Многие думают, что искусство - это скучно. Помните эти унылые школьные походы в...

Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель, силе, выразительности, стремительности его кисти завидовали многие. Он быстро отпускал натурщиков, тогда как другим приходилось оплачивать многочасовые сеансы. Он за полчаса набрасывал великолепный эскиз, над которым неделю безуспешно бились Серов с Коровиным. Крайне дисциплинированный в творчестве, он вел на удивление беспорядочный образ жизни. Окружал себя сомнительными и странными персонажами. Живя впроголодь, мог истратить последние деньги, к примеру, на пару лайковых перчаток или эпическую попойку. Был вдохновенным вралем. Однажды коллеги собрали ему денег, чтобы художник смог съездить из Киева в Харьков на похороны отца. И были немало удивлены, когда отец Врубеля — живой и здоровый — вскоре приехал в Киев навестить сына. Чувство ответственности было ему неведомо. Он мог опоздать на назначенную встречу на два дня. Или нарисовать поверх уже проданной заказчику картины цирковую наездницу, в которую был влюблен.

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.

Феликс Варламишвили Полотна Феликса Варламишвили мгновенно врезаются в память, а их сюжеты, перетекая с одной картины на другую, создают мир «законсервированных» воспоминаний, в котором нет разницы куда идти – кругом благодатный труд, пышные всходы урожая и полные сети рыбы. Видимо такова грузинская живопись, квинтэссенцией или, точнее, наиболее знаковой фигурой которой является Пиросмани; она тяготеет к визуальной простоте (которая часто – нарочитая кажимость), к почвенничеству, к радостям жизни (даже тяжёлый труд не кажется таким тяжёлым при взгляде на многие полотна). И Феликс Варламишвили (1903-1986), проведший большую часть жизни в эмиграции, в большей степени грузинский национальный художник, чем французский, что роднит его с другим эмигрантом, уроженцем Российской империи – Марком Шагалом. Как Шагал забрал с собой родной Витебск, так и Варламишвили, даже рисуя венецианские пейзажи, всю жизнь оставался верным Грузии.

Исаак Левитан - В крымских горах (1886) Левитан умело чередовал различные техники. К слову, он рисовал весьма талантливые натюрморты («Лесные фиалки и незабудки») и портреты («Портрет Софьи Петровны Кувшинниковой»), но они очевидно мало привлекали художника и чести быть нарисованным Левитаном удостаивались немногие – близкий друг Чехов, возлюбленная Кувшинникова, редкие запавшие в душу знакомцы вроде А.А. Грошевой, сам Левитан, зафиксировавший себя в нескольких автопортретах и… те, кто мог за них заплатить. Лишь на пороге голода Левитан принимал постылые сердцу «портретные» предложения.

Пушкинский музей и детские онлайн-курсы Многие не знают, но в Пушкинском музее уже больше 10 лет идут курсы для детей от 5 лет. На этих курсах детям рассказывают мифы Древней Греции, Рима и многое другое. Сейчас, Пушкинский хочет перенести эти курсы в онлайн, чтобы ещё больше детей могло получить эти знания Но как узнать, есть ли у детей время, силы и вообще, что им интересней всего? Студенты ВШЭ проводят исследование, чтобы помочь Музею сделать курсы интересными и полезными. Пожалуйста, пройдите анкету, чтобы помочь Музею сделать курсы, которые будут нужны) http://amp.gs/5ds4 http://amp.gs/5ds4

Натурализм Натурализм — это стиль живописи, в котором художник при написании картины придерживается правдивости и естественности. Начинающие живописцы тоже иногда думают, что достоверное изображение натуры при передаче ее объемных, материальных и пространственных качеств и есть абсолютная цель изобразительного искусства. Однако не менее важно параллельно с этим развивать способность видеть действительность глазами художника. Живописное изображение не является зеркальным отражением природы. «Живопись, — говорил И. И. Левитан, — не протокол, а объяснение природы живописными средствами». АБВсловарь

​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает исследование Кураторы Национального музея Норвегии пришли к выводу, что автором загадочной надписи, спрятанной на самой знаменитой картине Эдварда Мунка «Крик», был сам художник. Экспертам уже давно известно, что в верхнем левом углу есть мрачная фраза «Могло быть написано только сумасшедшим», но они не могли определить её происхождение. Надпись карандашом была добавлена на картину лишь через несколько лет после её завершения в 1893 году. Поэтому многие думают, что её сделал не художник, а кто-то другой. По словам куратора музея Маи Бритт Гуленг, некоторые эксперты даже считали, что это мог быть акт вандализма. «В 1904 году искусствовед и помыслить не мог, что подобную надпись на поверхности своего полотна мог сделать сам художник», — говорит Гуленг. Тексты на картинах — явление нередкое в истории искусства, если вспомнить о средневековых свитках или плашках на портретах. Однако этот едкий комментарий имеет совсем иную природу. «Эта надпись — не объяснение мотива, как в подобных случаях. Это замечание о психическом здоровье автора, а искусствовед никогда не ожидает, что художник сделает его сам», — поясняет куратор. Исследование надписи проходило в преддверии переезда картины в новый дом — Национальный музей Норвегии. Эксперты просветили картину инфракрасными лучами и сравнили почерки на полотне и в записных книжках Мунка. Всё указывает на то, что автором тревожной надписи был всё же сам художник. Искусствоведы полагают, что Мунк мог нацарапать «дополнение» к картине в ответ на критику, сопровождавшую первое представление работы норвежской публике в 1895 году. Глубокое состояние тревоги, которое вызывает эта композиция, заставило критиков бурно обсуждать душевное состояние художника. Некий студент-медик дошёл до того, что на примере картин доказывал, что Мунк не в своём уме — и это происходило во время дискуссии, на которой присутствовал сам автор. Глубоко задетый этим обвинением в психическом нездоровье, художник снова и снова возвращался к этому инциденту в разных письмах и заметках. «Мунк был сложным человеком, и причина, по которой он написал это, вероятно, столь же сложна, — говорит Гуленг. — Он стремился провоцировать публику, но в то же время хотел, чтобы его уважали. Для него было важно контролировать историю о Мунке как лично для себя, так и для общественности». новостиИОК https://telegra.ph/file/c4f6370073bf4e44fdd28.jpg

