Назад

Произведение, посвященное исчезновению с лица земли древнего города, своим...

Описание:
Произведение, посвященное исчезновению с лица земли древнего города, своим названием наводит на мысли о другом грандиозном полотне, принадлежащем кисти Карла Брюллова. Сравнение не случайно, поскольку Айвазовский был дружен с автором «Последнего дня Помпеи», в какой-то степени считал его своим наставником, а его творчество, несомненно, оказало влияние на живописную манеру великого мариниста. Кроме того, тема была популярна из-за возобновившихся и принявших систематический характер раскопок, проводившихся в 60-70 годах XIX века. Все это повлияло на выбор сюжета для картины Айвазовского «Гибель Помпеи», однако это произведение ни в коем случае не является подражанием полотну Брюллова. Основное отличие в том, что главными героями «Гибели Помпеи» являются вовсе не люди. В первую очередь, внимание зрителей привлекает борьба стихий: огня и воды, мастерски показанная художником. На заднем плане картины изображены теперь уже развалины города, погребенные под слоем лавы и пепла и охваченные огнем. Судя по историческим документам, извержение Везувия началось днем, но на полотне Айвазовского оно предстает в полном разгаре уже глубокой ночью. Отблески пламени контрастируют с темным небом, что подчеркивает драматичность ситуации. Для усиления реалистичности на картине Айвазовского «Гибель Помпеи» по всему полотну изображен пепел, падающий с неба в море. Цветовая палитра произведения также соответствует замыслу живописца: все, включая море, написано в алых, желтых и коричневых тонах, благодаря чему создается атмосфера ужаса и страха, охвативших несчастных людей. Грозные черные волны — главные герои большинства произведений гениального мариниста — отражают бушующее пламя и облака дыма и пара, написанные в багровых тонах. Однако, в отличие от полотна Карла Брюллова, на картине Айвазовского есть место надежде на спасение для жителей Помпеи. На переднем плане изображено множество поспешно отплывающих кораблей с испуганными, но избежавшими смерти людьми. Возможно, именно благодаря их свидетельствам мир узнал подробности трагедии, а величайшие художники смогли запечатлеть трагический момент на своих картинах. ИванАйвазовский Романтизм _history

Похожие статьи

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство...
​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство...
​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg
4912 

17.02.2021 21:22

Париж, Национальный музей современного..." />
"Афиши в Трувиле" Рауль Дюфи, 1906 > Париж, Национальный музей современного...
"Афиши в Трувиле" Рауль Дюфи, 1906 > Париж, Национальный музей современного искусства В 1906 году, после прошедшей в Париже знаменитой выставки фовистов, Дюфи (в компании с Альбером Марке) отправился в Трувиль. Молодой художник был поражен открывшимися ему возможностями живописи. Картины, написанные им в Трувиле, несут на себе несомненный отпечаток его впечатления от работ фовистов. Дюфи, правда, никогда не был строгим последователем фовизма, но «Афиши в Трувиле» – безусловно, лучшее, что создано им в этой манере. Впрочем, и здесь он отступает от канонов фовизма – цвета хоть и ярки, но не агрессивны, контуры фигур и предметов обозначены очень четко. Кроме того, рисунок и перспективу Дюфи можно назвать почти безупречными, а фовисты относились к этим элементам довольно небрежно. Восхищение Дюфи уличными афишами в чем-то предвещает американский поп-арт 1960-х годов. Используя визуальную мощь цвета, Дюфи сумел превратить вульгарные афиши в настоящее произведение искусства.
4942 

23.12.2020 10:46


«Венера из Холе-Фельс»

Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке...
«Венера из Холе-Фельс» Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке...
«Венера из Холе-Фельс» Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке палеолитических венер, обнаруженная в 2008 г. в пещере Холе-Фельс близ немецкого города Шельклингена. Статуэтку нашла команда ученых из Тюбингенского университета под руководством профессора Николаса Конарда. О находке было официально заявлено в журнале Nature. Возраст — в промежутке между 35 и 40 тыс. лет; принадлежит ориньякской культуре. Является древнейшим признанным произведением искусства верхнего палеолита и доисторического фигуративного искусства вообще. Находка «Венеры из Холе-Фельс» отодвигает дату появления первой известной скульптуры, и в целом древнейшего примера фигуративного искусства, на несколько тысячелетий назад. Таким образом, подобные произведения искусства создавались на протяжении всего ориньякского периода.
4903 

10.03.2021 18:30

Супрематическая композиция.
1916
Малевич
Частная коллекция

Cамое дорогое...
Супрематическая композиция. 1916 Малевич Частная коллекция Cамое дорогое...
Супрематическая композиция. 1916 Малевич Частная коллекция Cамое дорогое произведение русского искусства. Малевич оставил свои картины на сохранность перед отъездом в СССР в 1927 году Герингe немецкому архитектору. И тот вывез это и другие полотна из нацистской Германии, где их бы сожгли как «дегенеративное искусство». В 1958 году картину продали музею Стеделик в Амстердаме. Когда в 2003 г. музей выставлял полотна Малевича в США, наследники художника оспорили права музея распоряжаться ими. После 4-летнего суда стороны пришли к мировому соглашению. Музей уступил наследникам пять значимых картин из своего собрания. 3 ноября 2008 года на аукционе Sotheby's картина была продана неизвестному за $60 млн, став одной из самых дорогих картин в истории, написанной русским художником. 16 мая 2018 года на аукционе Christie's в Нью-Йорке она была выставлена вновь, и оказалась проданной за $85 млн. Покупатель остался анонимным. Это самая дорогая сделка в истории для картин российских художников.
4843 

12.03.2021 20:16

Сустрис Ламберт Юпитер и Ио 1557-1563 Сустрис Ламберт (1515-1584)...
Сустрис Ламберт Юпитер и Ио 1557-1563 Сустрис Ламберт (1515-1584) - нидерландский художник, писавший картины исторического, религиозного и мифологического содержания. Сюжет картины навеян «Метаморфозами» - произведением древнеримского поэта Овидия, в котором повествуется о различных превращениях, произошедших со времен сотворения мира, согласно греческой и римской мифологиям. Верховный бог римского пантеона изображён со своей возлюбленной Ио в тот момент, когда их застает ревнивая Юнона. Она показана летящей на облаке в правом верхнем углу картины. Чтобы спасти нимфу от мести супруги, Юпитер превратил её в белую корову. На втором плане художник представил сцену, где великан Аргус стережёт Ио, принявшую облик животного. Настроение полотна выглядит идиллическим: голубые горы, окутанные дымкой, сверкающая на солнце вода, мирные стада, пасущиеся на равнине. Тщательно выписаны раскидистые кроны деревьев и листья растений. Человеческие фигуры хоть и изображены на первом плане, но служат лишь для оживления пейзажа. Природа становится основной темой произведения. Мастер создаёт типично возрожденческий образ возвышенно-спокойного мира, в котором боги уподобляются смертным, а люди становятся равными богам. художник вневремени живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо
4923 

