Назад

Первая запрещенная картина, историческая ошибка и самоубйиство. Часть 1 Новый...

Описание:
Первая запрещенная картина, историческая ошибка и самоубйиство. Часть 1 Новый день - новые знания про наше искусство и историю Как всегда - интересно! Итак, вы знали, что в искусстве тоже была цензура? Надо сказать, еще какая! Картина, которую вы видите в иллюстрации к посту, называется «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». 1883 -1885 Написано произведение Ильей Репиным. Так вот картина была запрещенной! Но об этом чуть позже давайте разберемся с сюжетом и немного с историей Что здесь изображено? Эпизод из жизни царя Ивана Грозного. Некоторые исторические источники пишут, что государь в сильном гневе нанёс смертельный удар своему сыну царевичу Ивану. А правда ли это? Ну, Репин в такой версии исторических событий не сомневался. Ведь об этом писали историки Ключевский и Карамзин. А они откуда взяли эту информацию? Из трактата «Московия» Антонио Поссевино, написанного в 1586 году. Антонио был папским легатом (то есть личным представителем) и секретарем ордена иезуитов. Что Поссевино делал в Московском царстве? Был посредником в переговорах между правителем Речи Посполитой (с которой мы очень долго воевали за выход к Балтийскому морю) и русским царем. Так вот Поссевино был тем, кто версию об убийстве Иваном Грозным своего сына в историю и «вписал». Но есть нюанс … В 20 веке, когда изучали останки царевича Ивана Ивановича, обнаружилось, что в них очень много ртути. Конечно, ее тогда использовали в качестве лекарства, но в умеренных дозах … Так что есть и вторая версия: царевича Ивана отравили а факты потом несколько исказили. Но вариант развития событий, согласно которому отец убивает своего сына, описанный папским представителем, прочно вошел в нашу историю и был очень популярен в 19 веке (да и сейчас тоже) Собственно, этот сюжет Репин на картине и живописал. Но как на это отреагировала власть и общество? Скоро расскажу! PROинтересныефакты PROживопись

Похожие статьи

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и...
​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и...
​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg
4855 

10.02.2021 21:21

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать...
Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.
4945 

16.02.2021 12:57

«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали

Вернувшись из...
«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали Вернувшись из...
«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали Вернувшись из Нью-Йорка, Дали объявил, что собирается создать картину, которую назвал сенсационной – взрывающийся Христос, ядерный и гиперкубический. Он сказал, что это будет первая картина, написанная в классической технике и по академической формуле, но на самом деле состоящая из кубических элементов. Живопись Дали полна снов и «видений», но многое в его искусстве шло от разума, например идея изобразить в представленной картине развертку гиперкуба вместо креста. Таким образом художник сталкивает четкую геометрическую форму и страдание Христа, подчеркнутое его выгнутым телом с выпирающей грудной клеткой. Это рождает особое напряжение, которым наполнено полотно. В этом произведении Дали продолжает традицию классической западноевропейской живописи, когда в картинах на евангельские сюжеты изображали конкретных людей. Здесь на распятого Христа смотрит Гала, жена и муза Дали. Но она не просто предстоит перед Распятием, а созерцает его. Это ее видение.
4941 

25.02.2021 10:40

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории...
"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history
4784 

16.03.2021 20:38

"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский...
"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Распространено мнение, что Серебрякова изобразила здесь саму себя. На самом деле ей позировала сестра Катя, с которой они были очень похожи. Стиль портрета определяют как неоклассицизм. Мы видим возврат к красоте и гармонии тела и свойственное, пожалуй, всем ню Серебряковой слияние чувственности и невинности, свежести, естественности. Зинаида Серебрякова, по сути, первая в России смело вернулась к изображению женского тела не как способа выражения неких живописных тенденций или «учебного пособия», а как источника красоты, проявления красоты, самоценного эстетического объекта. Женское тело у Серебряковой приобретает самостоятельное значение, а не выражает некие идеи. Купальщица – очень красивая женщина, с чуть раскосыми глазами – изображена в естественной, непринужденной позе на берегу реки среди густой зелени. Контраст прохладной зелени и золотистого молодого тела смягчен белоснежной драпировкой. Очень характерное, запоминающееся лицо у девушки: немного лукавый взгляд, легкий поворот головы, полуулыбка, выбившиеся прядки волос. При кажущейся «классичности» сюжета, картина оставляет впечатление сиюминутности и неповторимой естественности. Сама Серебрякова так поясняла любовь к ню: «просто потому, что хорошо человеческое юное и чистое тело». Со временем написанная ею обнаженная натура стала цениться куда выше, чем было при жизни художницы. К примеру, картина «Спящая девочка» была продана за 500 долларов в 1923 году на американской выставке русских художников. А в июне 2015 года на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел эту картину за 5,9 млн долларов при эстимейте 600–900 тысяч долларов, что на тот момент стало рекордной ценой на работы Серебряковой. ЗинаидаСеребрякова Модерн _history
4825 

25.03.2021 21:37


Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс...
Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history
4821 

24.03.2021 20:37

ОбложкаНедели журнала Collier’s Weekly за 29 сентября 1917 года,...
ОбложкаНедели журнала Collier’s Weekly за 29 сентября 1917 года,...
ОбложкаНедели журнала Collier’s Weekly за 29 сентября 1917 года, США Мужественный военный лётчик в типичном обмундировании — кожаная куртка, шлем с очками и обязательный шарф. Шла ПерваяМировая и обложки периодических изданий часто украшали рисунки военной тематики. Автор этого — известный иллюстратор Джозеф Кристиан Лейендекер (Joseph Christian Leyendecker). Шарф для пилотов тех лет был одновременно и модным, и полезным аксессуаром. Благодаря ему была защищена шея — от ветра и от натирания об воротник во время воздушного боя. Хотя самолёт на фоне почти весь скрыт за фигурой лётчика, но он всё же легко узнаваем — это учебно-тренировочный биплан Curtiss JN-4 Jenny. Самый известный американский самолёт Первой мировой войны широко использовался для обучения будущих пилотов. Был выпущен впечатляющей серией в 6 813 экземпляров.
4810 

24.03.2021 15:01

​​Угадайте художницу по описанию 
⠀
 В юности эту флорентийку изнасиловал...
​​Угадайте художницу по описанию ⠀ В юности эту флорентийку изнасиловал...
​​Угадайте художницу по описанию ⠀ В юности эту флорентийку изнасиловал учитель рисования. С тех пор все ее картины наполнилось местью к мужскому полу и страданием. Первая в истории феминистка и женщина, которую приняли во флорентийскую академию искусств. ⠀ Эта девушка влюбилась в знаменитого французского художника, брала у него уроки рисования и стала его музой. Однако, вышла замуж за его брата. Знаменитой она тоже стала. ⠀ Она писала много цветов и была женой знаменитого фотографа, который создавал ее портреты в стиле ню. Критика приписывала картинам этой американки сексуальный подтекст, который она, разумеется, отрицала. ⠀ Она попала в жуткую аварию и не смогла выносить ребёнка. При этом вышла замуж за своего кумира и стала знаменитой на весь мир благодаря своей аутентичности. Муж ей постоянно изменял, но и она обладали меняющейся в зависимости от ситуации ориентацией. Хотите узнать больше о великих художницах? Приглашаем вас на Артлекцию «5 великих художниц, которые должен знать каждый». Когда: 1 апреля в 19:00 по мск. Автор и ведущая лекции: искусствовед Влада Никифорова. Регистрируйтесь по ссылке и получайте чек-лист в подарок. https://telegra.ph/file/a57b8e1ae9d5800058ae4.jpg
4712 

30.03.2021 12:00

"Взгляд в бесконечность" 1911 г. Фердинанд Ходлер Частная коллекция. В 1910...
"Взгляд в бесконечность" 1911 г. Фердинанд Ходлер Частная коллекция. В 1910 году Фердинанд Ходлер получил заказ на картину, которая могла бы украсить лестницу недавно отстроенного Кунстхауса в Цюрихе. Работа предстояла грандиозная – художнику понадобилось 3 года, чтобы ее завершить. Первая версия полотна размером 4,5 на почти 9 метров провисела в музее совсем недолго, 3 месяца. Она оказалась слишком громоздкой. Сейчас на этот грандиозный «неудачный» вариант можно посмотреть в Базеле. Со всеми переработками и редакциями, исправлениями и пробами у Ходлера получилось 5 практически одинаковых картин – и одна из них, тоже довольно немаленькая, находится сейчас в частной коллекции. Эта работа – практически манифест ходлеровского художественного метода, концентрированная эстетическая программа его знаменитого параллелизма. Женские фигуры разворачивают то ли в пространстве, то ли во времени какой-то ритуальный танец, символизируя и живое человеческое движение, и сам ритм этого движения. Поза каждой уникальна (кстати, Ходлеру действительно позировали пять разных натурщиц), но вместе они создают симметричную жестовую композицию, которую легко продолжить. Например, по горизонтали: продолжая бесконечный танец за пределы полотна, мысленно дорисовывая эту цепь танцовщиц. А еще – по вертикали: следуя за взглядом каждой из пяти женщин. Все они смотрят в разные стороны, раздвигая для нас пределы картины. Ходлер любил синий цвет и был уверен, что только его можно без раздражения воспринимать на холстах большого размера. Но психическое равновесие зрителя, конечно, не единственная причина, по которой художник выбирает синий. «Синий – это цвет, который, как и море, как и небо, говорит мне о чем-то н...альном, о трансцедентном и величественном», - писал Ходлер. В каких-то нескольких сотнях километров, в тот же год, когда Ходлер получил заказ на «Взгляд в бесконечность», Василий Кандинский написал книгу «О духовном в искусстве». И тоже трактовал синий цвет как духовный и возвышенный. Но больше чем синий цвет Ходлер любил только женщин – всех тех земных красавиц, с которыми жил и которыми восхищался, своих бесконечных любовниц и удивительных жен, но и женщину вообще. Женщина для него – духовная опора, надежда этого мира, талисман и носительница тонко отстроенной, хрупкой внутренней гармонии. Женщина – источник всего живого, центр бесконечного жизненного цикла. И лучшее, что она может сделать – это просто существовать и иногда танцевать. На портретах и символических композициях Ходлера они танцуют почти всегда – даже когда замирают в привычной позе или просто держат цветок в руках, это кажется частью длинного, сосредоточенного танцевального, сакрального жеста. При этом музы Ходлера, которые на много лет задерживались в его мастерской и в его жизни, отнюдь не были украшением гостиных, усладой мужских глаз и живыми манекенами. Образованные и одаренные, они водили автомобили, фотографировали, коллекционировали живопись, исполняли свободные танцы и расписывали фарфор. Отводя взгляд от несущейся под колесами дороги, от восхищенных зрителей или кропотливой работы, поднимали глаза в небо, смотрели в бесконечность. ФердинандХодлер Символизм _history
3088 

05.06.2022 20:37

​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса

Голландская...
​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса Голландская...
​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса Голландская полиция заявила, что арестовала 58-летнего мужчину по подозрению в краже картин из двух музее в Нидерландах. Это пейзаж Винсента Ван Гога «Сад у дома приходского священника в Нюэнене» (1884) и сцена Франса Хальса «Два смеющихся юноши с пивным кувшином» (ок. 1627). Они были похищены прошлой весной в первые дни карантина, когда музеи были закрыты для посетителей. Подозреваемый был задержан в своём доме в городе Баарн в Нидерландах. Но сами картины не была найдены. Первое преступление было совершено около 3:15 утра 30 марта. Злоумышленник приехал в музей Зингера Ларена, кувалдой пробил двери из сверхпрочного стекла, похитил полотно Ван Гога и скрылся в ночи на мотоцикле. Ограбление зафиксировали камеры наблюдения и в конце апреля его показали в криминальной хронике. Несколькими месяцами позже, в июне, арт-детектив Артур Бранд узнал, что в преступном мире циркулирует фотопруф. На снимке разложены первая страница New York Times, картина Ван Гога и биография печально известного похитителя произведений искусства Октава Дурхама под названием Meesterdief («Мастер-вор»). Дурхам попал в тюрьму за кражу двух других картин Ван Гога. И то, что его книга оказалась на фотографии, укрепило убеждение следователей в том, что вор из Зингер Ларен был подражателем. Картину Ван Гога Музею Зингера Ларена одолжил Музей Гронингера для временной выставки. Она была единственной картиной художника в коллекции последнего. Хотя сама картина по-прежнему не найдена, «каждый день мы надеемся получить хорошие новости, чтобы посетители Музея Гронингера могли снова наслаждаться этим великолепным произведением искусства», — говорит Эверт ван Ос, управляющий директор Музея Зингера Ларена. Второе ограбление, во время которого исчезла картина Франса Хальса стоимостью 17 миллионов долларов, произошло в небольшом музее Хофье ван Аэрдена близ Утрехта. Оно также было совершено под покровом ночи. Воры похитили картину 27 августа 2020 года около 3:30 утра, взломав заднюю дверь. Эта весёлая сцена очень популярна у воров — её выкрадывали дважды, в 1988 и в 2011 годах. Полиция надеется, что её вернут и в третий раз. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/1a9bda4520b2eb85a50f8.jpg
4773 

08.04.2021 21:49

Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец...
Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец занимался сельским хозяйством и детство Элин провела на ферме своей семьи, но в 1866 году случился неурожай и голод, ферма разорилась, ее пришлось продать и отец художницы застрелился, а мать осталась с двумя дочерьми. Элин с детства страстно интересовалась рисованием и поэтому в пятнадцать лет она отправилась в Хельсинки, где жили ее тетя и дядя, чтоб учиться в школе искусств. Одновременно она стала подрабатывать росписью фарфора и ходить на курсы в академию Адольфа фон Беккера, где научилась писать маслом. А, собственно, фон Беккер, который основал первую школу живописи в Финляндии и вообще был другом и учеником Густава Курбе, Элин выделял из своих учеников и даже купил у нее несколько картин, что художницу очень вдохновило. В 1880 году случилась ее первая выставка и в том же году она получила диплом учителя рисования и потом даже преподавала рисунок в разных школах по всей Финляндии. Кстати, представительницы небольшого художественного сестринства все были учителями рисования и благодаря их работе выросло потом еще одно поколение отличных художников. Вообще, в те времена получить степень педагога для художника часто было выгоднее, чем просто называться художником - так можно было меньше беспокоиться за свою финансовую независимость. В 1883 году художница отправилась в Париж чтоб продолжать учебу, поработала там в мастерской Огюста Родена, слушала лекции заслуженных художников, училась и тусовалась, как все нормальные художницы в Париже в те годы. Потом Даниэльсон-Гамбоджи ездила на пленэры в Бретань, вернулась в родную деревню Ноормаркку, открыла там студию и занялась преподаванием, каждое лето отправлялась в гости в колонию художников Эннингебю, которую устроил на Аландских островах пейзажист Виктор Вестерхольм. В 1895 году году Элин получила стипендию на обучение во Флоренции и путешествие по Италии, в результате которого она в тридцать шесть лет познакомилась со своим мужем, Рафаэлло Гамбоджи. Он тоже был художником, был моложе Элин на тринадцать лет и сначала у них была продуктивная совместная работа и они открывали вместе свои выставки по всей Европе и явно неплохо влияли друг на друга. А потом супружеская жизнь как-то не заладилась и муж решил уйти к подруге Элин, а затем надолго попал в психиатрическую лечебницу. Во время Первой мировой войны Элин осталась в Италии и потеряла возможность ездить на родину. В 1919 году она заболела пневмонией и умерла в итальянской коммуне Антиньяно. Ее на какое-то время позабыли в Финляндии, но сейчас она считается одной из главных представительниц того самого золотого века финского искусства.
4745 

27.04.2021 21:12

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств...
"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history
4720 

20.04.2021 22:37


Неизвестно кто именно это придумал, но эти художники решили объединиться...
Неизвестно кто именно это придумал, но эти художники решили объединиться, потому что их роднил не только уникальный опыт, но и общие интеллектуальные, художественные и иногда еще житейские вопросы. Интересно то, что к художникам присоединились граверы, скульпторы, ювелиры и даже поэты. Расширился и национальный состав общества - к нидерландцам и фламандцам позже примкнуло немножко немцев, французов и даже итальянцев. Называлось это общество, впоследствии ставшее серьезной оппозицией местной официальной академии Святого Луки, обществом Перелетных Птиц (хотя были редкие мастера, входившие и в Академию и в Птиц). Чтоб в него попасть, надо было пройти целое крещение и посвящение. Первая часть этого дела включала в себя высокоинтеллектуальные беседы о сути искусства на разных языках, а вторая прославила художников на весь Рим и окрестности, потому что это был вакхический кутеж на сутки. Ну, представьте, действующие члены общества наряжались в цветные простыни, типа это у них тоги как у греков, украшали головы венками, немножко неистовствовали, а новый член общества угощал всех вином, выслушивал напутственные речи и получал новое имя в честь античных богов, ну или просто смешное и полунеприличное прозвище. Затем процессия художников отправлялась в храм Санта Констанца, который был назначен храмом бога Вакха, потому что там находился античный саркофаг, и продолжала поднимать кубки с вином уже у этого саркофага. Вообще, католическому Риму не сильно нравились бурно пьянствующие протестанты, разыгрывающие языческие шествия, поэтому саркофаг потом передали в Ватикан от греха подальше.
4759 

15.04.2021 13:31

"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства...
"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства, Вашингтон. Трудно узнать в прилично одетой даме с ребенком ту самую скандальную натурщицу, которая позировала Эдуару Мане для «Олимпии» и «Завтрака на траве». Разве что прямой вызывающий взгляд ее выдает. Но это действительно она, Викторина Меран. Викторина Меран вернулась неожиданно. 6 лет о ней не было ничего слышно, никто не знал, куда она исчезла. Говорили, что все эти годы любимая натурщица Мане прожила в Америке. Бросать ей в Париже было нечего, жалеть тоже не о чем: нищета, мечты об актерской славе, гитара и несколько художников, которые готовы платить за то, что она раздевается в их мастерских. Поэтому Викторина рванула за океан, не раздумывая, за какой-то страстной роковой любовью. А вернувшись, опять согласилась позировать Мане. Правда предупредила, что на этот раз у нее совсем другие планы, позирует по старой дружбе и искренней сердечной привязанности, но уже готовит первые картины в Салон и тоже, да-да, стала художницей. В «Железной дороге» она наконец-то прилично одета, да и вообще просто одета. Вместо злополучного черного кота, который вызвал бурю возмущения у критиков и зрителей, Мане возвращает ей на колени мирно спящего щенка. Собака, символ преданности и верности, спала на кровати тициановской «Венеры урбинской», и была безжалостно заменена в «Олимпии» Мане на выгнувшего спину шипящего черного котенка. Кошка – это возмутительно, воплощение изменчивости, вожделения, ведьмовской натуры и, наконец, порочности, она стояла у ног обнаженной Олимпии и шипела на зрителя. Картину приняли в Салоне в 1874 год, в тот самый год, когда в ателье фотографа Надара состоялась первая выставка импрессионистов. В «Железной дороге» все было пристойно – и ничего не сбивало зрителя с благочестивых мыслей. Но над Мане снова смеялись. Современному зрителю трудно понять, что смешного видел карикатурист или журнальный критик в этой картине. Их выводила из себя абсолютная бессюжетность и нелитературность изображенного: то ли портрет, то ли жанровая сцена, железная дорога, а поездов не видно. Так смотрят на магазинные вывески из проезжающей кареты, а не на женщину с ребенком. Говорили, что картина схематична, а перспектива бездарно искажена, переднее пространство будто кто-то сжал и впечатал в железные прутья ограды. Это последняя картина, для которой Викторина Меран позировала Мане. Потом ее принимали несколько раз в Салоне, а потом перестали, позже она пристрастилась к выпивке, стала жить с юной натурщицей, играла на гитаре у входа в парижские кафе, продавала рисунки их нетрезвым посетителям. А после смерти Мане написала письмо его вдове, в котором попросила выдать ей процент от продажи картин с ее изображением. Утверждала, что Эдуар обещал с ней поделиться, когда наконец-то прославится и начнет зарабатывать. Не известно, как отреагировала мадам Мане на письмо Викторины. Известно только, что в 1898 году «Железная дорога» была продана за 100 тысяч франков американцу Генри Осборну Хэвемайеру, принадлежала его потомкам до 1956 года и ими же была передана в дар Национальной галерее искусств Вашингтона. ЭдуарМане Портрет Импрессионизм _history
4612 

15.05.2021 22:58

​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар.

Она станет первой женщиной...
​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар. Она станет первой женщиной...
​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар. Она станет первой женщиной на посту директора музея. ️29 мая в Flacon.Cube Flowgardenz совместно с музыкантом Кариной Казарян (kptransmission) покажут аудиовизуальный перформанс Still Life. ️Пушкинский музей и Томский государственный университет откроют первую в России резиденцию, объединяющую искусство и науку. ️Два филиала «Ясной Поляны» откроют в Тульской области к 100-летнему юбилею музея-заповедника — в Туле и бывшем уездном городе Крапивна. Этим летом обязательно навестите Льва Николаевича! Незабываемее впечатления от усадьбы и атмосферы 19 века, где были написаны «Война и мир» и «Анна Каренина». Больше понимаешь князя Болконского, который так полюбил жизнь в усадьбе: размеренно и по-настоящему счастливо. ️В Москве на территории бывшего завода «Рассвет» на Пресне открылось новое культурное пространство. ️Фестиваль «Первая фабрика авангарда» превратил город в настоящую столицу современного искусства, пусть и всего на неделю. Выставка «Светлый путь» в Музейно-выставочном центре продлится до 22 августа. Иваново — чудесный город и настоящая «текстильная столица России»! Вокзал в Иванове был возведен в 1929–1933 годах по проекту архитектора-конструктивиста Владимира Каверинского. Это крупнейший в России вокзал в конструктивистском стиле: его площадь составляет более 9 тыс. кв. м. https://telegra.ph/file/82b700d66271a284bad2a.jpg
4523 

27.05.2021 19:46

Данте и Беатрис, 1884 год
Генри Холидей 
 Художественная галерея Уокера...
Данте и Беатрис, 1884 год Генри Холидей Художественная галерея Уокера...
Данте и Беатрис, 1884 год Генри Холидей Художественная галерея Уокера, Ливерпуль На картине первая встреча «музы» и тайной возлюбленной итальянского поэта Данте Алигьери. Была его первой и платонической любовью, вышла замуж за другого и рано скончалась. Воспета в главных произведениях Данте и оказала огромное влияние на тему платонической любви поэта к недоступной даме в европейской поэзии последующих веков. Картина считается самой важной у Холидея. После смерти о художнике говорили, как "последний Прерафаэлит". Художник хотел, чтобы картина была исторически точной, и в 1881 году отправился во Флоренцию. Он обнаружил, что в 13 веке улица Лунгарно на северной стороне реки Арно между мостами Понте Веккьо (видно на заднем плане) и Понте Санта-Тринита, была вымощена кирпичом и что в этом районе были магазины; они показаны на картине.
4604 

02.06.2021 20:16

«Рожденные для свободы».

На рижской улице Тургенева появился оригинальный...
«Рожденные для свободы». На рижской улице Тургенева появился оригинальный...
«Рожденные для свободы». На рижской улице Тургенева появился оригинальный арт-объект – скульптура лисицы в черно-бурой шубке. Ее авторами стали известный в Латвии дизайнер Олег Мариноха и его сын Александр, студент 3 курса Латвийской академии художеств. Художественный объект выполнен при поддержке общества защиты животных Dzīvnieku brīvība. Курировал исполнение работы профессор Академии художеств Айгарс Бикше. Для создания скульптуры понадобилось стекло, сталь и пеньковые канаты. Работа в общей сложности заняла почти 5 месяцев. Помогали добровольцы. Скульптура весит примерно 500 килограммов. «…сейчас готова только первая часть проекта. По задумке, лиса должна вылезать из клетки. Мы еще продолжим работу над второй частью», - пояснял Александр Мариноха.
4448 

08.06.2021 11:15

Португалка
1916
Робер Делоне
Холст, масло и воск. 180 × 205 см
Музей...
Португалка 1916 Робер Делоне Холст, масло и воск. 180 × 205 см Музей...
Португалка 1916 Робер Делоне Холст, масло и воск. 180 × 205 см Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид Делоне французский художник, но первая мировая война застигла Робера и Соню Делоне на курорте Сан-Себастьян в Испании. После недолгого пребывания в Мадриде, с июня 1915 по март 1916 г., они поселились в португальской деревушке Вила-ду-Конди, неподалёку от Порту. Оба были очарованы тёплым ясным светом северной Португалии, который запечатлели в серии работ на тему деревенских рынков. Хотя Робер Делоне уже экспериментировал с беспредметной живописью в 1912—1913 годах, в отличие от таких художников как Василий Кандинский и Франтишек Купка, он не считал абстрактность самоцелью. В этой картине фигуративные абстрактные элементы комбинируются, усиливая динамизм цветовых сочетаний. Делоне достигает максимальной насыщенности цвета, с помощью техники смешивания масла и воска, к которой после отъезда из Португалии он больше не вернётся.
4564 

11.06.2021 17:13


"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека...
"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history
4447 

12.06.2021 20:37

​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие

«Дама с...
​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с...
​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с веером» — последний женский портрет знаменитого венского художника Густава Климта. Его героиня соблазнительно и с удивительной самоуверенностью смотрит вдаль. Эта яркая картина вновь выставлена в Вене спустя более века. Она представлена на специальной выставке в Верхнем Бельведере вместе с другими поздними работами мастера. Вскоре после смерти Густава Климта в 1918 году в мастерской художника была сделана фотография. На ней изображены две картины, каждая на своём мольберте — это «Дама с веером» и незаконченная работа «Невеста». Вторая была предоставлена Бельведеру в долгосрочную аренду. Но первая — яркое и мастерски выполненное изображение женщины с обнажённым плечом — исчезла 101 год назад. Она была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. Возвращение «Дамы с веером» в Вену — важное событие, ведь это уникальное дополнение к наследию Густава Климта. В честь этого случая Бельведер организовал небольшой, но громкий показ, посвящённый заключительному этапу творчества культового венского художника. В одном зале с «Дамой…» выставлены другие портреты, относящиеся к этому периоду. «Дама с веером» была последней картиной, над которой Климт работал в 1917 году. Он практически завершил её — за исключением нескольких деталей. И если на большинстве его портретов изображены светские дамы, то здесь, вероятнее всего, он написал неизвестную модель. Этот портрет — вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. Эта соблазнительная незнакомка, которая, скорее всего, была танцовщицей, кажется успешной и уверенной в себе. Её голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Картина демонстрировалась в Вене всего лишь раз — на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор её судьбу трудно проследить. По данным Бельведера, в 1960-х годах эту работу купил у вдовы промышленника Рудольф Леопольд — венский коллекционер и основатель музея Леопольда. Остаётся невыясненным, когда холст в конечном итоге покинул Австрию и был продан ценителю из США. Последний раз «Дама с веером» экспонировалась в Кракове в 1992 году. Два года спустя ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Между тем, Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. По словам директора Бельведера Стеллы Роллиг, нынешний владелец ничего не знал о том, что вывоз «Дамы с веером» был незаконным. И сейчас Австрия дала гарантии анонимному коллекционеру, что его сокровище вернётся неприкосновенным. «Он очень хотел показать эту картину в Бельведере, показать её здесь, в контексте нашей коллекции работ Климта, и снова сделать её доступной для публики», — сказала она. Среди других картин в экспозиции — незавершённые «Невеста», «Амалия Цукеркандль», «Адам и Ева» и «Дама в белом». В октябре к ним присоединятся новые экспонаты, которые продемонстрируют интерес Климта к восточноазиатскому искусству и его влияние на творчество австрийского мастера. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b11aae8078613b208f5c6.jpg
4471 

18.06.2021 20:36

"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная...
"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. «Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах. На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов. Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту. Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел. ДжонУотерхаус _history
4402 

12.07.2021 20:05

Тарелка с изображением Иалии, убивающей Сисару

Франция, Первая треть XVII...
Тарелка с изображением Иалии, убивающей Сисару Франция, Первая треть XVII...
Тарелка с изображением Иалии, убивающей Сисару Франция, Первая треть XVII в. Материал: майолика Источник В библии (Ветхий завет) описывается, что армия Варака внезапно напала на стан Сисары, враг был рассеян и вынужден был бежать. Сисара в панике покинул поле боя, а попросту дал деру. Беглый военачальник попытался скрыться в стоящих в отделении шатрах кенеев. Иаиль встретила его на пороге своего шатра и пригласила внутрь. Она успокоила беглеца, напоила молоком, дала ему покрывало, и доверчивый гость расслабился настолько, что вскоре уснул. И тогда она взяла металлический кол для шатра, молоток и вбила кол в висок спящего Сисары с такой силой, что он пробил череп насквозь и пригвоздил голову к земле. Иаиль позвала Варака и показала ему труп его врага. С тех пор Иаиль прославляют и почитают.
4363 

11.07.2021 14:16


"Женщина за клавикордом" 1665 г. Геррит Доу Далиджская картинная галерея...
"Женщина за клавикордом" 1665 г. Геррит Доу Далиджская картинная галерея, Лондон. Панели на музыкальную тему встречаются в творчестве Геррита Доу относительно редко. Несмотря на то, что художник, судя по всему, сам играл на музыкальных инструментах, изображения музицирующих персонажей среди его работ можно пересчитать по пальцам. И потому «Женщина за клавикордом» представляет интерес не только как великолепный образец лейденской живописной школы fijnschilders («изысканных художников»), но и как картина, имеющая собственное «звучание». Сейчас произведение входит в коллекцию лондонской галереи Далиджа. Сама работа типична для техники fijnschilder, которая требовала гладкого письма, блестящих глянцевых поверхностей, точной передачи материалов, текстур и света, а также скрупулёзного, реалистичного изображения предметов в малых (иногда крошечных) масштабах. В этой композиции лучи солнца из окна мягко отражаются на полированном корпусе альта, подчёркивают бархатистость красной подушки и холод металла птичьей клетки. Складки гобелена, отведённого вправо, становятся практически осязаемыми. Виртуозная техника Геррита Доу принесла мастеру невероятный успех у коллекционеров XVII – XVIII веков, которые ценили его больше, чем любого другого голландского художника, включая Рембрандта. Доу писал в основном домашние сцены, часто с моральным или аллегорическим подтекстом. Изображение музыкантов в Нидерландах XVII века ассоциировалось с любовью. Здесь молодая женщина сделала паузу в игре, возможно, повернувшись к возлюбленному, который будет аккомпанировать ей на альте-да-гамба. На интимные отношения указывает, например, птичья клетка, которая тогда носила эротический подтекст. «Женщина за клавикордом» связана с другой «музыкальной» картиной Доу, «Молодая дама за вирджиналом», ныне хранящейся в частной коллекции. Обе работы были написаны в 1665 году, на обеих изображены женщины за инструментами. Однако одну и ту же тему голландский мастер интерпретировал с разными настроениями и смыслом. Если панель из коллекции галереи Далиджа представляет собой интимную и тихую сцену, то её «сестра» воплощает радости жизни. Позади девушки за вирджиналом находится группа людей, что придаёт сцене живости, в то время как женщина за клавикордом находится в комнате в умиротворённом одиночестве. Впервые обе работы демонстрировались вместе в 1665 году в Лейдене – на выставке, которую организовал Йохан де Бай, покровитель Доу. Возможно, это была первая в истории персональная экспозиция ещё живущего художника. В следующий раз картины воссоединились на короткое время лишь спустя три с половиной столетия – на показе в галерее Далиджа в 2016-м году. ГерритДоу Портрет Барокко _history https://t.me/pic_history2/266
3123 

30.05.2022 20:37

Уборщицы и мусор В 2004 году с произведением художника Густава Метцгера...
Уборщицы и мусор В 2004 году с произведением художника Густава Метцгера произошёл необычный случай. В галерее Тейт показывали реконструкцию работы художника «Первая общественная демонстрация автодеструктивного искусства» 1960 года. Работа была представлена в виде полиэтиленового прозрачного пакета набитого бумажным и картонным хламом. Уборщица музея не распознала в нём произведение искусства и выбросила пакет. Мешок извлекли из мусорного контейнера, но художник заявил, что его мусор сильно повреждён, поэтому требуется изготовление копии. Метцгер быстро предоставил музею аналогичное произведение. Руководители галереи выплатили ему компенсацию за моральное потрясение. В самой галерее объяснили произошедшее тем, что вокруг арт-произведения с мусором не было специального ограждения, как у других экспонатов. Искусство или нет?
4283 

26.07.2021 12:56

Мария Магдалина в экстазе
1620-25
Артемизия Джентилески 
Масло на холсте. 105 ×...
Мария Магдалина в экстазе 1620-25 Артемизия Джентилески Масло на холсте. 105 ×...
Мария Магдалина в экстазе 1620-25 Артемизия Джентилески Масло на холсте. 105 × 81 см. Нац. галерея, Лондон Артемизия, старшая дочь тосканского художника Орацио Джентилески. Артемизия изучала живопись в мастерской отца, и более успешно, чем её братья, которые также работали в мастерской Орацио. В 1612 году её изнасиловал флорентийский художник Агостино Тасси, работавший вместе с её отцом. После семимесячного судебного разбирательства, унизительного и мучительного для Артемизии, Тасси был признан виновным и приговорён к году тюрьмы. Переживания художницы получили выражение в её наиболее знаменитой работе «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1612—1613). В 1612 году переехала во Флоренцию. Работала под покровительством Козимо II Медичи, дружила с Галилеем (астроном, который сказал: "И всё-таки она вертится!"). Затем перебралась в Венецию, где познакомилась с Антонисом Ван Дейком и Софонисбой Ангиссола (первая художница эпохи Ренессанса). Артемизия Джентилески нередко сравнивается с Караваджо.
4377 

28.07.2021 14:43

"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в...
"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в Нарни» – первый по времени пейзажный шедевр Камиля Коро и первая его картина, представленная в Салоне. С неё начинаются два важных сюжета. Первый – вполне мучительное противостояние художника и французского Салона. Второй и более глобальный – досрочное и непредвиденное, как всякий фальстарт, зарождение идей и техник импрессионизма задолго до его «официального» возникновения. Нарни, или Нарния, – так называется древний городок в центрально-итальянской Умбрии. Коро попал туда во время трёхлетнего (1825-1828) творческого путешествия по Италии. На родине, во Франции, ему преподавали искусство пейзажа художники Мишалон и Бертен, но это был пейзаж академический (или, как его еще называли – исторический) с его традиционными условностями и статичной монументальностью. А Коро искал чего-то совсем иного – более живого, более непосредственного. Его интуиция подталкивала к пейзажу менее умозрительному и более близкому к реальности. В Италии Коро писал продуктивно и много, он чувствовал себя освободившимся. Одним из результатов этого вдохновенного труда стал замечательный «Мост в Нарни». По сути, традиционная тема: живописные руины, вписанные в ландшафт. Но Коро наполняет её новым, живым и праздничным, содержанием. С поразительной точностью ему удаётся схватить и передать момент раннего солнечного утра. Короткий и лучезарный миг, который вот-вот исчезнет: солнце поднимется выше, свет станет ярче, тени обозначатся резче и пейзаж переменится, станет совсем другим. А ощущение радости – уйдёт. И потому для Коро так важно запечатлеть испытанное настроение (его потом станут называть создателем «пейзажа настроения»). Коро не особо интересны отдельные детали пейзажа – важнее передать прозрачность воздуха, рассеянный утренний свет, контраст желтого песчаного дна и темно-зелёного холма, оттенки цветных отражений в мутноватой воде. Конечно, критики и публика Салона приняли первую работу Коро довольно прохладно. И вторую. И много последующих. А для Коро, по складу своего характера чуждого всякой революционности (он ведь целых 7 лет не решался бросить торговлю, чтобы заняться живописью, – отец не разрешал), официальное признание Салона было так важно! И так недостижимо. Однажды он все-таки получил второй приз и нравоучение: «В следующий раз, мсье, привозите полотна поменьше». В другой раз о его деревьях станут говорить, что они написаны губкой, которую Коро обмакивал в грязь. И вечно картины Коро будут развешивать в самых темных уголках – там, где его валёры (тончайшие переливы цвета) и вовсе не разглядеть. В 1865-м, когда Коро уже будет под 70, его картины войдут в моду и получат признание, но золотая медаль Салона всё равно уйдёт академисту Александру Кабанелю, изобразившему президента Наполеона III. Того самого Наполеона III, который съязвил по поводу утренних пейзажей Коро: «Чтобы понять этого художника, нужно слишком рано вставать». Только постфактум критика поймёт, что «Мост в Нарни» – это точка отсчёта для пейзажного искусства новейшего времени и настоящий шедевр. Один из критиков справедливо напишет о прорыве, который, сам того не осознавая, совершил своей картиной Коро: «Самостоятельно, не имея никакой программы, чисто интуитивно Коро перенёсся через пятьдесят лет живописи, перейдя от классицизма к имрпессионизму». А британский историк искусства и писатель Кеннет Кларк пошутит по поводу «Моста в Нарни», что в этой картине Коро сделался «свободен, как самый энергичный Констебл». КамильКоро Пейзаж Романтизм _history
4297 

30.07.2021 20:37

Маргарета Капсия - первая известная финская художница. Она родилась в Швеции...
Маргарета Капсия - первая известная финская художница. Она родилась в Швеции...
Маргарета Капсия - первая известная финская художница. Она родилась в Швеции, вроде бы, в голландской купеческой семье, вышла замуж за священника и жила в Стокгольме. После Северной войны супруги переехали в финский город Вааса, а потом в Турку, где Маргарета и прославилась как лучшая в своем поколении мастерица церковной живописи, оформляла целые церкви, делала иллюстрации к Библии и писала портреты знатных особ за много денег. Поэтому вот алтарный образ, Иисус и ученики, исполненный ей в 1725 году. Все очень кривое, но хорошее! Ничего о том, кто и когда художницу учил не нашла и, судя по ее наивной манере, она видела что-то из образцов итальянской живописи и даже кого-то голландского, а вот училась всему, скорее всего, сама. Этой зимой картину, кстати, отреставрировали и теперь она в Национальном музее Финляндии обновленная и прекрасна ждет нас всех.
4168 

30.08.2021 19:35

Я когда-то рассказывала, что голландская живопись началась с Робера Кампена, а...
Я когда-то рассказывала, что голландская живопись началась с Робера Кампена, а вот на художников поколения Кампена и Жана Фуке, повлиял, конечно, более ранний мастер. Имени его мы не знаем, поэтому его величают в честь его главного заказчика, Джона Ланкастера, герцога Бедфордского - Мастером Бедфорда, или еще в честь его самой известной работы, как раз сделанной для того самого заказчика - Мастером Часослова Бедфорда. Более того, неясно работал художник один или их там целая мастерская была, но, в любом случае, сейчас говорят о целом направлении в иллюстрации и живописи, который этот мастер задал в XV веке. Располагалась мастерская художника (или художников) Париже, приписывается ему (или им) примерно семь книг. В украшении книг не скупились на золото и дорогую синюю краску, в них хватает необычных решений, видно, что рисующий все вот это очень много чего видел - от европейского до византийского искусства, а еще не лишен чувства юмора. И, вроде бы, все так нагружено подробностями, куча деталей, где вдруг образовалось свободное место - там буйно разрастаются цветочные орнаменты, а так легко и радостно от этих иллюстраций. Манускрипт, который сегодня рассматриваем, был создан по заказу все того же графа Бедфорда в честь его женитьбы на Анне Бургундской. Потом его передарили племяннику Бедфорда, девятилетнему Генриху VI, последнему королю Англии из династии Ланкастеров, перед получением французской короны. Дарили очень торжественно, даже упоминание об этом добавили в саму рукопись по личной просьбе графа. Потом книга кочевала от владельца к владельцу (сплошь графья да короли), пока не попала в 1786 году к английскому книготорговцу Джеймсу Эдвардсу, который не просто чах над ней, а заказал антиквару и писателю Ричарду Гоу сделать описание драгоценной книги. А тот взял и написал монографию, в которой подробно объяснил, что происходит на каждой из 59 миниатюр. Это была первая книга об иллюминированных рукописях, как минимум, на английском языке и так началось их изучение. Книгу о книге положу вот сюда.
4196 

01.09.2021 18:07

Париж, Лувр «Ладья Данте» – первая..." />
"Ладья Данте" Эжен Делакруа, 1822 > Париж, Лувр «Ладья Данте» – первая...
"Ладья Данте" Эжен Делакруа, 1822 > Париж, Лувр «Ладья Данте» – первая значительная картина, созданная французским художником Эженом Делакруа, и одна из работ, которые, как считается, знаменовали собой переход от неоклассицизма к романтизму. Творческая интерпретация одного из самых интересных сюжетов мировой литературы, революционное толкование символов, откровенное заимствование приемов у мастеров Возрождения – все вместе сделало работу яркой, сочной и новаторской. Через Стигийское болото лежит путь Данте и Вергилия. Гневные, осужденные на вечные муки в болоте, пытаются всеми силами проникнуть в лодку, вернуться в мир живых. Страдания грешных душ изображены в лучших традициях эмоционального барокко. Но фигуры главных героев скорее близки классическим канонам. Нечеткость рисунка скорее "работает" на идею работы. Словно сами страсти и эмоциональный накал искажают пространство и делают очертания деталей работы нечеткими, размытыми. А яркие цвета делают картину еще более выразительной и атмосферной.
4178 

01.09.2021 00:05

​​Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям

В 2019...
​​Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям В 2019...
​​Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре. Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты. Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки. Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда. По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна. Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью. С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм. Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/49ee2dd112177517afc7b.jpg
4167 

05.09.2021 20:37

Александр Колдер (22 июля 1898, Лоунтон, США — 11 ноября 1976, Нью-Йорк)...
Александр Колдер (22 июля 1898, Лоунтон, США — 11 ноября 1976, Нью-Йорк)...
Александр Колдер (22 июля 1898, Лоунтон, США — 11 ноября 1976, Нью-Йорк) — американский скульптор, который приобрёл всемирную известность замысловатыми фигурами из проволоки и так называемыми «мобилями» — кинетическими скульптурами, которые приводятся в движение электричеством или ветром. Еще одним видом искусства, увлекавшим Колдера, было создание ювелирных украшений. Сначала мастер использовал в качестве материала только медную проволоку, в дальнейшем работал со сталью, латунью, серебром и другими материалами. Украшения от Колдера приобрели широкую популярность в 1930−40-х годах. Их носили знаменитости. Сейчас стоимость некоторых украшений авторства Колдера достигает сотен тысяч долларов Первая ретроспективная выставка состоялась в Музее современного искусства в Нью-Йорке (1943). В 1952 Колдер получил большую премию Венецианской Биеннале. Монументальные стабили Колдера органично вошли в архитектурные ансамбли многих городов Европы и Америки.
4138 

09.09.2021 21:09

​​Большая глина №4

Недавно в Москве на Болотной набережной установили...
​​Большая глина №4 Недавно в Москве на Болотной набережной установили...
​​Большая глина №4 Недавно в Москве на Болотной набережной установили скульптуру легендарного швейцарского художника Урса Фишера, которая вызвала негативную реакцию у москвичей. Сегодня мы хотели бы разобрать, какой смысл вкладывал мастер в свою работу и, возможно, поменять отношение к ней Что из себя представляет скульптура? Это 12-метровая копия комка глины, которой пользовался Фишер. На ней даже можно разглядеть отпечатки пальцев. Какие смыслы автор заложил в свою работу? Тут может быть несколько интерпретаций. Во-первых, скульптуру можно воспринимать как метафору творческого акта. Любая работа начинается с подготовки материалов. В начале мы мнем глину, а уже потом начинаем лепить из нее. Во-вторых, по словам самого автора, это выражение жеста, желание удержать какой-то момент, сохранить его в памяти. Урс Фишер даже рассказал трогательную историю об одном из своих подобных моментов в интервью телеканалу «Москва 24»: ​​«Вы знаете, когда родилась моя первая дочь, вот в тот момент я взял ее на руки, и я дал ей мой палец, и она его схватила, хотя родилась только пять минут назад, потому что она хотела за что-то удержаться. Когда мы чувствуем чувство голода, мы держимся за что-то, когда испытываем желание, мы тоже за что-то держимся. Это первобытный инстинкт, выражать какие-то чувства, как мы относимся к этому миру, вот оттуда и истекает моя работа. Это не то, что я хотел создать что-то уродливое или красивое» Фото: Глеб Леонов https://telegra.ph/file/f8180062d73c5cca370bb.jpg
4160 

07.09.2021 18:00

"Арсенальская гора ночью" 1908 г. Нико Пиросмани Частная...
"Арсенальская гора ночью" 1908 г. Нико Пиросмани Частная коллекция. «Арсенальская гора ночью» - первая работа Пиросмани, оцененная в миллион (фунтов стерлингов). Впервые она была выставлена в Тбилиси в 1919 году. Картина хранилась в Государственном музее искусств Грузии до тех пор, пока советское правительство не решило подарить ее французскому писателю Луи Арагону. Тот был женат на Эльзе Триоле, младшей сестре Лили Брик. Большую часть жизни он горячо поддерживал коммунистические идеи. Впрочем, со временем Арагон в них разочаровался и резко отрицательно характеризовал советский тоталитаризм. Подаренная Арагону картина Пиросмани некоторое время хранилась в московской квартире Лили Брик, а затем перекочевала во Францию. Однако Игорь Оболенский, автор биографической книги «Сказки Пиросмани», описывает совершенно иной путь, которым «Арсенальская гора ночью» попала во Францию. Когда большевики пришли к власти, Кирилл Зданевич - один из двух братьев-художников, которые открыли миру кавказского самородка Пиросмани и активно скупали его картины, - остался в Грузии, потом переехал в Москву, а его брат Илья Зданевич уехал во Францию. Кирилл передал государству почти всю коллекцию картин Пиросмани - грандиозную на тот момент. По этому поводу между братьями возник конфликт. Живущий в Европе Илья не понимал, как можно подарить картины, которые зачастую покупались на последние деньги. Кирилл же прекрасно знал, что если он их не подарит сам, то государственный молох перемелет и его, и картины. А так был шанс хотя бы несколько полотен оставить в семье. Этот широкий жест не помог, и в 50-х годах в Москве Кирилл Зданевич был арестован. Поводом послужила бутылка виски. С точки зрения КГБ всё было логично: пьет виски - значит, шпион загнивающей буржуазии. Но основной, не называемой вслух причиной стал визит к художнику англичанина, который хотел посмотреть Пиросмани. Шесть лет Кирилл Зданевич провел в лагерях по «политической 58-й». Его жена, чтобы выжить, постепенно распродавала уцелевшие картины. Вот тогда «Арсенальская гора ночью» будто бы и оказалась у Лили Брик, а потом перекочевала к ее сестре и Луи Арагону. Впервые на торги картина была выставлена в 2007 году. На аукционе Sotheby’s она ушла в частную коллекцию за 1 млн. фунтов стерлингов (1,6 млн. долларов). Директор Государственного музея искусств Грузии Гия Марсагишвили прокомментировал сделку, заявив, что это катастрофически низкая стоимость, поскольку на данный момент реальная цена картины должна была быть в 6-7 раз выше. В следующий раз в 2010 году картину выставил на торги аукционный дом MacDougall’s, и она ушла за 1,075 млн. фунтов стерлингов (1,72 млн. долларов). После этого на торги Christie's картину выставили в 2015 году. Сделка была совершена по телефону. Покупатель – грузинский миллиардер Бидзина Иванишвили отдал за картину 962,500 фунтов стерлингов (1,486,100 долларов). «Арсенальская гора» вернулась в Грузию! «Арсенальская гора ночью» представляет собой монументальный пейзаж, такой жанр типичен для Пиросмани. Время словно застывает на его полотнах. В них нет спешки. Художник выхватывает из контекста повседневности любой объект, будь то небесная синь, грандиозные вершины гор, натюрморт или люди, и представляет нам слепок этого объекта в контексте вечности – не той, которая никогда не заканчивается, а той, которая в принципе никуда не движется – ей некуда. Остановись, мгновение. Мгновение останавливается на полотнах Пиросмани. Пиросмани нередко упрекали в отсутствии перспективы и несоотнесенности размеров изображенного на полотнах. И действительно, с позиции реализма такой костер вряд ли предназначен для обогрева рук, а о судьбе дома, который ниже роста человеческого, и подумать страшно. Но таково видение Нико Пиросмани. Вслед за художником мы словно перемещаемся от объекта к объекту. Они объединены в единое целое сюжетом, но при этом остаются отдельными компонентами с собственным пространством – месяц, горы, тифлиcские огни, огромный костер и крошечный домик. НикоПиросмани _history
3080 

25.05.2022 20:37

​​️Дом культуры «ГЭС-2», площадка V-A-C в России, объявил программу первого...
​​️Дом культуры «ГЭС-2», площадка V-A-C в России, объявил программу первого...
​​️Дом культуры «ГЭС-2», площадка V-A-C в России, объявил программу первого сезона, который откроется 4 декабря на Болотной набережной в Москве. ️В Fondation Cartier pour l’art contemporain проходит выставка Дэмиена Хёрста «Цветение вишни» — первая персоналка британской звезды не только в Париже, но и вообще во Франции. 30 новых работ! ️В Третьяковской галерее продолжается выставка гения социального реализма Юрия Пименова. Это первая персональная выставка художника в залах Галереи. На выставке представлено 170 произведений из 22 музейных и частных собраний России, Белоруссии и Латвии. ️Впервые за 4,5 тыс. лет плато Гиза у подножия пирамид наполнится искусством — так представляют свой амбициозный проект организаторы выставки современного искусства Forever Is Now. Бесплатная выставка с образовательной программой откроется 21 октября. В составе участников — российский художник, автор идеи и комиссар Первой Антарктической биеннале современного искусства и первого национального павильона Антарктиды в Венеции Александр Пономарев. Его инсталляция для выставки в Гизе называется «Уроборос» и отсылает к солнечной ладье бога Ра, бесконечно перемещающейся по небу. В состав инсталляции входит иероглифическое панно, содержащее выдержки из знаменитого поучения гераклеопольского царя своему сыну Мерикара (это собрание мудростей, которое отражает египетские представления о людях и мире вокруг) и текстов из гробниц. Проект получил название Forever Is Now. Фото: Art D’Égypte https://telegra.ph/file/6d0ca58cf1bb4e8f2c0d3.jpg
4082 

29.09.2021 20:47

"Дама с веером" 1917 г. Густав Климт Частная коллекция. «Дама с веером» – один...
"Дама с веером" 1917 г. Густав Климт Частная коллекция. «Дама с веером» – один из последних женских портретов Густава Климта. Он работал над картиной в 1917 году – незадолго до смерти, которая наступила из-за пневмонии после перенесённого инсульта. Однако прежде художник успел закончить работу – за исключением нескольких незначительных деталей. Если на большинстве портретов Климта изображены светские дамы, то здесь он написал модель, личность которой до сих пор остаётся загадкой. Соблазнительная незнакомка, скорее всего, была танцовщицей. Она выглядит успешной и уверенной в себе: голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Этот портрет – вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. В нём одновременно отражено влияние японского искусства, модного в эпоху модерна, и самобытный стиль самого Климта. Жёлтый фон напоминает его картины «золотого» периода, такие как «Портрет Адели Блох-Бауэр I» или «Поцелуй». Красочные птицы и вьющиеся цветы отражают характерное для мастера обильное использование цвета и орнамента. Фон имитирует японские ксилографии с их яркими стилизованными узорами. Богато украшены также платье героини и веер, который она держит в руках. Такое множество декоративных элементов вызывает ощущение, будто Климт балансирует между искусством и ремеслом. Комбинация этих двух составляющих отражает тенденции, которые начали набирать обороты на заре XX века. Они охватили живопись, архитектуру, текстиль, дизайн интерьеров и ювелирное дело, вытолкнув декоративные ремёсла из тени и в центр внимания. Ощущение беззаботности, которое создают цвет и орнаменты в «Даме с веером», подчёркивают великолепие центральной фигуры. В результате картина стала гимном как самой женщине, так и миру, который её окружает. Полотно было обнаружено в 1918 году в мастерской Густава Климта вскоре после его смерти. Сохранилась фотография, на которой запечатлены две работы – незавершённая «Невеста» и «Дама с веером». Первая была предоставлена музею Бельведер в долгосрочную аренду, а вторая была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. В Вене «Даму с веером» публика видела всего лишь раз – на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор она исчезла на многие годы. По данным Бельведера, в 1960-х годах её купил у некой вдовы промышленника Рудольф Леопольд – венский коллекционер и основатель собственного музея. Однако непонятно, как портрет затем был вывезен из Австрии и продан ценителю из США. После этого «Дама с веером» экспонировалась в Токио в 1991 году и в Кракове годом позже. В 1994-м ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Однако покупатель понятия не имел, что Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. В 2021 году – через сто лет после первой демонстрации в Вене – коллекционер захотел показать работу в австрийской столице вновь. Государство дало ему гарантию, что вернёт полотно неприкосновенным, и сияющий образ стал центром небольшой, но важной выставки «Дама с веером. Последние работы Густава Климта» в Бельведере. ГуставКлимт Модерн _history
4039 

05.10.2021 20:12


Учимся различать работы представителей художественной династии Брейгелей. Часть...
Учимся различать работы представителей художественной династии Брейгелей. Часть...
Учимся различать работы представителей художественной династии Брейгелей. Часть 2. Ян Брейгель Младший в тени отца Жизнь Яна Брейгеля Старшего, его второй супруги и троих детей унесла эпидемия холеры в 1625 году. Однако болезнь пощадила его сына от первого брака – тоже Яна Брейгеля, прозванного затем, соответственно, Младшим. В то время он жил в Италии, куда отправился в свое время для продолжения ученичества. Вернувшись на родину, Ян ожидаемо возглавил мастерскую отца и продолжил работать в его художественном стиле – аллегорические пейзажи, цветочные композиции, вазы и венки... Несмотря на собственные успехи, Ян Брейгель Младший нередко выдавал свои работы за картины отца, что сегодня создает проблему с атрибуцией их произведений. Считается, что младший любитель цветов все же не превзошел живописных достижений своего родителя, и особенно трудно давалась ему светотень. Супруга Яна Брейгеля Младшего также была художницей и обучала, в частности, его младшего сводного брата – Амброзиуса Брейгеля. Смотрим "Корзину с цветами". Амброзиус Брейгель и его собственный путь Амброзиус большую часть своей карьеры работал с братом и следовал тому же небольшому спектру тем – сады, венки, цветочные натюрморты… Однако он никогда не стремился подражать отцу (что ничуть не помогает исследователям в атрибуции его работ – авторство многих из них остается неопределенным). Когда супруг его сестры Анны, Давид Тенирс Младший, основал в Антверпене Академию художеств, Амброзиус принял его предложение и начал преподавательскую деятельность. Как живописец, при жизни он снискал определенную популярность, однако сведений о его творчестве осталось сравнительно немного. Смотрим "Пейзаж с берегом реки". Итальянская любовь Абрахама Брейгеля Сын Яна Брейгеля Младшего – известный художник эпохи барокко, прославившийся не только своими цветочными композициями (да, еще один продолжатель дела «райского» Брейгеля), но и скандальной, по меркам консервативных фламандцев, личной жизнью. Известен стал он уже в пятнадцать, в двадцать пять уехал в Рим на стажировку, где с головой окунулся в богемную жизнь. Вошел в несколько художественных объединений, получил в драке с коллегой сотрясение мозга (таковы были традиции художественной жизни Италии), нашел богатых покровителей, завязал дружбу со «столпами» классицизма, Клодом Лорреном и Никола Пуссеном. Женился на итальянке – дочери местного скульптора, завел любовницу-итальянку... В общем, прочно пустил корни на итальянской земле. Правда, из Рима со временем он перебрался в Неаполь, где писал роскошные натюрморты до самой смерти. Иногда в его работах появляется загадочная женская фигура, грациозная и элегантно одетая, однако личность этой дамы установить не удалось. Смотрим "Женщина, берущая фрукты" Первая часть вот тут. _history https://t.me/pic_history2/213
3976 

28.10.2021 20:37

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru