Назад

Рене Магритт "Влюбленные" (1928)

Описание:
Рене Магритт "Влюбленные" (1928)

Похожие статьи

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор...
"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history
2151 

16.02.2021 22:04

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно...
"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history
2187 

18.02.2021 21:27

Рене Магритт был помешан на шляпах

Какая деталь в картинах Рене Магритта особо...
Рене Магритт был помешан на шляпах Какая деталь в картинах Рене Магритта особо...
Рене Магритт был помешан на шляпах Какая деталь в картинах Рене Магритта особо выделяется, кочуя из одного полотна в другое? Правильно, это – шляпа-котелок. Великий сюрреалист не просто так выбрал эту деталь – за котелком стоит любопытное переплетение исторического времени с воображением бельгийского художника. За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене. Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок... не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться». Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых поп
2209 

10.02.2021 13:33

Санкт-Петербург, Русский..." />
"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский...
"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский музей Величие и красота природы Крыма неизменно восхищали Куинджи. Особое пристрастие художник питал к тем явлениям, изображая которые он мог бы передать на холсте эффекты природного освещения. Ряд произведений в творчестве живописца посвящен закатному солнцу и пылающему от его лучей небу. Здесь Куинджи изображает расплывающийся в туманном воздухе желтый солнечный шар, опускающийся в море, яркие лучи и насыщенные пурпурными красками небеса, раскинувшиеся над зимним морским берегом. Для неба, морского побережья и самого зимнего моря, освещенного закатными солнечными лучами, художник использует форсированную цветовую гамму, в которой сочетаются оранжево-красные, фиолетовые и темно-зеленые тона. Сочетания красок, построенные на цветовом контрасте, можно было бы посчитать нереальными, если не знать, насколько трепетно мастер относился к природным тонам и сколько он прилагал усилий, чтобы как можно точнее перенести их на холст или бумагу.
2149 

06.02.2021 00:31

Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951

Самые...
Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые...
Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.
2091 

24.02.2021 21:28

Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории...
Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории европейского искусства - святого Себастьяна. Примерно в эпоху Возрождения этот святой стал символом гомоэротизма, обрел черты нежнешего из юнош, пассивного и беззащитного. Но канон подобных изображений был заложен намного раньше, в древней Греции, конечно же. До христианства было далеко, а без красивого юноши, символизирующего межмужскую любовь непонятно как обходиться, поэтому греки себе придумали Ганимеда. Был у царя Троса сын от нимфы Каллирои. Тут данные разнятся и он то сын Дардана, то Эрихтония, то еще кого, но главное, что он был смертным, а еще прекрасным настолько, что сами боги на него заглядывались. Согласно некоторым источникам, Ганимеда сначала похитила богиня зари, Эос, а потом у нее его стащил Зевс. По другим же, Зевс сразу придумал превратиться в гигантского орла и понес юношу к себе на Олимп что твоего хоббита. Там восхитительный красавец Ганимед был назначен виночерпием на божественных вечеринках. Отец его, Трос, сначала огорчился исчезновениям сына, но Зевс ему подарил очень красивую оливковую веточку из золота и пару очень хороших лошадок. А так же объяснил, что сыну отныне даровано бессмертие и даже поместил его на небо в качестве созвездия. Оттуда он на нас и глядит в виде Водолея. Трактуют этот миф по разному. Например, как историю о том, как некий прекрасный юноша умер перед свадьбой - отсюда версия с Эос, то есть, невестой, лишившейся возлюбленного. Или как историю с метафорической смертью мальчика для превращения в мужчину и царя. Или о том, как одни правители брали в плен детей других, для того чтоб наладить отношения. Но самым популярным оказалось, конечно, прочтение мифа как подтверждения того, что сам отец небес Зевс одобрял однополую любовь и был замешан. Сюжет стал одним из самых популярных в Греции, потом перекатился в Рим, позже ужасно осуждался христианами и только с наступлением Ренессанса вновь вернулся в искусство. Правда, неоплатоники эпохи Возрождения попытались миф переосмыслить и сообщали, что это все про восхождение души к Богу, а не то что вы подумали. Поэтому можно и нужно вновь писать как можно больше Ганимедов.
2151 

26.02.2021 18:53


Сюрреализм в живописи появился в 1920-х годах во Франции, а затем стремительно...
Сюрреализм в живописи появился в 1920-х годах во Франции, а затем стремительно...
Сюрреализм в живописи появился в 1920-х годах во Франции, а затем стремительно распространился по всему миру. Изначально движение зародилось в литературе, но почти сразу же перекочевало в художественную сферу. Вслед за популярным в то время психоанализом сюрреалисты пытались показать, что творческая энергия находится в бессознательном, проявляясь в состояниях сна, гипноза, болезненного бреда и в автоматических неконтролируемых действиях. В своих работах они совмещали привычные глазу повседневные образы с аллюзиями и парадоксами из сновидений. Вдохновленные идеями левой идеологии, последователи течения призывали к освобождению от навязанной рациональности с помощью искусства и выступали за то, что наше восприятие крайне иллюзорно из-за искажений, вызываемых бессознательными процессами. Работы сюрреалистов стремятся передать посыл: зачастую мы видим совсем не то, что нам кажется. Светильник философа - Рене Магритт
2138 