​​️Еврейский музей и фуд-корт «Брикет Маркет» приглашают на праздник Пурим.   ️В «Гараже» 02 марта пройдет презентация комикса о беженцах «Бежать нельзя остаться». Регистрируйтесь скорее! Тема важная.   ️На Охтинском мысе в Санкт-Петербурге планируют создать музей-заповедник и археологический парк «Допетровский Петербург».   Многие исследователи сравнили недавние археологические находки на Охте с открытием Трои.   ️В Кемерево построят музейно-театральный комплекс — Сибирский кластер искусств.   У здания будет три главных обитателя: ️Театр оперы и балета со зрительным залом на 950 человек — в статусе филиала петербургского Мариинского театра; ️Музейный комплекс, филиал Государственного Русского музея; ️Кузбасский центр искусств.   Самоирония — признак интеллектуальности:   ️Надписи в верхнем углу картины «Крик» сделал сам Эдвард Мунк. Исследование проведено Национальным музеем Норвегии.   Мунк написал карандашом на картине — «могло быть нарисовано только сумасшедшим» Ученые предполагали возможность вандализма, но — нет. Возможно, художник добавил эту надпись после того, как картина была подвергнута резкой критике после первой выставки. На фото прекрасный рисунок Мунка «The Heart», который я нашла в Культурном центре LAC в Лугано: о любви он тоже писал. https://telegra.ph/file/8c68216d265816d238b05.jpg

Мёртвый ребёнок 1944 Кандиду Портинари Крупнейший бразильский художник XX века. Он представлял фигуративное искусство в период, когда абстрактная живопись полностью доминировала. Разработал собственную манеру, наиболее близкую мексиканским художникам Давиду Сикейросу и Диего Ривере. Подавляющее большинство произведений Портинари выполнены на тематику, так или иначе связанную с Бразилией или Латинской Америкой. После начала войны его стиль изменяется под сильным влиянием «Герники» Пикассо. Цвет занимает минимальное место в послевоенном творчестве художника, многие картины выдержаны в серых тонах. Художник настолько почитаем в Бразилии, что его именем названы автомобильная дорога, улицы во многих городах страны. В Сан-Паулу есть Авенида (проспект) Кандиду Портинари. "... такие люди, как ... Ривера, Портинари, подобны вершинам Анд..." — писал Пабло Неруда

Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg

Эпилептический психоз у Ван Гога «Этот человек должен был или сойти с ума, или превзойти нас всех. Я не ожидал, что оба предположения подтвердятся» так Камиль Писсарро говорил о Винсенте Ван Гоге. Часть своих картин мастер писал в психиатрической лечебнице, куда он загремел с пугающим диагнозом «эпилепсия височных долей»‎. Там самыми частыми его гостями стали жуткие галлюцинации, а во время сильных припадков художник мог даже есть краски. Кстати, считается, что изобилие жёлтых красок на полотнах художника объясняется его болезнью. Лечение эпилепсии предполагало употребление лекарства, которое «способствовал» жёлтому цветовидению окружающего мира. Но у Винсента была ещё одна слабость – он употреблял абсент. Художник в течение всей жизни злоупотреблял абсентом и, как утверждают многие, эта вредная привычка «окрасила» его картины в цвет солнца. Но был ли Ван Гог безумцем на самом деле? На этот вопрос трудно найти ответ и сегодня.

Поль Гоген – первый дауншифтер Первые 7 лет он жил на родине матери в Перу. Яркие воспоминания о тех райских краях Гоген сохранил на всю жизнь. Чтобы дать сыну достойное образование, семья переехала во Францию. Поль выучился, женился и стал работать биржевым брокером. У пары родилось пятеро детей. Семья Гоген занимала две комфортабельные квартиры, где было место и для мастерской художника. Как многие люди его круга, Поль коллекционировал работы художников и стал писать сам. Именно в эти моменты он чувствовал себя счастливым. В конце концов, он оставил работу. Денег кончились, жена ушла, забрав детей. И Поль отправляется туда, где он был счастлив – в дальние экзотические страны из своего детства. Сначала на остров Мартиника, потом в Панаму. Потом едет к Ван Гогу в Арль. Пребывание кончилось ссорой и историей с ухом. Наконец, сбегая от цивилизации, которую считал «болезнью» Поль Гоген уезжает в Океанию: сначала на остров Таити, а затем на остров Хива-Оа, где он напишет лучшие свои работы.

Натюрморт с цветами ок. 1600 г.г. Ян Брейгель Старший Национальный музей, Бухарест Его прозвали Бархатным, а также Цветочным. Его многочисленные букеты и цветочные гирлянды были написаны с таким мастерством, что многие именитые художники приглашали Яна Брейгеля Бархатного-Цветочного написать цветы в их картинах на разные сюжеты. Самый знаменитый и виртуозный живописец, с которым довелось сотрудничать Брейгелю Цветочному - Питер Пауль Рубенс. Думаю, вы догадались, что я не просто так именно сегодня показал такой цветочный натюрморт. Ну, а если вам этого букета мало, то проходите по ссылке и получите ещё пару десятков) С Праздником!

Колдун 1909 Рерих Картон, гуашь, пастель. 74 х 49.5 см. Одесский художественный музей Картины известного русского художника Николая Рериха, обладают особенным, необычайным колоритом. Рерих прошел по восточным землям с экспедициями не одну тысячу километров, изучал восточную философию, обычаи и нравы жителей, знакомился с суровой природой Алтая, Монголии, Индии и Тибета. Именно в этих экспедициях черпал он вдохновение для своих удивительных картин, посвященных природе и мифологии этих земель. Мастер был необычайно плодовит. В течение жизни создал около 7000 картин, многие из которых находятся в известных галереях мира, и около 30 томов литературных трудов, включая два поэтических. В течении жизни и творчества занимался археологией, коллекционированием, участвовал в проектировании и росписи церквей, работал директором школы Императорского общества поощрения художеств, работал как сценограф, участвовал в проектах по защите и возрождению русской старины, в благотворительных организациях.

Джепта Гомер Уэйд. "Портрет Натаниэля Олдса" (1837) В начале 19-го века в Америке некоторые художники путешествовали из города в город в поисках заказов на портретные картины. Позирующие одевались в свои лучшие наряды, как это, по-видимому, изображено на этом портрете. Зеленые тонированные очки, которые носил Олдс, были предназначены для защиты глаз от света ламп, используемых в начале 1800-х гг. Эти лампы сжигали китовый жир, и многие люди беспокоились, что его яркое пламя может повредить зрению.