14.03.2021 12:35

​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69...
​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69...
​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69 млн NFT-мания: 11 марта на онлайн-аукционе Christie’s файл «Каждый день. Первые 5000 дней» в формате JPG, созданный цифровым художником Майком Винкельманном, известным как Beeple, был продан за 69,3 миллиона долларов. За час до завершения торгов было подано более 180 заявок. Цена стала новым максимумом для произведения искусства, которые существуют лишь в цифровом виде. Она превзошла аукционные рекорды «физических» картин таких мастеров, как Уильям Тёрнер, Жорж Сёра и Франсиско Гойя. Продажа коллажа Бипла длилась две недели и началась со ста долларов. Ещё за несколько секунд до окончания аукциона за работу давали менее 30-ти миллионов долларов. Но вал ставок, поступивших в последний момент, заставил организаторов продлить торги ещё на две минуты, и окончательная цена составила почти 70 миллионов. За коллаж сражались 33 участника торгов, а Бипл в результате вошёл в тройку самых дорогих из живущих художников после Джеффа Кунса и Дэвида Хокни. Работа «Каждый день. Первые 5000 дней», которую Christie’s объявил «уникальным произведением в истории цифрового искусства», представляет собой коллаж из всех изображений, которые Бипл размещает в Интернете ежедневно, начиная с 2007 года. Художник, который сотрудничал с Louis Vuitton и такими поп-звездами, как Джастин Бибер и Кэти Перри, создаёт дерзкие визуальные комментарии о жизни в XXI веке. Коллажированный JPG-файл Бипла был создан или «отчеканен» в виде «невзаимозаменяемого токена» (nonfungible token или NFT) в феврале. Безопасная сеть компьютерных систем, которая регистрирует продажу в «цифровом гроссбухе», известном как блокчейн, даёт покупателям доказательства подлинности и права собственности. Большинство из них платят криптовалютой эфириум (Ethereum). «Каждый день» был первым NFT, который продал Christie’s, и аукционный дом заявил, что принимает платежи в эфирах, что также стало первым случаем в 255-летней истории фирмы. Тодд Левин, советник по искусству из Нью-Йорка, видевший продажу «Спасителя Мира» Леонардо да Винчи за 450 миллионов долларов, сказал, что у него «смешанные эмоции» по поводу рекорда Бипла. «С одной стороны, очень интересно стать свидетелем исторической поворотной точки, — сказал эксперт. — С другой стороны, вовлечённые суммы могут исказить и повредить зарождающийся рынок». Christie’s провёл свой аукцион в момент, когда мир искусства попал под стремительный натиск спекулятивного рынка NFT. Стоимость произведений, отчеканенных во невзаимозаменяемых токенах, недавно резко выросла на таких специализированных сайтах, как Open Sea, Nifty Gateway, Super Rare и Makers Place и теперь не соответствует суммам на остальном арт-рынке. NFT также стал шансом для начинающих художников. На прошлой неделе анонимная группа «Сожжённый Бэнкси» продала уникальный NFT — цифровую копию принта Бэнкси «Идиоты» (2006). Продавцы заявили, что сожгли оригинальную работу стоимостью в десятки тысяч долларов в ходе «церемонии», которую транслировали на YouTube и Twitter. Всё, что осталось, — это сертифицированный блокчейном NFT «Идиотов». Этот токен ушёл за 382 тысяч долларов, что в три раза выше цены любого оригинала из ограниченного тиража «Идиотов» на аукционе. Победителем торгов стал пользователь с ником GALAXY, который немедленно выставил своё приобретение на продажу. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/866914a1d8e26f73fa2c9.jpg
4879 

12.03.2021 20:53

​​️Стали известны номинанты премии «Оскар» 2021 года.
 
️В Москве «Ночь...
​​️Стали известны номинанты премии «Оскар» 2021 года.   ️В Москве «Ночь...
​​️Стали известны номинанты премии «Оскар» 2021 года.   ️В Москве «Ночь театров» пройдет с 27 на 28 марта.   ️Российский коллекционер Петр Авен откроет в Риге частный художественный музей.   ️Звезда китайского искусства Ай Вэйвэй планирует создать в центре Берлина памятник Михаилу Горбачеву.   ️Christie’s продал NFT-произведение Бипла за $69,3 млн. Шквал ставок на онлайн-аукционе чуть не обрушил сайт в последнюю минуту торгов. Christie’s стал первым крупным аукционным домом, предложившим произведение искусства в жанре NFT (non-fungible token, невзаимозаменяемый токен, уникальный цифровой актив).   Это цифровая работа, созданная художником под псевдонимом Бипл (Майк Винкельманн). Цифровая работа «Каждый день: первые 5000 дней» (2021) состоит из 5 тыс. изображений, которые автор создавал ежедневно с 1 мая 2007 года.   Покупатель получит произведение в виде «цифрового ключа», гарантирующего персональное владение и подтверждающего авторство.   Фото: Бипл (Майк Винкельманн). «Каждый день: первые 5000 дней». 2021, Christie's https://telegra.ph/file/f1040543a6017351ebc9d.jpg
4804 

15.03.2021 20:47

«Отец» 1980г. Ло Чжунли 

О самом известном портрете Ло Чжунли «Отец» отзывы...
«Отец» 1980г. Ло Чжунли О самом известном портрете Ло Чжунли «Отец» отзывы...
«Отец» 1980г. Ло Чжунли О самом известном портрете Ло Чжунли «Отец» отзывы критиков оказались самыми противоречивыми, одни восторгались произведением, а другие восприняли его как очернительство общественного строя страны, обвинили художника в показе низкого уровня жизни крестьян. Картина даёт фотореалистичный портрет старого крестьянина с лицом, испещренным морщинами. Образ старика, держащего скрюченными пальцами пиалу, пронзительно правдив и детализирован. Зритель по внешнему облику, обветренной кожи старика и забившейся под ногтями грязи, сразу определяет, что труд его был нелегким и связан с землей. В портрете присутствует одна малозаметная деталь, письменная ручка за его левом ухом, Ло Чжунли добавил ее в угоду критикам, намекая на прогресс в сельском хозяйстве Китая. Этот портрет был удостоен золотого приза на второй национальной выставке молодежного искусства (единственной национальной премии Китая в области искусства в то время). Он находится в Национальном художественном музее Китая в Пекине.
4939 

14.03.2021 11:35


Лондон, Тейт «Слон Целебеса» – первое..." />
"Слон Целебеса" Макс Эрнст, 1921 > Лондон, Тейт «Слон Целебеса» – первое...
"Слон Целебеса" Макс Эрнст, 1921 > Лондон, Тейт «Слон Целебеса» – первое масштабное произведение Макса Эрнста, ставшее одним из ключевых для сюрреализма. Созданная после Первой мировой войны работа стремится выразить весь ужас милитаризма. Эрнст рассказывал, что композиция картины пришла ему в голову, когда он увидел в антропологическом журнале фотографию большой корзины для зерна, используемой племенами в Южном Судане. Это объясняет и ритуальные столбы, изображённые на картине. Возможно, художник хотел сказать, что божества, перед которыми благоговели и которым поклонялись люди на заре человечества, никуда не ушли, а лишь переродились в другие, милитаристско-технические, формы. Механический слон, вызывающий в памяти образы танка, противогаза, печи, кажется огромным по сравнению со светлой женской фигурой на первом плане, которая словно зовёт его за собой неестественно повёрнутой рукой. У женщины нет головы – означает ли это, что творение может погубить своего же творца?
4878 

20.03.2021 22:11

​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси

Аукционы...
​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы...
​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы в марте 2021 года принесли несколько неожиданных сюрпризов. Вновь заявил о себе криптовалютный рынок. На этот раз один из его игроков за внушительную сумму купил целиком самое большое в мире полотно, которое автор планировал продать частями. «Воин» Жана-Мишеля Баскии стал самым дорогим произведением западного искусства, проданным в Азии. А антипандемическое заявление Бэнкси установило рекорд для его работ. Осенью прошлого года британский художник Саша Жафри попал в книгу рекордов Гиннеса как создатель самой большой в мире картины под названием «Путешествие человечества». Теперь она продана на аукционе за не менее внушительную сумму в 62 миллиона долларов. Такой результат поставил Жафри на четвёртое место в списке самых дорогих из ныне живущих мастеров — после Джеффа Кунса, Дэвида Хокни и цифрового художника Бипла. Покупателем стал французский крипто-бизнесмен Андре Абдун. Выручка от продажи картины пойдёт на благотворительность. Произведение занимает площадь в 1580 квадратных метров, что приблизительно соответствует двум теннисным кортам. Жафри создавал его в течение восьми месяцев, когда застрял на карантине в пятизвёздочном отеле Atlantis The Palm в Дубае. Холсты он размещал на полу танцевального зала гостиницы. Картина навеяна детскими рисунками — художник просил детей со всего мира нарисовать их впечатления во время пандемии. 44-летний Жафри получил работы более чем из 140 стран. Первоначально он планировал разделить картину на 70 частей и продать на четырёх аукционах. Но теперь, благодаря Андре Абдуну, для неё будет построен музей и открыт благотворительный фонд. Картина «Воин», которую Жан-Мишель Баския написал в 1982 году, установила новый рекорд среди произведений западного искусства, проданных в Азии. Она ушла на аукционе Christie’s в Гонконге за 41,8 миллиона долларов США. Предыдущим рекордсменом была абстракция немецкого художника Герхарда Рихтера. В октябре прошлого года на Sotheby’s за неё выложили 27,7 миллиона долларов. Продажа картины Баскии стала аукционом одного лота перед лондонско-гонконгским марафоном произведений XX века, сюрреализма и современного искусства. Фокусом торгов стала работа Бэнкси «Тот, кто меняет игру» (2020), которую продавали в пользу сотрудников и пациентов университетской больницы Саутгемптона. Художник даже получил особое разрешение от Красного Креста на использование культового знака организации в своей работе — подобные просьбы удовлетворяются редко. Предварительная оценка картины кол...ась от 2,5 до 3,5 миллионов фунтов стерлингов, и когда ставки достигли 5-ти миллионов, торги несколько замедлились. Однако они вновь оживились, когда в битве остались двое участников. Они шли нос к носу с шагом в 200 тысяч фунтов стерлингов, и в конце концов победитель предложил 14,8 миллиона. С учётом премии окончательная цена составила 16,8 миллиона фунтов стерлингов или 23,2 миллиона долларов США. Это не только впечатляющий вклад в благое дело, но и новый аукционный рекорд для Бэнкси. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/25ffc61083c73277f5828.jpg
4818 

26.03.2021 21:36

Маленькая большая картина
1965
Рой Лихтенштейн
Музей американского искусства...
Маленькая большая картина 1965 Рой Лихтенштейн Музей американского искусства...
Маленькая большая картина 1965 Рой Лихтенштейн Музей американского искусства Уитни Картина в стиле поп-арт. Она выполнена маслом и акриловой краской «Magna» и входит в серию работ Лихтенштейна «Мазки». Как и все его работы серии «Мазки», она отчасти служит сатирическим ответом на живопись действия, стиль в абстрактном экспрессионизме. Работа Лихтенштейна напоминает произведение абстрактного экспрессионизма, к которому привыкли современная ему зрительская аудитория, однако она совершенно плоская, без каких-либо следов мазка кисти или руки художника, что позволяет Лихтенштейну пародировать художников этого направления. Абстрактные экспрессионисты рассматривали свой стиль преимущественно как противостоящий массовой культуре, сопоставление же Лихтенштейна мазков кисти с механическим процессом связывает это направление с массовой культурой и приводит к утверждению важности средств массовой информации в продвижении художественного стиля. Запрещённое искусство — подробно
3031 

01.06.2022 15:03

​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым...
​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым...
​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым стеклом Шедевр Губерта и Яна ван Эйков, «Поклонение мистического агнца», также известный как Гентский алтарь, обрёл новый дом. Теперь одно из величайших мировых сокровищ будет находиться в пуленепробиваемом стеклянном контейнере стоимостью в 30 миллионов евро. Возможно, потраченная сумма кажется непомерно большой, однако стоит вспомнить, что этот полиптих — самое похищаемое произведение искусства всех времён. Братья Ван Эйки создали алтарь из двенадцати панелей в 1432 году для собора Святого Бавона в Генте (ныне — Бельгия). Сейчас он установлен в часовне Святого Причастия — самой большой часовне собора — в пуленепробиваемой витрине высотой в шесть метров и объёмом в 100 кубометров. В контейнере налажен климат-контроль для лучшего сохранения шедевра, чьё былое величие восстанавливали последние восемь лет. Температура в неотапливаемом соборе зимой опускается до двух градусов Цельсия, а часовня иногда наполняется солнечным светом, который проникает через цветные витражи. Но главным приоритетом для заказчиков и создателей витрины была безопасность шедевра. За свою 589-летнюю историю Гентский алтарь множество раз побывал на грани уничтожения. Полиптих пытались сжечь мятежные кальвинисты, Наполеон выкрал его для парижского Лувра, он был разделён, когда попал в руки короля Пруссии. Во время Второй мировой войны Герман Геринг пожелал преподнести «Поклонение мистического агнца» Адольфу Гитлеру, и похищенное творение Ван Эйков могли взорвать динамитом в австрийской соляной шахте, но его спасли двойные агенты-коммандос. К сожалению, алтарь не полностью сохранился в первоначальном виде. Одна из дюжины его панелей исчезла во время дерзкого ограбления вечером 10 апреля 1934 года. Это преступление до сих пор не раскрыто. В своё время попытка найти пропажу довела до отчаяния нацистских агентов, которых отправил Геббельс, и по сей день загадка сбивает с толку как следователей-профессионалов, так и сыщиков-любителей. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/53bc270c0334f28be8e10.jpg
4840 

28.03.2021 21:36

Погожий летний вечер. Просторная терраса с видом на Потсдам и его знаменитую...
Погожий летний вечер. Просторная терраса с видом на Потсдам и его знаменитую гарнизонную церковь. На накрытом белой скатертью столе нехитрый ужин: хлеб, фрукты, вино. Вокруг стола расположились друзья-художники: три девушки и двое юношей, одетые в богемном стиле. Особенно бросается в глаза девушка, сидящая в центре: ее задумчивое лицо напоминает лик Христа. Молодые люди не веселятся и не беседуют с друг с другом. Каждый погружен в свои мысли, но видно, что им всем комфортно в этой компании. Картина, навевающая меланхолическое настроение, но совершенно не угнетающая, называется «Вечер над Потсдамом, или Сад на крыше».   Эта знаковая работа точно отражает эмоциональный настрой той эпохи, будущее которой, как и Потсдам на картине, лежало в дымке, и уже возникло тревожное предчувствие грядущих перемен к худшему. Полотно «Вечер над Потсдамом» создано в 1930 году и считается центральным произведением в творчестве Лотте Лазерштайн - яркой немецкой художницы еврейского происхождения, принадлежавшей к замечательному поколению живописцев, с именами которых был связан расцвет искусства эпохи Веймарской республики. Правда, имя самой Лазерштайн, которая после прихода к власти в Германии национал-социалистов была вынуждена бежать из страны, на несколько десятилетий было незаслуженно предано забвению. Художницу вновь "открыли" лишь в конце 1980-х годов.
4759 