02.03.2021 10:55

​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо

Это изображение распятия, темы, весьма...
​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо Это изображение распятия, темы, весьма...
​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо Это изображение распятия, темы, весьма распространенной в церковном искусстве, выполнено в непривычном, неканоническом виде. Фреска создает иллюзию крупного архитектурного фрагмента, выполненного в совершенно нетрадиционном для готики стиле. Это уже настоящий Ренессанс с его тонким пониманием пропорций и роли перспективы в искусстве. Нижняя часть фрески изображает каменное надгробие, принадлежащее Доменико Ленци. Этот факт дает право предполагать, что две фигуры — мужская и женская, находящиеся симметрично выше надгробия, принадлежат лицам, оплатившим фреску — Лоренцо Ленци и его супруге. Центральная часть симметричной композиции — это, собственно, сцена распятия. На кресте изображен Христос, за спиной которого стоит Бог-отец, поддерживающий своего сына в его смертный час. По сторонам печальной группы расположены фигуры Девы Марии и святого Иоанна. Интересно, что Дева Мария поворачивается к зрителям лицом и протягивает руку к своему страдающему на кресте сыну, как бы говоря: «Посмотрите, на что пошел Христос ради вас». http://chnly.pro/file/92d8472d56fb421697c9f3c19e3ade47
1991 

29.03.2021 10:40

Гениальный обман в искусстве

Одна из самых дерзких схем по продаже подделок...
Гениальный обман в искусстве Одна из самых дерзких схем по продаже подделок...
Гениальный обман в искусстве Одна из самых дерзких схем по продаже подделок принадлежит американскому арт-дилеру иранского происхождения Эли Сахаю. Он продавал и оригинал, и подделку, написанную с оригинала. При этом подделка, как правило, сопровождалась сертификатом, который арт-дилер получал при покупке оригинала. Например, картину Марка Шагала «Сиреневая скатерть», Сахай купил в 1990 году на аукционе Christie’s за $312 тысяч. Копию с этой работы он затем продал японскому коллекционеру более, чем за $500 тысяч, а оригинал перепродал на том же Christie’s через восемь лет за $626 тысяч. На деятельность Сахая обратило внимание ФБР после того, как в 2000 году два главных аукционных дома Christie’s и Sotheby’s одновременно выставили на торги две одинаковые картины – «Ваза с лилиями» Поля Гогена. Подделку намеревался продать ни о чем не подозревающий японский коллекционер, который совсем недавно приобрел картину у Сахая. А сам Сахай решил продать уже настоящего Гогена через конкурирующую организацию.
1994 

30.03.2021 21:10

Краткая биография. Альфонс Мария Муха

Родился 24 июля 1860 в маленьком...
Краткая биография. Альфонс Мария Муха Родился 24 июля 1860 в маленьком...
Краткая биография. Альфонс Мария Муха Родился 24 июля 1860 в маленьком моравском городке Иванчице. Мальчик рано начал рисовать, но в художественное училище в Праге его не приняли по причине «недостаточности таланта». Альфонсу пришлось работать писарем в местном суде. Но он рисовал афиши, билеты и придумывал декорации для местного театра. В 1885 он поступил на третий курс Академии художеств в Мюнхене. А затем учился в Париже. Рисовал афиши в качестве главного декоратора театра «Ренессанс», создавал украшения, придумывал костюмы и декорации к спектаклям. В 1900 оформил павильон Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке. В 1901 была опубликована его книга «Декоративная документация» - настоящий атлас орнаментов. В 1918 была образована Чехословакия, и её правительство обратилось к Альфонсу Мухе с просьбой разработать дизайн новых государственных купюр, почтовых марок, государственного герба. В 1939 в оккупированной Чехословакии, художник был арестован нацистами. Скончался в тюрьме 14 июля 1939 года.
2016 

31.03.2021 22:59

"Автопортрет, посвященный Льву Троцкому" 1937 г. Фрида Кало Национальный музей...
"Автопортрет, посвященный Льву Троцкому" 1937 г. Фрида Кало Национальный музей женщины в искусстве, Вашингтон. О многочисленных любовниках (и любовницах) Фриды Кало ходили легенды еще при ее жизни, а со временем они обросли слухами и домыслами. Однако записывать художницу в сердцеедки и соблазнительницы, пожалуй, не стоит. Конечно, она не была образцом супружеской верности, но главным мужчиной в ее жизни всегда оставался Диего Ривера, который и сам никогда не скрывал своих бесчисленных романов. Любовная связь между Фридой Кало и Львом Троцким была гораздо менее серьезной, продолжительной и страстной, чем принято считать. Безусловно, опальный русский был пленен экзотической красотой сильной и темпераментной женщины с железобетонным характером, а Фриде, в свою очередь, льстило внимание такой выдающейся личности. Но их роман продлился от силы пару месяцев, после чего «старичок», как пренебрежительно стала называть Троцкого Фрида, быстро ей наскучил. Она прекратила эти отношения, на прощание оставив бывшему любовнику автопортрет, который был скорее очередной шалостью, чем признанием в глубоких чувствах. Как и на большинстве автопортретов, Фрида изобразила себя в традиционной мексиканской одежде и с вплетенными в волосы цветами. В руке она держит листок с надписью: «Я посвящаю эту картину Льву Троцкому, со всей моей любовью, 7 ноября 1937 года. Фрида Кало, Сан-Анхель, Мехико». Соблазнительная и самоуверенная, Фрида, кажется, вот-вот скроется за обрамляющими ее фигуру шторами, похожими на театральный занавес, который готов закрыться после окончания представления. Фрида подарила этот портрет Троцкому в его день рождения. Но, когда в 1939 году он переехал на другую квартиру, ставшую его последним пристанищем, картина, по настоянию супруги Троцкого Натальи Седовой, была оставлена в доме Фриды и Диего. Впервые портрет был представлен публике в 1938 году под названием «Между шторами» на первой персональной выставке Кало в Нью-Йорке. В 1940 году картину приобрела давняя подруга Фриды, американская писательница и политический деятель Клэр Бут Люс. Позже она подарила портрет Вашингтонскому Национальному музею женщин в искусстве, где его можно увидеть в постоянной экспозиции. ФридаКало Примитивизм _history
1927 

22.04.2021 22:07


Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века...
Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.
1903 

15.04.2021 13:31

Мёртвый Христос
1475–1478
Андреа Мантенья
Пинакотека Брера, Милан

Супер...
Мёртвый Христос 1475–1478 Андреа Мантенья Пинакотека Брера, Милан Супер...
Мёртвый Христос 1475–1478 Андреа Мантенья Пинакотека Брера, Милан Супер оригинальное композиционное решение. Тело Христа лежит не параллельно, а перпендикулярно горизонтальной оси. Смелость и сложность такого решения неожиданно для Раннего Ренессанса. Резкое сокращение перспективы позволяет видеть и лицо Христа, и раны на его ступнях. При этом есть нюанс: ступни Христа уменьшены, а голова, по сравнению с ними, увеличена. Подобное искажение пропорций не случайно: если бы Мантенья передал реальное соотношение между ступнями и головой, основное место на холсте заняли бы ноги, что помешало бы восприятию главного центра картины — головы Христа. Это доказывает, что эксперимент с перспективой — не самоцель, а средство решения сложной художественной задачи. Тело Христа покоится на мраморной плите (камне помазания); слева Богородица и апостол Иоанн. Выше в левом углу фрагмент ещё одного лица. Возможно, это Мария Магдалина, на что указывает стоящий в изголовье Христа сосуд с миром.
1865 

30.04.2021 21:58

Урожай
1943
Рене Магритт
Холст, масло. 59,7 × 80 см
Музей Магритта...
Урожай 1943 Рене Магритт Холст, масло. 59,7 × 80 см Музей Магритта...
Урожай 1943 Рене Магритт Холст, масло. 59,7 × 80 см Музей Магритта, Брюссель Его причисляют к представителям сюрреализма и прежде всего он известен как автор остроумно-иронических и вместе с тем философских, а также поэтически-загадочных картин. С наступлением Второй мировой войны и оккупации Бельгии он отказывается от сделавшей его знаменитым представителем авангарда манеры и начинает работать в новой — яркой, прихотливой и жизнерадостной. После ряда поражений германских войск он проникся убеждённостью в неизбежности победы над фашизмом и правильности выбора своей оптимистичной стилистики, проникнутой влиянием импрессионизма. Находясь под впечатлением от работ позднего периода Огюста Ренуара и, в частности, его «Купальщиц», Магритт создаёт своё полотно «Урожай», одно из наиболее известных работ в стиле «периода Ренуара». В этом направлении Магрит создал более 70 картин. Но такая живопись плохо продавалась. Из-за этого он вновь вернулся к своей более традиционной.
1796 

11.05.2021 00:22

​​️17-я Стамбульская биеннале перенесена на 2022 год.

Биеннале будет посвящена...
​​️17-я Стамбульская биеннале перенесена на 2022 год. Биеннале будет посвящена...
​​️17-я Стамбульская биеннале перенесена на 2022 год. Биеннале будет посвящена экологической тематике. ️В Нью-Йорке вновь открылся Dia Art Foundation. Обновленный Dia Art Foundation в районе Челси будет показывать недооцененных художников. ️15 мая в Ильинском сквере откроется выставка к столетию со дня рождения Андрея Сахарова, организованная Политехом. ️Органные вечера в Кусково» представят 26 концертных программ. ️Сегодня в Центральном здании Государственного музея истории российской литературы им. В. И. Даля открывается выставка «Фёдор Достоевский. Сильные впечатления» к 200-летию со дня рождения писателя. ️Дэвид Хокни представил логотип станции лондонского метро Piccadilly Circus Изображение было создано в рамках городской программы Lets Do London https://telegra.ph/file/c608916632382101ab39a.jpg
1830 