Бернардино Луини (1480/1485 — 1532) — североитальянский художник, один из самых известных леонардесков — учеников и эпигонов (эпигон — последователь какого-н. художественного, научного и т. п. направления, лишённый творческой оригинальности и механически повторяющий чьи-н. идеи) Леонардо да Винчи. Многие его произведения в прошлом приписывались кисти Леонардо.

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history

Русалки - Константин Егорович Маковский 1879, 261.5×347 см Судьба художника Константина Маковского Маковский был самым дорогим живописцем своего времени в России. А еще – баловнем фортуны и любимцем женщин. Кисть его легко скользила по холсту, и многие портреты к концу первого сеанса оказывались готовы. А чтобы заказчику не казалось, что он за какие-то пару часов расстается с серьезной суммой, Маковский нередко заявлял, что позирование окончено, но ему теперь придется тщательно поработать над портретом. После чего выпроваживал позировавшего, убирал готовый портрет в дальний угол, более не прикасался к нему, а через месяц отдавал заказчику, убежденному, что над его обликом художник денно и нощно трудился, не покладая рук. Кажется, что биография Маковского представляет собой череду успехов. Детство – очень счастливое. Дом Егора и Любови Маковских был тем, что называют культурным центром. Позже Константин скажет: «Всем, что я умею, я обязан отцу». Мама же считалась одной из самых красивых женщин Петербурга.

Пабло Пикассо "Кошка, поймавшая птицу" (1939) Однажды Пикассо сказал: «Я терпеть не могу породистых кошечек, которые мурлычут на подушке в гостиной. Мне нравятся одичавшие кошки, которые охотятся за птицами, носятся по улицам как угорелые, тащат все, что ни попадя. Они смотрят на вас дикими глазами и того и гляди вцепятся вам в физиономию. А вы заметили, что кошки, живущие на воле, почти всегда брюхаты? Это вполне естественно: ведь они только о любви и думают».

"Русалки" 1879 г. Константин Егорович Маковский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Константин Маковский, Илья Репин и Иван Крамской в 1870-е годы написали каждый своих «Русалок». Объединяет картины не только сюжет и название, но и тот факт, что всем этим художникам пришлось выслушать много нелестных слов в свой адрес. Народнические настроения передвижников, с которыми все трое были связаны, требовали иных сюжетов. Русалки Крамского – бледные утопленницы, словно в саванах, вышедшие на берег лунной ночью. Художник признавался, что сюжет картины навеян повестью Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». Репин показал своих русалок в парижской картине «Садко». У него это нарядные экзотические дамы. Совсем иные русалки Константина Маковского. Обнаженные, прекрасные, свившие телами чувственный вихрь, взлетающий к небесам и скрывающийся в лунном свете. Справа на пригорке видны церковные купола, но русалочий обнаженный «мост» в другую сторону движется. Похоже, что и здесь не обошлось без Гоголя! Впрочем, чары русалок звучат и в русских народных сказках, попали под их власть и Пушкин, и Жуковский, и многие другие художники, поэты, писатели. Картину эту Константин Маковский писал в поместье со странным для современного уха названием Загоны, расположенной на границе Черниговской и Полтавской губерний, вблизи знаменитой Диканьки. Перед нами воспетая Гоголем прекрасная украинская ночь. Луну не видно, но она предполагается за деревьями – небо вокруг нее светлое. Лунный луч скользит по груди сладострастно изогнувшейся русалки на переднем плане. Она сидит на перекинутом через речку стволе дерева. Кстати, в русском фольклоре у русалок хвостов нет. А самая «интернациональная», пожалуй, черта русалок – это длинные волосы. Красавицы Маковского тоже длинноволосы все как одна. Здесь нет ни страха, ни дидактики – лишь наслаждение поэтикой народных преданий, любование удивительно гармоничными телами нечистой, но до чего же манящей силы. КонстантинМаковский Академизм МифологическаяСцена _history

Узнав об успехе Ильи Найшуллера и его фильма «Никто» в США, мы с ним срочно поговорили о проекте. И вот что узнали: «Чтобы обратить на себя внимание в Голливуде, надо туда ехать с чем-то конкретным. Это тот стандартный путь, который прошли, по сути, все, кто там чего-то достиг. Ехать туда и начинать с нуля – гораздо сложнее. Тем более что и конкуренция там жесткая». Еще Илья подтвердил, что российские актеры интересны на Западе. Например, работу Алексея Серебрякова в «Никто» отметили многие голливудские критики. А подробнее его комментарии тут. https://kinoreporter.ru/ilya-najshuller-mne-vsegda-strashno/

Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство возвышенное и театральное, а бамбоччанти любили гротеск, темные стороны жизни и решительно не хотели писать персонажей не то что возвышенными, а даже просто красивыми. Взяли и скрестили хулиганско-наставительные сюжеты Питера Брейгеля Старшего с мрачноватыми последователями Караваджо и, пожалуй, сарказма еще добавили кое-где. Типичные герои их небольших картин или офортов - солдаты, бродяги, торговцы, фермеры и доярки, трактирщики, прачки или, как писал Сальватор Роза “негодяи, мошенники, карманники, бандиты, пьяницы, обжоры” - ну, то есть, как посмотреть. Бамоччанти критиковали представители официального искусства, называли их картины низостью и гадостью, призывали вернуться к изысканности и красоте заблудших художников. А вот покупатели и коллекционеры их гадостей очень быстро нашлись и жанр приобрел огромную популярность - и ван Лар и его друзья устанавливали довольно высокие цены на свои картины, но их раскупали, переправляли по всей Европе и особенно ценили на их родине, в Нидерландах. Считается, что эта группировка повлияла на Веласкеса, которые любил писать сценки из темных трактиров в ранние годы, что любитель нравоучительных бытовых серий Хогарт тоже насмотрелся, Гойя даже вроде что-то имел в личной коллекции, а еще что к камерным и иногда двусмысленным сценкам бамбочатти обращались после многие художники рококо. Но тут же тоже интересно, раз мы говорим о группе голландских художников, то стоит иметь в виду, что они не так просты чтоб быть обыкновенными реалистами, которые просто запечатлевают неприглядный окружающий мир как он есть ради анекдота. Вы же помните, что как раз голландцы даже в натюрморте с тыквой и букетом цветов зашифровывали сложные аллегории. Так и тут все было. Простые предметы и вульгарные сценки должны побудить нас, зрителей, к сложным размышлениям. Трюк такой. Особенно тут важно, что работают художники именно в Риме, поэтому то там то тут намекнут на то, в каких величественных пейзажах, да с каким прошлым, разворачиваются все эти мелкие житейские происшествия. В общем, рассматриваем и ищем глубокий смысл.

