ОбложкаНедели журнала Collier’s Weekly за 29 сентября 1917 года,...

​​В России появился новый научный журнал о вопросах современного искусства. Музей «Гараж» выпустил первый номер рецензируемого научного журнала The Garage Journal. Первый номер — «Доступность и инклюзия в современном искусстве» — посвящен трудовому разнообразию в арт-среде, ее доступности для людей с инвалидностью, аутсайдерскому искусству и другим темам. The Garage Journal станет международной платформой для обсуждения: ️вопросов и проблем, связанных как с современными междисциплинарными гуманитарными исследованиями (инклюзия, научная этика, устойчивое развитие, миграция), ️так и с местом культурных институций в современном контексте. Материалы журнала можно найти в открытом доступе здесь https://telegra.ph/file/bb98b2013c16eb5f0d9ee.jpg

​​️Видеоэкскурсии по Новой Третьяковке и новым выставкам появились на платформе Москвастобой ️Лувр открыл свой интернет-бутик. ️Джо Викери возглавила онлайн-журнала о современной русской художественной сцене Russian Art Focus.   ️В музее «Новый Иерусалим» продолжается выставка династии Брейгелей на основе российской частной коллекции. ️TEFAF Maastricht состоится 11–19 сентября. TEFAF Maastricht — ведущая мировая выставка изобразительного искусства, антиквариата и дизайна.   Наряду с картинами старых мастеров и антиквариатом вы можете найти современное искусство, фотографию, ювелирное искусство, дизайн 20-го века, работы на бумаге. Фото: Tefaf Maastricht 2020 https://telegra.ph/file/e7c050a3e0b258b3f50cb.jpg

​​️Пушкинский проведет молодежную конференцию про цифровую революцию и инклюзию в театре. ️Опубликован традиционный список Time 100 Next, посвященный будущим лидерам общества по версии журнала. В список вошли два художника — Салман Тур и Амоако Боафо. ️14 марта в «Центре искусств. Москва» пройдёт весенний концерт «Песни птиц». ️Берлинская художница-концептуалист Мария Айххорн будет представлена в национальном павильоне Германии на Венецианской биеннале 2022 года. ️Венецианское биеннале пройдет с 23 апреля по 27 ноября 2022 года. https://telegra.ph/file/68443a829795c96849ca6.jpg

Тамара Лемпицка "Автопортрет в зеленом Бугатти" (1929) Легенда гласит, что редактор самого влиятельного модного журнала Германии была сражена наповал видом богемной деятельницы искусства, выходившей из своего автомобиля перед роскошной гостиницей в Монте-Карло. Элегантная, независимая и эмансипированная, она выглядела идеальной ролевой моделью для продвинутых читательниц журнала, поэтому редактор тут же заказала Лемпицкой ее автопортрет для обложки следующего номера издания. Легким движением руки Тамара превратила свой маленький желтый «Рено» в сверкающий хромированный «Бугатти», справедливо рассудив, что он будет куда лучше оттенять ее аристократический лоск. Она не учла лишь одну маленькую деталь: до 1963 года автомобили этой марки выпускались с правосторонним рулем. Впрочем, это не помешало «Автопортрету в зеленом Бугатти» с обложки популярного журнала наделать много шума и получить титул «гимн современной женщине».

​​Хроника новейшего кино: новый обучающий курс Гаража. 4 апреля в музее «Гараж» начинается курс «Хроника новейшего кино. Новаторы VS архаисты» для тех, кто хочет разобраться в истории, основных тенденциях и фигурантах кинематографа XXI века. Речь пойдет о новаторах и классиках, за последние 20 лет снявших самые значимые и обсуждаемые — не только в профессиональной среде — фильмы. Участники сфокусируются на ️анализе особенностей режиссерского мышления, ️стилистике и поэтике каждого направления, ️исследовании их связи с предшествующей традицией, ️а также больше узнают о революции конца XX века и содержательных новациях в кинематографе. ️Автор программы: критик, заместитель главного редактора журнала «Искусство кино» Зара Абдуллаева. ️Курс можно посещать как очно, так и онлайн. ️Абонементы здесь https://telegra.ph/file/dfd71010cf43e6e1c7d4a.jpg

