Назад

​​️Продажа коллекции сооснователя Microsoft Пола Аллена может стать самой...

Описание:
​​️Продажа коллекции сооснователя Microsoft Пола Аллена может стать самой крупной в истории аукционов: не менее 150 произведений искусства стоимостью $1 млрд. ️В Италии открылась выставка о событиях на Украине. На выставке собраны работы 16 авторов, среди которых как российские, так и итальянские, и европейские художники, графические дизайнеры, скульпторы, а также журналисты, ставшие свидетелями событий в Донбассе с 2014 года. ️В Туле откроют филиал Музея имени Андрея Рублева. Он появится на базе бывшей усадьбы купца Лопатина. ️В МХТ имени Чехова в сентября пройдет премьера спектакля «Омон Ра» по роману Пелевина. ️Принято новое определение понятия «музей». Определение 50-летней давности было пересмотрено на конференции Международного совета музеев (ИКОМ) в Праге. Оно впервые включает такие термины, как «инклюзивность», «доступность», «устойчивость» и «этика». Новая формулировка звучит так: «Музей — это некоммерческая, постоянно действующая организация на службе обществу, которая исследует, собирает, сохраняет, интерпретирует и демонстрирует материальное и нематериальное наследие. Открытые для публики, доступные и инклюзивные, музеи способствуют разнообразию и устойчивости. Они работают и общаются этично, профессионально и с участием сообществ, предлагая разнообразный опыт для обучения, развлечения, побуждая к размышлениям и обмену знаниями». https://telegra.ph/file/b9c8c185c0643165d314f.jpg

Похожие статьи

"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В...
"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 2015 году на русских торгах аукциона Sotheby's была заявлена одна из редких картин Айвазовского не на морскую тему – «Вечер в Каире». Эстимейт установили в рамках 1,5-2 миллионов фунтов стерлингов, торги были назначены на 2 июня. Однако Национальное центральное бюро Интерпола в России направило в Великобританию запрос с требованием снять картину с торгов, поскольку в 1997 году она была похищена из частной коллекции в Москве. Судьба картины до похищения известна: полотно находилось в коллекции московского собирателя Дедова. В 1940-е он продал ее Ивану Носенко, занимавшему пост наркома судостроительной промышленности. После смерти Носенко картина перешла в собственность его вдовы. В 1997 году 80-летняя Тамара Георгиевна ожидала внучку с продуктами. Вместо нее пришлось встретить грабителей. Из квартиры вынесли работы Айвазовского, Саврасова, Шишкина. «Вечер в Каире» оценивается как самый дорогой экземпляр коллекции. Впервые полотно всплыло в 2013 году всё на том же Sotheby's. Сын Тамары Георгиевны, дипломат Владимир Носенко опознал один из лотов аукциона и заявил об этом. Полотно было снято с торгов до дальнейшего выяснения обстоятельств. В следующем году аукционный дом получил ответ на запрос из московского ОВД, в котором сообщается: «в материалах уголовного дела отсутствует описание, фотографии и какие-либо другие официальные документы, которые могли бы дать возможность сравнить картину, похищенную в 1997 году у потерпевшей Носенко Т.Г., с картиной, представленной на аукционе Сотбис в 2013 году». То есть доказать, что этот «тот самый Айвазовский», не представляется возможным. Таким образом, с юридической точки зрения ситуация для бывших владельцев оказалась практически безнадежна. Страсти вокруг картины разгорались нешуточные. Представители Sotheby's заявили, что картина не числится ни в списке украденных предметов искусства, составленном Министерством культуры России, ни в международном Art Loss Register. Однако аукционисты связались с «предположительно бывшим владельцем картины» и договорились о выплате определенного процента со стоимости лота. Похоже, в Sotheby's тоже не были уверены в чистоте происхождения картины и понимали, что такой способ решить проблему оптимален для всех. Однако российские и, возможно, британские правоохранители иначе посмотрели на это дело. МВД и Интерпол настойчиво требовали снять картину с торгов. Утром 2 июня 2015 года за несколько минут до начала торгов картина таки были снята. ИванАйвазовский Романтизм _history
2586 

25.02.2021 22:04

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg
2617 

26.02.2021 22:13


"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара...
"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара Пьясецка-Джонсон (1937-2013), бывшая польская горничная, ставшая после удачного замужества наследницей гигантской фармацевтической империи Johnson & Johnson, выставила на торги лондонского отделения аукциона Sotheby's свою коллекцию мебели и предметов искусства эпохи барокко. Общая сумма продаж составила тогда 9,9 млн фунтов (около 16 млн. долларов), а самым дорогим лотом из всей торговавшейся коллекции стала картина «Прометей» Хосе де Риберы: она была продана за 3,8 млн фунтов. Высокая цена – всегда результат синергии многих факторов. Причём далеко не всегда можно сказать, какой из них имел решающее значение. Возможно, дело в том, что «Прометей» – одна из характернейших картин Риберы с его «фирменным» острым драматизмом и резкой светотенью. А быть может, к легендированию картины имеют непосредственное отношение слухи о нездоровом интересе Риберы к истязаниям и пыткам. Или же свою роль сыграла «караваджиевская» манера исполнения «Прометея», а Караваджо, как известно, всегда отлично продаётся. Рибера использовал в «Прометее» своё излюбленное композиционное решение – разместить тело в напряженнной и сложной позе строго по диагонали картины. В подобных, хотя и не тождественных, положениях предстают в 1620-х годах на картинах Риберы святые Варфоломей, Андрей, Себастьян. Композиция, «отработанная» на христианских святых, в 1630-м году или позже, когда написан «Прометей», оказалась едва ли не более подходящей для античного титана. Тем более, сюжет мифа о Прометее, самоотверженном защитнике человеческого рода от произвола богов, располагает к живописным упражнениям в передаче телесных мук и корчей. Точная передача анатомии прикованного Прометея, предельного напряжения всех мышц, рваной кровавой раны в боку и, главное, передача эмоционального накала огромной силы – вот «визитная карточка» Риберы. Все это делает картину драматически-волнующей и такой желанной для покупателей. Согласно некоторым данным, для этюдов и зарисовок Рибера регулярно посещал неапольские тюрьмы, где наблюдал за истязаемыми заключенными. Это позволяло ему натуралистично изображать человеческое тело, насильственно вывернутое, распластанное в неудобном и мучительном положении. Недаром Риберу иногда называют «художником истязаний». Рибера действительно заимствует у Караваджо живописные техники, известные как «кьяроскуро» и «тенебросо». Некоторые старые авторы настойчиво пытались найти доказательства их личных встреч. Но, ради исторической справедливости, следует уточнить, что Хосе де Рибера и Микеланджело Меризи да Караваджо познакомиться всё-таки не успели: Караваджо бежал из Неаполя в 1607-м, а Рибера, вероятнее всего, перебрался туда и остался там на всю жизнь несколькими годами позже, когда Караваджо уже не было в живых. Среди восьми покупателей, охотящихся за этим лотом на Sotheby's, были представители Прадо, но им так и не удалось пополнить коллекцию главного музея Испании. К огромному сожалению, личность нового владельца «Прометея», согласно аукционным правилам конфиденциальности, остаётся неизвестной. Рибера Барокко МифологическаяСцена _history
2587 

01.03.2021 21:50

​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины...
​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины...
​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины Кандинского Мэр Амстердама решила, что пришло время пересмотреть вопрос о том, должен ли Городской музей Стеделейк оставить себе «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского. До того, как музей приобрёл картину во время Второй мировой войны, она входила в собрание коллекционера-еврея. Голландская комиссия по реституциям, которая рассматривает жалобы на нацистские грабежи, в 2018 году постановила, что музей может оставить себе работу «Картина с домами», на которую претендуют наследники его бывших владельцев. Решение реституционной комиссии было поддержано голландским судом. Однако мэр Амстердама в своём письме заявила, что было бы целесообразно, чтобы комиссия по реституции пересмотрела дело о картине, которая находится в коллекции музея с 1940 года. Судьба картины находится в центре внимания, поскольку это один из немногих случаев, когда комиссия по реституции пытается уравновесить интересы культурных учреждений и интересы людей, которые хотят вернуть произведения искусства, награбленные во время Второй мировой войны. Такая формулировка вызвала критику со стороны экспертов по реституции, а в декабре — со стороны комитета, созванного министром культуры Нидерландов для изучения решений комиссии по реституции. В своём письме мэр Фемке Хальсема и несколько других официальных лиц, известных под общим названием Коллегия мэров и олдерменов, написали, что они согласны с выводами комитета, который проявляет больше сочувствия в процессе реституции. «Еврейский народ был лишен своего имущества, прав, достоинства и, во многих случаях, жизни, — говорится в письме. — И если что-то из этой вопиющей несправедливости по отношению к ним ещё подлежит исправлению, у нас, как общества, есть моральное обязательство действовать соответственно». Джеймс Палмер, основатель компании по реституции произведений искусства Mondex Corporation, которая представляет истцов в «деле Кандинского», сказал, что они «в восторге от письма мэра и её коллег». «Прошло уже почти десять лет с тех пор, как семья начала свою тяжбу, — написал он, добавив: «Мы надеемся найти другое решение при поддержке города Амстердама, чтобы разрешить этот вопрос мирным и быстрым образом». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b3f826fa8210b073764c8.jpg
2565 

02.03.2021 20:48

​​️Последние денечки для посещения выставки современного японского художника...
​​️Последние денечки для посещения выставки современного японского художника...
​​️Последние денечки для посещения выставки современного японского художника Кавати Сэйко «Полет над Хокусаем» в Музее Востока. ️Сегодня галереи-резиденты арт-платформы Cube.Moscow представили сразу семь новых проектов. ️ 05 марта White Room Foundation представит групповую выставку «Тёмная сторона радуги» по итогам резиденции для художников. ️В Париже откроется новый культурный проект Structure 35-37.   ️Картина Уинстона Черчилля из коллекции Анджелины Джоли продана на торгах Christie’s за £7 млн Это рекордная цена, заплаченная за работу Черчилля-художника. Картина «Минарет мечети Кутубия» была написана в 1943 году во время визита политика в Марракеш. Позднее он подарил эту картину президенту США Франклину Рузвельту на день рождения. Джоли и Питт приобрели картину в 2011 году. Фото: Уинстон Черчилль. Минарет мечети Кутубия. 1943. Холст, масло. Christie’s https://telegra.ph/file/1005b18419867f8923f69.jpg
2545 

03.03.2021 21:21

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа...
Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.
2530 

10.03.2021 16:50

Чтоб вы понимали уровень исполнения коллекции Топоровского - несколько моих...
Чтоб вы понимали уровень исполнения коллекции Топоровского - несколько моих знакомых, вовсе не специалистов в области русского авангарда, не зная подоплеки этой всей выставки, отправились глядеть на те картины. Все же музей-то их выставлял авторитетный, а директор этого музея была на слуху как куратор всяких хороших штук про современное искусство. Так вот, обалдели даже не специалисты. Комментарии и впечатления были в духе “да вы его это, вы чего?” - особенно зрителей привели в восторг развеселые расписные торбы и прялки от Казимира Малевича. Московский галерист Емельян Захаров тогда написал о «невыносимом ощущении испанского стыда, которое охватывает тебя целиком, когда ты находишься в этом зале». Это еще что, Топоровский дома гостям показывал деревянные головы, которых Малевич понавырезал. Обещал потом тоже выставить. Выставка выставлялась, а вопросов становилось все больше с каждым днем. Музей отбивался, отвечая на все запросы о том, что за экспертиза подтвердила авторство что-то типа “у нас все документы в порядке” и вообще обещал открыть потом еще одну, большую-пребольшую выставку коллекции Топоровского. Зрители недоумевали, эксперты похохатывали, журналисты вели расследование, Топоровский раздавал интервью в своей особой манере. Постепенно выяснили, что все-все-все, что плел Топоровский - концентрированная брехня от начала до конца, то есть, буквально, начиная даже от темы его диплома в университете и он не специалист по Наполеону, как всем рассказывал. Что те эксперты, на которых ссылался Топоровский не видели его в глаза, что каталог выставки из Харьковского музея 1992 года, в котором, вроде как, Топоровский скупил еще часть своей коллекции и который предъявлял как доказательство подлинности коллекции, подделка уровня бэ - туда просто вклеили другие работы поверх настоящих и прочее прекрасное. И вот это наконец убедило правительство закрыть выставку и начать расследование. Бельгийские журналисты в интервью с министром культуры сетовали, что Бельгия стала международным посмешищем, специалисты по авангарду возмущались тем, как дискредитируется наследие великих русских художников, музею был нанесен колоссальный репутационный урон, директора из музея выгнали, коллекция Топоровского была арестована, а он сам рассказывал о травле, организованной преступной группой искусствоведов, пока в 2019 году не присел за мошенничество, отмывание денег и торговлю краденым. Ну и сидит по сей день, вроде бы. Прикольно, в общем, хоть кино снимай. Интересно еще и то, что при современном уровне технологий и экспертиз удалось одним пусканием пыли в глаза и забалтыванием Топоровскому удалось пролезть в музей такого уровня. Мне кажется, что я примерно представляю типаж этого человека - сталкивалась полтора раза в жизни с такими. И тут ты или успеешь убежать или попадешь под гипноз и не то что в прялку Малевича поверишь, а вступишь в секту, уйдешь в рабство и что угодно, поэтому я даже сочувствую Катрин де Зегер и верю, что она не специально.
2584 

10.03.2021 16:50

​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69...
​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69...
​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69 млн NFT-мания: 11 марта на онлайн-аукционе Christie’s файл «Каждый день. Первые 5000 дней» в формате JPG, созданный цифровым художником Майком Винкельманном, известным как Beeple, был продан за 69,3 миллиона долларов. За час до завершения торгов было подано более 180 заявок. Цена стала новым максимумом для произведения искусства, которые существуют лишь в цифровом виде. Она превзошла аукционные рекорды «физических» картин таких мастеров, как Уильям Тёрнер, Жорж Сёра и Франсиско Гойя. Продажа коллажа Бипла длилась две недели и началась со ста долларов. Ещё за несколько секунд до окончания аукциона за работу давали менее 30-ти миллионов долларов. Но вал ставок, поступивших в последний момент, заставил организаторов продлить торги ещё на две минуты, и окончательная цена составила почти 70 миллионов. За коллаж сражались 33 участника торгов, а Бипл в результате вошёл в тройку самых дорогих из живущих художников после Джеффа Кунса и Дэвида Хокни. Работа «Каждый день. Первые 5000 дней», которую Christie’s объявил «уникальным произведением в истории цифрового искусства», представляет собой коллаж из всех изображений, которые Бипл размещает в Интернете ежедневно, начиная с 2007 года. Художник, который сотрудничал с Louis Vuitton и такими поп-звездами, как Джастин Бибер и Кэти Перри, создаёт дерзкие визуальные комментарии о жизни в XXI веке. Коллажированный JPG-файл Бипла был создан или «отчеканен» в виде «невзаимозаменяемого токена» (nonfungible token или NFT) в феврале. Безопасная сеть компьютерных систем, которая регистрирует продажу в «цифровом гроссбухе», известном как блокчейн, даёт покупателям доказательства подлинности и права собственности. Большинство из них платят криптовалютой эфириум (Ethereum). «Каждый день» был первым NFT, который продал Christie’s, и аукционный дом заявил, что принимает платежи в эфирах, что также стало первым случаем в 255-летней истории фирмы. Тодд Левин, советник по искусству из Нью-Йорка, видевший продажу «Спасителя Мира» Леонардо да Винчи за 450 миллионов долларов, сказал, что у него «смешанные эмоции» по поводу рекорда Бипла. «С одной стороны, очень интересно стать свидетелем исторической поворотной точки, — сказал эксперт. — С другой стороны, вовлечённые суммы могут исказить и повредить зарождающийся рынок». Christie’s провёл свой аукцион в момент, когда мир искусства попал под стремительный натиск спекулятивного рынка NFT. Стоимость произведений, отчеканенных во невзаимозаменяемых токенах, недавно резко выросла на таких специализированных сайтах, как Open Sea, Nifty Gateway, Super Rare и Makers Place и теперь не соответствует суммам на остальном арт-рынке. NFT также стал шансом для начинающих художников. На прошлой неделе анонимная группа «Сожжённый Бэнкси» продала уникальный NFT — цифровую копию принта Бэнкси «Идиоты» (2006). Продавцы заявили, что сожгли оригинальную работу стоимостью в десятки тысяч долларов в ходе «церемонии», которую транслировали на YouTube и Twitter. Всё, что осталось, — это сертифицированный блокчейном NFT «Идиотов». Этот токен ушёл за 382 тысяч долларов, что в три раза выше цены любого оригинала из ограниченного тиража «Идиотов» на аукционе. Победителем торгов стал пользователь с ником GALAXY, который немедленно выставил своё приобретение на продажу. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/866914a1d8e26f73fa2c9.jpg
2536 

12.03.2021 20:53


"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума...
"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history
2497 

14.03.2021 22:27

"Бульвар Монмартр. Весеннее утро" 1897 г. Камиль Писсарро Частная коллекция.
"Бульвар Монмартр. Весеннее утро" 1897 г. Камиль Писсарро Частная коллекция. В 1890-х к Камилю Писсарро приходит долгожданное признание, его картины продаются за десятки тысяч франков. Стареющий и теряющий зрение художник наконец-то может позволить себе путешествовать, наслаждаться безбедной жизнью и снимать гостиничный номер прямо в Париже когда ему будет угодно. Писсарро пишет бульвар Монмартр днем, вечером, ночью, утром, в дождь, зимой, весной, летом – из гостиничного номера с тремя окнами. Потом те же эксперименты проводит с другими бульварами и городскими пейзажами: Авеню де ла Опера, бульвар Итальен, Лувр, улица Сент-Оноре и улица Сен-Лазар. Одних изображений Лувра при разной погоде в течение 1900 – 1901 года у Писсарро целых 18. Шумные, светлые городские площади и бульвары у него живут и дышат, ежесекундно меняясь, как лицо человека. Но именно «Бульвар Монмартр. Весеннее утро» на аукционе Sotheby's в 2014 году был продан за рекордную для Писсарро сумму – 32 млн. долларов. ХХ век нелегко дался этой картине и она обросла историей, которая дорогого стоит. До Второй мировой войны картина была частью огромной частной коллекции импрессионистов, которую собрал немецкий еврей, промышленник Макс Зильберберг. В конце 30-х дом коллекционера захватили солдаты СС, а его собрание картин, в том числе и «Бульвар Монмартр. Весеннее утро», ушло с молотка. Зильберберг вместе с женой погибли в концентрационном лагере, а полотно после некоторых путешествий оказалось в музее Израиля в Иерусалиме. Несколько лет оно оставалось в собственности музея, пока в 2000 году не состоялось справедливое возвращение полотна наследникам Зильберберга. Новый владелец не менее справедливо, в знак признательности музею за образцовое сохранение картины, позволил оставить ее в экспозиции до самой своей смерти. В 2013 году владелец «Бульвара Монмартр» умер – и на торги Sotheby's попало одно из самых важных полотен импрессионизма. КамильПиссарро Импрессионизм _history
2528 

15.03.2021 20:37

​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв...
​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв...
​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв нацизма Франция вернёт единственную картину Густава Климта из своей национальной коллекции наследникам Норы Стясны. Эта женщина еврейского происхождения вынуждена была продать полотно, когда нацисты аннексировали её родную Австрию. Министр культуры Франции Розлин Башло сказала, что с этим шедевром стране расстаться сложно, но необходимо. «Это завершение акта правосудия», — заявила она на пресс-конференции в Париже. «Розы под деревьями» в настоящее время находятся в Музее Орсе. Этот пейзаж не входил в специальный список награбленных произведений искусства, возвращенных из Германии во Францию после окончания Второй мировой войны. Картина Климта была куплена в 1980 году и по закону считается «неотъемлемой» собственностью страны. Это означает, что для её возвращения прежним владельцам парламент должен будет принять специальный закон. Нора Стясны родилась в 1898 году в Вене. Картину ей передал её дядя Виктор Цукеркандль — богатый сталелитейный магнат и коллекционер произведений искусства. «Розы под деревьями» он купил в 1911 году. Но после того, как нацисты аннексировали Австрию, Стясны была вынуждена продать пейзаж в 1938 году «почти за бесценок», чтобы выжить. Женщину депортировали в Польшу в 1942 году, где она в том же году погибла лагере смерти «Белжец» вместе с мужем и сыном. Картину в 1938 году купил человек, который называл себя другом семьи, но на деле симпатизировал нацистам. По словам Розлин Башло, он «спровоцировал продажу» и хранил полотно у себя до самой смерти в 1960 году. Двадцать лет спустя французское государство купило «Розы под деревьями» в художественной галерее. Чиновники готовились к открытию Музея Орсе и создавали государственную коллекцию современного искусства. На пресс-конференции официальные лица заверили, что перед покупкой Франция интересовалась происхождением картины, но не нашла доказательств того, что она была продана под принуждением. Лишь в последние годы французские и австрийские историки смогли проследить полный путь пейзажа. Это было довольно трудно из-за того, что большинство доказательств были уничтожены, а семейные воспоминания — размыты. В 2019 году Франция решила ответить на многолетнюю критику за недостаточную активность в сфере реституции. Новая экспертная группа получила более широкий мандат на поиск и возврат произведений искусства, которые были разграблены или проданы под принуждением во время нацистской оккупации. Сейчас Лувр пересматривает все свои приобретения, сделанные в период с 1933 по 1945 год. В 2017 году Австрия вернула наследникам Стясны похожую картину Климта «Яблоня II». Однако позже австрийские власти пришли к выводу, что эта реституция была ошибочной. В конечном итоге эксперты определили, что потомкам женщины следует передать «Розы под деревьями», а не «Яблоню II». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/d9741f03e17c2e942eb9f.jpg
2542 

18.03.2021 20:37

​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси

Аукционы...
​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы...
​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы в марте 2021 года принесли несколько неожиданных сюрпризов. Вновь заявил о себе криптовалютный рынок. На этот раз один из его игроков за внушительную сумму купил целиком самое большое в мире полотно, которое автор планировал продать частями. «Воин» Жана-Мишеля Баскии стал самым дорогим произведением западного искусства, проданным в Азии. А антипандемическое заявление Бэнкси установило рекорд для его работ. Осенью прошлого года британский художник Саша Жафри попал в книгу рекордов Гиннеса как создатель самой большой в мире картины под названием «Путешествие человечества». Теперь она продана на аукционе за не менее внушительную сумму в 62 миллиона долларов. Такой результат поставил Жафри на четвёртое место в списке самых дорогих из ныне живущих мастеров — после Джеффа Кунса, Дэвида Хокни и цифрового художника Бипла. Покупателем стал французский крипто-бизнесмен Андре Абдун. Выручка от продажи картины пойдёт на благотворительность. Произведение занимает площадь в 1580 квадратных метров, что приблизительно соответствует двум теннисным кортам. Жафри создавал его в течение восьми месяцев, когда застрял на карантине в пятизвёздочном отеле Atlantis The Palm в Дубае. Холсты он размещал на полу танцевального зала гостиницы. Картина навеяна детскими рисунками — художник просил детей со всего мира нарисовать их впечатления во время пандемии. 44-летний Жафри получил работы более чем из 140 стран. Первоначально он планировал разделить картину на 70 частей и продать на четырёх аукционах. Но теперь, благодаря Андре Абдуну, для неё будет построен музей и открыт благотворительный фонд. Картина «Воин», которую Жан-Мишель Баския написал в 1982 году, установила новый рекорд среди произведений западного искусства, проданных в Азии. Она ушла на аукционе Christie’s в Гонконге за 41,8 миллиона долларов США. Предыдущим рекордсменом была абстракция немецкого художника Герхарда Рихтера. В октябре прошлого года на Sotheby’s за неё выложили 27,7 миллиона долларов. Продажа картины Баскии стала аукционом одного лота перед лондонско-гонконгским марафоном произведений XX века, сюрреализма и современного искусства. Фокусом торгов стала работа Бэнкси «Тот, кто меняет игру» (2020), которую продавали в пользу сотрудников и пациентов университетской больницы Саутгемптона. Художник даже получил особое разрешение от Красного Креста на использование культового знака организации в своей работе — подобные просьбы удовлетворяются редко. Предварительная оценка картины кол...ась от 2,5 до 3,5 миллионов фунтов стерлингов, и когда ставки достигли 5-ти миллионов, торги несколько замедлились. Однако они вновь оживились, когда в битве остались двое участников. Они шли нос к носу с шагом в 200 тысяч фунтов стерлингов, и в конце концов победитель предложил 14,8 миллиона. С учётом премии окончательная цена составила 16,8 миллиона фунтов стерлингов или 23,2 миллиона долларов США. Это не только впечатляющий вклад в благое дело, но и новый аукционный рекорд для Бэнкси. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/25ffc61083c73277f5828.jpg
2485 

26.03.2021 21:36

​​️В «Гараже» в Москве начинают работу сразу три новые выставки.

️«Выбирая...
​​️В «Гараже» в Москве начинают работу сразу три новые выставки. ️«Выбирая...
​​️В «Гараже» в Москве начинают работу сразу три новые выставки. ️«Выбирая дистанцию: спекуляции, фейки, прогнозы в эпоху коронацена» ️«Невидимый звук»  Давида Кларбаута ️«Настоящее время, несовершенный вид»   ️Фестиваль набережных «ВолгаФест» открыл прием заявок на участие в паблик-арт-программе для художников, дизайнеров и архитекторов. Тема 2021 года — «Преграды».   ️Парк Горького запускает проект по защите птиц «Крылатые соседи». 03 апреля посетителям парка предложат раскрасить гигантские скворечники вместе с уличным художником Сергеем Овсейкиным, прогуляться с бердвотчером  Марией Монаховой и послушать лекции в честь Международного дня птиц.   ️Лувр выложил в открытый доступ все произведения из своей коллекции: 480 000 работ можно посмотреть совершенно бесплатно.   ️В Исторический музей из Италии привезли гравюры Альбрехта Дюрера   В экспозиции «Альбрехт Дюрер. Шедевры гравюры из собрания Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии» представлены 146 гравюр мастера, в том числе такие хиты, как «Меланхолия I», «Адам и Ева» и все листы из серии «Апокалипсис».   В конце XV века родной город Дюрера Нюрнберг был одним из центров книгопечатания в Европе, так что его гравюры выходили огромными тиражами. Успех композиций Дюрера привел к появлению подделок: резчики по всей Европе безо всякого стеснения копировали гравюры. На выставке можно увидеть и работы итальянского гравера Маркантонио Раймонди, с кем Дюрер судился из-за того, что тот подделывал его гравюры. Суд Дюрер выиграл.     Альбрехт Дюрер. «Адам и Ева». 1504. Фото: Государственный Исторический музей https://telegra.ph/file/f56ca78ef1da33bdc05d6.jpg
2484 

29.03.2021 20:31

Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство...
Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство возвышенное и театральное, а бамбоччанти любили гротеск, темные стороны жизни и решительно не хотели писать персонажей не то что возвышенными, а даже просто красивыми. Взяли и скрестили хулиганско-наставительные сюжеты Питера Брейгеля Старшего с мрачноватыми последователями Караваджо и, пожалуй, сарказма еще добавили кое-где. Типичные герои их небольших картин или офортов - солдаты, бродяги, торговцы, фермеры и доярки, трактирщики, прачки или, как писал Сальватор Роза “негодяи, мошенники, карманники, бандиты, пьяницы, обжоры” - ну, то есть, как посмотреть. Бамоччанти критиковали представители официального искусства, называли их картины низостью и гадостью, призывали вернуться к изысканности и красоте заблудших художников. А вот покупатели и коллекционеры их гадостей очень быстро нашлись и жанр приобрел огромную популярность - и ван Лар и его друзья устанавливали довольно высокие цены на свои картины, но их раскупали, переправляли по всей Европе и особенно ценили на их родине, в Нидерландах. Считается, что эта группировка повлияла на Веласкеса, которые любил писать сценки из темных трактиров в ранние годы, что любитель нравоучительных бытовых серий Хогарт тоже насмотрелся, Гойя даже вроде что-то имел в личной коллекции, а еще что к камерным и иногда двусмысленным сценкам бамбочатти обращались после многие художники рококо. Но тут же тоже интересно, раз мы говорим о группе голландских художников, то стоит иметь в виду, что они не так просты чтоб быть обыкновенными реалистами, которые просто запечатлевают неприглядный окружающий мир как он есть ради анекдота. Вы же помните, что как раз голландцы даже в натюрморте с тыквой и букетом цветов зашифровывали сложные аллегории. Так и тут все было. Простые предметы и вульгарные сценки должны побудить нас, зрителей, к сложным размышлениям. Трюк такой. Особенно тут важно, что работают художники именно в Риме, поэтому то там то тут намекнут на то, в каких величественных пейзажах, да с каким прошлым, разворачиваются все эти мелкие житейские происшествия. В общем, рассматриваем и ищем глубокий смысл.
2396 

24.04.2021 20:00

"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он...
"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он писал пейзажи, которые не сумел бы создать никто другой, пейзажи, на которые мог бы ложиться снег», - сказал о Курбе британский арт-критик Джон Бёрджер. Сезанн называл Курбе каменотёсом и говорил, что «он так же велик, как Микеланджело». Сам же Курбе был лаконичен: «Я пишу, как Господь!» Конечно, этот француз известен не только своими картинами, но и образом жизни. Он был тщеславен и хвастлив. Его невозможно было представить без пива, трубки и облака дыма, из которого он громогласно, с деревенским задором (своим простонародным происхождением Курбе гордился больше, чем иные орденами) теоретизировал об искусстве реализма, требовал спуститься на землю и поискать красоту буквально под ногами. Хвастовство хвастовством, но Курбе и правда достоин сравнения с Микеланджело. Его пейзажи - даже когда на них нет гор, скал или валунов – напоминают скульптуры, кажутся не написанными, а вылепленными или высеченными из камня. Взгляните хоть на картину «Волна» из коллекции Пушкинского музея. Только, в отличие от Микеланджело, Курбе считал, что художник не должен «отсекать лишнее»: его задача - переносить на холст все как есть. Если перед глазами художника не роскошные бархатные драпировки, а выстиранное бельё – значит, быть на холсте ему. «Хижина в горах» считается одним из лучших альпийских пейзажей Курбе. Картина написана в Швейцарии. Дело в том, что энергии Гюстава Курбе хватало не только на арт-революции, он ещё и к Парижской коммуне примкнул. Когда ненадолго свергнутая власть вернулась, Курбе осудили за разрушение Вандомской колонны, бросили в тюрьму, выписали огромный штраф – в итоге ему пришлось бежать в Швейцарию, где он через несколько лет и умер. Ну, а что же Господь? Есть ли основания сравнивать Курбе и с Создателем, который творил мир сам, а не послушно и достоверно воспроизводил уже созданное? Пожалуй, есть. Курбе хоть и ратовал за работу на пленэре и бескомпромиссную честность в переносе природы на холст, сам иногда все же писал пейзажи в мастерской – когда по памяти, а когда и по воображению. Соблазнялся самыми эффектными природными явлениями (вроде морских бурь на фоне огненного заката). Или выкручивал яркость и контрастность в своих реалистичных пейзажах до открыточного уровня – публике был по душе такой колорит, а Курбе не собирался игнорировать её вкусы и спрос. ГюставКурбе Реализм _history
2509 

02.04.2021 22:04


"Взгляд в бесконечность" 1911 г. Фердинанд Ходлер Частная коллекция. В 1910...
"Взгляд в бесконечность" 1911 г. Фердинанд Ходлер Частная коллекция. В 1910 году Фердинанд Ходлер получил заказ на картину, которая могла бы украсить лестницу недавно отстроенного Кунстхауса в Цюрихе. Работа предстояла грандиозная – художнику понадобилось 3 года, чтобы ее завершить. Первая версия полотна размером 4,5 на почти 9 метров провисела в музее совсем недолго, 3 месяца. Она оказалась слишком громоздкой. Сейчас на этот грандиозный «неудачный» вариант можно посмотреть в Базеле. Со всеми переработками и редакциями, исправлениями и пробами у Ходлера получилось 5 практически одинаковых картин – и одна из них, тоже довольно немаленькая, находится сейчас в частной коллекции. Эта работа – практически манифест ходлеровского художественного метода, концентрированная эстетическая программа его знаменитого параллелизма. Женские фигуры разворачивают то ли в пространстве, то ли во времени какой-то ритуальный танец, символизируя и живое человеческое движение, и сам ритм этого движения. Поза каждой уникальна (кстати, Ходлеру действительно позировали пять разных натурщиц), но вместе они создают симметричную жестовую композицию, которую легко продолжить. Например, по горизонтали: продолжая бесконечный танец за пределы полотна, мысленно дорисовывая эту цепь танцовщиц. А еще – по вертикали: следуя за взглядом каждой из пяти женщин. Все они смотрят в разные стороны, раздвигая для нас пределы картины. Ходлер любил синий цвет и был уверен, что только его можно без раздражения воспринимать на холстах большого размера. Но психическое равновесие зрителя, конечно, не единственная причина, по которой художник выбирает синий. «Синий – это цвет, который, как и море, как и небо, говорит мне о чем-то н...альном, о трансцедентном и величественном», - писал Ходлер. В каких-то нескольких сотнях километров, в тот же год, когда Ходлер получил заказ на «Взгляд в бесконечность», Василий Кандинский написал книгу «О духовном в искусстве». И тоже трактовал синий цвет как духовный и возвышенный. Но больше чем синий цвет Ходлер любил только женщин – всех тех земных красавиц, с которыми жил и которыми восхищался, своих бесконечных любовниц и удивительных жен, но и женщину вообще. Женщина для него – духовная опора, надежда этого мира, талисман и носительница тонко отстроенной, хрупкой внутренней гармонии. Женщина – источник всего живого, центр бесконечного жизненного цикла. И лучшее, что она может сделать – это просто существовать и иногда танцевать. На портретах и символических композициях Ходлера они танцуют почти всегда – даже когда замирают в привычной позе или просто держат цветок в руках, это кажется частью длинного, сосредоточенного танцевального, сакрального жеста. При этом музы Ходлера, которые на много лет задерживались в его мастерской и в его жизни, отнюдь не были украшением гостиных, усладой мужских глаз и живыми манекенами. Образованные и одаренные, они водили автомобили, фотографировали, коллекционировали живопись, исполняли свободные танцы и расписывали фарфор. Отводя взгляд от несущейся под колесами дороги, от восхищенных зрителей или кропотливой работы, поднимали глаза в небо, смотрели в бесконечность. ФердинандХодлер Символизм _history
719 

05.06.2022 20:37

​​Сегодня будет субботний выпуск — слишком много хороших новостей!

Важный...
​​Сегодня будет субботний выпуск — слишком много хороших новостей! Важный...
​​Сегодня будет субботний выпуск — слишком много хороших новостей! Важный проект, поддерживающий искусство в наших культурно-богатейших регионах: ️Выставка «Рихтер регионы: Нижний Новгород» продлится до 30 апреля! ️Завтра в Пушкинском музее пройдет ежегодная акция «Я покажу тебе музей». В этот день старшеклассники и студенты – участники программ Пушкинский.Youth, – проводят в музее экскурсии, игры и квесты, участвуют в перформансах. Во время акции посетители могут по-новому взглянуть на известные экспонаты и увидеть музей таким, каким они его еще не видели. ️В Краснодаре до 25 апреля проходит Pop-up фестиваль в рамках года Германии в России, посвященный современному искусству, кино, музыке и образованию. Есть события онлайн. ️Сегодня Фонд Ruarts открывает двери нового пространства, внутри которого разместились выставочные залы с постоянной и временными экспозициями, библиотека, образовательный центр, книжный магазин и кафе. Первым проектом в новом пространстве стала выставка «Мягкая родина», состоящая из произведений из коллекции фонда, в которых четко прослеживаются основные тематические линии. Название выставки позаимствовано у художника Дмитрия Цветкова, чья одноименная работа открывает проект. Созданная в 2011 году, «Мягкая родина» Цветкова выполнена из шерсти и парчи, это бережно расшитая жемчугом карта России, где каждый регион — это отдельная мягкая драгоценная подушка. Фото: Дмитрий Цветков, Мягкая родина, фото Ивана Ерофеева https://telegra.ph/file/6e39fbba7057a55385729.jpg
2340 

17.04.2021 19:49

​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса

Голландская...
​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса Голландская...
​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса Голландская полиция заявила, что арестовала 58-летнего мужчину по подозрению в краже картин из двух музее в Нидерландах. Это пейзаж Винсента Ван Гога «Сад у дома приходского священника в Нюэнене» (1884) и сцена Франса Хальса «Два смеющихся юноши с пивным кувшином» (ок. 1627). Они были похищены прошлой весной в первые дни карантина, когда музеи были закрыты для посетителей. Подозреваемый был задержан в своём доме в городе Баарн в Нидерландах. Но сами картины не была найдены. Первое преступление было совершено около 3:15 утра 30 марта. Злоумышленник приехал в музей Зингера Ларена, кувалдой пробил двери из сверхпрочного стекла, похитил полотно Ван Гога и скрылся в ночи на мотоцикле. Ограбление зафиксировали камеры наблюдения и в конце апреля его показали в криминальной хронике. Несколькими месяцами позже, в июне, арт-детектив Артур Бранд узнал, что в преступном мире циркулирует фотопруф. На снимке разложены первая страница New York Times, картина Ван Гога и биография печально известного похитителя произведений искусства Октава Дурхама под названием Meesterdief («Мастер-вор»). Дурхам попал в тюрьму за кражу двух других картин Ван Гога. И то, что его книга оказалась на фотографии, укрепило убеждение следователей в том, что вор из Зингер Ларен был подражателем. Картину Ван Гога Музею Зингера Ларена одолжил Музей Гронингера для временной выставки. Она была единственной картиной художника в коллекции последнего. Хотя сама картина по-прежнему не найдена, «каждый день мы надеемся получить хорошие новости, чтобы посетители Музея Гронингера могли снова наслаждаться этим великолепным произведением искусства», — говорит Эверт ван Ос, управляющий директор Музея Зингера Ларена. Второе ограбление, во время которого исчезла картина Франса Хальса стоимостью 17 миллионов долларов, произошло в небольшом музее Хофье ван Аэрдена близ Утрехта. Оно также было совершено под покровом ночи. Воры похитили картину 27 августа 2020 года около 3:30 утра, взломав заднюю дверь. Эта весёлая сцена очень популярна у воров — её выкрадывали дважды, в 1988 и в 2011 годах. Полиция надеется, что её вернут и в третий раз. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/1a9bda4520b2eb85a50f8.jpg
2404 

08.04.2021 21:49

Мечтаешь о карьере ювелирного дизайнера? Пора действовать — запишись на курс от...
Мечтаешь о карьере ювелирного дизайнера? Пора действовать — запишись на курс от...
Мечтаешь о карьере ювелирного дизайнера? Пора действовать — запишись на курс от Skillbox «Профессия ювелирный дизайнер»! На курсе ты научишься создавать дизайн украшений и разрабатывать коллекции на уровне лучших ювелирных брендов, узнаешь, как делать эскизы, переносить их в 3D и рассчитывать бюджет. После курса ты сможешь стать универсальным ювелирным дизайнером и работать над частными заказами. Обучайся на практике из любой точки мира! Первые 3 месяца БЕСПЛАТНО — сначала учись, плати потом. Начать обучение на курсе — ответственное решение, и лучше познакомиться с курсом еще до покупки. Поэтому мы дарим тестовый доступ к первому модулю курса. Не упускай шанс обучиться со скидкой! Переходи: https://clc.am/e26IVQ и регистрируйся!
2411 

20.04.2021 20:00

Знаменитый российский художник Никас Сафронов расписал в канун Пасхи в своем...
Знаменитый российский художник Никас Сафронов расписал в канун Пасхи в своем...
Знаменитый российский художник Никас Сафронов расписал в канун Пасхи в своем авторском стиле 5 окаменелых яиц динозавра. Возраст яиц составляет от 70 до 100 миллионов лет. Яйца принадлежат Гадрозавру - утконосому травоядному динозавру, передвигавшемуся на двух задних лапах. Окаменелые яйца Гадрозавра были предоставлены художнику из частной палеонтологической коллекции. Гадрозавр, гадрозавры (Hadrosauridae, «большие ящеры») — семейство из отряда орнитихий (птицетазовых динозавров). Одни из самых крупных позвоночных Земли, способных передвигаться на двух задних ногах (высотой около 12 м, вес порядка 3,5 тонны). Обитали на мелководье. Встречаются в меловых отложениях. Передняя часть головы напоминала огромный утиный клюв; имелась сложная зубная система. В России гадрозавры водились на территории современных Белгородской и Амурской областей, на Сахалине.
2278 

04.05.2021 14:03

Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников?
⠀
Давайте...
Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников? ⠀ Давайте...
Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников? ⠀ Давайте рассмотрим на конкретных примерах ⠀ Картина бывшего арт-дуэта Виталия Комара и Александра Меламида «Встреча Солженицына и Бёлля на даче у Ростроповича» ушла с аукциона за $1 011 194. Когда художники перестали работать вместе, произведения каждого оценивались не более, чем в $250 000. Самая дорогая картина бывшего творческого дуэта Александра Виноградова и Владимира Дубосарского «Big Paradise» была продана за $305 000. После распада работы художников можно приобрести за $16–20 тысяч. Сальвадор Дали в 1930-х годах поучаствовал в создании коллекции для модного дома Schiaparelli. Такой наряд стоит почти $20 000. Платье Schiaparelli без принта обойдется примерно в $4000. ⠀ Пражский арт-дуэт иллюстраторов Tomski&Polanski появился лишь в 2013 году, но уже приобрел популярность. Цены за их общие картины начинаются от $900, в то время как отдельные работы художников можно приобрести за $50.
747 

23.05.2022 19:12


«Мужчина и колыбель».

Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель...
«Мужчина и колыбель». Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель...
«Мужчина и колыбель». Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. Дело в том, что у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая по логике должна лежать на полу. Да и рано ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. В Третьяковскую галерею левая половина картины поступила после распродажи коллекции Павла Петровича Тугого-Свиньина. Ему принадлежал так называемый «Русский музеум» — коллекция живописи, скульптуры и антиквариата. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей», где собраны рисунки с большей части картин, входивших в коллекцию Свиньина.
2208 

17.05.2021 21:15

Искушение
1857
Николай Шильдер
Третьяковка

22 мая 1956 года Третьяков купил...
Искушение 1857 Николай Шильдер Третьяковка 22 мая 1956 года Третьяков купил...
Искушение 1857 Николай Шильдер Третьяковка 22 мая 1956 года Третьяков купил эту картину за 150 рублей. За 150 рублей тогда можно было купить дом в деревне или семью крепостных. В живописи Третьяков не понимал ничего, зато он очень хорошо умел считать деньги. На картине мрачная и сырая подвальная комната, в которой живет девушка и ее престарелая больная мать, давно уже не встающая с постели. Однажды в подвал пришли богатый мужчина и старуха-сводня, которая предложила девушке сделку: красивый золотой браслет в обмен на любовь. И вот оно – искушение: с одной стороны нищенский заработок вышивальщицы, с другой – браслет, который можно продать и обеспечить семью. И купить маме так необходимые лекарства. Только в 1863 году Павел Михайлович вспомнил о своей идее устройства «художественного музеума». «Искушение» он внес под «нумером 1» в лично составленный им первый каталог своей коллекции. Вторым номером стала картина Василия Худякова «Стычка с финляндскими контрабандистами»
2197 

23.05.2021 20:13

​​Медведя Леонардо да Винчи продают за £12 млн

Ожидается, что рисунок «Голова...
​​Медведя Леонардо да Винчи продают за £12 млн Ожидается, что рисунок «Голова...
​​Медведя Леонардо да Винчи продают за £12 млн Ожидается, что рисунок «Голова медведя», который выставят на Christie's в июле, побьет рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок медвежьей головы работы Леонардо да Винчи размером 7×7 см будет выставлен на торги Christie's 8 июля. Эстимейт рисунка — £8–12 млн. Ожидается, что «Голова медведя» побьет рекорд на рисунки Леонардо, который был установлен на Christie's в 2001 году, когда его «Конь и всадник» (ок. 1480) размером 12×7 см были проданы за £8,1 млн. «Голова медведя» выполнена около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках (не считая британской Королевской коллекции и собрания герцогов Девонширских). Рисунок в XVIII веке находился в собрании художника Томаса Лоуренса, от которого перешел к дилеру и кредитору художника Сэмюэлу Вудберну. Последний продал его в 1860 году на Christie's всего за £2,5. Бен Холл, глава отдела старых мастеров Christie's в Нью-Йорке, говорит, что рисунком владели «некоторые из самых выдающихся коллекционеров в области старых мастеров на протяжении многих веков, в числе которых и нынешний владелец, которому он принадлежал с 2008 года». С момента своей первой выставки в 1937 году рисунок был показан в музеях по всему миру, включая выставку Леонардо да Винчи в Лондонской национальной галерее в 2011–2012 годах. Знаком он и российской публике — в Государственном Эрмитаже и ГМИИ им. А.С.Пушкина его можно было увидеть на выставке из собрания Томаса Каплана и Дафны Реканати-Каплан «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции» в 2018 году. Рисунок представлен на публичной выставке Christie's в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке с 8 мая, затем он будет показан на выставке Christie's в Гонконге с 20 по 25 мая. После этого он отправится в Лондон, где будет выставлен на обозрение с 1 по 6 июня. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/18a97548754b667fba176.jpg
2209 

23.05.2021 21:23

"Дома с пестрым бельем" 1914 г. Эгон Шиле Частная коллекция. У этой картины...
"Дома с пестрым бельем" 1914 г. Эгон Шиле Частная коллекция. У этой картины – редкая история. Совсем нечасто работы признанных художников выставляются на торги прямиком из музейных залов. А «Дома с пестрым бельем» в 2011 году попали в аукционный дом Sotheby’s именно из музея. Частный венский Музей Леопольда расстался с этим полотном, чтобы расплатиться по реституционному иску. Запутанное дело, которое началось совсем с другой картины Шиле. Некоторые ценные экспонаты Рудольф Леопольд, основатель галереи, получил сразу после окончания Второй мировой войны. И неудивительно, что среди приобретенных коллекционером полотен оказались потерянные, украденные или конфискованные у евреев, вынужденных эмигрировать из Австрии в 30-х годах. И вот в 1998 году наследники австрийской еврейки Леи Бонди Ярай предъявили свои права на картину Шиле «Портрет Валли», которая до прихода к власти нацистов находилась в частной коллекции в этой семье. Рудольф Леопольд всегда настаивал на честных отношениях с приобретенными когда-то шедеврами, а потому сохранить спорные картины в экспозиции было для него делом чести. Родственникам Леи Бонди Ярай были предложены 19 млн. долларов за то, чтобы картина осталась в музее. И наследники согласились. Для выплаты этой немаленькой суммы музею Леопольда, одному из самых посещаемых музеев Вены, пришлось расстаться с другой картиной Шиле – «Дома с пестрым бельем». А вот с этой картиной все чисто – у нее идеальный провенанс, а теперь еще и ценовой рекорд для творчества художника. В 2011 году «Дома с пестрым бельем» стали самой дорогой картиной Шиле и обошлись новому владельцу в 40 млн. долларов. Пейзажей в творчестве Шиле совсем немного – и практически все они находятся в экспозициях музеев. «Дома с пестрым бельем» - один из лучших. Это воспоминание о пребывании художника в городке Чески-Крумлов, где родилась его мать и куда Эгон Шиле сбежал от венской богемной жизни со своей подругой Валли Нойциль. Правда, им совсем недолго удалось прожить здесь. Необычную парочку, живущую без брака, жители в буквальном смысле изгнали из города: собрали подписи и выгнали. Тем не менее именно этот средневековый городок, в котором замерла история, стал главным героем городских пейзажей Шиле. Вернее, не сам город, а впечатления от него. В изображениях Чески-Крумлова нет никаких топографических совпадений с реальными местами, искусствоведы пытались найти совпадения, но тщетно. Зато здесь есть излюбленный взгляд Шиле на мир – с точки зрения то ли птицы, то ли небожителя – сверху. Так же художник любил рисовать и своих обнаженных женщин – взбирался на лестницу с бумагой или холстом и навесу делал зарисовки модели. Поднимаясь над городом или над женщиной, Шиле забирает с собой в небеса и зрителя – чтобы видеть мир иначе. ЭгонШиле Модерн _history
2264 

20.05.2021 22:08

​​️Премия Кандинского объявила лонг-лист.

Выставка номинантов и церемония...
​​️Премия Кандинского объявила лонг-лист. Выставка номинантов и церемония...
​​️Премия Кандинского объявила лонг-лист. Выставка номинантов и церемония вручения пройдут в ММОМА на Петровке в октябре — ноябре 2021 года. ️В Санкт-Петербург привезли на выставку 109 произведений Энди Уорхола, которая пройдёт в «Севкабель Порт». ️В Новой Третьяковке 13 июня откроется выставка, посвящённая историчной картине «История России глазами художников. К 800-летию со Дня Рождения Александра Невского». Будут представлены произведения из 40 музейных и частных собраний из разных регионов РФ, в том числе картины, ранее не покидавшие музейные фонды и не выставлявшиеся в Москве. ️Ярмарка Art Basel в Базеле пройдет с 20 по 26 сентября 2021 года. ️Топ-лотом торгов «Русское искусство» аукционного дома Christie’s стал «Портрет императора Павла I» Дмитрия Левицкого. Картина, происходящая из частной австрийской коллекции, экспонировалась в 2010 году на выставке работ Левицкого в Государственном Русском музее. Дмитрий Левицкий, Портрет императора Павла I. Около 1796. Фото: Christie’s https://telegra.ph/file/109cdf1db41190db0275f.jpg
2167 

08.06.2021 20:03

Принцесса Тувстарр в лесу Тарн
1913
Джон Бауэр 
Музей в Мальмё...
Принцесса Тувстарр в лесу Тарн 1913 Джон Бауэр Музей в Мальмё...
Принцесса Тувстарр в лесу Тарн 1913 Джон Бауэр Музей в Мальмё, Швеция Картина, одна из самых значительных работ Бауэра, была впервые опубликована в коллекции сказок «Среди гномов и троллей» в 1913 году в качестве иллюстрации над которыми Бауэр работал с 1907 по 1915 гг. И сделала его одним из самых известных сказочных художников Швеции. В правильно нарисованном лесу все примерно одного и того же цвета — мох, стволы деревьев и ветки елей, все — какое-то мягкое и серьезное, а иногда в лесной чаще мелькает посредине что-то серое, и бурое, и зеленое, но зелени очень мало. Если хочешь, сажаешь, например, в лес принцессу. Она всегда в белом и очень маленькая, и у нее длинные золотистые волосы. Ее лучше поместить в самом сердце лесной чащи или в золотом сечении. Картины и иллюстрации Бауэра выполнены в стиле романтического национализма; Когда Бауэру было 36 лет, он, его жена Эстер и их сын Бенгт утонули в озере Веттерн на юге Швеции.
2150 

31.05.2021 00:22

"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая...
"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая картина «Этюд натурщика» попала в собрание ГМИИ из коллекции С.М. Третьякова. Несмотря на имя «Теодор Жерико» на табличке, полной уверенности в авторстве нет — великолепно сложенного усатого натурщика, позировавшего в мастерской наставника Жерико Пьера Герена, писали многие. Среди предполагаемых авторов «Этюда...» называли и Делакруа, и некоего неизвестного русского мастера (что сомнительно — всё-таки картина была приобретена в коллекцию Третьякова при посредничестве известного дома «Буссо и Валадон» за солидную сумму в 4 500 франков). Но, учитывая, что подписанного Жерико в наших музеях нет, да и просто работ Жерико в мире немного, будем относиться к этому портрету как к доказанной работе одного из первых французских художников-романтиков. Тем более, что все характерные признаки у этюда присутствуют: сложный разворот фигуры, резкий контраст света и тени, глубокая темнота фона, великолепная лепка формы, и, главное, предельная романтизация образа — всё, что так любил Жерико. Героя картины — растрёпанного хмурого человека с античным торсом и совершенно не античным лицом, легко представить и на поле боя, и на палубе корабля, и на покорённой вершине — в любом месте, позволяющем поспорить с судьбой или стихией и красиво победить или драматически погибнуть. Известно, что занимаясь у Герена, Жерико часто «улучшал» постановки, то приписывая натуре воображаемый фон, то усиливая контрастность света. Герен, известный живописью классической и скучноватой, терпел его эксперименты, но предостерегал от подобного остальных студентов: «Что вы стараетесь подражать ему. Пусть работает как хочет, в нем материала на трех-четырех живописцев, не то, что у вас». Вероятно, когда-то картина была светлее, но сейчас её краски изрядно изменились — причина в готовом красителе на основе битума, который был очень эффектен при написании теней, но со временем сильно потемнел. ТеодорЖерико Портрет Романтизм _history
2151 

16.06.2021 22:33

"Портрет картезианца" 1446 г. Петрус Кристус Метрополитен-музей...
"Портрет картезианца" 1446 г. Петрус Кристус Метрополитен-музей, Нью-Йорк. «Портрет картезианца» из коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке – возможно, самая изящная и самая ранняя из подписанных и датированных работ Петруса Кристуса. Изображение послушника картезианского ордена – своего рода оммаж (выражение почтения) реалистичным портретам Яна ван Эйка. С произведениями этого мастера портрет роднит трёхмерное погрудное расположение натурщика в три четверти, а также внимание к отображению текстур и игры света на поверхностях. Кроме того, Кристус добавил к изображению раму-тромплёй («обманку») – подобный приём использовал и ван Эйк – как окно между моделью и зрителем, тем самым создав иллюзию пространства. Чтобы усилить это ощущение, живописец сделал оригинальный ход – «посадил» над своим именем очень реалистичную муху. Однако само исполнение «Портрета картезианца» отличается от манеры ван Эйка и демонстрирует новшества, которые Кристус привнёс во фламандскую портретную живопись. Вместо того чтобы использовать равномерный тёмный задний план, художник поместил своего анонимного героя в белых одеждах на тёплый сложный красный фон. Здесь он также представил новую концепцию в панельной живописи – портрет в угловом пространстве. Фигура освещена с двух сторон – расположенным наискось интенсивным источником света справа и более мягким лучом, озаряющим задний левый угол. Возможно, Кристус позаимствовал эту идею диагонального освещения отдалённых углов у доэйковских миниатюристов, например, у братьев Лимбургов. В более поздних портретах живописец отказался от сложного освещения и замысловатого ощущения пространства, которые демонстрирует эта работа. Вместо этого Кристус отдавал предпочтение композиционному балансу вертикальных, горизонтальных и диагональных линий, замыкающих модель в динамичной геометрической конструкции. Наиболее яркий пример тому – «Портрет девушки» (ок. 1470 года) из коллекции Берлинской картинной галереи. Нимб, следы которого окружают голову монаха, был удалён в июне 1992 года. Тщательно изучив изображение, реставраторы пришли к выводу, что он был сделан при помощи циркуля, игла которого повредила красочный слой на правом виске модели. А смещение даты относительно центра в нижней части рамы свидетельствует, что мысль указать год создания работы пришла Кристусу позже. ПетрусКристус Портрет _history
2150 

15.06.2021 20:46

Мавританка, 1919 год
Дариус Барбоза 
Масло на холсте. 60 × 45 см.
 Пинакотека...
Мавританка, 1919 год Дариус Барбоза Масло на холсте. 60 × 45 см. Пинакотека...
Мавританка, 1919 год Дариус Барбоза Масло на холсте. 60 × 45 см. Пинакотека Сан-Паулу, Бразилия Бразильский художник. Работы Дарио отличаются от работ других художников его времени, поскольку опережал в новаторстве живописи своё время. Пока художник жил в Бразилии, он учился у художника Оскара Перейра да Силва, работы которого также есть в коллекции Пинакотеки. После его направили в Париж на средства правительства Сан-Паулу, где учился в Академии Жюлиана и в Школе изящных искусств. Картины художника разноплановые: пейзажи, жанровые сцены, несколько портретов. Путешествуя Барбоза рисует и изучает типы ландшафта, обычаи и свет. Создал серию французских морских пейзажей, лесов и садов. Испанские дома и женщины, а также сцены из его поездки в Марокко, как сегодняшняя картина "Мавританка". Художник завещал свои работы Национальному музею изящных искусств (MNBA) в Рио-де-Жанейро и Пинакотека в Сан-Паулу.
2123 

16.06.2021 17:13


​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие

«Дама с...
​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с...
​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с веером» — последний женский портрет знаменитого венского художника Густава Климта. Его героиня соблазнительно и с удивительной самоуверенностью смотрит вдаль. Эта яркая картина вновь выставлена в Вене спустя более века. Она представлена на специальной выставке в Верхнем Бельведере вместе с другими поздними работами мастера. Вскоре после смерти Густава Климта в 1918 году в мастерской художника была сделана фотография. На ней изображены две картины, каждая на своём мольберте — это «Дама с веером» и незаконченная работа «Невеста». Вторая была предоставлена Бельведеру в долгосрочную аренду. Но первая — яркое и мастерски выполненное изображение женщины с обнажённым плечом — исчезла 101 год назад. Она была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. Возвращение «Дамы с веером» в Вену — важное событие, ведь это уникальное дополнение к наследию Густава Климта. В честь этого случая Бельведер организовал небольшой, но громкий показ, посвящённый заключительному этапу творчества культового венского художника. В одном зале с «Дамой…» выставлены другие портреты, относящиеся к этому периоду. «Дама с веером» была последней картиной, над которой Климт работал в 1917 году. Он практически завершил её — за исключением нескольких деталей. И если на большинстве его портретов изображены светские дамы, то здесь, вероятнее всего, он написал неизвестную модель. Этот портрет — вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. Эта соблазнительная незнакомка, которая, скорее всего, была танцовщицей, кажется успешной и уверенной в себе. Её голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Картина демонстрировалась в Вене всего лишь раз — на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор её судьбу трудно проследить. По данным Бельведера, в 1960-х годах эту работу купил у вдовы промышленника Рудольф Леопольд — венский коллекционер и основатель музея Леопольда. Остаётся невыясненным, когда холст в конечном итоге покинул Австрию и был продан ценителю из США. Последний раз «Дама с веером» экспонировалась в Кракове в 1992 году. Два года спустя ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Между тем, Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. По словам директора Бельведера Стеллы Роллиг, нынешний владелец ничего не знал о том, что вывоз «Дамы с веером» был незаконным. И сейчас Австрия дала гарантии анонимному коллекционеру, что его сокровище вернётся неприкосновенным. «Он очень хотел показать эту картину в Бельведере, показать её здесь, в контексте нашей коллекции работ Климта, и снова сделать её доступной для публики», — сказала она. Среди других картин в экспозиции — незавершённые «Невеста», «Амалия Цукеркандль», «Адам и Ева» и «Дама в белом». В октябре к ним присоединятся новые экспонаты, которые продемонстрируют интерес Климта к восточноазиатскому искусству и его влияние на творчество австрийского мастера. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b11aae8078613b208f5c6.jpg
2117 

18.06.2021 20:36

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти...
"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history
2096 

19.06.2021 20:37

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов

В...
​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В...
​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg
2128 

23.06.2021 21:36

"Игроки в карты" 1893 г. Поль Сезанн Семейное собрание Эмира Катара. Пока в...
"Игроки в карты" 1893 г. Поль Сезанн Семейное собрание Эмира Катара. Пока в 2015 году картина Поля Гогена «Когда свадьба?» не была продана за 300 миллионов долларов, эти «Игроки в карты» Сезанна оставались самой дорогой картиной в мире, когда-либо выставленной на продажу за последние полтора века. Картину купил в 2011 году эмир Катара для своей частной коллекции (за 250 млн). В отличие от многих своих друзей-художников, сомневающихся в ценности собственных работ, Сезанн периодически отчетливо чувствовал, а иногда и заявлял вслух, что он гений и что его картины начнут понимать сильно нескоро после его смерти. Даже друзья, будущие художники-импрессионисты, устраивавшие свои революционные выставки, побаивались дикой живописи Сезанна. Критики и без Сезанна их всех без разбору презирали, а с Сезанном затеваемые ими мероприятия выглядели заведомо и чрезмерно вызывающими. Искусствоведы находят в этой серии, состоящей из 5-ти картин, много не подтвержденных философских и символических смыслов. Были попытки рассмотреть здесь аллегорию живописной битвы, из которой сам Сезанн выходит победителем, были вариации на тему карт судьбы и того выбора, который человек делает сам из предоставленных ему на выбор возможностей. Любители психологических подтекстов видели в сюжете противостояние Поля и его отца, продолжавшееся до самой смерти старика, а кубисты, объявившие Сезанна своим предшественником, утверждали, что в этих фигурах не больше душевности, чем в натюрморте, что вся живопись – это не более чем «цилиндр, шар и конус». Но вряд ли Сезанн так прост – интересуйся он исключительно формами, он бы не выходил из мастерской и просто заказывал по килограмму яблок на неделю. На самом деле художник мог иметь в виду все эти смыслы или ни одного – гораздо важнее потенциальный вызов зрителю: подключаться к созданию смыслов, сотворить и напрягаться, чтобы понять. С большей уверенностью можно предположить, что особенно привлекло Сезанна в игральном процессе: напряженное противостояние и душевная работа при полной неподвижности. Именно за это Поль любил горы и яблоки – за неподвижность. Именно о таких натурщиках он мечтал, выходя из себя, когда уставшая жена на 20 сеансе позирования вдруг шевелилась и все портила. Он мечтал, чтобы люди были как яблоки. И окончательно уехав из громкого, суетливого Парижа в поместье отца Жа де Буффан, он нашел свои яблоки. Местные крестьяне, садовник, служанки, они умели быть по-настоящему неподвижными и сосредоточенными, они жили размеренно и вдумчиво, в одном ритме с природой, с солнцем. Работая над серией больше пяти лет, Сезанн начинал с огромного двухметрового полотна и многофигурной композиции, на второй картине сократил количество фигур до четырех, и на остальных оставил только самое главное – двух соперников, бутылку, на которую они скорее всего и играют, стол и карты. Ничего лишнего и отвлекающего, ничего преходящего и сиюминутного. Только вечное. ПольСезанн Постимпрессионизм _history
2100 

27.06.2021 20:37

"Осеннее утро в Эраньи" 1897 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С.
"Осеннее утро в Эраньи" 1897 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Камиль Писсарро был евреем и убежденным анархистом - читал революционные философские трактаты и учил детей внутренней свободе. Он отстаивал эмансипацию и социальное равенство. Его жизненные и политические взгляды однажды приняли отчетливые формы - и стали нерушимой внутренней основой до конца жизни. Он считал абсолютным злом капитализм, «ужасы нелепой цивилизации», банковские спекуляции и коммерцию. Уверенного, цельного, нерушимого Писсарро не меняли ни слава, ни деньги. Он купил дом в деревушке Эраньи - и растил там яблоневые деревья и овощи на грядках. Цветов совсем немного - только на небольшой клумбе под окном дома. Один критик заметил, что «кисть Писсарро похожа на лопату, которая с болезненным усилием ворочает землю». Такая уничижительная крестьянская метафора, направленная против Писсарро, делает честь критику - он смог найти образ, близкий художнику больше всего. Дикий, загорелый уроженец Антильский островов, Писсарро, обосновавшись во Франции, становится не столичным обитателем богемного Монмартра, а крестьянином, которого земля кормит. И буквально - не давая умереть от голода и вырастить детей, и на уровне образов и мотивов - ежедневно щедро одаривая летними рассветными солнечными пятнами, хрустящим инеем, ровными бороздами после вспашки, осенними листьями, прозрачными зимними сухими травами. Он буквально пишет то, что под ногами. При этом Писсарро не прост и не наивен, его называли учителем Поль Гоген и Поль Сезанн, те художники, которые определили все современное искусство. Самоучка Писсарро, не получивший академического образования, охотно учит молодых художников, в которых часто только он один и верит. Он делится идеями и опытом, формулирует в разговорах и письмах идеи импрессионизма так, что он действительно начинает превращаться в идейное художественное движение с понятными целями. «Изображайте сущность вещей, пытайтесь выразить ее любыми средствами, не думая о технике», - записал слова Писсарро один из его учеников Луи Ле Байль. Сезанн, уехавший жить отшельником и постигать суть прованских сосен, гор и крестьян, лучше всех усвоил эти уроки. А Писсарро оставался в Эраньи до конца жизни, не поменяв привычек и жизненного уклада даже в те времена, когда его картины раскупались в частные коллекции прямо на персональных выставках. Писсарро врос в деревенскую землю Эраньи и не сомневался в надежности и неисчерпаемой силе своего места обитания. Писатель Октав Мирбо сказал однажды о тихом гении художника: «Глаз художника, как и ум мыслителя, обнаруживает более важные аспекты вещей, их целостность и единство. Даже когда он рисует фигуры в сценах деревенской жизни, человека он всегда видит в общей земной гармонии, как человеческое растение. Чтобы описать драму земли и тронуть наши сердца, месье Писсарро не нуждается в неистовых жестах, сложных арабесках и зловещих ветвях на фоне ясного неба». КамильПиссарро Пейзаж Импрессионизм _history
2075 

29.06.2021 21:58

​​️Крупным круизным лайнерам запрещено заходить в Венецию с 1 августа 2021...
​​️Крупным круизным лайнерам запрещено заходить в Венецию с 1 августа 2021...
​​️Крупным круизным лайнерам запрещено заходить в Венецию с 1 августа 2021 года.   Лагуны возле площади Сан-Марко и канал Джудекка объявлены «национальным памятником»   ️В Музее Востока проходит выставка об иранской истории и искусстве «Роскошь заката: Иран эпохи Каджаров».   Впервые в России в одном пространстве будет собрано более 300 предметов из богатейшей иранской коллекции музея Востока: произведения живописи и миниатюры, керамика и стекло, изделия из дерева и художественный металл, ковры и расписные ткани, манускрипты и оружие   ️Павильон N46 на ВДНХ отремонтируют и приспособят под музей или образовательный кампус.   Павильон построен в 1966–1967 годах в стиле советского модернизма по проекту архитекторов Архипова и Перевозниковой, при участии инженера Томилиной. Историческое название здания — «Экономика и организация АПК». Для всех книголюбов: ️В ARTPLAY с 16 по 18 июля пройдёт книжный маркет Cheepcherrybooks! Книги гуманитарных и детских издательство по 100 рублей! Вход свободный!   ️Завтра в Санкт-Петербурге открываются сразу два крупных проекта: ️«Манеж» — персональная выставка российской арт-группы Recycle ️«Русский музей» — выставка «Итальянский футуризм из коллекции Маттиоли. Русский кубофутуризм из Русского музея и частных коллекций». https://telegra.ph/file/ea391996d5ce77604f5aa.jpg
1998 

15.07.2021 20:58

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна...
"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history
2085 

02.07.2021 19:48


"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де...
"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. «Святая Екатерина Александрийская» – это вневременное изображение красоты в лучших традициях портретной живописи. Микеланджело Меризи да Караваджо не показал героиню в мистическом трансе, а повернул её к зрителю, установив между ними прямой зрительный контакт. Для картины, которую почти наверняка заказал в Риме кардинал Франческо Мария дель Монте, первый покровитель живописца, позировала молодая куртизанка Филлида Меландрони, входившая в круг общения Караваджо. Святая одета в богатые одежды по моде того времени – белую блузу с широкими рукавами, ниспадающими свободными складками, и с золотой отделкой на декольте, а также в лиловое платье, украшенное широкой тесьмой из золотой нити спереди и на бретелях. Она стоит на коленях на подушке из красного дамаста, наклонённое тело опирается на сломанное колесо, символ её мученичества, с оси которого свисает роскошная, плотная и тяжёлая синяя ткань. Женщина осторожно сжимает меч, кончик которого окрашен красным – возможно, это намёк на пролитую кровь или просто отражение подушки – а у её ног лежит пальмовая ветвь. Драматическое освещение сцены создаёт эффект кьяроскуро, характерный для Караваджо. Его подход к свету и объёму, ярко выраженный на этом полотне, оказал значительное влияние на художников как в Италии, так и по всей Европе. Ныне «Святая Екатерина Александрийская» – одна из самых знаковых работ в коллекции Национального музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Полный провенанс позволяет проследить её историю практически с момента написания и до наших дней. Холст значится в описи имущества, составленной после смерти кардинала Франческо Марии дель Монте, а затем в посмертной инвентаризации собственности его наследника Угуччоне дель Монте в 1626 году. Двумя годами позже картина была продана, и её новым владельцем, судя по всему, стал кардинал Антонио Барберини. В документах его семьи «Святая Екатерина» фигурирует в 1644-м, 1671-м и 1817 годах. Позже она была выставлена на рынок, и в 1934 году куплена для коллекции Тиссена-Борнемисы в галерее в Люцерне. Картина была предметом многочисленных комментариев и дискуссий по поводу своей атрибуции, даты создания и того, как художник подошёл к раскрытию темы. В 1916 году Роберто Лонги, один из крупных специалистов по Караваджо, предположил, что автором полотна может быть Орацио Джентилески. Однако шесть лет спустя искусствовед Маттео Марангони заявил, что высокое качество работы свидетельствует о том, что это – рука Караваджо. На сегодняшний день это мнение принимается всеми экспертами по художнику без каких-либо оговорок. Холст был написан незадолго до крупного цикла, который Караваджо создал для капеллы Контарелли в Риме. Тогда он переходил к использованию более компактных форм на основе техники кьяроскуро (игры света и тени), которой подчёркивал выразительность своих композиций. Специалисты отмечают, что в этой работе источник света находится справа, что необычно для творчества Караваджо. Такой нюанс наводит на мысль, что картина разрабатывалась для определённого интерьера. В 2018 году Музей Тиссена-Борнемисы завершил реставрационные и технические исследования картины. Анализ красок показал, что в первом варианте платье героини было красным, но позже художник выбрал для него другой оттенок. Причина изменений неизвестна, можно лишь предположить, что кардинал Франческо Мария дель Монте пожелал, чтобы святая выглядела более сдержанно и пристойно. Караваджо РелигиознаяСцена Барокко _history
2057 

06.07.2021 20:37

"Место для купания" 1885 г. Томас Икинс Музей американского искусства Амона...
"Место для купания" 1885 г. Томас Икинс Музей американского искусства Амона Картера, Форт-Уэрт. За почти полтора века своего существования картина «Место для купания» стала, пожалуй, самой обсуждаемой (а некогда – и самой осуждаемой) работой Томаса Икинса. Ее неоднократно называли «ярким образцом гомоэротизма в американском искусстве». Если же принимать в расчет убеждения художника о работе с обнаженными моделями, подобный выбор сюжета не кажется ни удивительным, ни вызывающим. Эту картину можно назвать венцом художественной карьеры Икинса, вложившего в работу все свое мастерство в изображении человеческого тела и воплотившего в ней свои взгляды относительно «приличной и неприличной» наготы. Написанию картины предшествовала кропотливая подготовительная работа. Икинс, который, как известно, изобразил на полотне компанию своих студентов, сделал множество фотографий купающихся молодых людей, набросков маслом и восковых форм. На данный момент обнаружены лишь пять снимков из всех, сделанных художником, но, учитывая его основательный подход к работе и любовь к фотографии, можно предположить, что изначально их было намного больше. На этих снимках студенты Икинса запечатлены в более естественных позах, чем на картине, но в готовом полотне художник пожертвовал этой реалистичностью ради идеальной пирамидальной композиции. Часть критиков считают эту особенность недочетом полотна, как и неестественность освещения: некоторые детали картины излишне затемнены, в то время как тела купальщиков слишком сильно освещены, чтобы сосредоточить на них взгляд зрителя. В конце XIX века в США мужчины, купающиеся нагишом, не были редкостью, даже в общественных местах. Однако в американской живописи до Икинса подобных сюжетов не было. Купающимися было принято изображать женщин, чтобы подчеркнуть связь женственности с природой. Икинс же в очередной раз пошел против пуританских правил морали, запечатлев момент из собственной повседневности, которую считали недостойной внимания высокого искусства, - момент дружеского единения мужского братства. Картину «Место для купания» заказал Икинсу филадельфийский бизнесмен Эдвард Хорнор Коутс для Пенсильванской академии изящных искусств. Однако, когда художник представил ему готовую работу, заказчик по неизвестной причине от нее отказался, очень витиевато, но все же дав понять, что полотну не место в коллекции Академии. Возможно, причиной тому стало то, что изображенные на картине мужчины были студентами Икинса (а руководство учебного заведения считало неприличными такие неформальные отношения между преподавателем и его подопечными), к тому же художник по традиции поместил на холст и самого себя – в правом нижнем углу. Как бы там ни было, при жизни художника полотно выставлялось только дважды, и оба раза критики обошли его своим вниманием. Однако спустя год после смерти Икинса именно «Место для купания» стало главной причиной роста интереса общественности к его творчеству и, в конце концов, признания его одним из величайших американских художников XIХ века. ТомасИкинс Реализм _history
1986 

10.07.2021 21:04