Назад

"Пустой бокал" 1655 г. Питер де Хох Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам.

Описание:
"Пустой бокал" 1655 г. Питер де Хох Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам. _history

Похожие статьи

Санкт-Петербург..." />
"Обезьяны в кухне" Давид Тенирс Младший, 1640 > Санкт-Петербург...
"Обезьяны в кухне" Давид Тенирс Младший, 1640 > Санкт-Петербург, Эрмитаж Тематический диапазон творчества фламандского художника был чрезвычайно широк. В частности, Тенирс прославился как талантливый анималист. На картине представлена компания обезьян, которые, бесцеремонно пьют вино, лакомятся фруктами, играют в карты, жарят жаркое на вертеле. Некоторые из них украсили себя бархатными беретами. Идея Тенирса показать животных, имитирующих поведение людей, восходит к басням античной эпохи и зоологическим трактатам Средневековья. Пародийно-комическая по форме, картина была задумана как юмористическое назидание: тот, кто предается чувственным удовольствиям, слепо следуя природным инстинктам, опускается до уровня обезьяны. Свеча на камине – эмблема бренности, напоминающая о быстротечности радостей земного бытия. Ступа с пестом – символ глупости, с которой отождествлялись грехи. Тенирс мастерски передает свет и фактуру разнообразных предметов: деревянной мебели, глиняной посуды, стеклянных бокалов.
4879 

25.12.2020 17:15

Амстердам..." />
"Натюрморт с серебряным кувшином" Виллем Кальф, 1660 > Амстердам...
"Натюрморт с серебряным кувшином" Виллем Кальф, 1660 > Амстердам, Государственный музей Тип натюрмортов, который развивал Кальф, называется «десерты»: такие композиции состоят из роскошных предметов, говорящих о богатстве заказчика. На картине серебряный кувшин, бокал с вином на золоченой подставке, глубокая тарелка из китайского фарфора с фруктами. И кувшин и подстаканник украшены модным в то время орнаментом, напоминающие форму ушной раковины. Художника интересовала игра света и цвета; он использует сочетание синего, желтого и белого цветов. Лимон отражается в кувшине, серебро блестит рядом с позолотой, тускло сияет, сверкает каплями сока мякоть лимона, в бокале мерцает в полумраке вино. Все будто живое, фрукты пахнут и хочется протянуть руку, взять и откусить. Также есть карманные часы: они лежат справа. Стеклянная крышка откинута, будто кто-то только что смотрел на циферблат. Часы, символ уходящего времени, напоминают о том, что плотские утехи не вечны.
4944 

12.02.2021 00:11

В  15-16 веках во Фландрии  существовала легенда, которую голландцы часто...
В  15-16 веках во Фландрии  существовала легенда, которую голландцы часто рассказывали своим детям, недовольным своим внешним видом. По легенде, люди которым не нравилось их лицо, ехали в город Экло, где в пекарне можно было выпечь себе новую красивую голову. Недовольному сначала отрубали голову, а на ее место временно прикладывали кочан капусты (символ пустой головы), чтобы остановить кровь. Затем отрубленную голову отдавали мастерам - пекарям, которые заново лепили лицо из специальной муки и масла и отправляли в большую печь. Голову с новым лицом ставили на место. Но иногда голова могла не пропечься, тогда получался "недоделанный" идиот, если голова невзначай перепекалась, получался безрассудный человек - "горячая голова". Выпечка вполне могла не получиться и симметричной, тогда получался урод, чудовище. Детям специально рассказывали, насколько неожиданным может быть результат замены головы, чтобы они понимали: не внешность - главное достоинство человека или его вина, ведь  она даётся богом и почти совсем не зависит от самого человека.
4946 

22.02.2021 22:01


Санкт-Петербург, Эрмитаж «Мопс в кресле..." />
"Мопс в кресле" Альфред Дедрё, 1857 >Санкт-Петербург, Эрмитаж «Мопс в кресле...
"Мопс в кресле" Альфред Дедрё, 1857 >Санкт-Петербург, Эрмитаж «Мопс в кресле» является одной из центральных картин в творчестве французского художника-анималиста Альфреда Дедрё. До сих пор не известно, что подтолкнуло художника к созданию полотна, ведь сразу виден пародийно-сатирический характер изображения. Развалившийся и задремавший в кресле с красно драпировкой мопс занимает центр картинной экспозиции. Рядом с ним находится небольшой столик с наполненным бокалом, а в ногах валяется помятый номер газеты «Le Figaro». Известно, в виде мопса изображён известный французский журналист Ипполит де Вильмессан, который возобновил выпуск той самой помятой газеты. В виде гончей же Дедрё изобразил изящного и утончённого графа Шарля де Монри, который был ближайшим другом Ипполита.
4699 

29.04.2021 22:22

"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор...
"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие. Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать. Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона: Как жизнь пуста! — она сказала. — Он не придет и впредь. А я устала, так устала, Уж лучше умереть! Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание. Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии. Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение. Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами. ДжонМилле _history
4731 