"Над городом" 1918 г. Марк Захарович Шагал Государственная Третьяковская галерея. «Над городом» - одна из самых знаменитых картин Марка Шагала. На ней художник изобразил всё, что у него было важного в жизни на тот момент: самого себя, любимую жену Беллу и Витебск. Отбросив земное притяжение, счастливые влюбленные летят над городом, обнявшись. Под ними расчерченный и опоясанный бесконечными заборами Витбеск – в этом же году Шагал в недолгий период очарования новой властью устроит на этих заборах уникальное граффити, разрисовав их к годовщине Октябрьской революции. Люди часто летают на картинах Шагала. Особенно ему нравилось отправлять в полет влюбленных. В таких случаях мы видим буквальное воплощение метафоры «летать от счастья». В книге воспоминаний Беллы Шагал «Горящие огни» есть описание того, как Марк Шагал отправляет их двоих в полет: «Ты бросаешься к полотну, дрожащему под твоей рукой. Обмакиваешь кисти. Хлещет красный, синий, белый, черный. Втягиваешь меня в водоворот красок. И внезапно ты отрываешься от земли и тянешь меня за собой». Однако летают у Шагала не только от счастья. Полет на его картинах – это даже не преодоление земного притяжения, а простое и естественное состояние человека. Идет ли речь о счастливых влюбленных, цирковых акробатах, обнаженной женщине или еврее, пролетающем над Витебском. Такова особенность картин Шагала – в них безудержен полет фантазии, но при этом фантастическое абсолютно реально и достоверно. Особый эффект картины «Над городом» создается трогательным сочетанием бытовых моментов и выхода за пределы быта. Пикантная деталь – присмотритесь к нижнему левому углу. Что происходит под витебским забором? Совершенно верно, кто-то, стянув штаны, справляет нужду. Вот так сюрприз, одна из самых романтичных картин Шагала! В том и романтизм его, в том и прелесть, что всё – едино. И полет, и голый зад, и изящный наряд Беллы, которая ведь тоже представлена отнюдь не как абстрактная идея прекрасной возвышенной дамы. Если фигура самого художника кубизирована, то Белла написала мягкими округлыми линиями. Она более чем реальна – кружевные оборки на платье, в подробностях тщательно прорисованные туфельки… Впоследствии искусствоведы не раз удивятся тому, как можно было создать бесконечную симфонию любви, посвятив ее реальной женщине, с которой живешь рядом многие годы. Вероятно, для этого нужен тот особый взгляд, позволяющий видеть в любимой одновременно и в деталях кружевную оборку платья и полет ее души. МаркШагал Сюрреализм _history

Портрет Зои Гики 1777 Александр Рослин Холст, масло. 64,7 × 53 см Национальный музей Швеции, Стокгольм Портреты Рослина влюбляют в себя с первого взгляда. Один из немногих, на мой взгляд, кто мог оживлять своих героев. Сегодня картина Зои Гики, дочери молдавского господаря Григория III Гики. На ней молдавский костюм: головной убор, напоминающий тюрбан и украшенный розами, белое шёлковое платье, шитое серебром, и меховый жакет без рукавов. Отца Зои убили агенты Османской империи. После чего Зоя жила при дворе Екатерины II. Рослин приехал в Россию в 1775 году для рисования портретов русских придворных. За, примерно два года он написал около 75 портретов, многие из которых заканчивал уже по возвращении в Париж. Портрет Зои Гики был одним из последних завершённых Рослином перед его отъездом. Этот портрет — пример изумительного качества работы художника. Действительно, портрет гордой беглянки завораживает зрителя и по сей день.

Шьющая женщина 1880 Поль Гоген Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген Эта картина очень необычна для творчества Гогена. Источником вдохновения вероятно был купленный им в том же году рисунок Эдуарда Мане «Вязанье» (1879), где изображена работающая одетая женщина в похожей позе. Сходный сюжет можно встретить и в картине Писсарро «Портрет мадам Писсарро, шьющей у окна». Остаётся неизвестным, кем была модель, изображённая на картине. Пола Гоген считала, что это была горничная родителей художника, другие исследователи думают, что для Гогена позировала профессиональная натурщица. Картина была выставлена в Копенгагене и её купил Теодор Филипсен у жены Гогена Метте в 1892 году. Филипсен сначала хотел передать картину в Лувр, но потом отказался от своего намерения и пожертвовал её Королевскому музею изящных искусств в Копенгагене (1920). В настоящее время картина выставлена в Новой глиптотеке Карлсберга.

"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие. Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать. Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона: Как жизнь пуста! — она сказала. — Он не придет и впредь. А я устала, так устала, Уж лучше умереть! Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание. Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии. Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение. Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами. ДжонМилле _history

Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.

"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер Марке Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Дождливый день в Париже – идеально подходящий Альберу Марке сюжет. Его Париж серого цвета. Но серость эта – мягкая, спокойная, манящая, ни в коем случае не обреченная и безысходная. Набережная Сены, изящные арки мостов, Нотр-Дам де Пари – любимые объекты Марке. Художник снимал квартиру на пятом этаже и часто писал у окна, поэтому многие его городские пейзажи представляют вид сверху. А в данном случае – не просто сверху, а с уклоном, эдакая горка для глаз: взгляд сразу же скользит по мостовой вглубь холста. На первом плане – набережная, шагающие по мокрому тротуару парижане, угол дома. Но смысловой центр композиции – Собор Парижской Богоматери, чья громада вздымается на заднем плане. Светлая, почти прозрачная улица упирается в приземистый темный силуэт Нотр-Дам де Пари, и взгляд словно проваливается в него. Растерявшись, несколько мгновений ищет выход, затем спешно возвращается на поверхность, к переднему плану и уже более детально воспринимает всю картину. Мы видим зажатую строениями площадь перед собором, пешеходов, проезжающий вдали экипаж, подъемный кран. На углу здания на переднем плане – человек, идущий против сдувающего его ветра в направлении Малого моста. Таким образом, взгляд зрителя одновременно воспринимает всю картину и в то же время движется внутри нее, что в сочетании создает особую объемность восприятия. В городских пейзажах Марке удивительным образом соединены отстраненность и тонкий лиризм. Марке – не импрессионист. Он пишет дождливый день в Париже, а не свои от него впечатления, но чувства, которые этот день и этот город у него вызывают, мы ощущаем. После нескольких выставок, на которых были представлены его пейзажи, критики заговорили о таком явлении как «Париж Марке». Его изображения французской столицы сравнивали с работами импрессионистов и Мориса Утрилло, и говорили, что только им удавалось столь проникновенно и лирично показывать Париж. АльберМарке _history