Первый кутюрье Чарльз Фредерик Ворт (1825-1895) - французский модельер английского происхождения, основатель дома моды Worth. Он же первый в истории кутюрье. До этого существовали лишь модистки. Он же в 1868 основал Синдикат Высокой моды, который существует до сих пор. Кроме того, Ворт был первым, кто: - Стал рекламировать свои туалеты в модных журналах. - Привлекать манекенщиц для демонстрации моделей. - Начал проводить модные показы дважды в год. - Пришивать на созданную им одежду ленты с вытканной на них своей фамилией. - Создал конструкцию нижней юбки на обручах - кринолин, а потом сам же её «упразднил» и ввел в моду турнюры. Чарльз Ворт «одевал» императрицу Евгению, королеву Викторию, императрицу Елизавету Австрийскую, испанскую королеву Марию Кристину, королеву Швеции Луизу, а также российских императриц: Марию Александровну (супругу Александра II), Марию Федоровну (супругу Александра III) и Александра Фёдоровна (супругу Николая II), за что его называли «Некоронованный король моды».

Душевое искушение Евы 2003 Александр Дашевский ДВП, масло, пластилин 66 × 92 см Эрарта, Санкт-Петербург Современный российский художник. Известен своей серией «Недвижимость» (про советские типовые дома, обычно нелюбимые их обитателями, стремящимися к новому комфорту). Работает не только с историей, которая не переосмысляется, остается травматичной. Призраки прошлого обитают вместе с призраками настоящего. Многие работы Дашевского посвящены разным людям, сюжеты, почти аллегорические. Правда, правила дешифровки автор раскрывает редко, периодически придумывает новые, что по-своему последовательно. Сюжеты вызывают поиски новых художественных приёмов. Последние несколько лет Дашевский экспериментирует с формой холста: дробит, создает работы сложной неправильной формы, коллажирует. Таким образом автор исследует возможности живописи, как медиума. Вошёл в «8 лучших художников мира» по мнению журнала Forbes.

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg

Восхождение и спуск 1960 Морис Эшер После Второй Мировой Эшер обрел настоящую популярность. Его работы оказались оценены математиками. В период с 1950 по 1960 годы он создал свои наиболее известные картины в том числе и с невозможными конструкциями. Бесконечные лестницы — главный мотив этой картины, навеяны статьей Р. Пенроузов из "Британского журнала психологии" 1958 года. Прямоугольник внутреннего двора замкнут стенами здания, у которого вместо крыши – бесконечная лестница. Скорее всего, в этом доме живут монахи. Возможно, ежедневный ритуал предписывает им подниматься по ступеням несколько часов подряд. Кажется, если они устанут, им разрешается повернуть в обратную сторону и спускаться, вместо того чтобы подниматься. Однако оба направления, хотя и выразительны, но одинаково бесполезны. Двое непокорных индивидов в этот момент отказываются участвовать в ритуале. Эшер оказал огромное влияние на несчетное количество художников в разных странах мира. А математики особенно любят работы Эшера.

"Письмо" 1891 г. Мэри Кассат Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк. «Письмо» — одна из десяти цветных гравюр Кассат, посвященных жизни современной женщины. Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в 1891 году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи. Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в 1871 году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов. В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет. «Письмо» иллюстрирует одно из важнейших занятий образованных и обеспеченных женщин конца XIX века. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации (различные заказы, ответы на приглашения и проч.) тоже были завязаны на переписке. Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо. В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно. Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ. Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета (пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта). Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице. «Письмо» отличается не только композиционной упорядоченностью и гармоничным цветовым решением. Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега. Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти. МэриКассат _history

Марко Мельграти — иллюстратор родом из Италии сотрудничает с Washington Times, GQ, Marie Claire, Boston globe и другими газетами и журналами, а также различными рекламными агентствами. Его ёмкие и хлёсткие диджитал-иллюстрации высмеивают пороки и нравы современного общества, что принесло Марко известность и репутацию современного карикатуриста. В работе Марко использует цифровые инструменты, и делится знаниями и навыками со студентами. Вы сможете посмотреть работы художника на ARTLIFE FEST 2021 с 25 по 31 октября : ​​https://artlife-fest.com/ ​​ картины_ARTLIFE художники_ARTLIFEFEST2021

"Лидия Эммет" 1892 г. Уильям Меррит Чейз Бруклинский музей, Бруклин. Для своего времени это один из самых дерзких женских портретов. До сих пор так писали только мужчин: уверенный поворот, выставленная вперед нога, энергичное и свободное положение руки. Ван Дейк, Веласкес, Рубенс, все написанные ими короли и принцы, со шпагами и плащами, званиями и титулами. За 20 лет до Чейза подобную дерзость позволял себе только Эдуар Мане, смягчая ее все же веером, сценическим костюмом с испанскими корнями и более нежным поворотом тела. В остальных же случаях дамам на портретах положено было левой рукой придерживать платье, теребить платок, укачивать младенца, сжимать зонтик или веер. Нежным полукругом изгибать ее в крайнем случае. Но художницу Лидию Эммет необходимо было написать именно так. В 1892 году Лидия Эммет (ей 26 лет!) принимала участие в росписи свежеотстроенного Женского здания на готовящейся Всемирной колумбовой выставке в Чикаго. Выставка состоится через год и станет самой масштабной и посещаемой за всю историю. Лидия, бывшая ученица Уильяма Чейза, уже вернулась к тому времени из Парижа, где училась, из Живерни, где жила некоторое время в колонии американских импрессионистов, поклонников-последователей Клода Моне. Теперь Лидия Эммет – помощница Чейза и преподаватель начального курса в его летней школе в Лонг-Айленде. Она получила первый заказ на иллюстрации к детской книге, когда ей было 16 лет, стала академиком в 45 лет, разработала эскиз медали Американского географического общества, рисовала иллюстрации для журнала Harper’s Bazaar, создавала витражи для Луиса Тиффани, написала портрет первой леди Лу Гувер, который сейчас находится в Белом доме. Одним словом, веер, платок и зонтик – абсолютно посторонние для нее вещи. По портрету Лидии Эммет можно составлять подробный список живописцев, которыми восхищался Чейз, от которых с удовольствием перенимал технические находки, по которым цитировал кружева и платье, позу модели и композицию картины. И все это вместе оставалось бы ловким реверансом в сторону Веласкеса, Ван Дейка, Уистлера, если бы не эта гендерная дерзость. И еще одно: эта длинная розовая лента, пересекающая вертикально всю фигуру Лидии, написана одним тягучим, виртуозным, вызывающе точным мазком. УильямЧейз Портрет _history

Mike Ludlow (1921-2010) – американский художник, создавший множество модных пин-ап иллюстраций. С самого начала своей карьеры специализировался на гламурных образах и работал преимущественно с женскими персонажами. Его первая коммерческая работа была воскресной вклейкой для журнала Journal American в 1948 году. Помимо публикаций в модных журналах, сделал карьеру в качестве иллюстратора романтических историй, сотрудничая со многими издательствами. Все созданные им книжные обложки имели явный оттенок чувственности и изображали в качестве главных персонажей сексуальных девушек в стиле пин-ап. художник иллюстрация галерея пинап искусство лебедиЛеонардо арт

Голубая пара Марк Шагал Он прожил 98 лет. В его жизни было три музы, две супруги и одна вечная любовь, он потерял сотни картин и создал тысячи. Художник покорял Париж и Нью-Йорк, он не боялся потерять дружбу Пикассо и страшился увидеть Витебск не таким, каким помнил его в юности. Будущий художник увидел одноклассника, который перерисовывал картинку из иллюстрированного журнала. — Мне это показалось миражом, своего рода черно-белым откровением. Я спросил его, как это делается. «Дурак, — сказал он мне, — иди в библиотеку, найди картинку, которая тебе понравится, и срисуй ее». Так я стал художником.

Илья Пьянков Покой «1996 год. Я поступил на подготовительные курсы при институте имени Репина и первой темой по композиции была тема «Пустой дом». Я на тот момент не понимал даже как найти сюжет, что уж говорить о формальном построении композиции и художественном образе. Я был в отчаянии, так как вместо пустого дома пустой была только моя голова. Помог, как это часто происходило в моей жизни, случай. На последней странице найденного на помойке журнала «Огонек» я наткнулся на фотографию затопленной колокольни, а ниже была статья о Мологе, одном из городов, затопленных Рыбинским водохранилищем. Вечером нарисовал карандашом эскиз. На нем пустой затопленный дом, в проёме двери колокольня и ещё много домов, столбов, деревьев. Внутри дома плавали стулья, книги, шкаф; висели старые веники, фотографии и т.д. И вот я с волнением понес показывать свой первый эскиз. Идея и сюжет сразу понравились преподавателю и я стал разрабатывать эту тему. За время учебы в институте я сделал много разных композиций, но когда на пятом курсе речь зашла о теме дипломной работы, почему-то сразу вспомнил об этой, с которой я и начал свой путь в институте. Жаль, что до конца не удалось мне воплотить в дипломной работе тот образ, который был в голове - наверное тогда ещё был не готов, хотя и получил в итоге оценку «отлично». Один из эскизов диплома сохранился у меня в мастерской. Я часто на него смотрю и вспоминаю подготовительные курсы, счастливые годы учебы, своих учителей. А ещё смотрю с надеждой. С надеждой на то, что может сейчас как раз то время, когда я готов написать эту картину...». 17 декабря 2020 художник арт живопись галерея малаяРодина искусство лебедиЛеонардо

​​Маркетинг как искусство Сегодня делимся полезной статьей, в которой руководитель отдела маркетинга ARTLIFE ACADEMY Анна Тимофеева рассказала о том, как продвигать свое творчество с помощью маркетинговых инструментов «Как продвигать свое творчество?» — это самый распространенный вопрос среди начинающих художников С чего начать продвижение? Сначала нужно определиться с продуктом: что именно вы продаете и какие продукты будут доступны вашим клиентам. Отвечая на вопросы, связанные с продуктом, вы сможете выработать стратегию, которой будете придерживаться в дальнейшем. Важно сначала погрузиться в эту тему самостоятельно, а уже потом нанимать маркетолога. Кто ваш клиент? Следом нужно изучить свою целевую аудиторию. Но если вы пока плохо понимаете, кто именно будет вашим клиентом, можно использовать метод Jobs to be done. Что это за метод? В рамках этого метода надо фокусироваться на том, чего стремиться достичь пользователь в определенных обстоятельствах (от англ. «Работа, которую надо выполнить»). Создавая свой продукт, подумайте, в каких обстоятельствах люди будут покупать его. С помощью этого вы сможете составить 2-3 портрета вашей будущей целевой аудитории. Для чего это нужно? Анализ вашей целевой аудитории позволит правильно выстроить стратегию личного бренда художника и дальнейшее продвижение в социальных сетях. Эту и многие другие интересные статьи вы можете прочитать в нашем новом выпуске журнала ARTLIFE MAGAZINE https://telegra.ph/file/c287c3309217788d938b0.jpg

С 25 по 31 октября в Центральном выставочном зале «Манеж» пройдёт крупнейшее арт-событие 2021 года – IV Международный интерактивный фестиваль современного искусства ARTLIFE. В течение недели посетители увидят более 350 работ от 64 художников из 23 стран мира. ⠀ В этом году ARTLIFE FEST познакомит публику с шедеврами художников и скульпторов, выполненными в разных техниках и стилях — от академизма и гиперреализма до digital- и fashion-иллюстрации. ⠀ Тема фестиваля — «Путь новой реальности» — будет раскрыта не только через экспозицию, но и через лекции экспертов и мастер-классы по живописи. В числе спикеров бесплатного лектория — главный редактор журнала Esquire Russia Сергей Минаев, писатель и публицист Александр Цыпкин, дизайнер Артемий Лебедев, вице-президент Российской академии художеств Василий Церетели, основатель Askeri Gallery Полина Аскери и другие. ⠀ Вход бесплатный. Получить электронный билет и познакомиться с программой выступлений спикеров и проведения мастер-классов можно на официальном сайте.

Harper's Bazar. Декабрь 1915 года. Лев Бакст Уникальная и редчайшая обложка легендарного американского журнала. Темой декабрьского номера стали Дягилевские «Русские сезоны». Приглашённым автором обложки стал Лев Бакст. Специально для выпуска художник создал иллюстрацию из «Кавказского воинского танца». Мастер изобразил черкесскую пару, застывшую в полете балетного па. Как и полагается театральному художнику, Бакст с пристальным вниманием отнёсся к костюмам на героях: символичный красный цвет, присущий черкесскому княжескому костюму, этнические детали, прорисовка орнаментов и фрагментов одежды. Обложка принесла небывалый успех дягилевской постановке – все билеты были раскуплены за пару дней.

"Сотворение Адама" 1511 г. Микеланджело Буонарроти Сикстинская капелла, Ватикан. Одно из самых известных и знаковых образов в истории искусства. Как часть потолочных фресок, заказанных Папой Юлием II (1444–1513) для Сикстинской капеллы в 1508 году, он отмечался, анализировался, пародировался и обсуждался, и больше, чем что-либо другое, сформировал образ публики. вообразил Бога, Адама, ангелов и библейское творение человечества. Эстетически он уравновешен и динамичен, а мускулистое, молодое тело Адама основано на более раннем греческом и римском классическом искусстве, а также на обширных знаниях Микеланджело о пропорциях и анатомии. Хотя на первый взгляд это кажется простым изображением Бога, дающего Адаму искру жизни, как описано в Книге Бытия, как и многие другие произведения искусства эпохи Возрождения, в нем содержатся секретные послания, которые историки искусства и широкая публика все еще пытаются разгадать столетия спустя. Фокус Творения Адама - почти соприкасающиеся пальцы первого человека и его создателя. Микеланджело мастерски нарисовал их как можно ближе к контакту, оставив нас гадать, является ли это моментом непосредственно перед тем, как Бог касается Адама, давая ему жизнь и представляя союз земного и божественного, или сразу после него, представляя их разделение. Адам показан в расслабленной позе, по-видимому, готовым принять дар Бога, а Бог - мощная, решительная, внушительная фигура, окруженная и поддерживаемая стайкой ангелов (и двумя часто обсуждаемыми фигурами) на фоне красного плаща. Среди херувимов, ставших свидетелями этого ключевого момента в христианской мифологии, есть женская фигура, которая кажется значимой для Создателя. Она ярче других, и Его рука обнимает ее. Это Ева, ожидающая рождения из ребра Адама? Дева Мария? Если так, то есть ли херувим слева от нее, с перстом Божьим на плече, Иисусом? Неужели он отвернулся, потому что однажды ему придется пострадать за грехи нового фаворита своего отца? И это угрюмый архангел Михаил, летящий внизу, словно поддерживая весь состав. Среди этого небесного окружения есть тот Люцифер, будущий падший ангел, лицо которого наполовину в тени, схватившее женщину за руку (может быть, это Ева? Или это и Ева, грешница, и Мария, святая, образ универсальной женщины?) и шепчет ей на ухо? А кто такой несчастный задумчивый ангел внизу слева? Как и любой уважающий себя художник эпохи Возрождения, Микеланджело оставил ученым и ценителям искусства множество ключей, секретов и загадок, над которыми они могли размышлять в течение сотен лет. Одно конкретное послание, которое Микеланджело добавил в свой шедевр, будет замечено только в 20 веке. В выпуске журнала Американской медицинской ассоциации от 10 октября 1990 года Фрэнк Линн Мешбергер, доктор медицины, гинеколог из Медицинского центра Св. Иоанна в Андерсоне, штат Индиана, отметил, что саван, окружающий Бога и ангелов, невероятно похож на человеческий мозг. В самом деле, как только вы это видите, это не может быть невидимым. Как было принято для художников того времени, Микеланджело препарировал трупы, чтобы больше узнать об анатомии человека и, конечно же, знать, как выглядит мозг внутри и снаружи. Что пытался передать мастер, поместив Создателя Вселенной в гигантский человеческий мозг? Возможно, настоящим даром, который, как он изображал, принимает Адам, был интеллект. Или, может быть, он пытался передать более бунтарское послание. Мог ли искренний католический художник тайно изобразить Бога как воображение в разуме Адама на потолке одного из самых святых мест католической церкви? Если так, это был бы величайший пример троллинга в истории человечества.

Как долго Инстаграм ещё будет работать с vpn? Как не запутаться во всех обрушившихся на нас приглашениях в телеграм? ⠀ Мы сделали для вас подборку с адресами каналов в сфере архитектуры и искусства. Очень удобно, все собраны в одном месте, теперь точно никого не потеряете! ️ М У З Е И, П А Р К И ⠀ Никола-Ленивец – самый большой Арт-парк Европы, в 200 км от Москвы, более 100 арт-объектов, в некоторых из которых можно жить. МУАР – Музей архитектуры имени А.В. Щусева, Москва. Эрмитаж – официальный канал Государственного Эрмитажа ️ К А Н А Л Ы Artadviser – лучшие рекомендации о самых важных событиях культуры и арт-бизнеса в России и в мире. Первый канал об искусстве в Telegram. NEWS ART – самые быстрые новости искусства один раз в день. Денис Ромодин – Заметки об архитектуре и не только. Телеграм-канал Дениса Ромодина - научного сотрудника Музея Москвы, автора статей о московской архитектуре XX века в журналах The Village, «Афиша», «РБК-Недвижимость». Я люблю музеи – ежедневный заряд искусства: все самое интересное про выставки, музеи, художников и шедевры на одном канале. Канал имени Москвы – канал о московских фишках. Подробностях, которых мы часто не замечаем. Будем искать эти детали, а также знакомиться с книгами. MAG Architecture – канал ведет практикующий архитектор, рассказывая о новой современной архитектуре Москвы и других регионов России. Также иногда мелькают тексты про зарубежные проекты. что по выставкам? – новости о выставках, музеях и людях. Архитектура и не только – все самое интересное и важное об архитектуре, дизайне и строительных технологиях. Урбанизм, как смысл жизни – канал об урбанистике, градоводстве и устойчивом развитии городов. Пойдём в музей – честно пишет о музеях и советует выставки в Москве. ️ А Р Х И Т Е К Т О Р Ы ⠀ Сергей Кузнецов –главный архитектор Москвы ⠀ nice busy architects (: – тут собраны архитектруные проекты, конкурсы, вакансии и воркшопы. ⠀ ️ Д Е В Е Л О П Е Р Ы ⠀ STONE by Stone Hedge – канал девелопера STONE HEDGE об офисной недвижимости класса А. ⠀ ПРОДУКТОВЫЕ ЗАМЕТКИ – о продукте в недвижимости: Архитектура, дизайн, ландшафт, и реализация! https://t.me/nikola_lenivets

Обложка журнала VOGUE посвящённая окончанию Второй Мировой войны, осень 1945

Descending light (2007) Нисходящий свет Работа Ай Вэйвэй — китайский современный художник и архитектор, куратор и критик, основатель и директор «China Art Archive & Warehouse». В рейтинге за 2011 год «Сто самых влиятельных персон в арт-мире», составляемом журналом «ArtReview», Ай Вэйвэй занял первое место. По версии журнала «Time», он занимает 24-ю строчку в списке самых влиятельных людей мира. Огромный светильник, который занимает почти всю комнату в галерее. Произведение состоит из 60000 красных кристаллов. Светильник не свисает с потолка, он будто бы упал на землю и лежит, все ещё светясь, изогнувшись на полу. Красный свет ассоциируется в Китае с коммунизмом и традиционным китайским праздником. Descending light является частью серии световых скульптурных форм, которую Ай Вэйвэй начал в 2002 с работы Chandelier, созданной для Триеннале Гуанчжоу.

Патрисия Гузман — художница-самоучка из Мексики и участница ARTLIFE FEST 2022. В своём творчестве она обращается к образам представителей коренных мексиканских народов: их мировоззрение пробудило ее интерес ещё в юности, когда она читала книги Карлоса Кастанеды. Увидев ее картины, не каждый зритель сразу догадается, что они написаны акварелью. Вплоть до мельчайших деталей художница максимально достоверно передаёт следы времени, оставленные на лицах ее героев. Сложная текстура кожи, глубина взгляда и филигранно схваченная уникальная мимика в ее портретах свидетельствуют о многогранности акварельной техники, о ее безграничном изобразительно-выразительном потенциале. Узнать больше о профессиональном пути и творческих исканиях Патрисии Гузман вы сможете на страницах нового, юбилейного выпуска журнала ARTLIFE MAGAZINE, а своими глазами посмотреть в манящее зеркало таинственной индейской души — на 5-ом фестивале ARTLIFE FEST 2022 в сентябре.

Для Мизии Годебской даже в современном мире вряд ли можно подыскать правильное профессиональное амплуа. Она не создала ни одного художественного произведения, она творила шедевр из собственной жизни и вдохновляла самых ярких художников и писателей своего времени. Мизиа дружила с Тулуз-Лотреком, Дебюсси, Малларме, Ренуаром, Стравинским, Пикассо, без нее не состоялась бы премьера «Петрушки» - именно она помогла Дягилеву деньгами, когда постановка оказалась под угрозой. Когда Мизиа была женой Тоде Натансона, редактора художественного журнала La Revue blanche, часто именно она оказывалась консультантом редакции в выборе тем и персоналий. Она говорила на всех европейских языках и была самой близкой подругой Коко Шанель, в ее честь назван один из ароматов модного дома – Misia. Мизиа Годебска была замужем три раза и, к огромному разочарованию многих страстно влюбленных поклонников, никогда не заводила романов на стороне. В то время, когда Ренуар писал ее портрет, это была Мизиа Эдвардс. А вот для Альфреда Эдвардса, мужа Мизи, уже тогда профессиональное амплуа определялось точно: заводчик-мультимиллионер. Он владел добрым десятком предприятий и одним из первых начал добывать бокситы для изготовления нового металла с большим будущим – алюминия. «Чтобы добиться такой женщины и на ней жениться, он придумал следующий способ: каждый вечер приглашал на обед всех ее друзей. Чтобы не оставаться одной, она была вынуждена присоединяться к компании. Эдвардс усаживал ее по правую руку и всякий раз под салфеткой она обнаруживала футляр с бриллиантом большой цены», - вспоминал Ренуар и добавлял, что ни одна женщина против такого не устояла бы. Для Огюста Ренуара, тогда уже прикованного к инвалидному креслу, в доме Мизи и Альфреда построили лифт, чтобы художник мог подниматься в комнату хозяйки для сеансов позирования. Когда работа была окончена, Мизиа выдала Огюсту пустой чек и попросила самостоятельно оценить картину. Ренуар, на взгляд мадам Эдвардс (фамилию Серт она получит от своего следующего мужа), оказался слишком скромен в оценке своего произведения. Для художника это было время, когда он заговорил на своем живописном языке, когда стал знаменит и наконец-то мог не заботиться о деньгах. Этот поздний период искусствоведы называют «красным» - Ренуар не боится ярких, страстных цветов и мастерски создает сложные колористические решения. Его палитра становится предельно лаконичной. «Бедными средствами богатый результат» - ставит художник перед собой головоломную задачу и блестяще с ней справляется. Трудно поверить, что в этом году Огюст уже не смог жонглировать и заменил эту зарядку для больных, изуродованных ревматизмом рук более простой – подбрасыванием поленца. Скоро он не сможет держать в руках и его. ПьерОгюстРенуар Портрет Импрессионизм _history

На своей финляндской даче в Ино Валентин Серов предпочитал писать то, что хотел, оставляя заказные работы за стенами этой бревенчатой крепости. Исключения он делал лишь изредка: портрет писателя Леонида Андреева стал одним из них. В 1906-м портрет Андреева Серову заказал издатель журнала «Золотое руно» Николай Рябушинский, причем Андреев желал быть нарисованным «только Серовым и никем другим». Сдать работу в срок Серову не удалось: Андреев, имевший отношение к восстанию матросов Балтийского флота в Свеаборге, был вынужден бежать и скрываться от ареста в Европе. В письме, которое Серов получил из Берлина, писатель признавался: «Более всего жалею, что не придется мне быть написанным вами». Год спустя Серов узнал, что Андреев построил дом в пяти километрах от его дачи в Ино – сама судьба намекала, что пришло время отдать Рябушинскому старый долг. Серов впервые увидел Леонида Андреева на даче Максима Горького в Куоккале, где обсуждали первый номер сатирического журнала «Жупел». Это был красивый молодой человек, полный энергии, жизни, благородной ярости и желания сделать мир лучше. Два года спустя Андреев был тенью себя прежнего: в Берлине он похоронил жену, кроме того Леонид Николаевич несколько разуверился в революционных идеалах. Эта перемена и стала основой портрета: траурные одежды, потухший взгляд, скорбная складка над переносицей. Написанное акварелью и темперой лицо – «прозрачно», оно будто сливается со стеной: Андреев опустошен и отстранен, он словно не здесь. Этот человек уже не рвется на баррикады и, кажется, не решается встретиться с публикой взглядом. В 1905-м Леонида Андреева – еще полного решимости и надежд – писал Репин. О той работе писатель отзывался с некоторым пренебрежением: «Не портрет, а идиллия». Серовский же портрет Андреев ценил – за правдивость и точно взятую трагическую ноту. Изрядно потрепав, жизнь все же не сломила этого человека. Он оставался остроумным и интересным собеседником, чьим обществом Серов дорожил. После того как портрет был окончен, художник регулярно бывал у Андреева в гостях. Он любил его как писателя, друга, соседа. У них были схожие взгляды на происходившие в России события. Кроме того, Андреев отвозил Серова домой на лодке с мотором – по меркам тех мест и лет, это была невидаль и роскошь. Через два года, после того как был написан этот портрет, Леонид Андреев женился во второй раз. В 1912-м у него родился сын, которого писатель назвал Валентином. _history ВалентинСеров Портрет Импрессионизм