13.05.2021 22:21


"Похороны сардинки" 1810-е Франсиско Гойя Королевская академия изящных...
"Похороны сардинки" 1810-е Франсиско Гойя Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид. Франсиско Гойя – специалист по жутким историям и непростым для понимания сюжетам. Его «Капричос» даже сопровождались подписями, без которых сложно, а иногда и совсем невозможно понять замысел Гойи. Но картина, о которой пойдёт речь, не вписывается в этот ряд персональных фантазий Гойи. «Похороны сардинки» – это не произвол авторской фантазии, а реально существовавший в Испании ритуал с лёгким привкусом абсурда. Зачем испанцам хоронить сардину? В пепельную среду – день, предшествующий началу Великого Поста, жители Мадрида и других городов Испании, а также испанских колоний в Латинской Америке, шумной толпой высыпали на улицы. Многолюдная процессия несла впереди себя большую рыбу (сделанную из подручных материалов). Со всех сторон раздавались притворные рыдания и громкий потешный плач. Ближе всех к безвременно почившей рыбе располагались громко стенающие «вдовы» с черными усами – группа ряженых испанских мужчин. Все идущие изображали безутешную скорбь, неизбежно переходящую в народные гуляния с песнями и плясками. Задача похорон сардины та же, что у любого карнавала: повеселиться и покуражиться так, чтобы хватило на все семь недель предстоящего поста. В конце праздника чучело рыбы сжигали (совсем как чучело Масленицы во время аналогичного праздника), а пепел бросали в воду. В наше время этот обычай с соблюдением всех установленных ритуалов лучше всего сохранился на острове Тенерифе – самом большом из островов Канарского Архипелага, бывшей испанской колонии. Пиренейские конквистадоры в XVI веке экспортировали на Тенерифе из Испании не только грипп и оспу, но также католическую религию и сопутствующие ей ритуалы вроде потешных похорон мёртвой рыбы, нашедших отражение в известной картине Франсиско Гойи. Версии происхождения «Похорон сардинки» Похороны мёртвой рыбы бессмысленны только на взгляд рационалиста. Но в карнавальном сознании, переворачивающем мир вверх ногами и предпочитающем порядку – весёлый хаос, ничего невозможного не существует. По одной из версий, похороны сардины – это трансформация другого карнавального ритуала, еще более древнего. Когда-то в Испании накануне поста принято было погребать специально для этой цели заколотого поросёнка. Название такого жертвоприношения – cerdna – было созвучно слову «сардина», так что со временем и хоронить стали её: чем абсурднее, тем веселее! Другая версия приурочивает ритуал как раз к эпохе Гойи: якобы при короле Карлосе III, первом покровителе художника, народ во время карнавала угостили протухшими сардинками. Но угощение сопровождалось таким количеством вина, что подданные Карлоса III не обиделись, а решили учредить торжественные похороны безвременно усопшей рыбы. Место картины в творчестве Франсиско Гойи Фред Лихт, специалист по творчеству Гойи, пишет: «Похороны сардинки» – одно из самых удивительных и виртуозных из дошедших до нас произведений кисти Гойи. Редко кто достигал такой решительности и смелости мазка. Каждый мазок является каллиграфическим чудом и в то же время с виртуозной точность живописует выражения лиц и эмоциональный заряд каждой позы или жеста. Глядя на картину, мы оказываемся где-то посередине, в идеальной точке равновесия между гобеленами Гойи и его «черными картинами». Буйное народное веселье первых постепенно сменяется тревожностью последних. В потемнении колорита, в неоднозначной маске на стяге и особенно в избыточности жестов и движений зритель начинает смутно ощущать беспокоящий подтекст массовой истерии, лежащей в основе фиесты». ФрансискоГойя Романтизм _history
1835 

13.05.2021 22:27

Предположительно, в 1445 году португальский художник Нуну Гонсалвеш написал...
Предположительно, в 1445 году португальский художник Нуну Гонсалвеш написал здоровенный полиптих, который называют Алтарем святого Винсента. Нуну Гонсалвеш - ужасно загадочная личность. Не известно ни когда он родился, ни когда умер, и не слишком понятно где он выучился рисовать, потому что в пятнадцатом веке в Португалии он был такой вот один - ни до него, ни одновременно с ним, на даже долго после в Португалии таких мощных живописцев не было. Ну вот разве что известно, что в 1428 году в Португалию приехал Ян ван Эйк в качестве участника посольства, что прибыло сватать Изабеллу Португальскую за Филиппа Доброго, и затусил в Лиссабоне на целый год. Но успел ли он поучить Гонсалвеша чему-нибудь или хотя бы был ли с ним знаком - об этом можно только гадать. Известно, что Гонсалвеш между 1450 и 1472 годами был придворным художником. Про него почти позабыли, настолько, даже считали вымышленным персонажем. Упоминания его эпичного полиптиха в исторических хрониках остались - в трактатах шестнадцатого века его описывали как картину, созданную для часовни Святого Винсента в Лиссабоне, но считалось, что если такая работа и существовала, то точно давным давно погибла - то ли во время Иберийской унии, когда Габсбурги набежали на Пиренейский полуостров и им не понравилось, что на картине изображены члены королевской семьи, но не той; то ли дело было во время Великого лиссабонского землетрясения, когда вообще погибло все подряд, от королевских дворцов, музеев, библиотек и трети населения Лиссабона до португальских колониальных амбиций. В общем, стала история про какую-то здоровенную и очень классную картину постепенно забывающейся сказкой и так было до тех пор, пока в 1882 году вдруг ее не нашли случайно в хранилище монастыря Сан Висенте де Фора. Вообще, конечно, эта находка поразила всех. Было не совсем понятно чего это нашли, но то что это невероятный шедевр было ясно всем и сразу. Исследователи бросились разбираться и, собственно, пришли к выводу, что вот он, легендарный алтарь Нуну Гонсалвеша. К слову, больше никаких его картин до нас не дошло. Иногда щекастенький портрет Жуаны Португальской еще приписывают кисти Гонсалвеша, но, вроде уже договорились, что его, скорее всего, написал какой-то неизвестный ученик художника. На пяти створках высотой 2,2 метра изображены вообще все. За створками закрепились названия (слева направо) - Монахи, Рыбаки, Инфант, Архиепископ, Рыцари и Реликвия. Инфант и Архиепископ шириной 128 сантиметров, все остальные - по 64 см, написано все это темперой и маслом на дубовых панелях. Имя, под которым нынче картина известна, дал ей в 1910 году португальский исследователь Жозе де Фигейреду, который, собственно, предположил, что тут все поклоняются Святому Винсенту и все понятно. Фигейреду написал о картине огромный подробный труд и был проделанной работой очень доволен. Но через пятнадцать лет в обсуждение ворвался другой исследователь, Жозе Сарайва, и заявил, что Фигейреду не прав и на самом деле главный во всей тусовке на панно - дон Фернанду, святой инфант. Фернанду был шестым сыном короля Жуана I, с детства религиозным и кротким юношей, которого за его такую кротость Папа Римский даже сделала кардиналом. В 35 лет Фернанду и его братья отправились в Северную Африку и попытались захватить Танжер, а в итоге нарвались на превосходящие силы противников и Фернанду попал в плен к злым маврам. Там его обижали, отказывались менять на других заложников, отправили в итоге работать рабом в конюшни, где он заболел и умер. Поэтому его в 1470 году причислили к святым. И вот, Жозе Сарайва настаивал на том, что на полиптихе юноша в черном, который стоит перед святым преклонив колено - это главный персонаж всего повествования, Святой Фернанду, покровитель Лиссабона, и его чествование всеми-всеми, включая и Святого Винсента, который его принимает где-то, вероятно даже в раю.
1793 

13.05.2021 19:30

Ах, да! Чуть не забыла написать про разгадку. Уж простите меня, растяпу - в...
Ах, да! Чуть не забыла написать про разгадку. Уж простите меня, растяпу - в комментариях просто сразу дали верный ответ. Перед нами Подвиг молодого киевлянина при осаде Киева печенегами в 968 году, картина, написанная в 1810 году Андреем Ивановичем Ивановым. Вот отрывок из Повести временных лет, который эта картина иллюстрирует: “В год 6476 (968). Пришли впервые печенеги на Русскую землю, а Святослав был тогда в Переяславце, и заперлась Ольга со своими внуками – Ярополком, Олегом и Владимиром в городе Киеве. И осадили печенеги город силою великой: было их бесчисленное множество вокруг города, и нельзя было ни выйти из города, ни вести послать, и изнемогали люди от голода и жажды. И собрались люди той стороны Днепра в ладьях, и стояли на том берегу, и нельзя было никому из них пробраться в Киев, ни из города к ним. И стали тужить люди в городе, и сказали: “Нет ли кого, кто бы смог перебраться на ту сторону и сказать им: если не подступите утром к городу, – сдадимся печенегам”. И сказал один отрок: “Я проберусь”, и ответили ему: “Иди”. Он же вышел из города, держа уздечку, и побежал через стоянку печенегов, спрашивая их: „Не видел ли кто-нибудь коня?». Ибо знал он по-печенежски, и его принимали за своего. И когда приблизился он к реке, то, скинув одежду, бросился в Днепр и поплыл. Увидев это, печенеги кинулись за ним, стреляли в него, но не смогли ему ничего сделать. На том берегу заметили это, подъехали к нему в ладье, взяли его в ладью и привезли его к дружине. И сказал им отрок: “Если не подойдете завтра к городу, то люди сдадутся печенегам”. Воевода же их, по имени Претич, сказал: “Пойдем завтра в ладьях и, захватив княгиню и княжичей, умчим на этот берег. Если же не сделаем этого, то погубит нас Святослав”. И на следующее утро, близко к рассвету, сели в ладьи и громко затрубили, а люди в городе закричали. Печенеги же решили, что пришел князь, и побежали от города врассыпную. И вышла Ольга с внуками и людьми к ладьям. Печенежский же князь, увидев это, возвратился один к воеводе Претичу и спросил: “Кто это пришел?”, А тот ответил ему: “Люди той стороны (Днепра)”. Печенежский князь спросил: “А ты не князь ли?”. Претич же ответил: “Я муж его, пришел с передовым отрядом, а за мною идет войско с самим князем: бесчисленное их множество”. Так сказал он, чтобы их припугнуть. Князь же печенежский сказал Претичу: “Будь мне другом”. Тот ответил: “Так и сделаю”. И подали они друг другу руки, и дал печенежский князь Претичу коня, саблю и стрелы. Тот же дал ему кольчугу, щит и меч. И отступили печенеги от города, и нельзя было коня напоить: стояли печенеги на Лыбеди. И послали киевляне к Святославу со словами: “Ты, князь, ищешь чужой земли и о ней заботишься, а свою покинул, а нас чуть было не взяли печенеги, и мать твою, и детей твоих. Если не придешь и не защитишь нас, то возьмут-таки нас. Неужели не жаль тебе своей отчины, старой матери, детей своих?”. Услышав это, Святослав с дружиною быстро сел на коней и вернулся в Киев; приветствовал мать свою и детей и сокрушался о перенесенном от печенегов. И собрал воинов, и прогнал печенегов в степь, и наступил мир.” Тут мы видим безымянного юношу, спасшего город от осады, стоящим у кромки воды за секунду до прыжка. Он такой прекрасный, обнаженный и уязвимый, но стрелы, пущенные герою вслед, не причиняют ему вреда, а повергают врагов. Вот такая трактовка русской летописи через академическое европейское искусство с древнегреческим пафосом.
1804 

22.05.2021 17:16

"Майский пикник" 1873 г. Пал Синьеи-Мерше Венгерская национальная галерея...
"Майский пикник" 1873 г. Пал Синьеи-Мерше Венгерская национальная галерея, Будапешт. Разве можно, глядя на «Майский пикник» Синьеи-Мерше, не вспомнить многочисленные импрессионистские «завтраки»? Мане и Моне ко времени написания картины уже отправили свои компании молодых людей и девушек завтракать на природе. Пожалуй, в данном случае скорее возникает аналогия с мирным благопристойным «завтраком» Моне, а не со скандальным пикником с обнаженными девушками Эдуара Мане. Герои расположились на отрытом пространстве, причем композиция так выстроена (точнее сказать, что правилами композиции автор несколько пренебрег), что взгляд словно «проваливается» в расположившуюся на поляне компанию. Синьеи-Мерше вводит в сюжет картины интригу – отдыхающие не равноценны, очевидно, что двое молодых людей активно пытаются завладеть вниманием двух девушек. Все они изображены вполоборота, мы видим их увлеченные лица. Еще двое мужчин предоставлены сами себе: один что-то выискивает в траве, второй лежит на пледе. Лицо первого скрыто широкополой шляпой, второй отвернут от зрителя. Кажется, самого автора они интересуют меньше, чем две кокетничающие пары. Светло-зеленое пространство поляны на заднем плане сливается с синевой неба. Красные пледы и цветы справа от девушки в розовом демонстрируют незаурядное умение Синьеи-Мерше использовать цветовые контрасты. Более чем через 20 лет это безоговорочно подтвердят его великолепные «Маки».
1686 

09.06.2021 20:37

Битва Лапифов и Кентавров
1909
Джорджо де Кирико

Вообще, наиболее известен...
Битва Лапифов и Кентавров 1909 Джорджо де Кирико Вообще, наиболее известен...
Битва Лапифов и Кентавров 1909 Джорджо де Кирико Вообще, наиболее известен «метафизический» период творчества Кирико (1909—1919), когда были созданы такие полотна, как «Ностальгия по бесконечности», «Песнь любви», «Меланхолия и тайна улицы» и др. Эти работы восхищали французских сюрреалистов (Жана Кокто, Ива Танги, Сальвадора Дали, Рене Магритта), которые видели в де Кирико своего предшественника. Сцена картины выше изображает бой кентавров с лапифами — сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Эта битва метафора — победа цивилизации (лапифов) над варварами (кентаврами). Важно также отметить, что в самом названии произведения можно найти скрытый смысл. Название племени «лапифов» (греч. Λαπίθες) звучит похоже на «ляпис» (лат. Lapis), что означает «камень», а также «ляпиде» (итал. lapide), что означает «надгробная плита». Следовательно, можно утверждать, что и победа камня над плотью, а не только над варварством, тоже может быть одной из трактовок этой работы.
1645 

19.06.2021 21:58

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов

В...
​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В...
​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg
1655 

23.06.2021 21:36

Питер Пауль Рубенс Самсон и Далила 1609 Питер Пауль Рубенс (1577-1640)...
Питер Пауль Рубенс Самсон и Далила 1609 Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - фламандский художник, ярчайший представитель эпохи барокко. Особенности творчества Рубенса - это широкий жанровый диапазон, он писал картины на мифологические, религиозные, исторические сюжеты, кроме этого, был крайне изобретателен в композиционных решениях своих картин, мастерски изображая драматичные позы и жесты; вошел в историю также как автор собственного идеала красоты - пышных «рубенсовских форм». Библейский богатырь Самсон заснул, упав на колени красавицы Далилы. Его могучее тело оказалось бессильным перед чарами прекрасной обольстительницы. Рубенс перенес место действия в бордель, отступая от прямого религиозного сюжета, представляя своих персонажей как простых исторических личностей и вкладывая в происходящее двойственный смысл. Мудрость Священного писания гласит о вреде неумеренности и о неминуемом наказании за несоблюдение человеком этого закона. Упавшему под действием вина и женских ласк грозному воину Самсону остригают волосы – источник его невероятной силы. Ему грозит постыдный плен, ослепление и рабский труд на своих коварных врагов. Воины с оружием уже входят в дверь, приглашенный цирюльник и старуха-сводница со свечой завершают печальную сцену. Ярко-красная одежда Далилы, как хлынувшая кровь, приковывает взгляд зрителя, безмолвно вещая о бушующих на полотне страстях. Плен и позор… но не конец истории. Легендарный Самсон, будучи слепым, разрушит дом своих врагов, похоронив под обломками себя и ненавистных ему филистимлян. художник Рубенс живопись галерея историяшедевра искусство лебедиЛеонардо
1591 

04.07.2021 12:25

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». БастьенЛепаж _history
1554 

19.07.2021 21:05

Мария Магдалина в экстазе
1620-25
Артемизия Джентилески 
Масло на холсте. 105 ×...
Мария Магдалина в экстазе 1620-25 Артемизия Джентилески Масло на холсте. 105 ×...
Мария Магдалина в экстазе 1620-25 Артемизия Джентилески Масло на холсте. 105 × 81 см. Нац. галерея, Лондон Артемизия, старшая дочь тосканского художника Орацио Джентилески. Артемизия изучала живопись в мастерской отца, и более успешно, чем её братья, которые также работали в мастерской Орацио. В 1612 году её изнасиловал флорентийский художник Агостино Тасси, работавший вместе с её отцом. После семимесячного судебного разбирательства, унизительного и мучительного для Артемизии, Тасси был признан виновным и приговорён к году тюрьмы. Переживания художницы получили выражение в её наиболее знаменитой работе «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1612—1613). В 1612 году переехала во Флоренцию. Работала под покровительством Козимо II Медичи, дружила с Галилеем (астроном, который сказал: "И всё-таки она вертится!"). Затем перебралась в Венецию, где познакомилась с Антонисом Ван Дейком и Софонисбой Ангиссола (первая художница эпохи Ренессанса). Артемизия Джентилески нередко сравнивается с Караваджо.
1518 

28.07.2021 14:43

"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в...
"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в Нарни» – первый по времени пейзажный шедевр Камиля Коро и первая его картина, представленная в Салоне. С неё начинаются два важных сюжета. Первый – вполне мучительное противостояние художника и французского Салона. Второй и более глобальный – досрочное и непредвиденное, как всякий фальстарт, зарождение идей и техник импрессионизма задолго до его «официального» возникновения. Нарни, или Нарния, – так называется древний городок в центрально-итальянской Умбрии. Коро попал туда во время трёхлетнего (1825-1828) творческого путешествия по Италии. На родине, во Франции, ему преподавали искусство пейзажа художники Мишалон и Бертен, но это был пейзаж академический (или, как его еще называли – исторический) с его традиционными условностями и статичной монументальностью. А Коро искал чего-то совсем иного – более живого, более непосредственного. Его интуиция подталкивала к пейзажу менее умозрительному и более близкому к реальности. В Италии Коро писал продуктивно и много, он чувствовал себя освободившимся. Одним из результатов этого вдохновенного труда стал замечательный «Мост в Нарни». По сути, традиционная тема: живописные руины, вписанные в ландшафт. Но Коро наполняет её новым, живым и праздничным, содержанием. С поразительной точностью ему удаётся схватить и передать момент раннего солнечного утра. Короткий и лучезарный миг, который вот-вот исчезнет: солнце поднимется выше, свет станет ярче, тени обозначатся резче и пейзаж переменится, станет совсем другим. А ощущение радости – уйдёт. И потому для Коро так важно запечатлеть испытанное настроение (его потом станут называть создателем «пейзажа настроения»). Коро не особо интересны отдельные детали пейзажа – важнее передать прозрачность воздуха, рассеянный утренний свет, контраст желтого песчаного дна и темно-зелёного холма, оттенки цветных отражений в мутноватой воде. Конечно, критики и публика Салона приняли первую работу Коро довольно прохладно. И вторую. И много последующих. А для Коро, по складу своего характера чуждого всякой революционности (он ведь целых 7 лет не решался бросить торговлю, чтобы заняться живописью, – отец не разрешал), официальное признание Салона было так важно! И так недостижимо. Однажды он все-таки получил второй приз и нравоучение: «В следующий раз, мсье, привозите полотна поменьше». В другой раз о его деревьях станут говорить, что они написаны губкой, которую Коро обмакивал в грязь. И вечно картины Коро будут развешивать в самых темных уголках – там, где его валёры (тончайшие переливы цвета) и вовсе не разглядеть. В 1865-м, когда Коро уже будет под 70, его картины войдут в моду и получат признание, но золотая медаль Салона всё равно уйдёт академисту Александру Кабанелю, изобразившему президента Наполеона III. Того самого Наполеона III, который съязвил по поводу утренних пейзажей Коро: «Чтобы понять этого художника, нужно слишком рано вставать». Только постфактум критика поймёт, что «Мост в Нарни» – это точка отсчёта для пейзажного искусства новейшего времени и настоящий шедевр. Один из критиков справедливо напишет о прорыве, который, сам того не осознавая, совершил своей картиной Коро: «Самостоятельно, не имея никакой программы, чисто интуитивно Коро перенёсся через пятьдесят лет живописи, перейдя от классицизма к имрпессионизму». А британский историк искусства и писатель Кеннет Кларк пошутит по поводу «Моста в Нарни», что в этой картине Коро сделался «свободен, как самый энергичный Констебл». КамильКоро Пейзаж Романтизм _history
1485 

30.07.2021 20:37


"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных...
"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных искусств, Хьюстон. Картина Камиля Коро «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» – пожалуй, самое волнующее из всех живописных воплощений древнего мифа. Пронзительная нежность её тончайшей серебристо-зеленоватой гаммы сопоставима разве что со скрипичной увертюрой к опере «Орфей и Эвиридика» Кристофа Виллибальда Глюка. Согласно мифу, воспроизводимому в «Георгиках» Вергилия, лесная нимфа Эвридика была покорена музыкой и пением влюблённого в неё Орфея. Но счастье взаимной любви длилось недолго. Когда Эвридика с подругами-дриадами водила хороводы в роще, её ужалила смертоносная змея. Потерявший жену Орфей был безутешен. Он решает отправиться в подземное царство и вымолить у Аида и Персефоны отпустить Эвридику с ним. Его музыка помогла ему быть убедительным. Лишь одно условие было выдвинуто легендарному певцу: не оглядываться – иначе Эвридика умрёт. Но Орфей не вытерпел. Он повернулся удостовериться, что любимая следует за ним, и лишился Эвридики, теперь уже навсегда. У Камиля Коро есть и менее известная картина «Орфей оплакивает Эвридику», рисующая предпоследний акт свершившейся драмы (финалом которой станет растерзание Орфея обезумевшими вакханками). А картина «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» показывает зрителю тот момент, когда еще жива надежда, когда Орфей держит свою лиру в высоко поднятой руке, как путеводный факел, озаряющий путь, а мрачные тени подземного царства тают в предутреннем тумане. Пейзаж для Коро в этой картине оказывается, как ни удивительно, намного важнее главных персонажей. Коро был настоящим виртуозом в передаче переходных состояний природы – этих туманов, которые вот-вот рассеются, но могут и угрожающе сгуститься. Или этих коротких минут, которые уже и не ночь, но и еще и не утро – недаром его называли «певцом рассвета», а президент Французской Республики Наполеон III шутил: «Чтобы понять этого художника, придётся слишком рано вставать». В изображении Царства теней нет ничего пугающего или резкого – только призрачность, только прозрачность. Достичь этой невероятной зыбкости Коро помогали валёры – тончайшие переходы тонов в пределах одного цвета. Известен афоризм художника «Валёры – прежде всего!». Коро еще будут называть «поэт деревьев». Его деревья – особые, узнаваемые. Они написаны тонкой кистью, мазками и помельче, и покрупнее. Разные размер и плотность мазка дают возможность показать, как волнуется крона деревьев, как подрагивают на ветру листья. Мы смотрим на неподвижное полотно и – о, чудо! – ощущаем вибрацию воздуха и трепет листвы. После импрессионизма этому больше не принято удивляться. Но Коро начал писать за несколько десятилетий до экспозиций импрессионистов, а к ним самим отнёсся настороженно: называл «бандой», отговаривал своего ученика и тёзку Камиля Писсарро участвовать в их выставках. И, тем не менее, лирический пейзаж Коро делает его самым близким предтечей имперессионизма. Коро пришлось снести немало нападок за верность собственной манере, за свой незапланированный авангардизм. Им долго и высокомерно пренебрегал официальный Салон. Картины Коро развешивали в самых тёмных залах выставок Салона, где его валёры мудрено было разглядеть, а о его великолепных деревьях обидно утверждали, что это-де «какая-то грязная мыльная пена». В действительности живые деревья в царстве мертвых – чудесная живописная находка Коро. Он видел в создании пейзажей высшую и единственную цель собственной жизни. Ради неё он отрёкся от радостей супружества – по сути, сознательно отказался от счастья Орфея и Эвридики. «У меня, – признавался Коро, – есть единственная цель, которой я намерен следовать всю жизнь, – писать пейзажи. Это решение не подлежит изменению и не позволяет мне связывать себя узами брака». КамильКоро МифологическаяСцена Романтизм _history
1473 

01.08.2021 20:37

Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с...
Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с чего начались иллюстрации к этому тексту. На дворе был примерно 780 год, когда монах по имени Беат из Ль...ы (это в Испании) составил Комментарии к Откровению Иоанна Богослова, чем изрядно подогрел интерес к нему. До Беата Откровение периодически комментировали, но как-то без особой страсти, а монах собрал этакую компиляцию из более ранних толкований, дополнил ее, развернул некоторые важные пункты и, главное, снабдил свою версию забористыми картинками. Считается, что за эту работу Беат взялся для того чтоб обучать монахов по книгам и еще для того, чтоб поддержать и подбодрить небольшие и не слишком сильные на тот момент христианские общины, которые выживали на Пиренейском полуострове, где почти повсеместно доминировали мусульмане. Там как раз в 711 году арабы набежали на вестготское государство и завоевали практически весь полуостров, организовав потом Кордовский эмират и стало понятно всем бедным христианам, что Иоанн Богослов в Откровении под “Зверем” совсем не Римскую империю имел в виду, а Халифат, а Вавилон этот противный не город Рим, а город Кордова. В общем, легло идеально - как я и писала ранее, Апокалипсис - действительно творение на все времена и на любую эпоху, когда страшно. К слову, конец света Беат примерно назначил на 801 год, хотя и предупредил, что прогноз может быть неточным. Как пишет Жак ле Гофф в “Рождении Европы”, “Благодаря Беату в Европе появился первый настоящий триллер”. И действительно, работа Беата настолько поразила воображение современников, что число копий этого текста, да еще и с иллюстрациями, стремительно росло. До технологий, вроде тех, которыми пользовался Дюрер создавая свой цикл гравюр, еще далеко - тиражную печать еще не придумали, так что все делалось вручную. До наших дней дошло 35 копий этой книги, не все, конечно, полные, но зато 27 из них богато иллюстрированы. Первую книгу, скорее всего, разрисовал сам Беат, следующие рисовались под его руководством, а дальше уже более поздние художники поняли, что так можно и радостно продолжали дело, давая волю фантазии - картинки, конечно, копировались, но каждый был рад добавить чего-нибудь пугающего от себя. Лучшие мастера брались за эту работу, демонстрируя каких высот они добились в своем деле. Там еще и карта мира есть!
1493 

30.07.2021 19:59