"Великий архитектор" Уильям Блейк, 1827 > Манчестер, Уитворт Картина относится к жанру сюрреализма. Блейк являлся сторонником теории креационизма и в данной работе выражает спектр своих религиозных чувств. Сначала это полотно художника, как и многие другие, было забыто. А сейчас же её анализируют и пытаются разгадать. Главным героем является Бог, который изображен в момент творения. Он не устанавливает порядок, а ограничивает свободу и пределы воображения. Религия, вера, законы и порядок – всегда присутствовали в творчестве Блейка, они являлись предметом его размышлений. В буквальном переводе картина называется «Ветхий днями» – так обозначали имя бога в различных мировых религиях. Больше всего черт в этой картине от ветхозаветного Яхве. Ветхий днями означает бессмертный. В мире христиан это имя часто ассоциируется с Богом-отцом, но иногда этим именем обозначали Бога-сына.

"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана. Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие. Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок. Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли. Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми. Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим. ЖакЛуиДавид Классицизм _history

"Возлюбленная" (Невеста) Данте Габриэль Россетти, 1865-1866 > Лондон, Тейт Говорят, что Россетти в поисках совершенства на протяжении всей своей жизни вносил изменения в данную работу. Главная героиня поймана в движении, приподнимающая фату, а вокруг неё располагаются четыре девственные подруги и африканский мальчик-слуга. Все на полотне контрастирует с красноватым оттенком волос и бледной кожей невесты: и темная кожа пажа, и различные оттенки темных волос четырех девушек, и их тона кожи. Многие эксперты считают, что этот прием цветового контраста, который выделяет все особенности лица невесты, Росетти использовал под влиянием противоречивой картины Эдуарда Мане под названием «Олимпия». Головному убору и одеждам невесты и подружек Россетти уделил особое внимание. В них отчётливо угадывается невообразимое сочетание как перуанского, так и японского национального костюма. Но в центре холста доминирует девушка типично западноевропейского типа, а всё это изобилие экзотической ткани лишь обрамляет её лицо.

"Вывеска лавки Жерсена" 1720 г. Антуан Ватто Шарлоттенбург, Берлин. Знаменитая «Лавка Жерсена» - последняя и, как считают многие, лучшая картина Антуана Ватто. Она настолько богата колористически, что в ней заложены все цветовые возможности будущего рококо. Тем курьёзнее факт, что картина создавалась с вполне утилитарной целью – она действительно должна была служить вывеской, своего рода наружной рекламой для магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, принадлежащего другу Ватто Жерсену. В 1720-м году Ватто вернулся из заграничной поездки. Англия воздала должное его таланту: здесь Ватто ценили едва ли не больше, чем в родной Франции. Но долго наслаждаться признанием не пришлось. Прохладный и влажный британский климат обострил давнее заболевание – туберкулёз. Полумёртвый художник вынужден был вернуться в Париж. Жить ему оставалось не более года. К этому моменту 35-летний Ватто был не только широко известен, но и весьма богат. Однако, как и раньше, ему и в голову не приходит обзавестись собственным домом. Всю прошедшую жизнь он предпочитал жить под кровом кого-то из друзей. Так было и на этот раз. Торговец предметами искусства Жерсен с радостью дал приют измождённому чахоткой художнику. В благодарность и чтобы «размять пальцы, истосковавшиеся по работе», Ватто предложил написать для его заведения вывеску – нечто вроде рекламного панно полтора на три метра, раскрывающего покупателю, что его ждёт, когда он переступит порог лавки Жерсена. Жерсен, кстати, отказывался – ему было чудовищно неловко, что такой знаменитый мастер будет писать его скромную лавку. Но Ватто было невозможно переспорить, настолько он был упрям. «Вывеска лавки Жерсена» была окончена всего за неделю, хотя работать Ватто мог только утром, послеобеденное время до вечера уходило на восстановление сил. Чахотка доконала его, и видимо, художник это чувствовал: сейчас картину называют «Завещанием Ватто». Мы видим на ней самый обычный день в магазине, торгующем картинами. Кто-то из покупателей приценивается к картинам. Кто-то уже определился – и его покупку упаковывают в коробку, чтобы доставить по назначенному адресу. Тщательно и реалистично написаны обстановка и ткани, мастерски расставлены фигуры. А картины на «Вывеске Жерсена» не условны, а конкретны и узнаваемы. На стенах – только работы любимых художников Ватто: Веласкеса, Рубенса, Йорданса. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены. Король-солнце сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо. Но самое значительное в «Лавке Жерсена» – её колорит. Здесь нет чистых и ярких цветов. Вместо этого мы видим невероятное богатство сложных оттенков, их тонких переливов. Говорят, всем будущим приверженцам рококо и последователям Ватто уже не нужно было ничего изобретать в области цвета: все его возможности абсолютно исчерпывающе представлены в палитре «Лавке Жерсена». Уже художники-современники это хорошо понимали. После смерти Ватто они извели Жерсена упрёками, что шедевр такой силы не должен «работать вывеской». Картина провисела снаружи совсем недолго, Жерсен был вынужден уступить и убрать картину, чтобы её не испортила непогода. Сейчас «Лавка Жерсена» хранится в замке Шарлоттенбург, в Берлине. АнтуанВатто Рококо _history

Вы талантливы и креативны, у вас много идей и есть желание поделиться ими с миром, но пока нет понимания как это сделать? Приглашаем вас на наш канал “Искусство|Творчество|Продвижение” Здесь мы рассказываем, как в современном мире можно доносить свои идеи и творчество людям, как организовать собственную выставку, как начать сотрудничать с галереями и как выйти на международный уровень. Разберем все нюансы таких вопросов: - как не потерять себя продвигая свое творчество и сохранить индивидуальность - как правильно вести переговоры с галереями и с каких начать - нужен ли вам арт дилер и где его искать - как заявить о себе миру, если страшно и порой не веришь в себя - что делать если был неудачный опыт, как не бросить творить и где найти вдохновение На эти и многие другие вопросы мы вместе сможем найти ответы Ждем вас! И будем рады подсказать, как реализовать свой талант И помните, что каждый известный художник был когда-то на вашем месте! На канале вас ждет подарок - чек-лист с идеями, как самостоятельно продвигать свои работы и при этом не потерять интерес к творчеству! https://t.me/proartiskusstvo?utm_source=telegram&utm_medium=art&utm_campaign=v1&utm_content=chat&utm_term=24.05.21

Рыбалка 1981 Баския Прославился как граффити-художник в Нью-Йорке, а затем, как неоэкспрессионист. С 1977 года, в 17 лет, Баския и его друг Al Diaz рисовали граффити на стенах зданий в Манхеттене, подписываясь SAMO или SAMO shit. А в декабре 1978 года в Village Voice опубликовала статью о них. Проект закончился эпитафией SAMO IS DEAD. В 1982 году Баския познакомился с Энди Уорхолом и они много работали вместе. С 1983 по 1985 года пара сделала работы, которые наложили виртуозные граффити Баскии на яркие поп-образы Уорхола. Они работали вместе, влияли на творчество друг друга. Их отношения продолжались до смерти Уорхола в 1987 году. С 1984 многие друзья Баския начинают отмечать его всё более странное поведение, вызванное приёмом наркотиков. Баския пристрастился к героину в годы жизни среди уличных художников Нью-Йорка. Баския умер от случайной передозировки наркотиков 12 августа 1988 года в своей студии на Грейт-Джонс-стрит. Ему было 27 лет.

Ранний и поздний Тициан: следствие болезни или задумка художника? У Тициана могли быть проблемы с подвижностью рук. Художнику мешал тремор. Поэтому многие верят, что поздние работы изменялись вследствие его болезни: на них мы видим широкие, мягкие мазки. Однако поздняя работа Тициана - портрет Якопо Страда - показывает, наоборот, потрясающую работу с деталями, которые прописаны самыми точными и тонкими мазками. Поэтому скорее работал в такой технике именно специально. Впоследствии он стал одним из новаторов в этой технике. Если вам интересно больше узнать об истории искусства, о тайнах использования цвета и света в живописи, об интересных фактах из жизни художников, присоединяйтесь к онлайн -школе ScienceME с искусствоведом из Рима, Еленой Гусевой. В Telegram - информация о предстоящих событиях, об экспертах и актуальных темах в культуре и науке! https://scienceme.ru/artonline?utm_source=&utm_medium=07.11.2020&utm_campaign=scienceme.ru&utm_content=tg_school1&utm_term=post

Маслянистая гладь Темзы, темное небо в желтых искрах, дым над водой, за которым смутно угадываются очертания Челси. Это сновидческое полотно прекрасно характеризует творческий метод Уистлера, который считал, что предназначение живописи – не фиксировать реальность, а передавать впечатления от нее. В 1877 немногие разделяли его взгляды. Особенно разозлила «падающая ракета» Джона Рескина – художника, писателя, историка живописи и весьма авторитетного арт-критика. «Я много слышал о бесстыдстве и самомнении кокни, – писал Рескин в лондонской прессе. – Но не думал, что мне доведется увидеть, как самодовольный скоморох станет требовать двести гиней за то, что плеснул из горшка с краской в лицо публике». Уистлер не захотел мириться с публичной поркой и подал на Рескина иск за клевету. Когда адвокат Рескина спросил в суде, сколько времени Уистлер работал над картиной, тот ответил: «Два дня». «И за два дня работы вы хотите получить 200 гиней?!» - «Нет, - парировал Уистлер, - я хочу получить эту плату за знания, которые добывал всю свою жизнь». Суд признал Джона Рескина виновным в клевете. Однако вместо требуемых 1000 фунтов Уистлер получил символическую компенсацию в четверть пенса.

Портреты на перьях. Кристи Мисайлдин (Krystle Missildine) — художница-самоучка из Праттвилл, Алабама, США, которая очень любит искусство и животных. Художеством вплотную начала заниматься в 2011 году, после рождения дочери и выхода в декрет. Одной из ее одержимостей в рисовании стали работы, которые она выполняет на птичьих перьях диких индеек и больших попугаев Ара. «Прежде чем наносить краску на такой небольшой и тонкий холст, я должна убедиться в том, что мои мазки будут нежны и точны. Я использую акриловые краски и крошечные кисти, перья, с которыми я работаю, выпали естественным путем, многие из них были подарены мне владельцами попугаев, а некоторые я получила от своих собственных пяти птиц».

"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая картина «Этюд натурщика» попала в собрание ГМИИ из коллекции С.М. Третьякова. Несмотря на имя «Теодор Жерико» на табличке, полной уверенности в авторстве нет — великолепно сложенного усатого натурщика, позировавшего в мастерской наставника Жерико Пьера Герена, писали многие. Среди предполагаемых авторов «Этюда...» называли и Делакруа, и некоего неизвестного русского мастера (что сомнительно — всё-таки картина была приобретена в коллекцию Третьякова при посредничестве известного дома «Буссо и Валадон» за солидную сумму в 4 500 франков). Но, учитывая, что подписанного Жерико в наших музеях нет, да и просто работ Жерико в мире немного, будем относиться к этому портрету как к доказанной работе одного из первых французских художников-романтиков. Тем более, что все характерные признаки у этюда присутствуют: сложный разворот фигуры, резкий контраст света и тени, глубокая темнота фона, великолепная лепка формы, и, главное, предельная романтизация образа — всё, что так любил Жерико. Героя картины — растрёпанного хмурого человека с античным торсом и совершенно не античным лицом, легко представить и на поле боя, и на палубе корабля, и на покорённой вершине — в любом месте, позволяющем поспорить с судьбой или стихией и красиво победить или драматически погибнуть. Известно, что занимаясь у Герена, Жерико часто «улучшал» постановки, то приписывая натуре воображаемый фон, то усиливая контрастность света. Герен, известный живописью классической и скучноватой, терпел его эксперименты, но предостерегал от подобного остальных студентов: «Что вы стараетесь подражать ему. Пусть работает как хочет, в нем материала на трех-четырех живописцев, не то, что у вас». Вероятно, когда-то картина была светлее, но сейчас её краски изрядно изменились — причина в готовом красителе на основе битума, который был очень эффектен при написании теней, но со временем сильно потемнел. ТеодорЖерико Портрет Романтизм _history

Жимолость 1876 Вильям Моррис Этот тип абстрактного искусства называется: "Криволинейный абстракционизм". Он сильно связан с кельтским искусством, в котором используется ряд абстрактных мотивов, включая узлы, чересстрочные шаблоны и спирали (включая трискеле или трискелион). Мотивы не были изобретены кельтами, многие другие ранние культуры использовали эти орнаменты на протяжении веков. Тем не менее, справедливо сказать, что кельтские дизайнеры вдохнули новую жизнь в такие узоры, сделав их более замысловатыми и сложными. Позже они вернулись в 19-м веке и особенно проявились в книжных обложках, тканях, обоях и ситцевых рисунках, подобных работам Уильяма Морриса и Артура Макзмурдо. Криволинейная абстракция также характеризуется таким понятием, как «бесконечная картина» — широко распространена в исламском искусстве.

​​️С 26 июня в галерее Lazy Mike откроется выставка «ТыНеОдна». Это благотворительный проект, организованный галереей Lazy Mike в поддержку одноименной сети взаимопомощи женщин ТыНеОдна. ️Музей провинции Хайнань представил к 100-летию Коммунистической партии Китая (КПК) экспозицию «Красный оттиск веры», посвященных ключевым моментам в истории компартии и КНР. ️Продолжается сбор средств на восстановление собора Парижской Богоматери. Церковь просит общественность проявить щедрость, чтобы «заставить биться сердце Нотр-Дам». ️В Королевской академии художеств на выставке «Одиночество души» соединили произведения Трейси Эмин и Эдварда Мунка — художников, разделенных столетием. После Лондона она отправится в Осло и станет первым проектом в новом Музее Мунка. ️В музее «Новый Иерусалим» открылась выставка «Константин Горбатов. Приближая красоту», приуроченная к 145-летию мастера русского импрессионизма. Она не только впервые подробно показывает творчество художника, на многие десятилетия вычеркнутое из истории русского искусства, но и дополняет картину художественной жизни России 1910-х годов, которая прежде всего ассоциируется с авангардом. На выставке представлено 103 работы. https://telegra.ph/file/cf6ba4a3256c86523334b.jpg

Далёкий гром 1961 Эндрю Уайет Один из наиболее выдающихся художников США, работавших в 20 веке. Настолько же выдающийся, насколько недооценённый. Главная тема Уайета – тихая деревенская и провинциальная жизнь. Да, на полотнах есть намёки на то, что герои только занимались или вот-вот займутся ловлей рыбы, охотой или делами по дому, но чаще всего, как ни парадоксально, люди на картинах Уайета не занимаются ничем, находясь в полусомнамбулическом единении с природой. Многие обманутые Уайетом искусствоведы и по сей день упорно относят его к реалистам, но любой пытливый взгляд сразу заметит в их доводах ошибку. Вопреки твёрдой реалистичности подачи, нутряная жизнь картин наталкивает на мысли о том, что главное происшествие оставлено за кадром и зрителю придётся искать в обычном изображении людей, в пейзажах и натюрмортах разгадку, ответ на вопрос: что именно не успел запечатлеть художник?

Душевое искушение Евы 2003 Александр Дашевский ДВП, масло, пластилин 66 × 92 см Эрарта, Санкт-Петербург Современный российский художник. Известен своей серией «Недвижимость» (про советские типовые дома, обычно нелюбимые их обитателями, стремящимися к новому комфорту). Работает не только с историей, которая не переосмысляется, остается травматичной. Призраки прошлого обитают вместе с призраками настоящего. Многие работы Дашевского посвящены разным людям, сюжеты, почти аллегорические. Правда, правила дешифровки автор раскрывает редко, периодически придумывает новые, что по-своему последовательно. Сюжеты вызывают поиски новых художественных приёмов. Последние несколько лет Дашевский экспериментирует с формой холста: дробит, создает работы сложной неправильной формы, коллажирует. Таким образом автор исследует возможности живописи, как медиума. Вошёл в «8 лучших художников мира» по мнению журнала Forbes.

​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в список Всемирного наследия, находящегося под угрозой исчезновения. Окончательное решение будет принято на 45-й ежегодной конференции ЮНЕСКО в 2022 году. ️Святоносский маяк под Мурманском признан объектом культурного наследия федерального значения. Он является уникальным образцом деревянной фортификационной архитектуры 19 века. Это один из старейших действующих маяков в России, он был установлен на мысе Святой Нос в 1862 году. Маяк не переставал работать во время Первой мировой войны и Великой Отечественной войны. ️В Фонде Cartier в Париже 6 июля откроется выставка «Дэмиен Херст. Цветение вишни». Вопреки обычной для британского классика практике, все картины для этого проекта художник написал сам, без ассистентов. ️Галерея «Здесь на Таганке» представит выставку памяти художника Владислава Мамышева-Монро. ️️Три неизвестных ранее работы Ван Гога найдены, спрятанными в романе о французских крестьянах. Три эскиза публикуются в The Art Newspaper впервые! Открытия совершенно неизвестных рисунков Ван Гога сейчас редки — один или два раза в десятилетие. Рисунки выставлены в музее Ван Гога в Амстердаме на новой выставке Here to stay. Искусствоведы думают, что это не просто рисунки: возможно Ван Гог сделал именно закладку для книги, ведь художник был заядлым читателем. Фото: Слева — три изображения закладки в приближённости виде; справа — полный масштаб Courtesy of the Van Gogh Museum, Amsterdam (bought with support from BankGiro Loterij) https://telegra.ph/file/67eb6c677f82a867a7771.jpg

"Святая Инесса" 1641 г. Хосе де Рибера Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров). Детали сюжета Житие этой святой весьма необычно. Инесса была юной и прекрасной римлянкой, дочерью богатых родителей. Втайне от семьи она приняла христианство. За это девушка была приговорена к обезглавливанию. Её мучители оказались изобретательными: по их замыслу, до места казни Инесса должна была прошествовать обнажённой. Она шла сквозь возбуждённую толпу, снедаемая тысячами жадных глаз. Спотыкалась, когда её подталкивали похотливые руки стражников. Однако Бог, за веру в которого Инесса шла на плаху, всё же услышал моление избавить её если не от смерти, то хотя бы от позора. Мгновенно отросшие волосы и белый покров, спущенный ангелом с неба, скрыли её наготу от беснующейся толпы. Замысел и композиция Интересно, что на картине не находится места римскому плебсу, хотя динамичные многофигурные композиции (например, толпа, с жестоким удовольствием распинающая святого Варфоломея) хорошо удавались Рибере. Очевидно, здесь имеет место приём вовлечения: все глазеющие на Инессу должны размещаться на том же месте и смотреть на святую под тем же углом, что и зрители картины. Зритель, таким образом, из пассивного соглядатая превращается в невольного соучастника всего того, что происходит с Инессой. По-видимому, Риберу в данном случае интересуют не противопоставление христианской святой – грешному миру, а лишь глубина внутреннего состояния самой Инессы. Ему важно передать её наивность, её детскую трогательность. Для достижения этой цели Рибера делает фон размытым и максимально условным, а саму фигуру Инессы, напротив, выписывает очень тщательно. Мы можем видеть следующие детали: отдельные пушистые пряди её волос, серебрящиеся у глаз слезинки, пронизанные розовым светом тонкие пальцы. Все они написаны с озязаемой вещественностью. Особенности колорита Одно из главных достоинств «Святой Инессы» – её колорит. Она создана в то время, когда Рибера отказался от резких светотеневых контрастов, а палитра его картин стала более светлой и уравновешенной. Здесь есть некоторый парадокс: многие картины художника (и «Святая Инесса» в особенности) кажутся едва ли не монохромными, заставляя вспомнить о пресловутой «испанской мрачности», при этом Рибера считается одним из лучших колористов своего времени. В чем здесь дело? Вероятно, в «пятидесяти оттенках серого» в творчестве Риберы. Невероятное богатство тонов и рефлексов, для каждого из которых даже нет отдельного названия – разнообразных невнятно-коричневых, серебристо-бежевых, серо-розовых и буровато-зелёных – заставляет знатоков восхищаться великолепной и мощной тональной живописью Риберы. Рибера Барокко РелигиознаяСцена _history

Площадь Согласия 1876 Эдгар Дега Эрмитаж, Санкт-Петербург «Виконт Лепик и его дочери пересекают площадь Согласия» — второе название картины. На ней изображены художник и меценат Людовик-Наполеон Лепик, курящий сигару; его дочери, его собака и одинокий прохожий (слева) на Площади Согласия в Париже. На заднем плане, за каменной стеной — сад Тюильри. Многие историки искусства полагают, что на композицию картины повлияло искусство фотографии: это выразилось в большом количестве негативного пространства, «обрезанном» кадре и взглядах персонажей, направленных в случайных направлениях. Картина считалась утерянной сорок лет после Второй мировой войны. Позже она нашлась в хранилище Эрмитажа её выставили в залах, где она и находится до сих пор.

"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Испанский король Карл IV, его супруга Мария Луиза Пармская, их разновозрастные и многочисленные «чада и домочадцы»… Перед нами знаменитый семейный портрет испанских монархов кисти придворного живописца Франсиско Гойи. Портрет, самую едкую и ёмкую характеристику которому дал французский поэт-романтик Теофиль Готье. Он сказал, что на этой картине видит не короля и королеву, а «булочника с женой, получивших крупный выигрыш в лотерею». «Семья короля Карла IV» – ода или насмешка? «Семья короля Карла IV» – парадный портрет, и в то же время в нём легко считывается ирония Гойи. С одной стороны, испанские правители, нынешние и будущие, показаны в блеске королевской славы. Гойя тщательно воспроизводит их одежду, обильно украшенную придворным ювелиром драгоценными камнями. Женские украшения, ордена короля (среди них – недавно учреждённый орден Марии Луизы и Золотого руна, а также Крест Непорочного зачатия) – всё это Гойя выписывает, кажется, с каким-то особым удовольствием. С не меньшим вкусом и знанием дела передана фактура тканей: тяжёлой золотой парчи, мягкого и вкрадчиво-матового бархата, лёгких кружев. Однако роскошь нарядов только оттеняет физические несовершенства героев. По воспоминаниям, король был феноменально рыхл, а королева-распутница – и вовсе безобразна. И Гойя не стремится дать их в идеализированном виде. Он изображает не богоподобных венценосцев, а заурядных смертных из плоти и крови. В демократической критике принято будет писать о семье Карла IV чуть ли не с отвращением: духовное убожество, мещанская заурядность, семья лавочников, вульгарность, невежество, вырождение и прочая, и прочая. В работе Гойи видели чуть ли не карикатуру. Вряд ли это и в самом деле так. Скорее, мы имеем дело с критической крайностью. А Гойя оставался художником, он создал остро-характерные портреты, раскрывающие в нём знатока человеческой природы. И, кстати, монархами портрет был воспринят благосклонно. Но вот что еще интересно: на этом портрете изображены люди, близкие по крови – король с королевой, три их дочери, три сына, внук, зять, сестра королевы и брат короля. Как это было принято среди европейских правящих династий, многие из них связаны двойной родственной связью: муж Марии-Луизы – одновременно её же кузен; брат короля Антонио Паскуаль был женат на королевской дочке, своей племяннице Марии Амалии (её на картине нет – она умерла за два года до её создания, в 1798-м; и может быть, это её Гойя изобразил отвернувшейся к стене?). Но несмотря на кровную близость, люди эти выглядят удивительно отчуждёнными, разрозненными, замкнутыми в себе, словно их собрала для позирования художнику простая случайность. А еще на картине есть тот, кто внимательно наблюдает за всеми ними. Автопортрет Гойи в картине «Семья короля Карла IV» Франсиско Гойя говорил: «Я признаю трёх учителей - Рембрандта, Веласкеса и природу». В этом парадном портрете короля Карла IV с его близкими есть прямая отсылка к веласкесовым «Менинам» – знаменитой картине-иллюзии, где в окружении королевских особ (инфанты Маргариты и отражающихся в зеркале короля и королевы, её родителей) кумир Гойи Веласкес изобразил себя самого за работой. Гойя здесь без стеснения подражает Веласкесу. Точно так же в групповое изображение семьи Карла IV Франсиско Гойя вписывает автопортрет: в затемнённом левом углу, позади королевских особ, за мольбертом, можно разглядеть по-рембрандтовски задумчивое лицо художника. ФрансискоГойя Портрет Романтизм _history