19.04.2021 20:37

"Пшеничное поле с воронами" Июль 1890 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван...
"Пшеничное поле с воронами" Июль 1890 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Картина «Пшеничное поле с воронами» долгое время считалась последней работой, которую Винсент написал перед самоубийством. В тяжелом грозовом небе, зловеще кружащих низко над землей черных птицах и пустой дороге, уходящей вдаль, искусствоведы и ценители творчества Ван Гога усматривали намек на явное намерение как можно скорее покинуть этот бренный мир. Однако точных подтверждений этому нет. Работу над этим полотном Винсент предположительно завершил 10 июля 1890 года, после чего закончил «Ратушу в Овере» и «Сад Добиньи». Полотно написано грубыми, почти неряшливыми мазками. Создается впечатление, что Винсент создавал картину в полном отчаянии. Это подтверждают написанные художником слова: «Вернувшись туда, я принялся за работу. Кисть практически выпадала из рук… Мне было несложно изобразить грусть и предельное одиночество». Даже в таком угнетенном состоянии Ван Гог находит в себе силы и желание писать. Он снова использует любимые цвета – синий и желтый. Но небо здесь кажется грязным, а цвет пшеницы – болезненным и говорящим скорее об увядании, чем о зрелости и плодородии. Из той точки, откуда видит пейзаж художник и зритель, расходятся в разные стороны три дороги. По-хорошему, это должно было бы символизировать свободу выбора, надежду и открывающиеся перспективы. Однако все три пути ведут в никуда. Не хватает только пресловутого камня из сказки, подсказывающего, куда нужно пойти, чтобы потерять себя. Ван Гог, впрочем, обошелся без подсказок. Спустя 17 дней после завершения работы над этим полотном Винсент выстрелил себе в грудь на этом самом поле. ВанГог Постимпрессионизм _history
4629 

08.05.2021 19:38

"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж...
"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен. В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения. Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов. Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты. Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину. После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью». АндреДерен Натюрморт Кубизм _history
4492 

30.05.2021 20:38

Сюжет картины, вероятно, связан с фельетоном, опубликованным в журнале...
Сюжет картины, вероятно, связан с фельетоном, опубликованным в журнале «Современник». Анонимный автор, а на самом деле писатель И.А. Гончаров, иронически описывал жизнь светских «львов»: ради внешнего лоска и щегольского вида они были готовы «два месяца дурно обедать». Слово «аристократ» в названии произведения Федотова создает противоречие – очевидно, что молодой человек не имеет отношения к аристократии. Художественное решение картины строится на контрасте. На небольшом прямоугольном холсте – тщательно выписанная обстановка комнаты. Ковер с восточным орнаментом, модное в середине XIX века «стеганое» кресло, зеленые обои с рисунком, гравюры с изображением балерин романтической эпохи, бюст Ференца Листа подчеркивают принадлежность героя к светскому обществу Санкт-Петербурга. Показное щегольство героя проявляется и в его наряде в популярном восточном стиле (халат с кистями, шапочка с бухарским орнаментом, шаровары и туфли-бабуши), и в модной стрижке пуделя, и в намеренно оставленных на виду афишах, в том числе с рекламой устриц. В то же время на столе можно заметить вывернутый наизнанку пустой кошелек и кусок ржаного хлеба, которым завтракает герой (именно его он в спешке прикрывает книгой). Театральность композиции – в пойманном художником моменте: на заднем плане рука незваного гостя в палевой перчатке уже отодвигает занавеску, отгораживающую вход в комнату; щеголь в спешке дожевывает хлеб; пудель лает на входящего. Острота сюжета, изысканная живопись в зелено-красной цветовой гамме, напоминающей произведения Карла Брюллова, выписанная фактура предметов – все это способствовало успеху картины Федотова, сравнимому с успехом пьес Островского и, в частности, комедии «Свои люди – сочтемся», опубликованной в то же время.
4499 

12.06.2021 19:01

"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет...
"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет старика с внуком» – самое знаменитое станковое произведение флорентийского художника Доменико Гирландайо, входящее в золотой фонд эпохи Возрождения. При этом современникам Гирландайо так не казалось: Вазари хоть и считал Доменико чуть ли не самым выдающимся живописцем Флоренции XV века, об этом полотне в своих «Жизнеописаниях» не сообщает ничего. Первое появление картины в информационном пространстве датируется 1866 годом – доску приобрел Лувр. А в 1880 году берлинский Музей Боде отказался перекупить полотно из-за его ужасного состояния. Неизвестные первые хозяева картины явно относились к ней с пренебрежением и надлежащих условий хранения шедевру не обеспечили. Полноценную реставрацию полотна провели только в 1996 году, и с тех пор «Портрет дедушки с внуком» - must-see для ценителей ренессансного портрета. «Не существует более гуманистической картины периода Кватроченто, будь то внутри или вне Италии», - считал историк искусств Бернард Беренсон. И действительно, - здесь и потрясающая для того времени прорисовка портрета в плане натуралистичности, и вечные ценности, но без доли пафоса. Единство старика и внука подчеркивается одинаковым цветом одежд, при этом каждый из них выражает любовь к другому по-своему: старик смотрит на мальчика с нежностью и словно с высоты прожитых лет, а в облике ребенка – детская невинная доверчивость и искреннее обожание. Спокойный пейзаж за окном и лентой вьющаяся река призваны усилить ощущения неумолимости времени и связи поколений. О том, кто был реальными прототипами старика и внука, известно не более, чем о том, что же происходило с картиной в течение 400 лет. Возможно, мальчик – это сын Доменико Ридольфо (ребенок подходит по возрасту), а старик весьма отдаленно напоминает Франческо Сасетти – одного из знатных людей Флоренции 15 века. Впрочем, сходство с Сасетти весьма условно, а вот ринофима у модели Гирландайо – заболевание, проявляющееся в шишковидных наростах на носу – неоспоримый факт. Точные причины возникновения ринофимы медикам до сих пор не ясны, при этом ряд специалистов считает, что алкоголь здесь играет не последнюю роль. Так что не исключено, что наш дедушка от лишнего бокала не отказывался. «Старик откровенно некрасив» – с этих слов начинается чуть ли не каждое описание картины. Может, именно поэтому шедевр и не был оценен по достоинству в свое время. Язык Ренессанса строго предполагал, что нравственность, высокие моральные стандарты, красота души и прочая духовность присущи лишь внешне привлекательным (по меркам эпохи) людям. Поэтому не совсем понятно, как в Кватрочетно мог появиться столь реалистичный, и, главное, человечный портрет. Классические лица XV века – это лица без тени каких-либо внутренних противоречий. И то же, в принципе, можно было бы сказать и об изображенном Гирландайо дедушке, если бы не оттягивающий на себя максимум внимания нос с бугорками. Но непривлекательность старика в сочетании с его благостным и любящим выражением лица, с обожанием смотрящий на деда внук-ангелочек – все это делает полотно на редкость гармоничным. Вот эта вот амбивалентность «на лицо ужасные, добрые внутри» появится в искусстве гораздо позже, портреты же раннего Возрождения предполагали однозначные посылы. Однако изображенная ринафима у Гирландайо – словно протест против принятой в искусстве идеализации. Впрочем, не исключено, что Гирландайо и не имел в виду ничего такого, а просто передал внешность своей модели с максимальной точностью, что и требовало ренессансное «подражание натуре». Вазари отмечает, что сходство портретов Гирландайо с оригиналом практически не имело во Флоренции себе равных. ДоменикоГирландайо Портрет Возрождение _history
4212 

13.08.2021 20:37


Плащ совести.

Плащ совести — скульптура, художницы Анны Хроми. Фигура в плаще...
Плащ совести. Плащ совести — скульптура, художницы Анны Хроми. Фигура в плаще...
Плащ совести. Плащ совести — скульптура, художницы Анны Хроми. Фигура в плаще впервые появилась на фоне картины, которую она написала в 1980 году. Фигура была пустой и показывала, что от старой женщины не осталось ничего, кроме лохмотьев плаща. Анна решила воплотить скульптуру в форме пустого плаща, который должен символизировать дорогу, по которой мы все идем в жизни, — дорогу, образ которой придает наша совесть. У мрамора, использованного для создания скульптуры, есть своя история. Его добывали из того же карьера, откуда поставляли мрамор для работ Микеланджело. Этот карьер — единственный в мире, где все еще можно получить достаточно большие куски. Тот, что требовался Хроми, весил 200 тонн, поэтому большая часть начальной работы проходила в карьере. Уменьшенные версии Плаща были установлены в разных местах по всей Европе: от Рима до Монако и Праги.
4331 

01.08.2021 11:15

Илья Пьянков Покой «1996 год. Я поступил на подготовительные курсы при...
Илья Пьянков Покой «1996 год. Я поступил на подготовительные курсы при институте имени Репина и первой темой по композиции была тема «Пустой дом». Я на тот момент не понимал даже как найти сюжет, что уж говорить о формальном построении композиции и художественном образе. Я был в отчаянии, так как вместо пустого дома пустой была только моя голова. Помог, как это часто происходило в моей жизни, случай. На последней странице найденного на помойке журнала «Огонек» я наткнулся на фотографию затопленной колокольни, а ниже была статья о Мологе, одном из городов, затопленных Рыбинским водохранилищем. Вечером нарисовал карандашом эскиз. На нем пустой затопленный дом, в проёме двери колокольня и ещё много домов, столбов, деревьев. Внутри дома плавали стулья, книги, шкаф; висели старые веники, фотографии и т.д. И вот я с волнением понес показывать свой первый эскиз. Идея и сюжет сразу понравились преподавателю и я стал разрабатывать эту тему. За время учебы в институте я сделал много разных композиций, но когда на пятом курсе речь зашла о теме дипломной работы, почему-то сразу вспомнил об этой, с которой я и начал свой путь в институте. Жаль, что до конца не удалось мне воплотить в дипломной работе тот образ, который был в голове - наверное тогда ещё был не готов, хотя и получил в итоге оценку «отлично». Один из эскизов диплома сохранился у меня в мастерской. Я часто на него смотрю и вспоминаю подготовительные курсы, счастливые годы учебы, своих учителей. А ещё смотрю с надеждой. С надеждой на то, что может сейчас как раз то время, когда я готов написать эту картину...». 17 декабря 2020 художник арт живопись галерея малаяРодина искусство лебедиЛеонардо
4154 

04.09.2021 12:51

Натюрморт с фруктами
1644
Питер Клас

Питер Клас — голландский художник, мастер...
Натюрморт с фруктами 1644 Питер Клас Питер Клас — голландский художник, мастер...
Натюрморт с фруктами 1644 Питер Клас Питер Клас — голландский художник, мастер натюрморта. Cчитается основателем харлемской школы натюрморта. Его натюрморты делятся на две группы. К первой относятся «завтраки» и «банкеты». На них обычно изображены кувшины, бокалы, фарфор, хлеб, сыр, вино, устрицы, рыба, птица, ветчина, маслины и орехи. Очень часто он использовал лимон. Ко второй относятся произведения популярной в то время в Голландии разновидности натюрморта «ванитас», в которых при помощи символов — свечи, черепа, часов, музыкальных инструментов, старинных книг и т. п. — выражается библейская концепция суетности жизни. «Картины Класа с изображением накрытых столов (завтраки) отличаются скромностью подобранных предметов (глиняный кувшин, селедка, стакан, айва, трубка) и простотой композиции. Клас первым из мастеров натюрмортной живописи оценил роль света, воздушной среды и единого тона в колорите как важных средств, которыми может быть выражено единство предметного мира и окружающей среды.»
3980 

26.10.2021 12:18

Натюрморт с шахматной доской
1630
Любен Божен
Лувр, Париж, Франция

Один из...
Натюрморт с шахматной доской 1630 Любен Божен Лувр, Париж, Франция Один из...
Натюрморт с шахматной доской 1630 Любен Божен Лувр, Париж, Франция Один из наиболее ранних французских натюрмортов и один из самых известных натюрмортов, интригующий скрытыми в изображении смыслами. Приписывается художнику Любену Божену. Говорят, что картина таинственное, зашифрованное сообщение художника зрителю. Аллегория пяти чувств. Иногда сам натюрморт называют «Пять чувств». Зрение символизирует зеркало, слух — лютня и нотная тетрадь, вкус — хлеб и вино, обоняние — цветы, осязание — игральные карты и кошель (возможно, и шахматы тоже). Религиозная трактовка. Бокал с вином и хлеб связаны с евхаристией, гвоздика — символ Страстей Христа, сюда же можно отнести и стеклянную вазу, наполненную чистой водой, метафору девственности Марии, все они расположены на заднем плане. На переднем плане расположены предметы, олицетворяющие земные соблазны. Получается, что мирские наслаждения заслоняют человеку Бога.
3896 

24.10.2021 14:16

Палата общин В 2015 году Марианна Хеске представила арт-проект «House of...
Палата общин В 2015 году Марианна Хеске представила арт-проект «House of Commons». В небольшом норвежском городе Хубёль она нашла заброшенный деревянный дом. Он был построен в середине XIX века, а с 1960-х годов стоял пустой и постепенно разваливался. На месте дома должна была проходить автострада, и власти города сначала собирались снести его, но в итоге согласились отдать дом Марианне при условии, что он послужит искусству. Художница перенесла фермерский домик из Хубёля в Осло и установила его на площади перед зданием норвежского парламента. Оба здания относятся к одной эпохе — им по 150 лет, но, построены из разных материалов (одно — из деревянных брусьев, другое — из гранита) и для разных целей. Художница говорит, что её целью было противопоставить богатство современной Норвегии и скромность её прошлого: «Норвегия очень изменилась. Уже невозможно представить простую жизнь, которой раньше жили фермеры. Они сами выращивали продукты, сами ловили рыбу, шили одежду и жили очень просто, не имея вообще никаких денег». Проект вызвал огромный интерес: только за первые выходные дом посещало по 700 человек в час. Стоя в пустых комнатах старого фермерского дома, они могли полюбоваться огнями роскошного парламентского здания. Искусство или нет?
3907 

18.11.2021 12:56

"Март" 1895 г. Исаак Ильич Левитан Государственная Третьяковская...
"Март" 1895 г. Исаак Ильич Левитан Государственная Третьяковская галерея. Весна 1895 года. Левитану осталось жить не более пяти лет, но он еще не знает об этом. Короткая счастливая передышка: тяжелые приступы депрессии с попыткой суицида – позади, смертельный порок сердца, который выявят через пару лет, еще не диагностирован. Левитан едет в Удомельский край, в имение Горка, принадлежащее его любимой женщине Анне Николаевне Турчаниновой. Здесь за несколько сеансов будет написан «Март» – самое мажорное и радостное по духу произведение Левитана. Левитану 35. Он знаменит и наконец-то не беден. Сейчас каждая его картина становится событием. Он кумир начинающих пейзажистов. Художник Яков Минченков вспоминал, как после товарищеского парадного обеда Левитан, обычно хандрящий, неожиданно воодушевлённо говорит: «Надо жить, и жить красиво! Надо побороть и забыть свои страдания, надо пользоваться жизнью, её светом, её радостью, как блеском солнечного дня. Мы еще успеем сойти, об этом нечего и думать, а сейчас выпьем последние сладкие остатки из жизненного бокала, упьемся всем лучшим, что может дать нам жизнь!..» Полгода назад, в конце лета 1894-го, Анна Турчанинова, отбившая Левитана у «женщины его жизни» Софьи Кувшинниковой, сделала всё, чтобы художнику было удобно работать в Горке, окружила его вниманием и заботой. Здесь живописно и красиво – название имение получило по своему расположению на небольшой возвышенности на южной стороне озера Островно. В том месте, где ручей впадает в озеро, помещение бани переоборудовали для Левитана в удобную мастерскую. Левитан прожил здесь с августа по декабрь. Зимние месяцы 1895 года Левитан провёл в Москве, в уютном особняке в Трехсвятительском переулке с изящной обстановкой и удобной мастерской. Ему было комфортно там, но к концу зимы стало так не хватать солнца. Он не любил зимы, почти никогда ее не писал. Как только пришла весна, Левитан собрался снова ехать в Горку – он знал: его там ждут. И Анна Николаевна, жена важного петербургского сенатора, отдавшая Левитану своё сердце. И пробуждающаяся природа – то, что Левитан ценил больше всего на свете. Он ехал и вспоминал слова своего любимого учителя, Алексея Саврасова, автора знаменитых «Грачей»: «Лови всегда весну, не просыпай солнечных восходов, раннего утра. Природа никогда не бывает более разнообразной и богатой. Пиши ее так, чтобы жаворонков не видно было на картине, а пение жаворонков было слышно». Приблизившись к деревянной усадьбе Турчаниновых, которую он писал осенью и помнил серой и хмурой, Левитан едва не зажмурился. Покрашенные в желтый и разогретые на солнце стены дома как будто светились, заливая сиянием всё вокруг – и стволы берёз, и рыхлый подтаявший снег, и бурые бока так хорошо знакомой Левитану лошадки Дианки... На этот раз художнику не придётся углубляться в лес, чтобы нащупать нужный мотив – он сам явился перед его глазами: деревянный дом, где Левитана любят и ждут, и весеннее солнце. «Март» называют одним из самых значительных пейзажей русского импрессионизма. Все цвета здесь насыщены светом, контраст желтых и голубых оттенков звучит звонко и радостно. Золотые рефлексы от желтой стены согревают даже холодные краски, рождают ощущение ликования. Искусствоведы отмечают интересное композиционное решение: симметричные стволы берёз образуют своего рода кулисы, за которыми открываются пожухшие за зиму деревья соснового бора. Особенно мастерски написан снег под лучами весеннего солнца. Известно, что Левитан во время работы над «Мартом» прибегал к сравнительно новому техническому изобретению – фотографии: он проверял соотношения светотени по фотоснимкам. ИсаакЛевитан Пейзаж Реализм _history https://t.me/pic_history2/238
3647 

07.01.2022 20:38


ШколаОценки ОценкаИскусства В чётком соответствии с Вебленом, современное...
ШколаОценки ОценкаИскусства В чётком соответствии с Вебленом, современное искусство уже лет 140, со времён сюрреалистов, вырождается в вещь-в-себе: его "могут понять" только избранные; чтобы стать избранным, нужно иметь много свободного времени - разбираясь в том, в чём разобраться крайне сложно; читать, слушать, обсуждать с другими такими же. Посещать выставки, вернисажи, аукционы. Читать специальную литературу и принадлежать к определённым кругам. При этом, несомненно, что искусство живо не только соц.реализмом: и в идеях не только примитивистов или футуристов, но и китча или альтмодерна есть не то чтобы здравое: но гениальное, фантастически далёкое от реальности, но при этом - про человека и общество. Но несомненно, что современное искусство - это передовая демонстративного потребления: род особой социальной манифестации собственного материального и морального статуса. Высший пилотаж полового отбора. В общем, это понт в кубической скрипке под присыпкой из Уорхолла. Я писал уже про оценку искусства, напишу ещё раз коротко несколько (моих - я в нём никто - мне можно) максим: 1. Оценка искусства - это искусство особого рода. 2. Оценка искусства - это оценка, прежде всего, авторов: и управление ими тоже. 3. Оценка искусства - деятельна. В нём нельзя быть сторонним наблюдателем, но придётся вовлечься в сюжет: либо меценатом, либо учеником, либо конкурентом, либо партнёром. 4. Искусство живёт грибницами. Нужно окно: времени, места-пространства, технологических возможностей. 5. Там, где нет жизни общества, нет искусства; верно и обратное. У нас, возможно, общество ещё не полностью мертво, но стремительно умирает. Имея, прежде всего, в виду именно элиту, как тот слой, который воспроизводит искусство. Искусство - это высший пилотаж надрыва и радости одновременно. На такое не способны мещане, солдафоны, расхитители бюджетов и прекрасные во всех отношениях дворники. 7. Современное искусство должно быть неотделимо от бизнеса и политики. Это не эскапизм, это прямо виляющее на принятие решений и на движение общества НЕЧТО, что задаёт повестку. Прямое общение социума с богом через юродивых, - через каналы, ответственные за спасение человечества. 8. Искусство - очень функциональная штука, иначе оно бессмысленно. Т.е. это такое безумие, которое рождает разумность. Безумно ведь изображать сцену охоты на быка на стене пещеры? Но тот, кто это сделал, смог организовать племя на охоту и обучать молодых втрое быстрее. Искусство-в-себе - это не искусство, это род ментального и духовного онанизма. Так что оценивает оценщик современного искусства? Да примерно то же самое, что и антиквар, только чуть более под другим соусом: провенанс: откуда-есть-пришло полотно (перформанс): т.е. место, куст, школа и конкретный автор; время, форма - в т.ч. форма - в игре с теми форматами, что удобны (или нет) сегодня для демонстрации: буквально - достаточно ли это трудно, чтобы повторить и достаточно ли это неудобно, чтобы при демонстрации оного сам факт демонстрации был оценён как прекрасный? Хороша ещё уникальность и социальный призыв. Бэнкси, уничтоживший картину сразу после её продажи, продал законченную уникальность. эстимейт: почём продавалось такое же, какой сейчас спрос на этот род форматов, можно ли его сделать ещё более сложным в плане финансовой услуги (токеном, например). И защитить как токен. Мода. Писк моды. Предвосхищение следующего толи писка, толи пука: такого всего таинственного - на кончике прям пера прям критика (он ещё не написал статью под эту картину, но точно напишет). Точнее. снимет ролик для влога. Задом-наперёд, так что зал будет из наполненного превращаться в пустой: и в нём останутся единицы, пришедшие с утра, но для нас это будут - единицы: как знатоки. Наши эльтер-эго в этом видео. Ведь мы не рабы. Рабыне мы. Как-то так там было. Аминь.
3641 

09.01.2022 19:30

Цирцея подаёт бокал Одиссею
1891
Джон Уильям Уотерхаус
Галерея Олдема...
Цирцея подаёт бокал Одиссею 1891 Джон Уильям Уотерхаус Галерея Олдема...
Цирцея подаёт бокал Одиссею 1891 Джон Уильям Уотерхаус Галерея Олдема, Великобритания На картине изображена сцена из поэмы Гомера «Одиссея», где чародейка Цирцея предлагает Одиссею чашу с зельем, с помощью которого она пытается подчинить его своим чарам, поскольку у неё уже есть его команда. Одессея можно увидеть в зеркале, изображенном за троном Цирцеи, в то время как один из членов экипажа Улисса, волшебным образом превращенный в свинью, можно увидеть рядом с ногами Цирцеи Уотерхаус показывает, что Цирцея контролирует ситуацию, помещая её выше зрителя; её сиденье приподнято на ступеньку, а сама богиня нарисована с приподнятым подбородком, так что мы должны смотреть ей в глаза, когда она смотрит вниз. Таким образом, художник манипулирует позой Цирцеи, чтобы поставить её в положение превосходства. Кроме того, фон за Цирцеей указывает на силу, поскольку обрамляющие её формы (зеркало и подлокотники её кресла) создают эффект трона. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
3103 

28.05.2022 23:29

«Блудный сын в таверне» («Автопортрет с Саскией на коленях») — автопортрет...
«Блудный сын в таверне» («Автопортрет с Саскией на коленях») — автопортрет Рембрандта с женой Саскией, на котором они представлены героями библейской притчи о блудном сыне. Время создания картины относится к самому счастливому периоду жизни Рембрандта, когда он добился популярности как художник, количество заказов на его картины возросло, появились ученики. Он был счастлив и в семейной жизни, и решил создать портрет своей семьи. Это единственная картина Рембрандта, на которой он изобразил себя с Саскией (есть ещё офорт «Автопортрет с Саскией», датируемый 1636 годом). Существует версия, что первоначально на картине были и другие персонажи, но потом художник решил оставить только себя и Саскию, и холст с левой стороны был обрезан самим Рембрандтом. К теме блудного сына художник вернется год спустя в офорте «Возвращение блудного сына», и 31 год спустя — в финальной картине «Возвращение блудного сына». Картина иллюстрирует рассказ из Евангелия от Луки 15:13: «По прошествии немногих дней младший сын, собрав всё, пошел в дальнюю сторону и там расточил имение своё, живя распутно». На картине Рембрандт играет роль блудного сына, расточающего «имение своё с блудницами», элегантно одетого в камзол со шпагой, шляпу с пером, высоко поднимающего хрустальный бокал с вином. На коленях у него сидит Саския, тоже в богатой одежде в роли блудницы. На столе видно блюдо с павлином, символом тщеславия. Несмотря на веселье, изображённое на картине, Рембрандт всё же одной деталью напомнил, какое продолжение имеет библейская история. На стене видна грифельная доска — символ того, что рано или поздно за всё придётся платить.
3040 

08.06.2022 11:03

Пустой музей В 2018 году в Третьяковке была представлена работа Ильи и Эмилии...
Пустой музей В 2018 году в Третьяковке была представлена работа Ильи и Эмилии Кабаковых «Пустой музей» на их выставке «В будущее возьмут не всех». Из брошюры выставки: «В инсталляции „Пустой музей“ было построено пространство старого „классического“ музея: темно-красные стены, золотой карниз под потолком и вокруг дверей, низкие деревянные панели вдоль стен. Посередине — два удобных „музейных“ дивана. Но на стенах нет висящих картин. В местах, где эти картины могли бы висеть — овальные пятна света от направленных софитов, по всему помещению 12 таких сияющих световых овалов. В зале звучит величественная «Па...лия» Баха в органном исполнении. Звучит, наполняя все пустое прямоугольное помещение музейного зала так, как она могла бы звучать в консерватории, а если еще точнее — в церковном пространстве. Характер музыки — возвышенно торжественный, ритуальный, хорошо и естественно связывается со „старинным“, чуть мрачноватым залом. Но особенно неожиданно и, в то же время естественно, воспринимается связь между звучащей музыкой и овальными пятнами света на стенах. Если бы на этих местах висели классические старые картины в рамах, этого неожиданного, но гармонического эффекта не произошло бы. Причины такой естественности легко объяснить и понять: овалы света на стенах легко ассоциируются с окнами, светящимися витражами храма, когда солнце ударяет, „ослепляет“ своими лучами эти окна. Но вторая причина имеет, как нам кажется более тонкое, можно сказать психологическое обоснование: присутствие, необходимость музыки в „музее“ напрямую связано с отсутствием на его стенах картин, эта пустота на стенах как раз и имеет прямую и естественную связь с наполненностью пространства музыкой». Искусство или нет?
2983 

15.06.2022 12:56

ЭКСКУРСИИ - ЭТО ИНТЕРЕСНО , МОДНО И КРАСИВО 

Как провести выходной ?
Чем...
ЭКСКУРСИИ - ЭТО ИНТЕРЕСНО , МОДНО И КРАСИВО Как провести выходной ? Чем...
ЭКСКУРСИИ - ЭТО ИНТЕРЕСНО , МОДНО И КРАСИВО Как провести выходной ? Чем заняться после работы? Куда пригласить девушку? Как интересно провести день всей семьей? Смело отправляйтесь на экскурсию. Рекомендую компанию "Москва в сердце" — https://t.me/moskvavserdce — тут более 120 экскурсий! — Сталинские высотки ( с заходом внутрь и без, а иногда и с посещением смотровых). — Прогулки по заповедным переулочкам. — Экскурсии к старообрядцам, католикам и в Синагогу . — Сандуны, Петровский дворец, Киевский вокзал , Националь , Особняк Тарасова , Дом Пашкова , Ипподром, пикники в исторических парках Подмосковья. — Исторические некрополи столицы - Новодевичье, Введенское, Донской. — Детские экскурсии и ещё тысяча идей. Стоимость от 550₽ Дети до 10 лет большинство экскурсий посещают бесплатно. А с наступлением холодов мы проводим лекции в клубе Вино и истории в секретном музее в центре Москвы. Бокал вина, лёгкие закуски и интересные лекции. Подписывайтесь на https://t.me/moskvavserdce Вы интересно проведёте время, сделаете много красивых фотографий. И сможете удивлять друзей увлекательными историями.
2695 

16.09.2022 17:15

Для Мизии Годебской даже в современном мире вряд ли можно подыскать правильное...
Для Мизии Годебской даже в современном мире вряд ли можно подыскать правильное профессиональное амплуа. Она не создала ни одного художественного произведения, она творила шедевр из собственной жизни и вдохновляла самых ярких художников и писателей своего времени. Мизиа дружила с Тулуз-Лотреком, Дебюсси, Малларме, Ренуаром, Стравинским, Пикассо, без нее не состоялась бы премьера «Петрушки» - именно она помогла Дягилеву деньгами, когда постановка оказалась под угрозой. Когда Мизиа была женой Тоде Натансона, редактора художественного журнала La Revue blanche, часто именно она оказывалась консультантом редакции в выборе тем и персоналий. Она говорила на всех европейских языках и была самой близкой подругой Коко Шанель, в ее честь назван один из ароматов модного дома – Misia. Мизиа Годебска была замужем три раза и, к огромному разочарованию многих страстно влюбленных поклонников, никогда не заводила романов на стороне. В то время, когда Ренуар писал ее портрет, это была Мизиа Эдвардс. А вот для Альфреда Эдвардса, мужа Мизи, уже тогда профессиональное амплуа определялось точно: заводчик-мультимиллионер. Он владел добрым десятком предприятий и одним из первых начал добывать бокситы для изготовления нового металла с большим будущим – алюминия. «Чтобы добиться такой женщины и на ней жениться, он придумал следующий способ: каждый вечер приглашал на обед всех ее друзей. Чтобы не оставаться одной, она была вынуждена присоединяться к компании. Эдвардс усаживал ее по правую руку и всякий раз под салфеткой она обнаруживала футляр с бриллиантом большой цены», - вспоминал Ренуар и добавлял, что ни одна женщина против такого не устояла бы. Для Огюста Ренуара, тогда уже прикованного к инвалидному креслу, в доме Мизи и Альфреда построили лифт, чтобы художник мог подниматься в комнату хозяйки для сеансов позирования. Когда работа была окончена, Мизиа выдала Огюсту пустой чек и попросила самостоятельно оценить картину. Ренуар, на взгляд мадам Эдвардс (фамилию Серт она получит от своего следующего мужа), оказался слишком скромен в оценке своего произведения. Для художника это было время, когда он заговорил на своем живописном языке, когда стал знаменит и наконец-то мог не заботиться о деньгах. Этот поздний период искусствоведы называют «красным» - Ренуар не боится ярких, страстных цветов и мастерски создает сложные колористические решения. Его палитра становится предельно лаконичной. «Бедными средствами богатый результат» - ставит художник перед собой головоломную задачу и блестяще с ней справляется. Трудно поверить, что в этом году Огюст уже не смог жонглировать и заменил эту зарядку для больных, изуродованных ревматизмом рук более простой – подбрасыванием поленца. Скоро он не сможет держать в руках и его. ПьерОгюстРенуар Портрет Импрессионизм _history
2204 

10.01.2023 20:37

В этом состоянии Мане пишет свою самую загадочную картину, новые толкования к...
В этом состоянии Мане пишет свою самую загадочную картину, новые толкования к которой предлагают арт-критики до сих пор – «Бар в «Фоли-Бержер». Мане редко требует сюжетной и символической трактовки образов – многие элементы на его картинах появлялись лишь потому, что того требовал живописный закон произведения. Мане часто играл с фактурами и цветами, а не рассказывал истории. Но только не в этой картине. Пространство, созданное Мане в этой картине, совершенная иллюзия, нереальность которой начинаешь осознавать, только когда вглядываешься в нарочитые несоответствия. Предлагаем начинать список загадок картины прямо с жанра. Портрет? Похоже, но слишком сложно для портрета, хоть на нем и изображен конкретный человек – барменша Сюзонн, которую завсегдатаи «Фоли-Бержер» хорошо знали. Для бытовой сцены здесь тоже слишком много загадок-отражений: зеркало, отражающее толпу, бутылки, отражающиеся в зеркале в неправильном порядке, отражение мужчины, на месте которого по логике стоим именно мы, зрители. Держитесь крепче, мы стоим в воздухе! В зеркале это видно. Все эти оптические иллюзии заставляют взгляд зацепиться и идти дальше – искать несоответствия психологические. Привлекательная девушка за барной стойкой – это маркетинговый ход подобных увеселительных заведений. Своим видом она должна остановить проходящего и заставить его купить бокал шампанского, но она смотрит сквозь нас, она отрешена и выключена из происходящего. А вот в отражении она же, но совсем с другими очертаниями фигуры, более плотная и округлая, ведет себя так, как должна бы, или так, как вела себя минуту назад – наклоняется к мужчине. Социальные искусствоведы ищут в ее образе схожесть с товаром, который продается так же, как и выпивка в баре, а в ее грусти находят реакцию на такое положение. Классическое искусствоведение видит в положении ее рук аналогии с древними изображениями Божьей матери и Христа. Но ни одно предположение не подтверждается самим художником и не оказывается очевидным. Он взывает к активности зрительского взгляда, не давая ответов на наши вопросы. Мане 20 лет только тем и занимается, что меняет глаза зрителя, растит в них новое восприятие живописи. И в конце жизни художник создает произведение, которое запустит новый процесс в отношениях между творцом и зрителем – совместное творчество и создание смыслов. _history ЭдуарМане Импрессионизм
720 

21.01.2024 21:03

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru