стены окружают со всех сторон, давят и не дают дышать, и в то же время как будто «разъезжаются». Но самое главное, что отличает эти две картины – цветовая гамма, которая задает настроение. Несмотря на типичное для арльских работ Ван Гога обилие желтого и ореолы света вокруг ламп, «Ночное кафе» лишено ощущения уюта и спокойствия. В письме брату Винсент писал об этой картине так: «Я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цветов». На самом деле красный цвет довольно редко становился доминирующим в работах художника. И похожий грязноватый кровавый оттенок в следующий раз станет фоном для его «Автопортрета с перевязанным ухом и трубкой». Существует и второй вариант «Ночного кафе», в котором изображение еще более плоское, а цвета – еще более ядовитые. В «Ночном кафе» Винсент изобразил реально существовавший интерьер маленького привокзального заведения, принадлежавшего супругам Жино. Художник снимал у них комнату, когда только поселился в Арле, и позже написал портреты обоих. Мадам Жино и ее сурового супруга уговорил позировать присоединившийся к Ван Гогу Поль Гоген. И хотя художники работали над портретами мадам Жино одновременно, готовые полотна оказались очень разными. У Ван Гога хозяйка кафе стала воплощением некоего светлого образа задумчивой прекрасной дамы. Гоген же не упустил случая немного поиздеваться над другом и соперником: зная, что Винсенту сложно писать «из головы», он по памяти воспроизвел интерьер кафе, использовал те же красные и зеленые оттенки и поместил на передний план мадам Жино, придав ее образу оттенок порочности. ВанГог Постимпрессионизм _history https://t.me/pic_history/5882
1058 

23.11.2021 20:37

"Красные гладиолусы" 1919 г. Хаим Соломонович Сутин Музей Оранжери, Париж. В...
"Красные гладиолусы" 1919 г. Хаим Соломонович Сутин Музей Оранжери, Париж. В 1916-1919 годы Хаим Сутин создает целую серию цветочных натюрмортов, особое место среди которых занимают красные гладиолусы. Не стоит обманываться жанром «цветочный натюрморт» – нежности и романтизма в этих картинах мы не найдем. Никаких утопий и пасторали! Иллюзии, розы-грёзы – это не для него. Кажется, Сутин до боли в глазах всматривается в окружающую действительность, и краски его кричат, не умолкая, о том ужасе, в который приводит художника столкновение с ней – даже когда речь о букете цветов или двух детях, которые, взявшись за руки, идут по дороге. От этих кричащих красок невозможно отвести глаз. Цветочные натюрморты Сутина – отнюдь не то, на чем отдохнет уставший глаз, они – настоящее поле битвы. В этом смысле гладиолус выбран не случайно, этимология слова восходит к латинскому gladius - меч. В серии «гладиолусов» впервые на ведущие роли выходит красный – король цветовой палитры Сутина. Мы встречаем у него множество оттенков красного – пурпурный, алый, багряный, кровавый, огненный. Его красный – всегда насыщенный, слепящий. В отличие от фовистов, которые тоже уделяли пристальное внимание цвету, у Сутина цвет не бывает декоративным, он всегда – ключ к чувствам, а чувства эти - никогда не спокойствие. «Экспрессия содержится в мазке», – говорил Сутин. «Красные гладиолусы» из парижского музея Оранжери особенно примечательны в этом смысле. Мазок – плотный, густой, очень ощутимый, явственный. Самого Сутина причисляют к экспрессионистам, хотя он не «вошел в круг» экспрессионистов. Он вообще ни в какие общества и круги не входил, зато близко дружил с Модильяни, изрядно озадачивая публику, которая не могла понять, что общего у изысканного, лощеного знаменитого экспрессиониста и этого странного, оборванного, нервного маленького еврея. Разве что огромный талант? Но в Сутине его увидят позже. Сутин работал в трех жанрах: натюрморт, пейзаж, портрет. Ни в одном из них не отличался натурализмом. Его не интересует, какая форма листьев и цветов у гладиолусов, единственное, что имеет значение – страсть красного, жар и ощущение битвы, которое возникает при взгляде на эти кровавые цветы. Кстати, он неоднократно говорил, что если бы не был художником, то стал бы боксером. Бой на свои холсты он точно перенес. Кто-то из современников прокомментировал «цветы» Сутина: они словно «когти, грубо раздирающие воздух». ХаимСутин Экспрессионизм _history
980 

10.12.2021 20:37

"Сотворение Адама" 1511 г. Микеланджело Буонарроти Сикстинская капелла...
"Сотворение Адама" 1511 г. Микеланджело Буонарроти Сикстинская капелла, Ватикан. Одно из самых известных и знаковых образов в истории искусства. Как часть потолочных фресок, заказанных Папой Юлием II (1444–1513) для Сикстинской капеллы в 1508 году, он отмечался, анализировался, пародировался и обсуждался, и больше, чем что-либо другое, сформировал образ публики. вообразил Бога, Адама, ангелов и библейское творение человечества. Эстетически он уравновешен и динамичен, а мускулистое, молодое тело Адама основано на более раннем греческом и римском классическом искусстве, а также на обширных знаниях Микеланджело о пропорциях и анатомии. Хотя на первый взгляд это кажется простым изображением Бога, дающего Адаму искру жизни, как описано в Книге Бытия, как и многие другие произведения искусства эпохи Возрождения, в нем содержатся секретные послания, которые историки искусства и широкая публика все еще пытаются разгадать столетия спустя. Фокус Творения Адама - почти соприкасающиеся пальцы первого человека и его создателя. Микеланджело мастерски нарисовал их как можно ближе к контакту, оставив нас гадать, является ли это моментом непосредственно перед тем, как Бог касается Адама, давая ему жизнь и представляя союз земного и божественного, или сразу после него, представляя их разделение. Адам показан в расслабленной позе, по-видимому, готовым принять дар Бога, а Бог - мощная, решительная, внушительная фигура, окруженная и поддерживаемая стайкой ангелов (и двумя часто обсуждаемыми фигурами) на фоне красного плаща. Среди херувимов, ставших свидетелями этого ключевого момента в христианской мифологии, есть женская фигура, которая кажется значимой для Создателя. Она ярче других, и Его рука обнимает ее. Это Ева, ожидающая рождения из ребра Адама? Дева Мария? Если так, то есть ли херувим слева от нее, с перстом Божьим на плече, Иисусом? Неужели он отвернулся, потому что однажды ему придется пострадать за грехи нового фаворита своего отца? И это угрюмый архангел Михаил, летящий внизу, словно поддерживая весь состав. Среди этого небесного окружения есть тот Люцифер, будущий падший ангел, лицо которого наполовину в тени, схватившее женщину за руку (может быть, это Ева? Или это и Ева, грешница, и Мария, святая, образ универсальной женщины?) и шепчет ей на ухо? А кто такой несчастный задумчивый ангел внизу слева? Как и любой уважающий себя художник эпохи Возрождения, Микеланджело оставил ученым и ценителям искусства множество ключей, секретов и загадок, над которыми они могли размышлять в течение сотен лет. Одно конкретное послание, которое Микеланджело добавил в свой шедевр, будет замечено только в 20 веке. В выпуске журнала Американской медицинской ассоциации от 10 октября 1990 года Фрэнк Линн Мешбергер, доктор медицины, гинеколог из Медицинского центра Св. Иоанна в Андерсоне, штат Индиана, отметил, что саван, окружающий Бога и ангелов, невероятно похож на человеческий мозг. В самом деле, как только вы это видите, это не может быть невидимым. Как было принято для художников того времени, Микеланджело препарировал трупы, чтобы больше узнать об анатомии человека и, конечно же, знать, как выглядит мозг внутри и снаружи. Что пытался передать мастер, поместив Создателя Вселенной в гигантский человеческий мозг? Возможно, настоящим даром, который, как он изображал, принимает Адам, был интеллект. Или, может быть, он пытался передать более бунтарское послание. Мог ли искренний католический художник тайно изобразить Бога как воображение в разуме Адама на потолке одного из самых святых мест католической церкви? Если так, это был бы величайший пример троллинга в истории человечества.
814 

14.01.2022 21:37

Как я оказалась в искусстве? Это точно не реклама профессии искусствоведа...
Как я оказалась в искусстве? Это точно не реклама профессии искусствоведа) На самом деле, образование в МГУ очень академическое, то есть нацеленное на поиск, обработку и анализ огромного количества информации. Когда поступила туда, была уверена, что буду работать по профессии. Агаааа На втором курсе, училась я при этом на дневном, пошла работать в журналистику, потому что подумала, что НИКОГДА НЕ БУДУ РАБОТАТЬ В ИСКУССТВЕ. Смешно)) Потом ушла из журналистики экскурсоводом в музей. Тут надо понимать, что работу я выбирала исходя из возможности совмещать ее с учебой в МГУ. В музее я опять подумала, что историки и искусствоведы - БОЛЬШЕ НИКОГДА. Тем более, что преподаватель, к которому я пошла писать диплом, умер. Значит, оказываюсь я в экономической безопасности. Меня хватило почти на год, но захотелось опять прекрасного. И тут я абсолютно случайно, реально случайно, попадаю в Третьяковку. Тогда это был мой первый год магистратуры, то есть уже 5 год в искусстве, если считать подготовку к вступительным экзаменам, то 6. Путь очень замысловатый, правда? За время учебы в университете успела сменить 4 работы. Думаете, я не училась? А вот и нет)) у меня два красных диплома и даже начинала писать кандидатскую, но от этой идеи отказалась. PROмояистория
548 

26.03.2022 13:21

​​️В Вене открылся крупный частный музей Heidi Horten Collection 
 
Музей...
​​️В Вене открылся крупный частный музей Heidi Horten Collection   Музей...
​​️В Вене открылся крупный частный музей Heidi Horten Collection   Музей принадлежит Хайди Хортен, которая вместе с мужем Хельмутом Хортен начала собирать коллекцию в 1970-х годах.   В собрании музея внушительная коллекция искусства с 1900 года до современного: Пабло Пикассо, Анри Матисс, Рене Магритт, Лучо Фонтана, Френсис Бекон, Ив Кляйн, Эгон Шиле, Энди Уорхол, Ники де Сен-Фалль, Рой Лихтенштейн, Дэмиен Херст, Герхард Рихтер и работы многих других художников.   ️В Токио в 2023 году откроется новая арт-ярмарка Tokyo Gendai. ️13 по 19 июня в Москве пройдет I Международный московский джазовый фестиваль, приуроченный к столетию российского джаза.   ️Отличный материал про новый корпус Третьяковской галереи.   Открытие нового корпуса на Кадашевской набережной запланировано на 2024 год.   Идея размещения окон-картин отсылает к натуральному образу коллекций Павла Третьякова и других коллекционеров конца XIX века. Такой вид «салонной» развески был распространён из-за того, что живопись сопровождалась богатыми и ценными рамами, которые были весьма объёмны.   Всего на фасадах нового корпуса замечено 34 окна-картины. Среди них:   ️ «Царевна Лебедь» Михаила Врубеля ️ «Грачи прилетели» Алексея Саврасова ️ «Рожь» Ивана Шишкина ️«Неизвестная» Ивана Крамского ️ «Московский дворик» Василия Поленова ️ «Портрет Мики Морозова» Валентина Серова ️«Купание красного коня» Кузьмы Петрова-Водкина.  ️«На сенокосе» Казимира Малевича ️«Кружевница» Василия Тропинина Новый Корпус и главное здание музея  в Лаврушинском переулке соединят переходом. Фото: Комплекс градостроительной политики и строительства города Москвы https://telegra.ph/file/0ffa9416be7b23f238cb9.jpg
219 

10.06.2022 20:18

Ну-с, продолжаем про коронационные альбомы. Вы, наверное, слышали, что Москву...
Ну-с, продолжаем про коронационные альбомы. Вы, наверное, слышали, что Москву называют первопрестольной? Это связано, в том числе, и с тем, что именно здесь короновались, точнее, венчались на царство, цари и императоры. Как проходила церемония? Началом церемонии служило шествие императора с Красного крыльца в Успенский собор, далее он зачитывал Символ веры, после чего на императора возлагались мантия и корона, а священнослужители проводили обряд миропомазания. После монарх входил в алтарную часть через Царские врата, там причащался. Далее он покидал стены Успенского собора и в сопровождении подданных отправлялся в Архангельский и Благовещенский соборы, где должен был поклониться святым мощам предков и святых. День коронации завершался вечерним обедом, который давался в Грановитой палате. И все это отражалось в коронационных альбомах. Правда, создано было их не так много. Самый пышный, конечно, альбом Елизаветы Петровны. Сразу после ее коронации были составлены два варианта коронационных альбомов, включавшие рукописный текст описания и иллюстрации. Первый вариант альбома, который был подносным и был выполнен в технике акварели, был предназначен императрице Елизавете Петровне. Второй же был выполнен черной тушью и был отправлен в Петербург в Академию наук для изготовления гравюр и подготовки печатного текста. Описание коронации было закончено в 1746 (через 5 лет после восшествия на престол!!!). Однако вместо обещанных четырех языков, альбом был напечатан только на двух: русском и немецком. Первоначально было издано 600 экземпляров на русском и 300 экземпляров на немецком. Позже было допечатано еще 1200 экземпляров на русском. Коронационный альбом Елизаветы Петровны был последним законченным подобным изданием XVIII века. Коронационный альбом включает в себя: сюжеты коронационного обряда, изображения императорских нарядов и регалий и портретное изображение императрицы. Смотрите на картинках выше PROинтересныефакты
95 

13.07.2022 10:20