29.03.2021 15:01

Василий Дмитриевич Поленов (20 мая (1 июня) 1844, Санкт-Петербург – 18 июля...
Василий Дмитриевич Поленов (20 мая (1 июня) 1844, Санкт-Петербург – 18 июля...
Василий Дмитриевич Поленов (20 мая (1 июня) 1844, Санкт-Петербург – 18 июля 1927, усадьба Борок, Тульская область) - выдающийся русский пейзажист, мастер исторической и жанровой живописи, педагог Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Ученик Павла Чистякова, учитель Исаака Левитана и Константина Коровина. Талантливый декоратор, организатор народных театров. Особенности творчества художника Василия Поленова: картинам Поленова присущи яркие, чистые цвета, а также нехарактерный для русской живописи 2-й половины ХIХ века избыток солнечного света и воздуха. Художник считается создателем так называемого «интимного пейзажа», «лирического пейзажа», «пейзажа настроения»; первым в русской живописи представил пленэрный этюд как самостоятельное произведение искусства. Поленов живо интересовался проблемами живописной техники, химии красок и их взаимодействия, проводил эксперименты, направленные на длительную сохранность красочного слоя, благодаря чему большинство картин Василия
4818 

29.03.2021 17:10

«Раздолье» 1944г. Александр Дейнека

«Раздолье» Дейнека начал писать еще в...
«Раздолье» 1944г. Александр Дейнека «Раздолье» Дейнека начал писать еще в...
«Раздолье» 1944г. Александр Дейнека «Раздолье» Дейнека начал писать еще в довоенные годы, но закончил ее в 1944 году. В этой работе автор удачным образом сочетает пейзаж и жанр спорта. Общее впечатление, как будто ухвачен «стоп-кадр», момент, когда группа девушек, выбегая снизу с берега, пробегает мимо автора и веселой шумной стайкой исчезает справа. Они красивы, стройны, со спортивными фигурами, которые вырисовываются под влажной после купания одеждой. Вся картина наполнена динамикой и молодым задором. Ощущение простора создает великолепный пейзаж с его березками и елями, водной гладью и облаками, стогами сена и песчаными берегами. Учитывая, что картина написана в военном 1944 году, можно только предположить, сколько художник внес в нее своих воспоминаний о той предвоенной, мирной, светлой жизни, сколько желания скорейшей победы, что и произведение получилось запоминающимся, солнечным, ярким, заполняющим каждую клеточку души счастьем.
4821 

30.03.2021 10:40


За горами — горы Китайский художник Чжан Хуань создал перфоманс «Добавить один...
За горами — горы Китайский художник Чжан Хуань создал перфоманс «Добавить один метр к безымянной горе». Смысловым ядром произведения стала древняя пословица «За горами — горы». Чтобы проиллюстрировать ее, Чжан Хуань и его соратники поднялись на вершину ближайшей горы и легли друг на друга, создав, таким образом, еще один пик. К документации работы даже были приглашены профессиональные геодезисты, которые замерили высоту горы с учетом новообразования из тел художников. Впоследствии Чжан Хуань объяснял, что это произведение повествует о смирении: поднимитесь на эту вершину, и вы увидите перед собой еще одну; ваши желания никогда не будут удовлетворены до конца, а завоеванные вершины породят лишь новую потребность действовать и идти вперед. Искусство или нет?
4762 

10.04.2021 12:56

В Люксембургском саду
1876
Адольф Менцель
ГМИИ им. А.С. Пушкина

Парижская тема...
В Люксембургском саду 1876 Адольф Менцель ГМИИ им. А.С. Пушкина Парижская тема...
В Люксембургском саду 1876 Адольф Менцель ГМИИ им. А.С. Пушкина Парижская тема мастера — непритязательная бытовая уличная сценка или камерный сюжет, которые разворачиваются на фоне пейзажа. Художник охотно обращался к мотивам подобного рода. Произведение «В Люксембургском саду» относится к позднему периоду творчества мастера, когда художник стал уделять основное внимание передаче эффектов освещения и создал целую серию живописных этюдов, пронизанных воздухом и светом. Стилистика и живописная манера свидетельствуют о влиянии на формирование Менцеля французских импрессионистов, современников художника, а мотив центральной группы заставляет вспомнить характерный стаффаж полотен Ренуара. Это одно из самых тонких по цвету произведений немецкого мастера. Запрещённое искусство — подробно
3124 

01.06.2022 21:19

Москва, Третьяковская..." />
"Московский дворик Василий Поленов, 1878 > Москва, Третьяковская...
"Московский дворик Василий Поленов, 1878 > Москва, Третьяковская галерея Василий Дмитриевич Поленов – выдающийся русский пейзажист, мастер исторической и жанровой живописи, педагог Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Ученик Павла Чистякова, учитель Исаака Левитана и Константина Коровина. Талантливый декоратор, организатор народных театров. Картинам Поленова присуще яркие, чистые цвета, а также нехарактерный для русской живописи 2-й половины ХIХ века избыток солнечного света и воздуха. Художник считается создателем так называемого «интимного пейзажа», «лирического пейзажа», «пейзажа настроения»; первым в русской живописи представил пленэрный этюд как самостоятельное произведение искусства. Поленов живо интересовался проблемами живописной техники, химии красок и их взаимодействия, проводил эксперименты, направленные на длительную сохранность красочного слоя, благодаря чему большинство картин очень хорошо сохранились.
4767 

31.03.2021 22:35

Автопортрет-гротеск
1889
Поль Гоген
Национальная галерея искусств...
Автопортрет-гротеск 1889 Поль Гоген Национальная галерея искусств...
Автопортрет-гротеск 1889 Поль Гоген Национальная галерея искусств, Вашингтон Гоген на протяжении жизни неоднократно исполнял собственные портреты. На них он изображен задумчивым и замкнутым в себе. Иной настрой, иронию несет этот автопортрет. Он написан в маленькой деревне в Ле Пудальдю, где художник остановился с друзьями. Хозяин гостиницы попросил их расписать стены и мебель. На дубовой двери шкафа мастер и написал свой наполненный известными всем символами «Автопортрет-гротеск». Он условно разделил произведение на две лишенные оттенков цветовые зоны - красную, означающую любовь и страсть, и желтую, намекающую на божественное сияние небесных сил. Нимб над головой художника означает, что он - святой, но висящие яблоки и змейка - символы его искушения. Живописец стоит на распутье: что выбрать - порок или добродетель? Но ухмылка на его лице явно говорит о выборе мастера. Что подтверждает его биография.
4796 

02.04.2021 20:16

​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса

Голландская...
​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса Голландская...
​​Арестован подозреваемый в наглой краже картин Ван Гога и Хальса Голландская полиция заявила, что арестовала 58-летнего мужчину по подозрению в краже картин из двух музее в Нидерландах. Это пейзаж Винсента Ван Гога «Сад у дома приходского священника в Нюэнене» (1884) и сцена Франса Хальса «Два смеющихся юноши с пивным кувшином» (ок. 1627). Они были похищены прошлой весной в первые дни карантина, когда музеи были закрыты для посетителей. Подозреваемый был задержан в своём доме в городе Баарн в Нидерландах. Но сами картины не была найдены. Первое преступление было совершено около 3:15 утра 30 марта. Злоумышленник приехал в музей Зингера Ларена, кувалдой пробил двери из сверхпрочного стекла, похитил полотно Ван Гога и скрылся в ночи на мотоцикле. Ограбление зафиксировали камеры наблюдения и в конце апреля его показали в криминальной хронике. Несколькими месяцами позже, в июне, арт-детектив Артур Бранд узнал, что в преступном мире циркулирует фотопруф. На снимке разложены первая страница New York Times, картина Ван Гога и биография печально известного похитителя произведений искусства Октава Дурхама под названием Meesterdief («Мастер-вор»). Дурхам попал в тюрьму за кражу двух других картин Ван Гога. И то, что его книга оказалась на фотографии, укрепило убеждение следователей в том, что вор из Зингер Ларен был подражателем. Картину Ван Гога Музею Зингера Ларена одолжил Музей Гронингера для временной выставки. Она была единственной картиной художника в коллекции последнего. Хотя сама картина по-прежнему не найдена, «каждый день мы надеемся получить хорошие новости, чтобы посетители Музея Гронингера могли снова наслаждаться этим великолепным произведением искусства», — говорит Эверт ван Ос, управляющий директор Музея Зингера Ларена. Второе ограбление, во время которого исчезла картина Франса Хальса стоимостью 17 миллионов долларов, произошло в небольшом музее Хофье ван Аэрдена близ Утрехта. Оно также было совершено под покровом ночи. Воры похитили картину 27 августа 2020 года около 3:30 утра, взломав заднюю дверь. Эта весёлая сцена очень популярна у воров — её выкрадывали дважды, в 1988 и в 2011 годах. Полиция надеется, что её вернут и в третий раз. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/1a9bda4520b2eb85a50f8.jpg
4773 

08.04.2021 21:49


Краткие тезисы по «Явлению Христа народу» -Иванов писал картину более 20...
Краткие тезисы по «Явлению Христа народу» -Иванов писал картину более 20 лет -Он объездил всю Италию и создал 600 этюдов, чтобы написать «Явление Христа народу» -Сначала эта картина находилась в Румянцевском музее, в здании дома Пашкова. И только в 20-е годы стала частью собрания Третьяковской галереи -Иванов - великий художник, один из главных романтиков, который сильно опередил свое время - Главный герой этой картины - момент. А точнее, само появление Спасителя в момент крещения людей в Иордане -Да, на картине, скорее всего, Гоголь, но документальных подтверждений этому нет -Александр Иванов так и не дописал свое главное произведение. Он мечтал создать картину, которая разделила бы жизнь людей на «до и после», помогла бы людям по-новому взглянуть на жизнь и свой духовный путь -Каждый персонаж «Явления Христа народу» имеет свой смысл, каждый жест и поворот головы - не просто так. Эта картина - целое собрание психологических портретов. -Иванов создал композицию, в которой одно «вытекает» из другого, поэтому картина не «разваливается» на части - Почти каждый художник, который считал себя «талантом», пытался повторить идею Иванова и создать произведение, которое перевернет сознание людей - Картину, в итоге, купил император Александр II. Изначально он видел ее в Италии еще будучи цесаревичем -Иванов не дожил до момента, когда картину оценили. При первом ее показе отзывы были очень противоречивыми -Идея картины связана, в том числе, с настроениями в Российской империи, в частности, с грядущей отменой крепостного права -Работы Иванова «Явление Христа Марии Магдалине» и «Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина» связаны с главным шедевром Иванова. Они были результатами поиска сюжета для огромной картины, размер которой - 5,5 на 7,5 м PROиванов
3059 

27.05.2022 11:04

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств...
"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history
4720 

20.04.2021 22:37

"Композиция с крылатой нимфой, дующей на факел, среди тростника" Александр де...
"Композиция с крылатой нимфой, дующей на факел, среди тростника" Александр де Риквер, 1887 > Барселона, Национальный музей искусства Каталонии Александр де Риквер-и-Инглада – каталонский граф, художник, график, иллюстратор, один из лидеров каталонского модернизма. На формирование художественного стиля Риквера повлияли модернистские плакаты, творчество прерафаэлитов и японская гравюра. "Композиция с крылатой нимфой" отличается графичностью и декоративностью. Эта работа напоминает плакат. Изображение плоскостное и лаконичное, цветовые плоскости лишены тональных переходов, вокруг создана орнаментальная рама. Произведение написано темперой. Риквер наносил ее на холст тончайшим слоем, что еще больше роднит картину с рисунком или гравюрой. Риквер - разносторонний художник и интеллектуал, он работал так же в сфере декоративно-прикладного искусства, создавал ювелирные украшения и эскизы элементов мебели и керамики, был писателем и поэтом.
4650 

06.04.2021 12:33

Париж, д'Орсе Работа знаменитого..." />
"Дом повешенного" Поль Сезанн, 1873 > Париж, д'Орсе Работа знаменитого...
"Дом повешенного" Поль Сезанн, 1873 > Париж, д'Орсе Работа знаменитого импрессиониста ставит перед собой только одну цель — произвести на зрителя определенное впечатление. Картина должна отталкивать — так гласит нам её название, ведь никому не нравится смотреть на произведение, где в название зашифрована смерть. Прямо в день выставки работа получила массу отрицательных отзывов, но и не меньше положительных, так что Поль добился желаемого успеха. Художник играет с нами. Мы не видим там трупа, веревки или конкретного дома, где повесился человек. Никто не знает, где произошло происшествие. Мы видим лишь преобладание зелёного цвета, который выжигает глаза, непонятную улицу и дома — всё это перетекает между собой, кажется, что формы искривлены и перспектива отсутствует. Хаос — вот как можно описать картину. Можно зацепиться за открытое окно в одном из зданий, но вглядываться в него бесполезно, так как все равно ничего не разглядеть. Может именно там лежит или ещё весит тело?
4659 

27.04.2021 00:05

Юрий Пименов
Юрий Пименов "Фронтовая дорога" (1944) Главное произведение Пименова эпохи...
Юрий Пименов "Фронтовая дорога" (1944) Главное произведение Пименова эпохи соцреализма — картина «Новая Москва», написанная за четыре года до начала Великой Отечественной войны. Девушка в легком летнем платье за рулем машины проезжает по цветущей Москве, которая к 1937 году украшается новыми постройками в стиле сталинского ампира. Картина передает ощущение беспечности и радости. Спустя семь лет, в 1944 году, Пименов создает новую картину, повторяющую сюжет первой, но совсем с другим настроением. Девушка сменила легкое платье на шинель, справа от нее сидит солдат в каске, а вместо летнего московского пейзажа — покрытая лужами и грязью дорога, вдали угадываются силуэты полуразрушенных зданий. На обочинах застыли разбитые танки, и новые силы Красной армии в грузовиках направляются на фронт.
4646 

09.05.2021 20:38

"Пейзаж в Арле-дю-Нор" 1874 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея.
"Пейзаж в Арле-дю-Нор" 1874 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. В искусстве Коро был практически самоучкой. Не получив профессионального образования, он развивал свои художественные способности просто потому, что ему нравилось путешествовать и воспроизводить на холсте и бумаге свои впечатления от увиденных мест. Примерно так высказался о Коро один из его ближайших друзей – художник Шарль Франсуа Добиньи. Но это, конечно, неправда: Kopo очень много работал, чтобы добиться прославившего его удивительного мастерства в пейзаже и, видимо, именно из-за любви к путешествиям художник выбрал жанр, который не пользовался одобрением в академических кругах. В середине XIX века в Париже сложилась группа художников, объединенных любовью к природе. Каждое лето они покидали Париж и уезжали в маленькую деревушку Барбизон, где писали свои бесконечные этюды. Коро сблизился и подружился с некоторыми из них и стал часто наведываться в Барбизон, неизменно привозя оттуда свои прекрасные пейзажи. Пейзаж в Арле-дю-Нор был начат на пленэре во время путешествия на северо-восток Франции, предпринятого для сбора материала; позднее он был закончен в мастерской. Это произведение зрелого мастера. Его композиция говорит о близком знакомстве Коро с творчеством Моне и, конечно, о влиянии Добиньи, с которым художника связывала крепкая дружба. К середине века Коро уже был признанным пейзажистом. КамильКоро Пейзаж
4612 

11.05.2021 21:33

Буря на Северном море
1865
Айвазовский
Феодосийская картинная галерея имени...
Буря на Северном море 1865 Айвазовский Феодосийская картинная галерея имени...
Буря на Северном море 1865 Айвазовский Феодосийская картинная галерея имени Айвазовского Это большое произведение, его площадь около 6 м². Написано художником очень быстро — за пять дней. Бури и кораблекрушения были любимым мотивом Айвазовского. Он говорил, что из шести тысяч картин, написанных им, четыре тысячи посвящены морским бурям и кораблекрушениям. «Буря на Северном море» — одно из самых значительных произведений И. К. Айвазовского на тему борьбы человека со стихией. В этой работе в полной мере проявилось высокое мастерство художника. Картина поражает виртуозной техникой исполнения и эмоциональной насыщенностью. Мастерски изобразил рваные тучи, ураганный ветер, корабль среди огромных волн и полную луну, проглядывающую сквозь черные тучи и освещающую ярким светом бушующие волны, гибнущее судно и группу обессиливших людей на обломках мачт. Впечатляет и эпический размах, и особый напряженный колорит.
4648 

14.05.2021 12:37

Собор семян. 

Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал...
Собор семян. Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал...
Собор семян. Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал отдельным произведением современного искусства. Его отметили Премией Любеткина. Награда присуждается ежегодно лучшей постройке архитектора — члена Королевского института британских архитекторов за границей, чаще всего — за пределами Евросоюза. Автор инсталляции —Томас Хезервик. Архитекторы из Heatherwick Studio создали уникальное хранилище, собрав обширную коллекцию мировых ботанических ресурсов. Он, по мнению архкритиков, явился идеальным воплощением «экспо-архитектуры»: запоминающаяся и привлекательная форма сочеталась в нем с простым, но интересным содержанием. Во внутреннем конце каждой из его 60 тысяч щетинок располагалось семя растения из собрания ботанического сада Кью. «Собор» работал в режиме постоянного преобразования солнечного света: днем стержни пропускали внутрь помещения свет. Ночью включались искусственные источники освещения, которые работали за счет аккумулированной днем энергии.
4618 

25.05.2021 11:15

"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей...
"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле. Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным. Датировка Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года. Сюжет На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью. Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу. Над кем насмехается Босх? Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги. Загадочный человек в зелёном Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе. ИеронимБосх _history
4542 

13.06.2021 22:28

Флуоресцентная крольчиха В 2000 году бразильско-американский художник Эдуардо...
Флуоресцентная крольчиха В 2000 году бразильско-американский художник Эдуардо Кац создал работу «Альба». Художник вживил в кроличью яйцеклетку ген медузы, который отвечает за свечение. Тот успешно прижился, и на свет появилась необычная крольчиха: она светилась ярко-зеленым в темноте. Кац назвал крольчиху Альбой. Художник говорил: «Мы вступили в новую эру. Требуется новое искусство. Не имеет смысла использовать краски так же, как их использовали в пещерах». Работа вызвала много споров в обществе и прессе: когда кролика показали на выставке, все заговорили об ответственности художника за произведение, о том, где же находится граница творчества, и в принципе о будущем человечества и природы. Искусство или нет?
4459 

25.06.2021 12:56

​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие

«Дама с...
​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с...
​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с веером» — последний женский портрет знаменитого венского художника Густава Климта. Его героиня соблазнительно и с удивительной самоуверенностью смотрит вдаль. Эта яркая картина вновь выставлена в Вене спустя более века. Она представлена на специальной выставке в Верхнем Бельведере вместе с другими поздними работами мастера. Вскоре после смерти Густава Климта в 1918 году в мастерской художника была сделана фотография. На ней изображены две картины, каждая на своём мольберте — это «Дама с веером» и незаконченная работа «Невеста». Вторая была предоставлена Бельведеру в долгосрочную аренду. Но первая — яркое и мастерски выполненное изображение женщины с обнажённым плечом — исчезла 101 год назад. Она была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. Возвращение «Дамы с веером» в Вену — важное событие, ведь это уникальное дополнение к наследию Густава Климта. В честь этого случая Бельведер организовал небольшой, но громкий показ, посвящённый заключительному этапу творчества культового венского художника. В одном зале с «Дамой…» выставлены другие портреты, относящиеся к этому периоду. «Дама с веером» была последней картиной, над которой Климт работал в 1917 году. Он практически завершил её — за исключением нескольких деталей. И если на большинстве его портретов изображены светские дамы, то здесь, вероятнее всего, он написал неизвестную модель. Этот портрет — вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. Эта соблазнительная незнакомка, которая, скорее всего, была танцовщицей, кажется успешной и уверенной в себе. Её голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Картина демонстрировалась в Вене всего лишь раз — на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор её судьбу трудно проследить. По данным Бельведера, в 1960-х годах эту работу купил у вдовы промышленника Рудольф Леопольд — венский коллекционер и основатель музея Леопольда. Остаётся невыясненным, когда холст в конечном итоге покинул Австрию и был продан ценителю из США. Последний раз «Дама с веером» экспонировалась в Кракове в 1992 году. Два года спустя ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Между тем, Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. По словам директора Бельведера Стеллы Роллиг, нынешний владелец ничего не знал о том, что вывоз «Дамы с веером» был незаконным. И сейчас Австрия дала гарантии анонимному коллекционеру, что его сокровище вернётся неприкосновенным. «Он очень хотел показать эту картину в Бельведере, показать её здесь, в контексте нашей коллекции работ Климта, и снова сделать её доступной для публики», — сказала она. Среди других картин в экспозиции — незавершённые «Невеста», «Амалия Цукеркандль», «Адам и Ева» и «Дама в белом». В октябре к ним присоединятся новые экспонаты, которые продемонстрируют интерес Климта к восточноазиатскому искусству и его влияние на творчество австрийского мастера. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b11aae8078613b208f5c6.jpg
4471 

18.06.2021 20:36

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». БастьенЛепаж _history
4331 

19.07.2021 21:05


"Женщина за клавикордом" 1665 г. Геррит Доу Далиджская картинная галерея...
"Женщина за клавикордом" 1665 г. Геррит Доу Далиджская картинная галерея, Лондон. Панели на музыкальную тему встречаются в творчестве Геррита Доу относительно редко. Несмотря на то, что художник, судя по всему, сам играл на музыкальных инструментах, изображения музицирующих персонажей среди его работ можно пересчитать по пальцам. И потому «Женщина за клавикордом» представляет интерес не только как великолепный образец лейденской живописной школы fijnschilders («изысканных художников»), но и как картина, имеющая собственное «звучание». Сейчас произведение входит в коллекцию лондонской галереи Далиджа. Сама работа типична для техники fijnschilder, которая требовала гладкого письма, блестящих глянцевых поверхностей, точной передачи материалов, текстур и света, а также скрупулёзного, реалистичного изображения предметов в малых (иногда крошечных) масштабах. В этой композиции лучи солнца из окна мягко отражаются на полированном корпусе альта, подчёркивают бархатистость красной подушки и холод металла птичьей клетки. Складки гобелена, отведённого вправо, становятся практически осязаемыми. Виртуозная техника Геррита Доу принесла мастеру невероятный успех у коллекционеров XVII – XVIII веков, которые ценили его больше, чем любого другого голландского художника, включая Рембрандта. Доу писал в основном домашние сцены, часто с моральным или аллегорическим подтекстом. Изображение музыкантов в Нидерландах XVII века ассоциировалось с любовью. Здесь молодая женщина сделала паузу в игре, возможно, повернувшись к возлюбленному, который будет аккомпанировать ей на альте-да-гамба. На интимные отношения указывает, например, птичья клетка, которая тогда носила эротический подтекст. «Женщина за клавикордом» связана с другой «музыкальной» картиной Доу, «Молодая дама за вирджиналом», ныне хранящейся в частной коллекции. Обе работы были написаны в 1665 году, на обеих изображены женщины за инструментами. Однако одну и ту же тему голландский мастер интерпретировал с разными настроениями и смыслом. Если панель из коллекции галереи Далиджа представляет собой интимную и тихую сцену, то её «сестра» воплощает радости жизни. Позади девушки за вирджиналом находится группа людей, что придаёт сцене живости, в то время как женщина за клавикордом находится в комнате в умиротворённом одиночестве. Впервые обе работы демонстрировались вместе в 1665 году в Лейдене – на выставке, которую организовал Йохан де Бай, покровитель Доу. Возможно, это была первая в истории персональная экспозиция ещё живущего художника. В следующий раз картины воссоединились на короткое время лишь спустя три с половиной столетия – на показе в галерее Далиджа в 2016-м году. ГерритДоу Портрет Барокко _history https://t.me/pic_history2/266
3123 

30.05.2022 20:37

​​Старая картина может оказаться шедевром Дюрера стоимостью в £20...
​​Старая картина может оказаться шедевром Дюрера стоимостью в £20...
​​Старая картина может оказаться шедевром Дюрера стоимостью в £20 миллионов Эта панель с изображением бородатого человека в треугольной шапке была обнаружена ещё в 1983 году. Теперь, после сорока лет исследований, она близка к тому, чтобы стать признанной оригинальной работой немецкого художника эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера. Это сделало бы картину одной из величайших художественных находок нашего времени. Позже в июле 2021 года незавершённый портрет молодого человека будет выставлен вместе с некоторыми знаменитыми работами Дюрера в Музее Сюрмонда — Людвига в немецком Аахене. Панель очищена, датирована XVI веком и тщательно изучена экспертами. В Германии ей предстоит пройти последние исследования, которые должны поставить точку в её происхождении. На портрете изображена голова португальского сановника, который в начале 1520-х годов жил в Антверпене, где тогда работал Дюрер. Хотя одежда натурщика и фон не окончены, а на лице отсутствует последний красочный слой, это, по мнению директора галереи Питера ван ден Бринка, «прекрасная картина». В случае аутентификации её стоимость может превысить 20 миллионов фунтов стерлингов (более 27 миллионов долларов). История портрета почти так же захватывающа, как и само открытие. Его обнаружили при инвентаризации шотландского поместья Эдинчип Хаус, некогда принадлежавшего древнему роду МакГрегоров. В 1983 году панель выставили на аукцион в Перте, где её заметил коллекционер Себастьян Тьюис. Несмотря на то, что поверхность покрывал слой многовековой грязи, ценитель распознал потенциальный шедевр и вызвал коллегу из Лондона, чтобы услышать его мнение. Друзья решили рискнуть и приобрели лот за 1000 фунтов стерлингов. Тьюис, убеждённый что купил артефакт XVI века, отнёс дубовую панель экспертам по консервации из Института Гамильтона Керра в Кембридже. Те определили, что дерево было срублено не ранее 1521 года — это как раз был продуктивный период для Дюрера в Нидерландах. Коллекционер начал исследовать другие картины того времени. Изображение этого же мужчины в похожей шапке-ушанке находится в музее Альбертина в Вене. Оно уже давно признано оригинальной работой Дюрера, но предположение, что картина из Шотландии также написана мастером, было отвергнуто. Эксперты посчитали, что это либо копия, либо более позднее произведение другого художника. На данный момент учёным известны только 50 портретов, выполненных Дюрером, и за последние 200 лет не было найдено ни одного нового. Впрочем, некоторые сомнения по поводу картины из Шотландии остались. Например, на скуле натурщика чётко видна бородавка. Если это — копия, почему бы не убрать её? Есть гравюра 1587 года, на которой изображена такая же бородавка. Принт явно основан на оригинальной работе, которую в 1985 году эксперт Матиас Менде описал как «утраченную картину Дюрера 1521 года». Также под тонким слоем краской был обнаружен подмалёвок, свидетельствующий о том, что художник, приступив к написанию глаз, изменил их форму. Питер ван ден Бринк говорит: «Через телесные цвета и лицо видно, что глаза проработаны гораздо тщательнее, чем остальной портрет. Мы говорим о картине, которая не была копией с рисунка, это версия того же человека». Недавно найденная панель сейчас принадлежит Генриетте, вдове Себастьяна Тьюиса, и его коллеге, который помог с покупкой. В Аахене находку выставят вместе с рисунком из Альбертины, а также с ещё одним изображением того же португальского натурщика. Последнее, судя по всему, копия, выполненная где-то в 1526−27 годах. Однако Национальная галерея в Лондоне, куда в ноябре должна переехать выставка из Аахена, не будет показывать «шотландского Дюрера», аргументируя это тем, что для него не будет места. Впрочем, и в Музее Сюрмонда — Людвига авторство панели будет обозначено «неизвестным художником». Но в ходе выставки ван ден Бринк попросит провести дополнительные исследования — инфракрасное сканирование и стилистическое сравнение. Если результаты будут положительными, подпись поменяют. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/c721d6babcc6132666379.jpg
4340 

21.07.2021 20:13

Уборщицы и мусор В 2004 году с произведением художника Густава Метцгера...
Уборщицы и мусор В 2004 году с произведением художника Густава Метцгера произошёл необычный случай. В галерее Тейт показывали реконструкцию работы художника «Первая общественная демонстрация автодеструктивного искусства» 1960 года. Работа была представлена в виде полиэтиленового прозрачного пакета набитого бумажным и картонным хламом. Уборщица музея не распознала в нём произведение искусства и выбросила пакет. Мешок извлекли из мусорного контейнера, но художник заявил, что его мусор сильно повреждён, поэтому требуется изготовление копии. Метцгер быстро предоставил музею аналогичное произведение. Руководители галереи выплатили ему компенсацию за моральное потрясение. В самой галерее объяснили произошедшее тем, что вокруг арт-произведения с мусором не было специального ограждения, как у других экспонатов. Искусство или нет?
4283 

26.07.2021 12:56

Акула В 2005 году чешский скульптор Давид Черни создал инсталляцию...
Акула В 2005 году чешский скульптор Давид Черни создал инсталляцию «Акула». Работа посвящена Саддаму Хусейну. Замысел этого произведения возник во время посещения Ирака вскоре после окончания военных действий. По этой причине у художника возникает ассоциативная связь между образом бывшего президента этой страны и кровожадным морским хищником. Давид Черни использует видеозаписи, сделанные в тюрьме за год до казни С. Хуссейна, поэтому внешне он уже совсем не похож на некогда грозного диктатора. Это старый человек в одном нижнем белье со скованными наручниками за спиной. Фигура помещена в большой аквариум, наполненный зеленоватым формальдегидом. Произведение стало авторской интерпретацией идеи, выраженной в инсталляции «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» Хёрста (в оригинале в аквариум с формальдегидом помещена настоящая тигровая акула). Искусство или нет?
4336 

27.07.2021 12:56

Приход колдуна на крестьянскую свадьбу
1875
Василий Максимов
Третьяковка...
Приход колдуна на крестьянскую свадьбу 1875 Василий Максимов Третьяковка...
Приход колдуна на крестьянскую свадьбу 1875 Василий Максимов Третьяковка, Москва На картине изображён эпизод крестьянского свадебного пира, радостное течение которого нарушает неожиданное появление запорошенного снегом сельского колдуна. Произведение произвело хорошее впечатление на современников — в частности, критик Адриан Прахов писал, что картина «задумана и создана так, как если бы создала её народная фантазия». Прямо с выставки полотно купил Третьяков. «Приход колдуна» — глубокая и талантливая картина «деревенской веры и того обихода мысленного, чем поколения века живут у себя, по далёким деревням»; по его мнению, это «лучшее, важнейшее и значительнейшее» из того, что создал Максимов. Искусствовед Дмитрий Сарабьянов считал картину «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» лучшим произведением Максимова и писал, что это полотно принесло его автору всеобщую известность и выдвинуло его «в первые ряды русских художников-реалистов».
4245 

18.08.2021 20:16

"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет...
"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет старика с внуком» – самое знаменитое станковое произведение флорентийского художника Доменико Гирландайо, входящее в золотой фонд эпохи Возрождения. При этом современникам Гирландайо так не казалось: Вазари хоть и считал Доменико чуть ли не самым выдающимся живописцем Флоренции XV века, об этом полотне в своих «Жизнеописаниях» не сообщает ничего. Первое появление картины в информационном пространстве датируется 1866 годом – доску приобрел Лувр. А в 1880 году берлинский Музей Боде отказался перекупить полотно из-за его ужасного состояния. Неизвестные первые хозяева картины явно относились к ней с пренебрежением и надлежащих условий хранения шедевру не обеспечили. Полноценную реставрацию полотна провели только в 1996 году, и с тех пор «Портрет дедушки с внуком» - must-see для ценителей ренессансного портрета. «Не существует более гуманистической картины периода Кватроченто, будь то внутри или вне Италии», - считал историк искусств Бернард Беренсон. И действительно, - здесь и потрясающая для того времени прорисовка портрета в плане натуралистичности, и вечные ценности, но без доли пафоса. Единство старика и внука подчеркивается одинаковым цветом одежд, при этом каждый из них выражает любовь к другому по-своему: старик смотрит на мальчика с нежностью и словно с высоты прожитых лет, а в облике ребенка – детская невинная доверчивость и искреннее обожание. Спокойный пейзаж за окном и лентой вьющаяся река призваны усилить ощущения неумолимости времени и связи поколений. О том, кто был реальными прототипами старика и внука, известно не более, чем о том, что же происходило с картиной в течение 400 лет. Возможно, мальчик – это сын Доменико Ридольфо (ребенок подходит по возрасту), а старик весьма отдаленно напоминает Франческо Сасетти – одного из знатных людей Флоренции 15 века. Впрочем, сходство с Сасетти весьма условно, а вот ринофима у модели Гирландайо – заболевание, проявляющееся в шишковидных наростах на носу – неоспоримый факт. Точные причины возникновения ринофимы медикам до сих пор не ясны, при этом ряд специалистов считает, что алкоголь здесь играет не последнюю роль. Так что не исключено, что наш дедушка от лишнего бокала не отказывался. «Старик откровенно некрасив» – с этих слов начинается чуть ли не каждое описание картины. Может, именно поэтому шедевр и не был оценен по достоинству в свое время. Язык Ренессанса строго предполагал, что нравственность, высокие моральные стандарты, красота души и прочая духовность присущи лишь внешне привлекательным (по меркам эпохи) людям. Поэтому не совсем понятно, как в Кватрочетно мог появиться столь реалистичный, и, главное, человечный портрет. Классические лица XV века – это лица без тени каких-либо внутренних противоречий. И то же, в принципе, можно было бы сказать и об изображенном Гирландайо дедушке, если бы не оттягивающий на себя максимум внимания нос с бугорками. Но непривлекательность старика в сочетании с его благостным и любящим выражением лица, с обожанием смотрящий на деда внук-ангелочек – все это делает полотно на редкость гармоничным. Вот эта вот амбивалентность «на лицо ужасные, добрые внутри» появится в искусстве гораздо позже, портреты же раннего Возрождения предполагали однозначные посылы. Однако изображенная ринафима у Гирландайо – словно протест против принятой в искусстве идеализации. Впрочем, не исключено, что Гирландайо и не имел в виду ничего такого, а просто передал внешность своей модели с максимальной точностью, что и требовало ренессансное «подражание натуре». Вазари отмечает, что сходство портретов Гирландайо с оригиналом практически не имело во Флоренции себе равных. ДоменикоГирландайо Портрет Возрождение _history
4212 

13.08.2021 20:37


«Амур развязывает пояс Венеры» («Змея в траве») (версия из Эрмитажа)
1788...
«Амур развязывает пояс Венеры» («Змея в траве») (версия из Эрмитажа) 1788...
«Амур развязывает пояс Венеры» («Змея в траве») (версия из Эрмитажа) 1788 год Джошуа Рейнолдс Эрмитаж, Санкт-Петербург У картины этого английского художника есть авторские повторения в музее Джона Соуна и в галерее Тейт. Поначалу Рейнольдс хотел назвать её «Уступка» — об этом говорится в его записной книжке. Картина произвела фурор на выставке и собрала в прессе множество положительных откликов: «В наиболее прекрасной и очаровательной, Купидон развязывает пояс Нимфы. В чертах Нимфы Красота и Выразительность, а в колорите Теплота и Богатство фламандской и венецианской школ»; «Это произведение имеет большие достоинства. Шаловливая Нимфа кокетливо откинулась, то, что один глаз прикрыт рукой, придает еще большую выразительность другому»; «Нимфа и Купидон сэра Джошуа, которую мы превозносим, лучше всякой другой картины в зале. Замысел и исполнение таковы, что ни один художник, кроме него, не мог бы так написать». А. Н. Бенуа назвал картину «самой изящной» из трёх эрмитажных работ Рейнолдса.
4184 

19.08.2021 17:13

Небольшая жанровая сценка, изображенная Пабло Пикассо, называется «Свидание...
Небольшая жанровая сценка, изображенная Пабло Пикассо, называется «Свидание...
Небольшая жанровая сценка, изображенная Пабло Пикассо, называется «Свидание» (1900 г.) В 1900 году Пикассо впервые приезжает в Париж. Именно с переездом и связано создание этой небольшой картины. В этот период своего творчества художник часто обращается к мотиву свиданий, который он трактует как тему человеческой близости Пара изображена в замкнутом пространстве, в интерьере. Все второстепенные подробности опущены. Сами фигуры написаны выразительными цветовыми пятнами. Таким образом, между возлюбленными создается собственный маленький мир и зритель чувствует это напряжение чувств. Кстати, произведение хранится в ГМИИ им. Пушкина, в Москве, и у вас есть возможность его увидеть А какую историю за этим изображением видите вы?
4225 

16.08.2021 16:44

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru