Назад

Обожаю, когда человек способен связать два слова и не мямлит в духе «эээ...

Описание:
Обожаю, когда человек способен связать два слова и не мямлит в духе «эээ... забыл, как эта ... называется». Вообще красиво говорить и словесно доминировать в любом споре — это навык. Прокачать его поможет проект филологического института Вокабуля́рий. Что делать: 1. Читаете канал 3 минуты в день несколько недель 2. Ваша речь становится привлекательной и богатой 3. Пишете классные посты в инсту и становитесь богом комментариев на ютубе 4. Готово! Вы прекрасны! Учимся красиво и грамотно говорить тут: https://t.me/vcblr

Похожие статьи

Картина Александра Николаевича Волкова, «Испания»-как символ сопротивления и справедливости.
Картина Александра Николаевича Волкова, «Испания»-как символ сопротивления и справедливости.
Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.
758 

02.06.2024 17:09

Каким был в жизни Михаил Врубель

Легкости, с которой работал Михаил Врубель...
Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель...
Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель, силе, выразительности, стремительности его кисти завидовали многие. Он быстро отпускал натурщиков, тогда как другим приходилось оплачивать многочасовые сеансы. Он за полчаса набрасывал великолепный эскиз, над которым неделю безуспешно бились Серов с Коровиным. Крайне дисциплинированный в творчестве, он вел на удивление беспорядочный образ жизни. Окружал себя сомнительными и странными персонажами. Живя впроголодь, мог истратить последние деньги, к примеру, на пару лайковых перчаток или эпическую попойку. Был вдохновенным вралем. Однажды коллеги собрали ему денег, чтобы художник смог съездить из Киева в Харьков на похороны отца. И были немало удивлены, когда отец Врубеля — живой и здоровый — вскоре приехал в Киев навестить сына. Чувство ответственности было ему неведомо. Он мог опоздать на назначенную встречу на два дня. Или нарисовать поверх уже проданной заказчику картины цирковую наездницу, в которую был влюблен.
5586 

21.02.2021 22:55

​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia.

Лауреаты...
​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты...
​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты будут названы на торжественной церемонии весной 2021 года в Москве в Гостином Дворе.   ️С 27 января в Третьяковской галерее на Крымском валу для публики открыта выставка «Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России».   Экспозиция показывает широкую панораму развития кинетизма в России в 60–70-х годах, прослеживая его связь с авангардистскими экспериментами начала века и художественными практиками современности. ️В галерее Lazy Mike в Малом Кисельном переулке в Москве пройдет выставка «Курортный роман» Романа Манихина.   ️C 27 по 31 января BRAFA Art Fair пройдет в формате BRAFA in the Galleries.   Постоянные участники ярмарки в разных странах станут амбассадорами BRAFA на местах, то есть проведут пятидневные выставки, которые будут включать отобранные для брюссельской ярмарки работы. «Хикимаю» — традиция выщипывать брови и затемнять лоб чернилами среди японских аристократок известна с 8 века. Она просуществовала 11 веков до «золотой реставрации Мэйдзи», когда правительство рекомендовало срезать косички и не носить традиционные прически: курс на запад в самом расцвете культуры. Так что, трендовая техника «скульптурирования» не так уж и нова. Моя знакомая живет в Японии и говорит, что до сих пор, если ты приходишь в салон красоты, то первое, за что возьмётся стилист, посадив тебя в кресло — брови! Японцы считают, что именно с помощью бровей можно добиться любого выражения лица.   Французская галерея Yann Ferrandin представляет японскую маску театра Но периода Эдо,18-19 век. Фото: Hughes Dubois https://telegra.ph/file/4a786945534f2132d19f9.jpg
5550 

26.01.2021 20:33

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор...
"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history
5530 

16.02.2021 22:04

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская...
"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history
5562 

20.02.2021 22:10

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ...
​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ...
​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнайте, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie?utm_source=telegram&utm_campaign=simpleartist https://telegra.ph/file/e8ea6c30c7a993a38b11c.jpg
5535 

19.02.2021 21:07

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин...
"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history
5612 

21.02.2021 20:37


Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать...
Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.
5529 

16.02.2021 12:57

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по...
Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.
5494 

16.02.2021 12:57

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и...
Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.
5504 

17.02.2021 23:38

В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению...
В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению эмоционального содержания живописных полотен. В связи с этим повысилась роль света и цвета в картине. В творчестве Арта ван де Нера эти новые черты можно проследить наиболее отчётливо. Перед вами одно самых известных полотен в наследии мастера - «Пейзаж с мельницей». В Эрмитаже хранится 11 работ ван дер Нера, и более половины из них - это вариации с лунным освещением. Подобную разновидность жанра в голландскую живопись художник ввёл впервые. Но и в пейзажах с солнечным светом художник отдавал предпочтение вечеру или утру, когда окрашенная световоздушная среда позволяла ему создавать эффектные закаты и восходы. Мирное противоборство отблесков светила, которое только что скрылось позади мельницы за горизонтом, с сумерками, что окутали речную долину с заболоченными берегами, не даёт ощущения драматической битвы. «Пейзаж с мельницей» - это мирный отход ко сну утомившихся за день человека и природы. Свет присутствует везде, даже в самых глубоких тенях. Ноктюрны, которые писал ван дер Нер, не были слишком популярны у современников. Таинственные чары ночи и волшебное обаяние сумерек по достоинству были оценены значительно позже, в эпоху романтизма.
5544 

13.02.2021 14:01

Цветущие маки (1907) - Густава Климта

Пейзажи Климта близки к...
Цветущие маки (1907) - Густава Климта Пейзажи Климта близки к...
Цветущие маки (1907) - Густава Климта Пейзажи Климта близки к импрессионистским вещам Моне, но при этом изящная детальность полотен возведена здесь в абсолют («Цветущие маки»). Мазки становятся меньше и, если зритель расфокусирует взгляд, полотно рискует рассыпаться на крошечные «пиксели» краски, это же, впрочем, и добавляет картинам жизни, как будто лёгкий ветерок заставляет дрожать траву и листья деревьев вокруг смотрящего. Может показаться, что кто-то разобрал абсурдистские брызги Поллока и, собрав их, как кубик Рубика, получил эффект, которого чуть позже и в несколько ином решении добьётся Клее, когда множество разрозненных на первый взгляд несущественных элементов и создают самое картину. Безусловно Климт далёк от абстракционизма и сюрреализма, но необычайная техника мастера заставляет искать столь же необычные сравнения. Некоторые полотна («Сад с распятием у коттеджа») по постимпрессионистскому накалу близки, например, Гогену, а иные («Две девушки с олеандром») даже к прерафаэлитам. Чувствуете масштаб
5598 

28.01.2021 17:17

Климт вообще был художником ищущим. Если взять ранние его работы, сложно будет...
Климт вообще был художником ищущим. Если взять ранние его работы, сложно будет...
Климт вообще был художником ищущим. Если взять ранние его работы, сложно будет представить, что рисовал их и полотна знаменитого «Золотого периода» один и тот же человек. Впрочем, и «в золоте» художник не планировал задерживаться слишком долго – идти дальше помешала не старому ещё Климту смерть. Классическое построение фигур, привычная композиция, «традиционные» сюжеты, свойственные ему в начале карьеры, отошли со временем на второй план. Но именно работа оформителя, судя по всему, оказала большое влияние на формирование мастера. Разделение переднего и заднего плана с последующим «размытием» последнего (причина этого кроется не в лени художника, а в выделении таким образом происходящего на переднем плане) является очень характерным для Климта. Наиболее очевидным это становится, когда «в кадре» появляется человеческая фигура – художник тут же забывает о происходящем на заднем плане. Природа – жизнь и поэтому интересует Климта, но женщина для него является высшим воплощением жизни – именно поэтому на полотнах
5462 

29.01.2021 12:46

«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с...
«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с...
«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с «Московским двориком» и «Бабушкиным садом» они составляют своего рода трилогию, элегическое повествование о доживающих свой век дворянских усадьбах. Всё так узнаваемо, что, кажется, даже нечего к написанному Поленовым и добавить – любые слова будут излишни. Вот старый пруд с заиленным дном. Он давно не чистился и «цветёт»: вода у берегов затянута ряской, а ближе к центру водоёма – покрыта кувшинками. Заросли камышей наступают, отвоёвывая территорию у купальщиков. Заброшенный парк с серебристым тополем у мостков и наклонившимися к воде дубами – одичал и разросся. Красноречивая деталь: доски ветхих мостков побелели от долгого использования и частого хождения. Должно быть, когда-то мостки вели к купальне, где было шумно и весело, а сейчас уже никуда не ведут: небольшой песчаный пляж окончательно зарос травой. Одних только школьных сочинений, не говоря об искусствоведческих эссе, сколько написано о мечтательной грусти и молчаливом вел
5490 

08.02.2021 12:11

​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ...
​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ...
​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ 300К В МЕСЯЦ Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что вообще могу зарабатывать на этом. И сейчас встречаю большое количество художников с таким же мнением! Можно сказать, что жизнь сама привела меня к профессии художника. И, спустя годы, меня стали часто просить научить рисовать гиперреализм. Так и появилась Школа гиперреализма и росписи стен Арона Оноре. За годы творческой деятельности я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке: http://aron-onore-school.ru/ https://telegra.ph/file/838ef97d59679502e5560.jpg
5508 

20.02.2021 13:11

«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк

Некогда скандальная картина изображает Мадонну в...
«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк Некогда скандальная картина изображает Мадонну в...
«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк Некогда скандальная картина изображает Мадонну в необычном ракурсе. Из канонических деталей здесь лишь нимб непривычно красного цвета. Неприкрытая нагота, экстаз на лице и распущенные волосы - произвели некогда на публику весьма неоднозначное впечатление. Максимальное очеловечивание образа Девы Марии, попытка показать ее земное, человеческое величие - вот главная задача, которая стояла перед автором. Известно, что мастер несколько раз менял название этой работы. Среди версий были - «Зачатие», «Любящая женщина». Автор остановился на «Мадонне», чтобы подчеркнуть свое отношение к изображаемой женщине. Фигура героини пластична и округла, живот подчеркнут особенно, руки схематичны, они словно исчезают за полупрозрачным фоном. Всякий может заметить неоспоримое сходство «мадонны» с античными скульптурными образцами, послужившими источниками для работы.
5566 

18.02.2021 10:40

Карильон (карийон, фр. carillon)

Карильон - очень редкий инструмент. Он...
Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он...
Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он состоит из многочисленных колоколов, настроенных по хроматическому ряду, с диапазоном от двух до шести октав, которые играющий может приводить в действие, используя педали и рычаги. Звучание его зависит от формы колоколов, сплава, из которого они отлиты, материала и веса колокольных языков, акустики колокольни. Ну, и от качества настройки, разумеется. Этот инструмент постоянно проигрывал в борьбе за место в церкви органу или фортепьяно, но это не мешало ему производить большое впечатление. Риверсайдский карильон находится в церкви в Нью-Йорке и был подарен церкви семьёй Рокфеллеров. Он включает в себя 74 колокола, самый массивный из которых весит 20 тонн. Это самый большой карильон в мире, он весит более 100 тонн, что делает его одним из самых больших когда-либо построенных музыкальных инструментов.
5517 

18.02.2021 18:30

«Вечерний пейзаж с телегой» 1630-1640гг. Питер Пауль Рубенс

К последнему...
«Вечерний пейзаж с телегой» 1630-1640гг. Питер Пауль Рубенс К последнему...
«Вечерний пейзаж с телегой» 1630-1640гг. Питер Пауль Рубенс К последнему десятилетию жизни Рубенса относится небольшой «Вечерний пейзаж с телегой». Пейзаж раскрывает скромную, незаметную красоту, присущую природе в ее обычном, хочется сказать «повседневном», состоянии. Рубенс изображает прозрачный перелесок на берегу ручья, когда деревья озарены золотисто-розовыми лучами заходящего солнца. Их пышные, но легкие, местами прозрачные кроны, крепкие и стройные стволы окутаны этим сиянием, как фантастически прекрасным нарядом. Конечно, фантазия художника опирается на воспоминания об увиденном в самой жизни, на впечатления от реальной природы. Но Рубенс, однако, не ограничивается ими. Он усиливает во много раз поэтическое очарование увиденного, возводя его в мир искусства.
5620 

20.02.2021 10:40


Париж, Национальный музей современного..." />
"Афиши в Трувиле" Рауль Дюфи, 1906 > Париж, Национальный музей современного...
"Афиши в Трувиле" Рауль Дюфи, 1906 > Париж, Национальный музей современного искусства В 1906 году, после прошедшей в Париже знаменитой выставки фовистов, Дюфи (в компании с Альбером Марке) отправился в Трувиль. Молодой художник был поражен открывшимися ему возможностями живописи. Картины, написанные им в Трувиле, несут на себе несомненный отпечаток его впечатления от работ фовистов. Дюфи, правда, никогда не был строгим последователем фовизма, но «Афиши в Трувиле» – безусловно, лучшее, что создано им в этой манере. Впрочем, и здесь он отступает от канонов фовизма – цвета хоть и ярки, но не агрессивны, контуры фигур и предметов обозначены очень четко. Кроме того, рисунок и перспективу Дюфи можно назвать почти безупречными, а фовисты относились к этим элементам довольно небрежно. Восхищение Дюфи уличными афишами в чем-то предвещает американский поп-арт 1960-х годов. Используя визуальную мощь цвета, Дюфи сумел превратить вульгарные афиши в настоящее произведение искусства.
5507 

23.12.2020 10:46

"Белая летучая мышь" Лючия Хеффернан Лючия Хеффернан – современная художница...
"Белая летучая мышь" Лючия Хеффернан Лючия Хеффернан – современная художница из Тайваня, которая в настоящее время живет в США. Она создает картины с животными в юмористической манере. Основа творчества Хеффернан – увлечённость исследованием жизни животных. Лючия старается дать животным голос и личность. Художники-анималисты иногда любят немного пошутить. Такова серия работ о мышатах, которая вызывает море позитива и умиления у зрителей. Представляя в своем творческом воображении, что могут вытворять эти грызуны в той или иной ситуации, Лючия Хеффернан придает им человеческие черты поведения. Среди персонажей художницы есть кошки, кролики, поросята и другие животные. Мир живой природы загадочный и увлекательный. И мы имеем уникальную возможность познавать его и посредством анималистической живописи. Однако, участь художников-анималистов почти всегда незавидна. Они практически никогда не оказываются среди прославленных мастеров живописи, а их картины не ценятся высоко на аукционных торгах.
5553 

29.01.2021 00:43

Лондон, Музей Виктории и..." />
"Дневная Грёза" Данте Габриэль Россетти, 1880 > Лондон, Музей Виктории и...
"Дневная Грёза" Данте Габриэль Россетти, 1880 > Лондон, Музей Виктории и Альберта Почти каждая натурщица Россетти становилась его любовницей. Друзья художника между собой называли их "красотками Россетти". Но были в его жизни женщины, становившиеся не просто "эпизодами" и не только натурщицами, а музами. Их было три. Элизабет Сиддал стала первой серьезной любовью художника, она послужила моделью для самых романтичных и возвышенных картин. С нее живописец писал Беатриче – бессмертную возлюбленную Данте. Кроме того, он написал бесконечное множество портретов Элизабет. Особую роль в судьбе Россетти сыграла Фанни Корнфорт – бывшая проститутка. Она была полной противоположностью Элизабет. Чувственная, и даже несколько вульгарная, Фанни внесла в творчество Россетти элемент "приземленности". Последней большой любовью Россетти стала Джейн Моррис. В ее образе для него слились обе любви – земная и небесная. Её портрет "Дневная Грёза", относится к наиболее выразительным портретам, когда-либо созданным Россетти.
5550 

05.02.2021 01:00

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой...
"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history
5506 

22.02.2021 22:04

​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает...
​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает...
​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает исследование Кураторы Национального музея Норвегии пришли к выводу, что автором загадочной надписи, спрятанной на самой знаменитой картине Эдварда Мунка «Крик», был сам художник. Экспертам уже давно известно, что в верхнем левом углу есть мрачная фраза «Могло быть написано только сумасшедшим», но они не могли определить её происхождение. Надпись карандашом была добавлена на картину лишь через несколько лет после её завершения в 1893 году. Поэтому многие думают, что её сделал не художник, а кто-то другой. По словам куратора музея Маи Бритт Гуленг, некоторые эксперты даже считали, что это мог быть акт вандализма. «В 1904 году искусствовед и помыслить не мог, что подобную надпись на поверхности своего полотна мог сделать сам художник», — говорит Гуленг. Тексты на картинах — явление нередкое в истории искусства, если вспомнить о средневековых свитках или плашках на портретах. Однако этот едкий комментарий имеет совсем иную природу. «Эта надпись — не объяснение мотива, как в подобных случаях. Это замечание о психическом здоровье автора, а искусствовед никогда не ожидает, что художник сделает его сам», — поясняет куратор. Исследование надписи проходило в преддверии переезда картины в новый дом — Национальный музей Норвегии. Эксперты просветили картину инфракрасными лучами и сравнили почерки на полотне и в записных книжках Мунка. Всё указывает на то, что автором тревожной надписи был всё же сам художник. Искусствоведы полагают, что Мунк мог нацарапать «дополнение» к картине в ответ на критику, сопровождавшую первое представление работы норвежской публике в 1895 году. Глубокое состояние тревоги, которое вызывает эта композиция, заставило критиков бурно обсуждать душевное состояние художника. Некий студент-медик дошёл до того, что на примере картин доказывал, что Мунк не в своём уме — и это происходило во время дискуссии, на которой присутствовал сам автор. Глубоко задетый этим обвинением в психическом нездоровье, художник снова и снова возвращался к этому инциденту в разных письмах и заметках. «Мунк был сложным человеком, и причина, по которой он написал это, вероятно, столь же сложна, — говорит Гуленг. — Он стремился провоцировать публику, но в то же время хотел, чтобы его уважали. Для него было важно контролировать историю о Мунке как лично для себя, так и для общественности». новостиИОК https://telegra.ph/file/c4f6370073bf4e44fdd28.jpg
5476 

23.02.2021 20:36

"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей...
"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей Тараса Шевченко, Киев. «Крестьянская семья» Тараса Шевченко лишь на очень поверхностный взгляд может показаться незамысловатой этнографической зарисовкой. Но пусть вас не отвлекают от сути национальная одежда и украинская хата-мазанка под соломенной или камышовой крышей. На самом деле перед нами – украинская версия Holy Family, «святого семейства», один из архетипических сюжетов европейской живописи. К моменту работы над картиной Шевченко чуть менее тридцати. Всего 5 лет минуло с того момента, как он стал свободен от крепостной зависимости и смог посещать классы знаменитого Карла Брюллова в Императорской Академии художеств. Всё это время его излюбленными техниками оставались карандаш и акварель. В них он чувствует себя свободно: его карандаш остёр и точен, его акварели на редкость гармоничны по колориту. Но к масляной живописи Шевченко на первых порах боится подступиться. Масло и холст, в качестве рабочих инструментов, будто сковывают его, связывают академическими путами, лишают свободы выражения – а ведь никто не ценит свободу (в любых проявлениях и сферах) как тот, кто был её когда-то лишён. Перед началом работы над «Крестьянской семьёй» Шевченко делает массу карандашных зарисовок из украинского быта. Он много путешествует по Украине, а его дорожные альбомы переполнены эскизами. Начав, наконец, работу маслом, он отказывается от эмалевой «гладкописи» своего учителя Брюллова. Мазки Шевченко ложатся точечно, нервно. Объекты и фигуры картины лишены четких контуров. Но именно это и создаёт ощущение трепетного движения жизни. Предполагают даже, что если бы не арест и ссылка, и Шевченко смог бы, как планировал, поехать для продолжения работы в Европу, он вряд ли продолжил бы там академические традиции и, весьма вероятно, вошёл бы в круг родоначальников импрессионизма. Мы уже упоминали, что Шевченко делал не сотни - тысячи зарисовок народного быта. Почему из всего потока зрительных впечатлений он выбирает именно этот простой и незамысловатый сюжет? Ребёнок стоит в окружении своих матери и отца. Движения их рук и линии их тел образуют плавный овал – некую область безопасности, защищённости для младенца, который только-только начал ходить. Шевченко обрисовывает не конкретную бытовую ситуацию из жизни семьи – он передаёт нечто более глубокое: ощущение духовного единства, семейной общности, семьи как «малой церкви». Кто хоть немного знаком с биографией Шевченко, тот, несомненно, сможет прочесть в «Крестьянской семье» одно из самых глeбоких и интимных переживаний художника. Дело в том, что именно семьи в том самом идеальном представлении, которое он рисовал себе, Шевченко как раз не имел ни в детстве, ни во взрослой жизни. Нынешние психоаналитики уверены, что в детстве Тарас был лишён родительского внимания и любви: детские травмы отверженности будут сопровождать его на протяжении всей взрослой жизни. Семья в немного идеализированном, даже можно сказать идиллическом понимании (как вершина человеческих отношений, защита от холода внешней жизни) надолго станет его «идеей фикс». Но, в силу разных обстоятельств, способных составить захватывающий сюжет не одного романа, создать собственную семью Шевченко так и не удастся. Если уж продолжить психоаналитические аналогии, шевченковская «Крестьянская семья» - это чистой воды сублимация: воплощение в творчестве того, чего очень жаждешь, но никак не можешь получить в реальности. ТарасШевченко _history
5513 

24.02.2021 20:55

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ...
​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ...
​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье у пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнайте, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie https://telegra.ph/file/f59a9331417df365a1145.jpg
5573 

26.02.2021 14:12

Мёртвый ребёнок
1944
Кандиду Портинари

Крупнейший бразильский художник XX...
Мёртвый ребёнок 1944 Кандиду Портинари Крупнейший бразильский художник XX...
Мёртвый ребёнок 1944 Кандиду Портинари Крупнейший бразильский художник XX века. Он представлял фигуративное искусство в период, когда абстрактная живопись полностью доминировала. Разработал собственную манеру, наиболее близкую мексиканским художникам Давиду Сикейросу и Диего Ривере. Подавляющее большинство произведений Портинари выполнены на тематику, так или иначе связанную с Бразилией или Латинской Америкой. После начала войны его стиль изменяется под сильным влиянием «Герники» Пикассо. Цвет занимает минимальное место в послевоенном творчестве художника, многие картины выдержаны в серых тонах. Художник настолько почитаем в Бразилии, что его именем названы автомобильная дорога, улицы во многих городах страны. В Сан-Паулу есть Авенида (проспект) Кандиду Портинари. "... такие люди, как ... Ривера, Портинари, подобны вершинам Анд..." — писал Пабло Неруда
5527 

26.02.2021 14:10

Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.)

Врубель - фамилия польская...
Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.) Врубель - фамилия польская...
Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.) Врубель - фамилия польская, но к моменту рождения Михаила уже 3 поколения предков художника жили в России. Он рано остался без матери, семья переезжала с места на место, вслед за отцом, офицером казачьего войска. Когда пришла пора выбирать профессию, будущий мастер полностью покорился воле отца и поступил в Петербургский университет на юридический факультет. Университет был окончен, но юристом художник не был ни дня. Он с большим трудом прошел все трудности годовой воинской повинности и вопреки желанию отца поступил в Академию художеств. Его серия «демонов» до сих пор считается самыми известными произведениями мастера, хрестоматийными для искусства модерна рубежа XIX и XX веков. XX век принес мастеру две большие трагедии: умирает его отец, а сын рождается в серьезным дефектом - заячьей губой. К личным трагедиям добавляется жесточайшая творческая депрессия. После этих событий его помещают в психиатрическую клинику, где он и доживает последние годы жизни.
5450 

24.02.2021 22:11

«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали

Вернувшись из...
«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали Вернувшись из...
«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали Вернувшись из Нью-Йорка, Дали объявил, что собирается создать картину, которую назвал сенсационной – взрывающийся Христос, ядерный и гиперкубический. Он сказал, что это будет первая картина, написанная в классической технике и по академической формуле, но на самом деле состоящая из кубических элементов. Живопись Дали полна снов и «видений», но многое в его искусстве шло от разума, например идея изобразить в представленной картине развертку гиперкуба вместо креста. Таким образом художник сталкивает четкую геометрическую форму и страдание Христа, подчеркнутое его выгнутым телом с выпирающей грудной клеткой. Это рождает особое напряжение, которым наполнено полотно. В этом произведении Дали продолжает традицию классической западноевропейской живописи, когда в картинах на евангельские сюжеты изображали конкретных людей. Здесь на распятого Христа смотрит Гала, жена и муза Дали. Но она не просто предстоит перед Распятием, а созерцает его. Это ее видение.
5512 

25.02.2021 10:40

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg
5541 

26.02.2021 22:13

"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная...
"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная коллекция, Франция. «Волга в окрестностях Юрьевца» была выставлена анонимно в 1871 году на ежегодном конкурсе Московского общества ценителей искусства. Картина произвела фурор. «Волге» Саврасова досталось первое место в разделе ландшафтных изображений. Вот как она описывалась современниками: «Картина эта довольно обширных размеров (более сажени в ширину). Колорит, если так можно выразиться, дождливый. Бесконечная зыбь матушки-кормилицы Волги; облачное небо; Юрьевец на взгорье; куча бурлаков, тянущих на бечеве баржу; невеселая, но характерная картина...» В следующий раз публика об этой картине услышала в декабре 2014 года на парижском аукционе Audap & Mirabaud. Эстимейт был определен в 70–90 тысяч евро. Организаторы аукциона, похоже, не потрудились разобраться, что же перед ними, поставив столь скромную цену. А вот коллекционеры стоимость шедевра вполне осознавали, в итоге картина ушла за 939 тысяч евро (более 1 миллиона долларов) - во французскую частную коллекцию. В июне 2015 года на русских торгах аукциона Sotheby's в Лондоне картина была выставлена с эстимейтом 2 миллиона 150 тысяч – 2 миллиона 800 тысяч долларов. Она считалась одним из самых дорогих и лакомых лотов русских торгов, но покупателя не нашла. Не то чтобы «Волга в окрестностях Юрьевца» вообще исчезала. О ней знали, фотографии ее встречались в монографиях художника, ее даже школьники в сочинениях иногда описывали. Но где она находится и цела ли – не было известно. Надпись на обороте свидетельствует о том, что картина входила в коллекцию профессора Киевского университета, доктора Владимира Меринга. Точно нельзя проследить путь, по которому она попала за границу. По состоянию на 2015 год эта картина стала самым значимым полотном Саврасова, когда-либо выставленным на аукционе Sotheby's. И в целом она входит в число лучших произведений Саврасова. Бурлаки на фоне монументального волжского пейзажа, вернее, бурлаки как часть этого пейзажа открывают цикл работ Саврасова, посвященных Волге. В начале 1870 года художник вместе с женой Софией и их две дочери переехали в Ярославль. Здесь, неподалеку от Юрьевца (маленький городок восточнее Ярославля), Саврасов работал над этой картиной. Здесь же он написал самые известные свои полотна, в том числе легендарную картину «Грачи прилетели». Это было счастливое время в его жизни – любимая семья, возможность писать, вдохновение, природа. И вместе с тем это было тяжелое время – здесь после сложных родов Софии умер третий ребенок Саврасовых. На этом сплаве из трагических переживаний и счастливого быта создавались лучшие полотна художника. В 1860-70-е годы ряд крупных российских художников пытались привлечь внимание к теме бурлаков, в ней видели символ жестокой социальной несправедливости. Конечно, нельзя не вспомнить знаменитых «Бурлаков на Волге» Ильи Репина. Саврасов и Репин писали своих бурлаков параллельно и независимо друг от друга. На обоих безусловно повлияла написанная в 1866 году работа Василия Верещагина. Обе картины были представлены 1871 году, Репин показал своих «Бурлаков» в Санкт-Петербурге, Саврасов «Волгу» – в Москве. Известно, что Репин картину дорабатывал, и публика знает вариант, к которому он пришел в 1873 году. Саврасов тоже работал над картиной после первой выставки. По некоторым сведениями, он вносил правки до 1871 года. АлексейСаврасов Реализм _history
5574 

27.02.2021 19:54

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ...
​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ...
​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье у пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie?utm_source=telegram&utm_campaign=simpleartist https://telegra.ph/file/2329ca770b8a80d29df6a.jpg
5555 

27.02.2021 14:35


Вкус Марины Абрамович В 2017 году художница Марина Абрамович выпустила...
Вкус Марины Абрамович В 2017 году художница Марина Абрамович выпустила пирожные макароны, которые «точь-в-точь как она». «Моя бабушка, раннее утро, варится кофе, — говорит художница в сопровождающем релиз пирожных видео. — Запах кофе был по всему дому. Дальше я вспоминаю ароматы свежего базилика, тмина, семян кардамона и экзотические запахи путешествий, в которых я бывала, вулканов и водопадов, которые я исследовала, я вспоминаю раннее утро, когда видишь линию моря, встречающего океан, и океан, встречающий небо. Всё это — в моих макаронах». Совместная работа Абрамович и производителя luxury-десертов Kreëmart была представлена на арт-ярмарке Frieze в Лондоне.  Макароны имени Марины Абрамович продавались в лондонском универмаге Harrods. Искусство или нет?
5488 

28.02.2021 12:56

"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара...
"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара Пьясецка-Джонсон (1937-2013), бывшая польская горничная, ставшая после удачного замужества наследницей гигантской фармацевтической империи Johnson & Johnson, выставила на торги лондонского отделения аукциона Sotheby's свою коллекцию мебели и предметов искусства эпохи барокко. Общая сумма продаж составила тогда 9,9 млн фунтов (около 16 млн. долларов), а самым дорогим лотом из всей торговавшейся коллекции стала картина «Прометей» Хосе де Риберы: она была продана за 3,8 млн фунтов. Высокая цена – всегда результат синергии многих факторов. Причём далеко не всегда можно сказать, какой из них имел решающее значение. Возможно, дело в том, что «Прометей» – одна из характернейших картин Риберы с его «фирменным» острым драматизмом и резкой светотенью. А быть может, к легендированию картины имеют непосредственное отношение слухи о нездоровом интересе Риберы к истязаниям и пыткам. Или же свою роль сыграла «караваджиевская» манера исполнения «Прометея», а Караваджо, как известно, всегда отлично продаётся. Рибера использовал в «Прометее» своё излюбленное композиционное решение – разместить тело в напряженнной и сложной позе строго по диагонали картины. В подобных, хотя и не тождественных, положениях предстают в 1620-х годах на картинах Риберы святые Варфоломей, Андрей, Себастьян. Композиция, «отработанная» на христианских святых, в 1630-м году или позже, когда написан «Прометей», оказалась едва ли не более подходящей для античного титана. Тем более, сюжет мифа о Прометее, самоотверженном защитнике человеческого рода от произвола богов, располагает к живописным упражнениям в передаче телесных мук и корчей. Точная передача анатомии прикованного Прометея, предельного напряжения всех мышц, рваной кровавой раны в боку и, главное, передача эмоционального накала огромной силы – вот «визитная карточка» Риберы. Все это делает картину драматически-волнующей и такой желанной для покупателей. Согласно некоторым данным, для этюдов и зарисовок Рибера регулярно посещал неапольские тюрьмы, где наблюдал за истязаемыми заключенными. Это позволяло ему натуралистично изображать человеческое тело, насильственно вывернутое, распластанное в неудобном и мучительном положении. Недаром Риберу иногда называют «художником истязаний». Рибера действительно заимствует у Караваджо живописные техники, известные как «кьяроскуро» и «тенебросо». Некоторые старые авторы настойчиво пытались найти доказательства их личных встреч. Но, ради исторической справедливости, следует уточнить, что Хосе де Рибера и Микеланджело Меризи да Караваджо познакомиться всё-таки не успели: Караваджо бежал из Неаполя в 1607-м, а Рибера, вероятнее всего, перебрался туда и остался там на всю жизнь несколькими годами позже, когда Караваджо уже не было в живых. Среди восьми покупателей, охотящихся за этим лотом на Sotheby's, были представители Прадо, но им так и не удалось пополнить коллекцию главного музея Испании. К огромному сожалению, личность нового владельца «Прометея», согласно аукционным правилам конфиденциальности, остаётся неизвестной. Рибера Барокко МифологическаяСцена _history
5531 

01.03.2021 21:50

​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне

Одно из самых известных произведений Джорджоне...
​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне Одно из самых известных произведений Джорджоне...
​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне Одно из самых известных произведений Джорджоне изображает прекрасную библейскую героиню, которая спасла свой город и народ, соблазнив, а потом и обезглавив спящего Олоферна, вождя вражеской армии. Джорджоне показал не сам подвиг, а момент, когда Юдифь осталась одна с головой поверженного врага, которую она попирает ногой. По лицу Юдифи скользит неуловимая полуулыбка. В ее образе чувствуются и гордость победительницы, и грусть, вызванная совершенным поступком. Фигура девушки и ее поза подчеркнуто женственны, но правая рука твердо сжимает меч. Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво. http://chnly.pro/file/d022f0a0a7ef4647bd280f5f39e8e445
5485 

01.03.2021 10:40

​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины...
​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины...
​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины Кандинского Мэр Амстердама решила, что пришло время пересмотреть вопрос о том, должен ли Городской музей Стеделейк оставить себе «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского. До того, как музей приобрёл картину во время Второй мировой войны, она входила в собрание коллекционера-еврея. Голландская комиссия по реституциям, которая рассматривает жалобы на нацистские грабежи, в 2018 году постановила, что музей может оставить себе работу «Картина с домами», на которую претендуют наследники его бывших владельцев. Решение реституционной комиссии было поддержано голландским судом. Однако мэр Амстердама в своём письме заявила, что было бы целесообразно, чтобы комиссия по реституции пересмотрела дело о картине, которая находится в коллекции музея с 1940 года. Судьба картины находится в центре внимания, поскольку это один из немногих случаев, когда комиссия по реституции пытается уравновесить интересы культурных учреждений и интересы людей, которые хотят вернуть произведения искусства, награбленные во время Второй мировой войны. Такая формулировка вызвала критику со стороны экспертов по реституции, а в декабре — со стороны комитета, созванного министром культуры Нидерландов для изучения решений комиссии по реституции. В своём письме мэр Фемке Хальсема и несколько других официальных лиц, известных под общим названием Коллегия мэров и олдерменов, написали, что они согласны с выводами комитета, который проявляет больше сочувствия в процессе реституции. «Еврейский народ был лишен своего имущества, прав, достоинства и, во многих случаях, жизни, — говорится в письме. — И если что-то из этой вопиющей несправедливости по отношению к ним ещё подлежит исправлению, у нас, как общества, есть моральное обязательство действовать соответственно». Джеймс Палмер, основатель компании по реституции произведений искусства Mondex Corporation, которая представляет истцов в «деле Кандинского», сказал, что они «в восторге от письма мэра и её коллег». «Прошло уже почти десять лет с тех пор, как семья начала свою тяжбу, — написал он, добавив: «Мы надеемся найти другое решение при поддержке города Амстердама, чтобы разрешить этот вопрос мирным и быстрым образом». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b3f826fa8210b073764c8.jpg
5494 

02.03.2021 20:48

"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из...
"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из поздних работ Люсьена Фрейда, которая затесалась между стройными рядами обнаженных человеческих тел, кажется, по какому-то недоразумению. При первом взгляде на это полотно даже сложно поверить, что оно принадлежит кисти того самого Фрейда, который на своих полотнах снимает с моделей оболочку за оболочкой, не оставляя в конце концов даже тела – одну лишь сердцевину. И только когда возникает безотчетное желание прикоснуться к изображению (удивительная особенность, объединяющая большинство работ художника), все сомнения отпадают – это и в самом деле Фрейд. В отличие от людей, по отношению к которым художник в своих работах, суждениях и определениях часто бывал довольно безжалостен, к животным он всю жизнь относился особенно трепетно и нежно. Что, впрочем, неудивительно, ведь в определенный период жизни Фрейда животные были его единственными друзьями. Когда семья Фрейда переехала из Германии в Англию, мальчик на долгое время замкнулся в себе. Люсьен плохо знал английский язык, из-за чего его дразнили сверстники, и тогда он стал искать утешения в общении с природой. С тех пор лошади и собаки окружали художника всю жизнь. Он часто укладывал своих собак рядом со спящими обнаженными натурщиками, создавая на картинах неуловимую ауру безмятежности и полного доверия. Когда Люсьен увлекся живописью, родители будущего художника восприняли это с большим энтузиазмом. Настолько большим, вспоминал потом Фрейд, что он даже стал подумывать о том, чтобы отказаться от карьеры художника и стать жокеем или ветеринаром. И, несмотря на то, что живопись все же взяла верх, лошади навсегда остались едва ли не самой сильной его любовью. В 60-х годах Фрейд каждую свободную минуту проводил на скачках, а позже часто бывал в конюшнях Дворцовой кавалерии, рисуя королевских скакунов. ЛюсьенФрейд Анимализм Натурализм _history
5498 

04.03.2021 21:37

Портрет В. Мейерхольда
1916
Борис Григорьев

С 1909 года вошёл в состав «Студии...
Портрет В. Мейерхольда 1916 Борис Григорьев С 1909 года вошёл в состав «Студии...
Портрет В. Мейерхольда 1916 Борис Григорьев С 1909 года вошёл в состав «Студии импрессионистов» — объединения молодых художников, творчески близких к футуристам, возглавляемого Н. И. Кульбиным. В новом искусстве его привлекало не разрушение видимой реальности, а обострённое восприятие мира, поэтому ему было близко творчество Ван Гога, Сезанна, фовистов, Дерена, отчасти Пикассо. Григорьев был одним из самых дорогих и престижных портретистов России 1910-х гг. и сохранил это звание, уже работая за границей. Остались десятки портретов его кисти – чуть ли не всей русской интеллигенции начала прошлого века: Скрябин и Рахманинов, Шаляпин и Мейерхольд, Добужинский и Рерих, Горький и Клюев, Розанов и Шестов и др. Творя в атмосфере авангарда, тем не менее он никогда не бросался в крайние формы, чаще всего изображая не человека самого по себе, а скорее, показывая роль, которую играет этот человек. Гротеск, используемый Григорьевым, скорее лукав, чем зол и сатиричен.
5473 

04.03.2021 17:13

"Городской замок" 1932 г. Пауль Клее Частная коллекция. Пауль Клее практически...
"Городской замок" 1932 г. Пауль Клее Частная коллекция. Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоции, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной. Даже когда Клее изобрел свой собственный пуантилизм – создавал изображение не точками, как Сёра и Синьяк, а квадратами – здесь не было чистой геометрии. Всегда было что-то еще: звуки, дома, сады, дороги. Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)». Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы - сверху и сбоку. Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего. В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн. 252 тыс. долларов. ПаульКлее Абстракционизм _history
5465 

08.03.2021 22:03


​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд

Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg
5495 

05.03.2021 19:47

"Аллегория живописи" Ян Вермеер, 1667 Считается, что картина относится к одной...
"Аллегория живописи" Ян Вермеер, 1667 Считается, что картина относится к одной из последних работ художника. Само название говорит о том, что Вермеер имел ввиду аллегорическое изображение живописи, её символический образ. Картина наполнена символами: занавес на переднем плане напоминает театральный и говорит об искусстве постановки, маска на столе также говорит о некой театральности живописи. Исследователи картины, изучив костюм художника, пришли к выводу, что Вермеер изобразил самого себя. Модель, с которой Вермеер пишет картину, также наделена атрибутами-символами: лавровый венок на голове, который является символом победы, труба – символ славы, в руках у девушки томик историка Фукидида, что говорит о том, что живопись ищет вдохновение в истории и исторических достижениях. Существует и предположение, что девушка-муза на этой картине – жена Вермеера. Ян Вермеер очень дорожил этой работой и не продавал её даже в те времена, когда у него накопилось много долгов и пошатнулось материальное положение.
5448 

05.03.2021 00:49

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru