Назад

«Рождение Венеры» ~1485 г. Сандро Боттичелли Героиня полотна — римская богиня...

Описание:
«Рождение Венеры» ~1485 г. Сандро Боттичелли Героиня полотна — римская богиня красоты, любви и плодородия Венера. Картина полна символов. Например, раковина — это символ женственности, женского лона, из которого рождается богиня. Венера печальна — почему? Дело в том, что Венера, едва успев обрести свободу и радость жизни, теряет их. Она перестаёт быть обычной девушкой и становится богиней. Больше о культовых полотнах великих художников узнаете на курсе «О чём молчат картины» от лектория Синхронизация. На курсе разберётесь, как великие художники создавали свои шедевры. В программе работы Фриды Кало, Анри Матисса, Сальвадора Дали и других гениев. Вы изучите биографию художника, главные особенности его стиля, его влияние на искусство и секреты лучших работ. Запомнить материал помогут памятки, тесты и статьи. По промокоду PICHISTORY скидка 20%. Промокод действует для всех курсов Синхронизации и суммируется с акциями на сайте Переходите по ссылке и покупайте курс дешевле! https://bit.ly/3QRS5m0

Похожие статьи

Венера и Тангейзер
Отто Книлле
1873
Музей Берггрюна, Берлин

А история вот о...
Венера и Тангейзер Отто Книлле 1873 Музей Берггрюна, Берлин А история вот о...
Венера и Тангейзер Отто Книлле 1873 Музей Берггрюна, Берлин А история вот о чём. Согласно германскому народному преданию, направлявшийся на состязание певцов поэт Тангейзер встретил на своем пути богиню Венеру, которая завлекла его к себе в грот. Тангейзер провел с богиней любви в забавах и развлечениях семь лет. Пресытившись наслаждениями, поэт вспомнил о душе и, убоявшись ада, расстался с возлюбленной и совершив паломничество в Рим, где просил у папы отпущения грехов. Папа с негодованием отверг эту просьбу и подчеркнул, что скорее его папский посох даст свежие побеги, чем Бог простит такого великого грешника. Опечаленный Тангейзер с горя вернулся к божественной Венере. Тем временем жезл расцвел, и папа послал объявить об этом Тангейзеру, но к тому времени поэт уже вернулся в грот Венеры. Таким образом, отвергнутый папой грешник за свое раскаяние получил прощение от Бога, а папа запятнал свое имя излишней суровостью.
2826 

19.02.2021 17:13

Втевал Иоахим Антонис
Втевал Иоахим Антонис "Марс и Венера, застигнутые Вулканом" (ок. 1610...
Втевал Иоахим Антонис "Марс и Венера, застигнутые Вулканом" (ок. 1610) Вокруг Венеры вечно увивались разного рода боги, но добился ее таки только Марс. От него родился Купидон (Амур), вечно болтающийся рядом с матерью. При этом, законным мужем Венеры был Вулкан  - самый искусный в кузнечном ремесле мастер и самый некрасивый среди богов. Хромоногий Вулкан трудился у наковален в своей кузнице и не испытывал особого влечения к супруге, находя истинное удовлетворение в работе с молотом. Вулкан ничего не знал о похождениях супруги, пока ему не раскрыл глаза Аполлон. Решив поймать предателей, он сплел сеть, которую спрятал над своей кроватью. В нужный момент сеть опустилась, обнаружив прелюбодеяние. Затем Вулкан призвал богов, чтобы они могли полюбоваться на пойманных любовников.
2756 

06.03.2021 15:31


«Венера из Холе-Фельс»

Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке...
«Венера из Холе-Фельс» Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке...
«Венера из Холе-Фельс» Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке палеолитических венер, обнаруженная в 2008 г. в пещере Холе-Фельс близ немецкого города Шельклингена. Статуэтку нашла команда ученых из Тюбингенского университета под руководством профессора Николаса Конарда. О находке было официально заявлено в журнале Nature. Возраст — в промежутке между 35 и 40 тыс. лет; принадлежит ориньякской культуре. Является древнейшим признанным произведением искусства верхнего палеолита и доисторического фигуративного искусства вообще. Находка «Венеры из Холе-Фельс» отодвигает дату появления первой известной скульптуры, и в целом древнейшего примера фигуративного искусства, на несколько тысячелетий назад. Таким образом, подобные произведения искусства создавались на протяжении всего ориньякского периода.
2774 

10.03.2021 18:30

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная...
"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history
2738 

10.03.2021 22:37

Кошки против собак

О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость...
Кошки против собак О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость...
Кошки против собак О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость и изображалась как символ измены, разврата и лени мы уже писали. Вот на картине Эдуарда Мане «Олимпия» черный котенок в ногах у дамы пониженной социальной ответственности намекает нам о роде её деятельности. Пикассо пошел еще дальше. В своей картине «Кошка, схватившая птицу» в образе кровожадной кошки он изобразил фашизм. Другое дело – собаки. Собака, как известно, друг человека. И в живописи это точно так. Вот «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. На переднем плане маленькая собачка – символ верности и домашнего уюта. Такой же символ дремлет в ногах «Венеры Урбинской» Тициана (вроде всё то же, что и у Мане: лежащая обнаженная женщина, животное в ногах, но впечатления прямо противоположны). Или нерадивый ученик с картины Федора Решетникова «Опять двойка» - рада которому лишь одна собака. И как-то сразу верится, что парень он неплохой, и семья хорошая, просто немного не повезло, но он исправится.
2716 

18.03.2021 22:30

​​Что нужно знать перед посещением первой в России выставки классика видео-арта...
​​Что нужно знать перед посещением первой в России выставки классика видео-арта...
​​Что нужно знать перед посещением первой в России выставки классика видео-арта Билла Виолы в Пушкинском музее.   Экспозиция выставки отражает 14-ти летнее исследование одиссеи души человека и ее трансформации: от рождения до смерти.   Многолетние поиски сущности человеческой природы через христианский мистицизм, исламский суфизм и дзен-буддизм вывели Виолу на тончайший уровень мироощущения и его отражения в искусстве.   Билл Виола пришел к выводу, что практически все духовные традиции ведут к единому: просветление, освобождение, перерождение. Сострадание и любовь приводят нас на новый уровень существования, где открываются совершенные истины.   Видеоработы погружают в медитацию и саморефлексию: я отключилась от мира на час, позволив сознанию изменить восприятие времени. На выставке Билла Виолы можно отдохнуть и насладиться единству с собой, где твоими спутниками остануться лишь стихии. Смотреть выставку нужно, даже хотя бы потому, что привезти этого мирового художника — огромная заслуга команды Пушкинского музея.   Познакомьтесь с выставкой и почитайте про художника и его искусство, тогда вы поймете экспозицию и влюбитесь к нее и в свою стихию.   Билл Виола, Путешествие души, ГМИИ им. А. С. Пушкина, 2 марта — 30 мая 2021 https://telegra.ph/file/2d4cab406ab7e471f5f5f.mp4
2722 

24.03.2021 17:42

«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до...
«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до...
«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» Пожалуй, первый художник, который вспоминается, при разговоре о символах - Сальвадор Дали. Сам он не любил давать объяснения своим картинам и не рекомендовал кому-либо это делать. Но ведь страсть, как хочется! Психоаналитик бы сказал, что героиня картины видит классический фрейдистский сон — о противостоянии мужского и женского начал. Кстати, Дали однажды встречался с Фрейдом и оба остались не в восторге. Гранат в античной и христианской символике - возрождение и плодородие. «Вся жизнетворящая биология возникает из лопнувшего граната», - говорил Дали. Тигры имеют тот же окрас, что и пчелы, возможно именно они так представляются спящей. Слон, несущий обелиск и атрибуты папы — намек на сон о похоронах папы римского, приснившийся Фрейду из-за колокольного звона. Тонкие суставчатые ноги — символ зыбкости сна. Море, вероятно, - сознание. Одно мы знаем точно: женщина на картине это Гала – жена и муза художника.
2692 

25.03.2021 22:30


"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства...
"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства, Вашингтон. Трудно узнать в прилично одетой даме с ребенком ту самую скандальную натурщицу, которая позировала Эдуару Мане для «Олимпии» и «Завтрака на траве». Разве что прямой вызывающий взгляд ее выдает. Но это действительно она, Викторина Меран. Викторина Меран вернулась неожиданно. 6 лет о ней не было ничего слышно, никто не знал, куда она исчезла. Говорили, что все эти годы любимая натурщица Мане прожила в Америке. Бросать ей в Париже было нечего, жалеть тоже не о чем: нищета, мечты об актерской славе, гитара и несколько художников, которые готовы платить за то, что она раздевается в их мастерских. Поэтому Викторина рванула за океан, не раздумывая, за какой-то страстной роковой любовью. А вернувшись, опять согласилась позировать Мане. Правда предупредила, что на этот раз у нее совсем другие планы, позирует по старой дружбе и искренней сердечной привязанности, но уже готовит первые картины в Салон и тоже, да-да, стала художницей. В «Железной дороге» она наконец-то прилично одета, да и вообще просто одета. Вместо злополучного черного кота, который вызвал бурю возмущения у критиков и зрителей, Мане возвращает ей на колени мирно спящего щенка. Собака, символ преданности и верности, спала на кровати тициановской «Венеры урбинской», и была безжалостно заменена в «Олимпии» Мане на выгнувшего спину шипящего черного котенка. Кошка – это возмутительно, воплощение изменчивости, вожделения, ведьмовской натуры и, наконец, порочности, она стояла у ног обнаженной Олимпии и шипела на зрителя. Картину приняли в Салоне в 1874 год, в тот самый год, когда в ателье фотографа Надара состоялась первая выставка импрессионистов. В «Железной дороге» все было пристойно – и ничего не сбивало зрителя с благочестивых мыслей. Но над Мане снова смеялись. Современному зрителю трудно понять, что смешного видел карикатурист или журнальный критик в этой картине. Их выводила из себя абсолютная бессюжетность и нелитературность изображенного: то ли портрет, то ли жанровая сцена, железная дорога, а поездов не видно. Так смотрят на магазинные вывески из проезжающей кареты, а не на женщину с ребенком. Говорили, что картина схематична, а перспектива бездарно искажена, переднее пространство будто кто-то сжал и впечатал в железные прутья ограды. Это последняя картина, для которой Викторина Меран позировала Мане. Потом ее принимали несколько раз в Салоне, а потом перестали, позже она пристрастилась к выпивке, стала жить с юной натурщицей, играла на гитаре у входа в парижские кафе, продавала рисунки их нетрезвым посетителям. А после смерти Мане написала письмо его вдове, в котором попросила выдать ей процент от продажи картин с ее изображением. Утверждала, что Эдуар обещал с ней поделиться, когда наконец-то прославится и начнет зарабатывать. Не известно, как отреагировала мадам Мане на письмо Викторины. Известно только, что в 1898 году «Железная дорога» была продана за 100 тысяч франков американцу Генри Осборну Хэвемайеру, принадлежала его потомкам до 1956 года и ими же была передана в дар Национальной галерее искусств Вашингтона. ЭдуарМане Портрет Импрессионизм _history
2482 

15.05.2021 22:58

Где-то между 1483 и 1498 годами в Делфте работал художник которого называют...
Где-то между 1483 и 1498 годами в Делфте работал художник которого называют Мастером Девы среди Дев, по названию его самой известной картины. На ней Дева Мария и святые Екатерина, Сесилия, Урсула и Варвара отдыхают в беседке. Каждую из святых дев мы узнаем по их украшениям - в них так изящно превратились атрибуты их мученичества. У Екатерины - брошь с колесом, потому что ее хотели на шипастых колесах разорвать на части, но явился ангел с небес и колеса разрушил. У Сесилии - ожерелье в виде маленького органа, потому что она покровительница музыки, ибо пела хвалу Господу до последнего вздоха. У Урсулы - ожерелье в виде сердца, пронзенного стрелой (вообще ее символ - стрела, которую она обычно или держит в руке или же стрела пронзает шею или грудь святой), потому что ее казнили гунны, после того, как она оказалась быть женой их главаря, выпустив в деву сотни стрел У святой Варвары на шее золотая башенка, так как отец запер ее в башне, чтоб оградить от мира до замужества, а та, сидя в заточении самостоятельно пришла к христианству. Мастер Девы Среди Дев был гравером и живописцем. Сейчас считается, что он много путешествовал и получал иностранные заказы - то есть, был довольно популярен в своей время. При этом, его, среди множества безымянных мастеров голландской живописи, выделили в 1903 году, собрав вместе картины, что будут ниже, и найдя в них общие черты. А общими чертами оказались реализм, внимание к бытовым мелочам (обратите внимание, например, на натюрморт на столе на картине с Тайной вечере) и особый тип женской внешности - все дамы у него с большими головами, высоколобые, с длинными шеями. Вот даже теперь считается, что именно загадочный Мастер Девы среди Дев был одним из тех, с кого началось Северное Возрождение, пионером голландского искусства. Звали его, кажется, Дирк Янс, но это пока не точно. Периодически какие-то из картин безымянных мастеров после долгого изучения атрибуцируют как его работы, так что возможно тут нас будет ждать еще много открытий. Ну а я просто млею от его живописи, особенно от Благовещения, поэтому делюсь с вами своей радостью.
2517 

14.05.2021 14:29

"Похищение Европы" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственная...
"Похищение Европы" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственная Третьяковская галерея, Москва. Наряду с «Идой Рубинштейн», «Похищение Европы» представляет блеск и славу «позднего» Серова. Серова-модерниста. Серова-«парижанина», переживающего непростой «роман» с Матиссом. Серова, ищущего новых горизонтов. Серова, все заметнее предпочитающего стилизацию психологической (и какой-либо еще) достоверности, а матовое благородство темперы – витальности масляных красок. Нетронутое «декадентским тленом», оно было принято современниками куда более сочувственно, чем многострадальная «Ида». Сплавив древний миф с модернистской традицией, Серов создал энергичный, стремительный, светлый по интонации шедевр. Изысканная простота линий, снайперски сдержанная палитра, ритм, драйв, порода, стать – кажется, это было написано быстрой, не ведающей сомнений кистью. Обманчивое ощущение. Серов работал над «Похищением Европы» три года, сделал как минимум шесть вариантов картины и, похоже, ни один из них не успел окончить. Идея «Похищения» созрела у него во время путешествия в Грецию, где он побывал вместе с Львом Бакстом в 1907 году. Друзья посетили Парфенон, отплыли на Крит, следуя примерно тем же маршрутом, что и принявший облик быка Зевс, пережили катарсис на руинах Кносского дворца. Казалось бы, здесь Серов увидел все, что могло ему потребоваться для работы – он даже видел повозку, запряженную парой белоснежных быков, которую тотчас зарисовал в свой походный альбом. Ничуть не бывало: греческие быки показались художнику недостаточно благородными и могучими. Он искал особь подходящих габаритов в Испании - превозмогая дурноту, ходил на корриду и все равно вернулся ни с чем. Удача улыбнулась ему в Италии: кто-то посоветовал Серову прокатиться в деревушку Орвиетто, славившуюся быками эпических пропорций. Теперь у Серова был Зевс, но не было Европы. Он повстречал ее в Париже, в мастерской знакомого художника Николая Досекина. После того как был решен вопрос с натурщицей, оставалось найти подходящее море. Когда-то в Домотканове Серов надумал писать картину «Русалка». Живописных прудов там было хоть отбавляй, а вот русалки – как назло – ему не встречались. Валентин Александрович перепробовал все: краснея, просил кузин взять его с собой «на купания», заставлял позировать в пруду мальчиков из местных крестьян и даже окунал в воду гипсовую голову Венеры – все напрасно, русалка так и осталась ненаписанной. Обладая нечеловеческой наблюдательностью, Серов никогда не полагался на воображение - его вдохновляла только натура. Так что волны для «Похищения Европы» он подсмотрел в Италии, а еще в Биаррице. Чтобы написать море – условное символичное море, которое только ленивый не сравнивал с горностаевой королевской мантией – ему было нужно, чтобы за окнами ревел Атлантический океан. Греческие впечатления. Итальянский бык. Парижская натурщица. Над всем этим художник работал на своей даче в Финляндии. В 1910 он сделал то, что в полной мере не удавалось ни испанскому королю Карлу V, ни Европейскому совету. Серов не похищал Европу, подобно Зевсу. Он собрал ее по кусочкам и сложил в единую величественную, радующую сердце и глаз картину. ВалентинСеров МифологическаяСцена Модерн _history
2361 

05.06.2021 20:37

Венера и Адонис
1611
Рубенс
Эрмитаж, Питер

Картина иллюстрирует сюжет из...
Венера и Адонис 1611 Рубенс Эрмитаж, Питер Картина иллюстрирует сюжет из...
Венера и Адонис 1611 Рубенс Эрмитаж, Питер Картина иллюстрирует сюжет из «Метаморфоз» Публия Овидия Назона: Венера влюбилась в юного охотника Адониса и объясняется ему в любви: Молвит: «Скажу, подивись чудовищ провинности давней. От непривычных трудов я, однако, устала, и кстати Ласково тенью своей приглашает нас тополь соседний; Ложе нам стелет трава. Прилечь хочу я с тобою Здесь, на земле!» И легла, к траве и к нему прижимаясь. И, прислонившись к нему, на груди головою покоясь, Молвила так, — а слова поцелуями перемежала При исследовании картины в мастерских Эрмитажа были выявлены исправления ступней ног Венеры и Адониса, а также заметно, что и профиль Венеры тоже переписывали. Ряд исследователей отмечали, что Рубенс был не единственным автором картины. Кисти Рубенса принадлежат только головы персонажей и животные, или, что фигуры выполнены Рубенсом, а собак написал Ян Вильденс; или, что пейзаж написан Лукасом ван Юденом. Бенуа приписал пейзаж Яну Вильденсу.
2346 

25.06.2021 20:02

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти...
"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history
2312 

19.06.2021 20:37

"Богоматерь Сухого Дерева" 1465 г. Петрус Кристус Музей Тиссена-Борнемисы...
"Богоматерь Сухого Дерева" 1465 г. Петрус Кристус Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. Небольшая панель «Богоматерь Сухого Дерева» была приписана Петрусу Кристусу в 1919 году. В XX веке одним из её владельцев был первый федеральный канцлер Германии Конрад Аденауэр, а с 1965 года картина входит в собрание Музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Иконография этого произведения очень необычна, и сам живописец прибегал к ней лишь однажды. Но впоследствии этот мотив использовали его коллеги, в частности, Питер Классен – в своём триптихе для церкви Святой Вальбурги в Брюгге, датированном 1620 годом. Тематика картины непосредственно связана с Братством Богоматери Сухого Дерева, членами которого Петрус Кристус и его жена Гаудицина стали между 1458-м и 1463 годами. Это общество, упомянутое в документе от 1396 года, собиралось в собственной часовне в монастыре францисканцев в Брюгге, разрушенном во время религиозных войн в 1578 году. В Братстве состояли герцоги Бургундские, аристократы, члены семей высшего класса и богатые предприниматели. В одном из документов XVIII века утверждалось, что содружество основал герцог Филипп III Добрый. Якобы, Богоматерь с Младенцем явились ему в стволе сухого дерева перед битвой с французами. Правитель помолился этому образу о победе и разбил врага. В благодарность он и основал это Братство. На самом же деле оно существовало ещё до рождения Филиппа. Вполне вероятно, что панель «Богоматерь Сухого Дерева» заказал один из членов общества для домашних богослужений или художник написал её для себя. Ключ к иконографической интерпретации работы можно найти в Книге пророка Иезекииля. Слова «…Я, Господь, [...] зеленеющее дерево иссушаю, а сухое дерево делаю цветущим…» были истолкованы как прямая отсылка к первородному греху и роли Марии как Новой Евы. Сухое дерево отождествляется с Древом Познания, которое засохло после падения первых людей, но вновь расцвело с Непорочным зачатием Христа, почитаемым членами Братства. В этой небольшой картине Христос символически представляет Искупителя – он держит земную сферу, увенчанную крестом. В придачу, изогнутые и переплетённые сухие ветви дерева принимают форму венца, который явно указывает на его будущие Страсти. Висящие на ветвях пятнадцать золотых букв «А» означают «Аве, Мария» («Радуйся, Мария»). Число 15 было связано с чётками, по которым читались молитвы Богородице – заступнице человека перед Богом. Судя по тщательности отделки, картина была задумана как ценный коллекционный предмет. На это указывают также материалы и текстуры. Фигуры со скруглёнными головами и чётко выраженными чертами являются примером высокого мастерства Кристуса. Создавая типажи, он явно вдохновлялся работами Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена, у которого художник позаимствовал манеру выражения эмоций. Влияние обоих живописцев ярко проявляется в заключительном периоде творчества Кристуса, к которому относится и эта панель. ПетрусКристус Возрождение _history
2271 

22.06.2021 21:18

"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей...
"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Испанский король Карл IV, его супруга Мария Луиза Пармская, их разновозрастные и многочисленные «чада и домочадцы»… Перед нами знаменитый семейный портрет испанских монархов кисти придворного живописца Франсиско Гойи. Портрет, самую едкую и ёмкую характеристику которому дал французский поэт-романтик Теофиль Готье. Он сказал, что на этой картине видит не короля и королеву, а «булочника с женой, получивших крупный выигрыш в лотерею». «Семья короля Карла IV» – ода или насмешка? «Семья короля Карла IV» – парадный портрет, и в то же время в нём легко считывается ирония Гойи. С одной стороны, испанские правители, нынешние и будущие, показаны в блеске королевской славы. Гойя тщательно воспроизводит их одежду, обильно украшенную придворным ювелиром драгоценными камнями. Женские украшения, ордена короля (среди них – недавно учреждённый орден Марии Луизы и Золотого руна, а также Крест Непорочного зачатия) – всё это Гойя выписывает, кажется, с каким-то особым удовольствием. С не меньшим вкусом и знанием дела передана фактура тканей: тяжёлой золотой парчи, мягкого и вкрадчиво-матового бархата, лёгких кружев. Однако роскошь нарядов только оттеняет физические несовершенства героев. По воспоминаниям, король был феноменально рыхл, а королева-распутница – и вовсе безобразна. И Гойя не стремится дать их в идеализированном виде. Он изображает не богоподобных венценосцев, а заурядных смертных из плоти и крови. В демократической критике принято будет писать о семье Карла IV чуть ли не с отвращением: духовное убожество, мещанская заурядность, семья лавочников, вульгарность, невежество, вырождение и прочая, и прочая. В работе Гойи видели чуть ли не карикатуру. Вряд ли это и в самом деле так. Скорее, мы имеем дело с критической крайностью. А Гойя оставался художником, он создал остро-характерные портреты, раскрывающие в нём знатока человеческой природы. И, кстати, монархами портрет был воспринят благосклонно. Но вот что еще интересно: на этом портрете изображены люди, близкие по крови – король с королевой, три их дочери, три сына, внук, зять, сестра королевы и брат короля. Как это было принято среди европейских правящих династий, многие из них связаны двойной родственной связью: муж Марии-Луизы – одновременно её же кузен; брат короля Антонио Паскуаль был женат на королевской дочке, своей племяннице Марии Амалии (её на картине нет – она умерла за два года до её создания, в 1798-м; и может быть, это её Гойя изобразил отвернувшейся к стене?). Но несмотря на кровную близость, люди эти выглядят удивительно отчуждёнными, разрозненными, замкнутыми в себе, словно их собрала для позирования художнику простая случайность. А еще на картине есть тот, кто внимательно наблюдает за всеми ними. Автопортрет Гойи в картине «Семья короля Карла IV» Франсиско Гойя говорил: «Я признаю трёх учителей - Рембрандта, Веласкеса и природу». В этом парадном портрете короля Карла IV с его близкими есть прямая отсылка к веласкесовым «Менинам» – знаменитой картине-иллюзии, где в окружении королевских особ (инфанты Маргариты и отражающихся в зеркале короля и королевы, её родителей) кумир Гойи Веласкес изобразил себя самого за работой. Гойя здесь без стеснения подражает Веласкесу. Точно так же в групповое изображение семьи Карла IV Франсиско Гойя вписывает автопортрет: в затемнённом левом углу, позади королевских особ, за мольбертом, можно разглядеть по-рембрандтовски задумчивое лицо художника. ФрансискоГойя Портрет Романтизм _history
2343 

24.06.2021 21:37

"Помада" 1908 г. Франтишек Купка Национальный центр искусства и культуры Жоржа...
"Помада" 1908 г. Франтишек Купка Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. «Помада» изображает проститутку, красящую губу. Франтишек Купка в этот период любил писать «полусвет» Парижа. Большим любителем изображать этот срез парижского общества был также Анри де Тулуз-Лотрек. «Помада» написана в фовистическом стиле с уклоном в экспрессионизм. Изображенная в профиль женщина вытянулась в направлении зеркала и тщательно подводит губы. Яркий цвет помады и интенсивный макияж явно свидетельствуют о том, что они не являются всего лишь украшением, а представляют собой печать профессиональной принадлежности. В левой руке женщина сжимает еще несколько тюбиков для наведения подобающей ситуации красоты. Цветовая палитра картины интенсивная, синий фон – густой и плотный, женская фигура на нем выделяется очень ярко. Практически прямая диагональ, созданная спиной и изящной, вытянутой шеей, и округлая, мягкая нижняя линия, подчеркивающая изгибы и формы, выводят взгляд зрителя к смысловому и цветовому эпицентру картины – месту соприкосновения алого рта и алой помады. Через несколько лет Купка присоединиться к течению Робера Делоне, орфизму. О сочетании красного и синего Делоне говорил, что по воздействию оно подобно удару кулака. Купка об этом явно знал и раньше, не зря ведущие акценты «Помады» – красный и синий (это же сочетание он повторяет еще в одной своей работе с "макияжем"). Картина лишена как морализаторства, так и любования пороками. Купка показывает очень реальный, земной мир, никоим образом не кажущийся порождением воображения. Он такой, как есть – деградирующий, материалистический и при этом обладающий своеобразным притяжением. Конечно, до Тулуз-Лотрека, особо отличившегося в деле познания этой стороны жизни, Купка не дотягивал, но моделей своих для этого цикла писал по личным, так сказать, впечатлениям. ФрантишекКупка Портрет _history
2154 

20.07.2021 20:37

Доминантой картины, как смысловой, так и композиционной, является Пояс Афродиты...
Доминантой картины, как смысловой, так и композиционной, является Пояс Афродиты (Венеры) — могущественнейший атрибут богини любви и красоты. Его яркое описание оставил Гомер: «Пояс узорчатый: все обаяния в нем заключались; В нем и любовь и желания, шепот любви, изъясненья, Льстивые речи, не раз уловлявшие ум и разумных» (Илиада). На первой версии возле локтя Венеры изображена змея, отсюда вторая часть названия картины «Змея в траве». Под этим же заголовком картина фигурирует и в музее Соуна, хотя на втором варианте змеb уже нет. Долгое время считалось что змеи нет и на картине из Эрмитажа, но в первую опись картин Туалетной комнаты императрицы Марии Фёдоровны она внесена под названием «Уж в траве» и лишь впоследствии указывалась как «Девическая стыдливость». Во время детального исследования в лаборатории Эрмитажа, проведённого в 2017 году, была обнаружена в траве трудноразличимая змеиная голова. Е. П. Ренне отмечает, что змея в контексте этой картины — важный фаллический символ.
2098 

19.08.2021 17:13

"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в...
"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в Нарни» – первый по времени пейзажный шедевр Камиля Коро и первая его картина, представленная в Салоне. С неё начинаются два важных сюжета. Первый – вполне мучительное противостояние художника и французского Салона. Второй и более глобальный – досрочное и непредвиденное, как всякий фальстарт, зарождение идей и техник импрессионизма задолго до его «официального» возникновения. Нарни, или Нарния, – так называется древний городок в центрально-итальянской Умбрии. Коро попал туда во время трёхлетнего (1825-1828) творческого путешествия по Италии. На родине, во Франции, ему преподавали искусство пейзажа художники Мишалон и Бертен, но это был пейзаж академический (или, как его еще называли – исторический) с его традиционными условностями и статичной монументальностью. А Коро искал чего-то совсем иного – более живого, более непосредственного. Его интуиция подталкивала к пейзажу менее умозрительному и более близкому к реальности. В Италии Коро писал продуктивно и много, он чувствовал себя освободившимся. Одним из результатов этого вдохновенного труда стал замечательный «Мост в Нарни». По сути, традиционная тема: живописные руины, вписанные в ландшафт. Но Коро наполняет её новым, живым и праздничным, содержанием. С поразительной точностью ему удаётся схватить и передать момент раннего солнечного утра. Короткий и лучезарный миг, который вот-вот исчезнет: солнце поднимется выше, свет станет ярче, тени обозначатся резче и пейзаж переменится, станет совсем другим. А ощущение радости – уйдёт. И потому для Коро так важно запечатлеть испытанное настроение (его потом станут называть создателем «пейзажа настроения»). Коро не особо интересны отдельные детали пейзажа – важнее передать прозрачность воздуха, рассеянный утренний свет, контраст желтого песчаного дна и темно-зелёного холма, оттенки цветных отражений в мутноватой воде. Конечно, критики и публика Салона приняли первую работу Коро довольно прохладно. И вторую. И много последующих. А для Коро, по складу своего характера чуждого всякой революционности (он ведь целых 7 лет не решался бросить торговлю, чтобы заняться живописью, – отец не разрешал), официальное признание Салона было так важно! И так недостижимо. Однажды он все-таки получил второй приз и нравоучение: «В следующий раз, мсье, привозите полотна поменьше». В другой раз о его деревьях станут говорить, что они написаны губкой, которую Коро обмакивал в грязь. И вечно картины Коро будут развешивать в самых темных уголках – там, где его валёры (тончайшие переливы цвета) и вовсе не разглядеть. В 1865-м, когда Коро уже будет под 70, его картины войдут в моду и получат признание, но золотая медаль Салона всё равно уйдёт академисту Александру Кабанелю, изобразившему президента Наполеона III. Того самого Наполеона III, который съязвил по поводу утренних пейзажей Коро: «Чтобы понять этого художника, нужно слишком рано вставать». Только постфактум критика поймёт, что «Мост в Нарни» – это точка отсчёта для пейзажного искусства новейшего времени и настоящий шедевр. Один из критиков справедливо напишет о прорыве, который, сам того не осознавая, совершил своей картиной Коро: «Самостоятельно, не имея никакой программы, чисто интуитивно Коро перенёсся через пятьдесят лет живописи, перейдя от классицизма к имрпессионизму». А британский историк искусства и писатель Кеннет Кларк пошутит по поводу «Моста в Нарни», что в этой картине Коро сделался «свободен, как самый энергичный Констебл». КамильКоро Пейзаж Романтизм _history
2147 

30.07.2021 20:37

"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет...
"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет старика с внуком» – самое знаменитое станковое произведение флорентийского художника Доменико Гирландайо, входящее в золотой фонд эпохи Возрождения. При этом современникам Гирландайо так не казалось: Вазари хоть и считал Доменико чуть ли не самым выдающимся живописцем Флоренции XV века, об этом полотне в своих «Жизнеописаниях» не сообщает ничего. Первое появление картины в информационном пространстве датируется 1866 годом – доску приобрел Лувр. А в 1880 году берлинский Музей Боде отказался перекупить полотно из-за его ужасного состояния. Неизвестные первые хозяева картины явно относились к ней с пренебрежением и надлежащих условий хранения шедевру не обеспечили. Полноценную реставрацию полотна провели только в 1996 году, и с тех пор «Портрет дедушки с внуком» - must-see для ценителей ренессансного портрета. «Не существует более гуманистической картины периода Кватроченто, будь то внутри или вне Италии», - считал историк искусств Бернард Беренсон. И действительно, - здесь и потрясающая для того времени прорисовка портрета в плане натуралистичности, и вечные ценности, но без доли пафоса. Единство старика и внука подчеркивается одинаковым цветом одежд, при этом каждый из них выражает любовь к другому по-своему: старик смотрит на мальчика с нежностью и словно с высоты прожитых лет, а в облике ребенка – детская невинная доверчивость и искреннее обожание. Спокойный пейзаж за окном и лентой вьющаяся река призваны усилить ощущения неумолимости времени и связи поколений. О том, кто был реальными прототипами старика и внука, известно не более, чем о том, что же происходило с картиной в течение 400 лет. Возможно, мальчик – это сын Доменико Ридольфо (ребенок подходит по возрасту), а старик весьма отдаленно напоминает Франческо Сасетти – одного из знатных людей Флоренции 15 века. Впрочем, сходство с Сасетти весьма условно, а вот ринофима у модели Гирландайо – заболевание, проявляющееся в шишковидных наростах на носу – неоспоримый факт. Точные причины возникновения ринофимы медикам до сих пор не ясны, при этом ряд специалистов считает, что алкоголь здесь играет не последнюю роль. Так что не исключено, что наш дедушка от лишнего бокала не отказывался. «Старик откровенно некрасив» – с этих слов начинается чуть ли не каждое описание картины. Может, именно поэтому шедевр и не был оценен по достоинству в свое время. Язык Ренессанса строго предполагал, что нравственность, высокие моральные стандарты, красота души и прочая духовность присущи лишь внешне привлекательным (по меркам эпохи) людям. Поэтому не совсем понятно, как в Кватрочетно мог появиться столь реалистичный, и, главное, человечный портрет. Классические лица XV века – это лица без тени каких-либо внутренних противоречий. И то же, в принципе, можно было бы сказать и об изображенном Гирландайо дедушке, если бы не оттягивающий на себя максимум внимания нос с бугорками. Но непривлекательность старика в сочетании с его благостным и любящим выражением лица, с обожанием смотрящий на деда внук-ангелочек – все это делает полотно на редкость гармоничным. Вот эта вот амбивалентность «на лицо ужасные, добрые внутри» появится в искусстве гораздо позже, портреты же раннего Возрождения предполагали однозначные посылы. Однако изображенная ринафима у Гирландайо – словно протест против принятой в искусстве идеализации. Впрочем, не исключено, что Гирландайо и не имел в виду ничего такого, а просто передал внешность своей модели с максимальной точностью, что и требовало ренессансное «подражание натуре». Вазари отмечает, что сходство портретов Гирландайо с оригиналом практически не имело во Флоренции себе равных. ДоменикоГирландайо Портрет Возрождение _history
2094 

13.08.2021 20:37

«Амур развязывает пояс Венеры» («Змея в траве») (версия из Эрмитажа)
1788...
«Амур развязывает пояс Венеры» («Змея в траве») (версия из Эрмитажа) 1788...
«Амур развязывает пояс Венеры» («Змея в траве») (версия из Эрмитажа) 1788 год Джошуа Рейнолдс Эрмитаж, Санкт-Петербург У картины этого английского художника есть авторские повторения в музее Джона Соуна и в галерее Тейт. Поначалу Рейнольдс хотел назвать её «Уступка» — об этом говорится в его записной книжке. Картина произвела фурор на выставке и собрала в прессе множество положительных откликов: «В наиболее прекрасной и очаровательной, Купидон развязывает пояс Нимфы. В чертах Нимфы Красота и Выразительность, а в колорите Теплота и Богатство фламандской и венецианской школ»; «Это произведение имеет большие достоинства. Шаловливая Нимфа кокетливо откинулась, то, что один глаз прикрыт рукой, придает еще большую выразительность другому»; «Нимфа и Купидон сэра Джошуа, которую мы превозносим, лучше всякой другой картины в зале. Замысел и исполнение таковы, что ни один художник, кроме него, не мог бы так написать». А. Н. Бенуа назвал картину «самой изящной» из трёх эрмитажных работ Рейнолдса.
2067 

19.08.2021 17:13


"Клевета" 1497 г. Сандро Боттичелли Галерея Уффици, Флоренция. «Клевета...
"Клевета" 1497 г. Сандро Боттичелли Галерея Уффици, Флоренция. «Клевета» (итал. Calunnia, темпера на дереве) — это работа великого итальянского художника эпохи Ренессанса Сандро Боттичелли, которая была создана им в 1495 г. По словам Джордже Вазари, картина написана автором для его товарища – Антонио Сеньи, а сам сюжет позаимствован у древнегреческого живописца. История самого оригинала такова: художник-конкурент обвиняет Апеллеса в плетении заговора против их покровителя, царя Египта Птоломея IV Филопатора, при дворе которого они пребывали. Апеллеса бросили за решетку, однако один из настоящих заговорщиков указал на невиновность художника. Птолемей реабилитировал мастера и отдал ему его соперника, Антифилоса, в качестве раба. Апеллес, будучи все еще под впечатлением от несправедливости, избрал свой способ противостояния клевете с помощью художественных средств, поэтому создал картину «Клевета». Сама она не сбереглась, однако до нас дошло детальное описание этой работы у Лукиана. Данное описание и было использовано Боттичелли при создании новой версии. По сюжету картины Боттичелли «Клевета» на троне восседает царь Мидас, «награжденный» Аполлоном ушами осла за то, что признал победителем в состязании Пана, а не его. И он прислушивается к клеветникам. Стоящие вблизи Подозрительность с Неведением шепчут что-то Мидасу на ухо, а тот обращается за поддержкой к Злобе (фигура в темной одежде). Этот персонаж, в свою очередь, ведет под руку Клевету, красивую девушку в обличье невинности, а ей плетут косу Зависть с Ложью. Клевета при этом тянет свою жертву – нагую, умоляющую о помиловании. В левой части картины мы видим фигуру Истины. Оголенная Истина указывает в небо, однако же определить правду под силу одному лишь Раскаянию – оно изображено художником в виде сгорбленной старухи, подобной плакальщице. Аллегория художника может считаться удачной только отчасти, так как фигуры, воплощающие пороки (кроме Злобы), столь же прекрасны, как и Истина. События картины Боттичелли «Клевета» происходят в просторном помещении со сводчатыми окнами в стиле XVI века. Небольшие барельефы изображают сцены из Библии и мифологии, будто бы не относящиеся к главному сюжету. Что интересно, ученые расходятся во мнениях при трактовке смысла произведения: некоторые полагают, что на создание картины Сандро Боттичелли «Клевета» спровоцировал наговор, от которого мучился живописец, а прочие увидели потаенную аллегорию суда над Савонаролой. СандроБоттичелли ЛитературнаяСцена Возрождение _history
1949 

16.09.2021 21:38

Венера Победительница
Антонио Канова
Галерея Боргезе

мраморная полуобнаженная...
Венера Победительница Антонио Канова Галерея Боргезе мраморная полуобнаженная...
Венера Победительница Антонио Канова Галерея Боргезе мраморная полуобнаженная скульптура Венеры (Афродиты) в натуральную величину, выполненная итальянским скульптором Антонио Кановой в период с 1805 по 1808 год. Моделью скульптуры была Полина Бонапарт — средняя из трёх и самая любимая сестра французского императора Наполеона. Сначала Канове было указано изобразить Полину Бонапарт полностью одетую, как целомудренную богиню Диану, но сама Полина настояла на Венере. У неё была репутация слегка распущенной женщины, и, возможно, она наслаждалась разговорами об обнаженной позе. Когда её спросили, как она могла позировать для скульптора в таком виде, Полина ответила, что в студии был камин, который согревал её, хотя этот ответ мог быть преднамеренным для создания шумихи вокруг работы.
1977 

17.09.2021 14:36

Париж, д'Орсе На картине..." />
"Рождение Венеры" Адольф Вильям Бугро, 1879 > Париж, д'Орсе На картине...
"Рождение Венеры" Адольф Вильям Бугро, 1879 > Париж, д'Орсе На картине изображено не само рождение, а перемещение Венеры в раковине из открытого моря в Пафос на Кипре. Раковина является типичным символом, сопровождающим изображения Венеры. Сюжет и композиция напоминают одноимённую картину Сандро Боттичелли, а также «Триумф Галатеи» Рафаэля. Цветовая гамма в основном светлая, в диапазоне между белым и голубым — цветами, символизирующими чистоту и божественное происхождение. Художник сделал явный акцент на фигуре Венеры, оставив других персонажей в тени. Небо на картине пасмурно, оно предвещает грозу, что может быть как символом трудностей, ожидающих любовь, символизируемую Венерой, так и просто оптическим эффектом, объясняющим, почему большинство персонажей полотна изображены в тени.
1986 

14.09.2021 00:05

Смотрите какое прекрасное и странное Воскресение Христово от Ганса Мульчера.
Смотрите какое прекрасное и странное Воскресение Христово от Ганса Мульчера. Безвременье, теплота, текучие мягкие формы, вырванная из мира сценка парит, отделенная от золотистого сияния неба забором и горами. Можно было бы в нее случайно провалиться, но от зрителей она тоже отделена - копьем на переднем плане. Все это настолько нереально, что может быть только сном. Сложно даже понять с какой точки зритель смотрит на картину. Все предметы даны в разных ракурсах. Это все, конечно, кажется слегка неумелым и неуклюжим, особенно если учесть, что картина написана в 1437 году, когда в Италии уже во всю расцветало Возрождение, хоть еще и раннее. И это не случайность - итальянское Высокое Возрождение со всеми своими Леонардо и Рафаэлями грянуло чуть позже не на пустом месте, а на хорошо подготовленной почве, базировалось на художественных исканиях сотен художников, увлеченных поиском форм, цвета, эффектов глубины, объема и композиции, захваченных новой страсть - перспективой. Так как художники и монахи (часто - одни и те же люди) порой путешествовали, они делились находками с теми, кто, как им казалось, мог разделить радость их поисков. Так эти идеи, пока не оформившиеся окончательно, но вовсе не наивные, попадали и на север Европы, например, в Германию. И новые правила воспринимались художниками в этих краях, хотя, признаться, часто не то что с неохотой, а без глубинного понимания. Тем не менее, такие мастера, как Ганс Мульчер, вроде бы старающийся следовать усвоенным новшествам, но забивающий на перспективу, передающий глубину посредством наложения фигур и мухлежа с границами форм, стали переходными между Интернациональной Готикой и пришедшим ей на смену реалистическим тенденциям. Это художник, которому было трудно, но он, очевидно, старался.
1896 

13.10.2021 19:00

Рождение Венеры
1482—1486
Сандро Боттичелли
Уффици, Флоренция

Считается, что...
Рождение Венеры 1482—1486 Сандро Боттичелли Уффици, Флоренция Считается, что...
Рождение Венеры 1482—1486 Сандро Боттичелли Уффици, Флоренция Считается, что моделью для Венеры была Симонетта Веспуччи, возлюбленная Джулиано Медичи, младшего брата флорентийского правителя Лоренцо Медичи. Считалась первой красавицей флорентийского Ренессанса, за свою красоту получила прозвище "Несравненной". Описание Бога западного ветра Зефира, чьё дыхание приносит весну, встречается у Гомера. Овидий сообщает о его жене Хлориде, обнимающей Зефира руками и ногами. Через своего соседа Джорджо Антонио Веспуччи, Боттичелли был вхож в круг интеллектуальной элиты Флоренции. Возможно, он был знаком с поэтом Анжело Полициано (1454—1494), который в одном из своих стихов описывал рождение Венеры. Также советчиком художника мог быть и философ Марсилио Фичино (1433—1499), пытавшийся объединить классическую философию с христианством. В его философской доктрине важной фигурой была Небесная Венера, которая символизировала гуманизм, милосердие и любовь, при этом её красота вела смертных на небеса.
1740 

16.11.2021 21:09

"Святой Себастьян" 1570-е Тициан Вечеллио Государственный Эрмитаж. Одна из...
"Святой Себастьян" 1570-е Тициан Вечеллио Государственный Эрмитаж. Одна из последних картин, написанных Тицианом, «Святой Себастьян» (1570-1572) ныне является жемчужиной Эрмитажа, попавшей туда в середине 1850-х годов из семейного собрания династии Барбариго. В 1585-м году, спустя почти десятилетие после кончины художника, сын Тициана Помпонио продал отцовский дом вместе со всем содержащимся там движимым и недвижимым имуществом некому Кристофоро из знатного падуанского рода Барбариго. Частью этой оптовой сделки оказался и такой шедевр, как «Святой Себастьян». Легенда о Святом Себастьяне В базилике Святого Себастьяна, расположенной в районе античных катакомб Рима, хранятся мощи легионера, капитана римских лучников, который за стойкость в исповедании веры был признан Католической церковью святым. Себастьян тайно принял христианство и приобщал к нему других язычников. За это император Диоклетиан назначил страшное наказание: легионера привязали к дереву и лучники из его когорты должны были пускать в Себастьяна стрелы, пока он не превратится, по словам одного доминиканского монаха, «в подобие дикообраза». Житие сообщает, что после этого истязания Себастьян выжил, однако был приговорен к повторной казни через побиение камнями. Его изувеченное тело обнаружила в придорожной канаве святая Лючия и предала земле близ Аппиевой дороги. Художественное своеобразие картины Тициана «Святой Себастьян» В определённом смысле «Святой Себастьян» представляет собой итог творческих исканий Тициана как величайшего колориста. Тициан мыслит не линиями, не объемами и массами, не светотенью или пропорциями, как другие художники, - он воспроизводит мир и воссоздаёт форму исключительно красками, через цвет и соотношение тонов. Тончайшие рефлексы желтого, розового, коричневого позволяют передать дыхание и трепет живой и страдающей плоти. Тревожный колорит картины, где ночь освещена языками пламени, бросающими на тело мученика капризные дрожащие отсветы, а мрачная земля сливается с апокалиптически черным небом, позволил искусствоведам увидеть в этом темном полотне «настоящую симфонию цвета». Интересно, что если в ранний и зрелый периоды творчества Тициана основным носителем цвета выступали ткани и предметы интерьера, то в поздний период главным ретранслятором красочного звучания становится человеческое тело, беззащитное и прекрасное в своей наготе. Поза Себастьяна, привязанного к дереву, но не сломленного, не утратившего достоинства и даже перед лицом надвигающейся смерти не открекшегося от Христа, выражает глубокую веру Тициана в стойкость человеческого духа. ТицианВечеллио РелигиознаяСцена Возрождение _history
1778 

05.11.2021 21:37


Марк Шагал День Рождения 1915 М.З.Шагал (1887-1985) - русский и французский...
Марк Шагал День Рождения 1915 М.З.Шагал (1887-1985) - русский и французский художник еврейского происхождения, один из самых известных представителей художественного авангарда XX века. Помимо графики и живописи, Марк Захарович создавал мозаики, витражи и скульптуры, занимался сценографией и писал стихи. Рождение произведения перекликается с появлением великой любви в жизни художника. Сюжет – полет автора с супругой Беллой – повторяется и в других его работах. Главного героя полотна, мужчину, в котором угадывается сам художник, настолько переполняет светлое чувство любви, что земное притяжение больше не властно над ним. Женщина запрокидывает голову, тянется к любимому человеку, нежно приникая к нему щекой. За окном их тесной квартирки широкий проспект – символ дороги жизни, на которую пара ступает вместе. Найти объяснение тому, что во многих работах Шагала его герои парят, зависнув в воздухе, стремился ни один критик. Это стало своеобразной отметкой стиля, отличительной чертой живописца. Но если бы фигуры не были так искажены, работа могла бы и не привлечь внимание публики. Такая причудливая манера заставляет зрителя вглядываться в скрупулезно прописанные детали изображения, погружаясь в фантастический мир художника. художник МаркШагал галерея настроение искусство лебедиЛеонардо арт деньрождения любовь вневремени
1780 

14.11.2021 13:11

Еще одна загадка картины, на которую часто указывают, - это то, что у Адама...
Еще одна загадка картины, на которую часто указывают, - это то, что у Адама пупок. Зачем первому человеку, рожденному без матери, понадобился пупок? Было ли это упущением со стороны гения или еще одним намеком на его истинные убеждения? Тень позади Адама удивительно похожа на женскую грудь, соски и все такое. Были ли у Микеланджело сомнения относительно божественного сотворения человечества? К сожалению, только сам художник мог ответить на эти вопросы, и он давно умер, оставив нам только строить догадки и догадки. Некоторые утверждали, что вместо мозга форма, окружающая Бога, - это матка, а пуповина - это Его рука, протянувшаяся и дающая жизнь Адаму. Ангелы, даже Иисус, не очень рады видеть Адама. Возможно, они завидуют человеку или имеют дальновидность, чтобы увидеть, какие проблемы создаст Его новое любимое творение. И сам Адам, похоже, не очень заинтересован в установлении связи со своим создателем. Его тело расслаблено и пассивно, и он прилагает минимальные усилия, чтобы протянуть руку к Богу, который, кажется, борется с сильным ветром, чтобы добраться до Адама, используя всю свою силу. Что означает это несоответствие? Что Бог хочет, чтобы мы пришли к нему? Все, что для этого требуется, - это малейшая попытка установить контакт с божественным? Первоначально потолок Сикстинской капеллы был окрашен в синий цвет с золотыми звездами, но в 1508 году папа Юлий II поручил Микеланджело перекрасить его. Великий художник опасался браться за такой большой проект и подозревал, что его ждут неудачи. После того, как он сначала отклонил приказ нарисовать только двенадцать апостолов, Папа смягчился и предоставил Микеланджело полную свободу действий, чтобы спроектировать потолок так, как он хотел. Всего мастер нарисовал 460 квадратных метров фресок и более 300 фигур, изображающих творение, Адама и Еву, а также Великий потоп. Он также нарисовал Страшный суд, основанный на Книге Откровений, покрывая всю стену за алтарем. Являясь единственным истинным соперником да Винчи за звание «архетипичного человека эпохи Возрождения», Микеланджело затмил всех своих соперников - внутри церкви и за ее пределами - этим поистине изменяющим мир шедевром, влияющим на популярную и религиозную культуру по сей день. Микеланджело РелигиознаяСцена Возрождение _history
1522 

14.01.2022 21:37

"Реквием" 1905 г. Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов Государственная...
"Реквием" 1905 г. Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов Государственная Третьяковская галерея. «Реквием» Борисова-Мусатова сравнивают с «Реквиемом» Моцарта. Как оказалось, художник его тоже написал себе самому. Впрочем, создавал он эту акварель, будучи глубоко взволнован смертью Надежды Станюкевич, жены его друга, бывшей одной из его немногочисленных моделей. «Что же это, как не доведение собственной жизни до религии?» – воскликнул Владимир Станюкевич, увидев эту работу. Надежда Станюкевич напоминала художнику возлюбленную Джулиано Медичи Симонетту Веспуччи, с которой написана легендарная картина Боттичелли «Рождение Венеры». В каком-то смысле художник подтолкнул ее к гибели, вернее, не удержал от рокового шага. Ее муж, Владимир Станюкевич, был призван на фронт, в военный госпиталь, как военный врач. Надежда хотела отправиться с ним в качестве сестры милосердия. Супруги приехали к Борисову-Мусатову, Владимир надеялся, что тот поможет ему отговорить жену, которая обладала слабым здоровьем. Но художник восторженно воспринял готовность Надежды Станюкевич следовать за мужем и ее самопожертвование. Увы, ни к чему хорошему это не привело. В госпитале было очень тяжело и физически, и морально. Надежда просто не выдержала и сломалась в этой обстановке. Ее перевезли в Москву. Оказалось, что она не только ослабла, но и основательно пошатнулось ее душевное здоровье. Надежда Станюкевич попала в лечебницу для душевнобольных доктора Усольцева (кстати, в это же время там находился Врубель). Борисов-Мусатов часто навещал ее, она умерла практически на руках у своего друга. На посвященной ей акварели мы видим прозрачные, почти призрачные фигуры восьми печальных женщин. В центре – сама Надежда Станюкевич. Ее образ соединяет две группы девушек. Она «уже не здесь, но еще не там», между жизнью и – смертью? иной жизнью? Большинство исследователей считает, что в этих восьми фигурах воплотились его три главные натурщицы. Помимо Станюкевич, там фигурируют жена и сестра Борисова-Мусатова. Облик жены безоговорочно опознаваем в повернутой в профиль высокой фигуре слева. Рядом с ней, похоже, сестра художника Лена. Замыкает цепочку слева еще одна фигура, в которой можно опознать саму Надежду Станюкевич. Впрочем, есть и другая версия. Изображенные на акварели женщины вызывают в памяти разные картины Борисова-Мусатова, «Реквием» – словно своеобразный «коллаж» из его героинь. Все они имели свои прообразы, иногда конкретные, иногда – смутно угадываемые. Скорее уместно говорить о том, что все женщины этой акварели воплощают в разных ипостасях некий женский обобщенный образ в творчестве Борисова-Мусатова. Всем работам художника присуща особая музыкальность, мелодичность, и эта картина – не исключение. Один из исследователей провел тонкую аналогию: отличающиеся по росту, расположенные на разных уровнях вокруг центральной фигуры, эти девушки – словно ноты на импровизированном нотном листе. Без труда опознается место действия, это любимая Борисовым-Мусатовым усадьба в Зубриловке. И здесь не обошлось без мистики – реквием написан и по усадьбе, хотя тогда художник не мог об этом знать. За неделю до его смерти взбунтовавшиеся крестьяне разгромили имение. Многие считают, что «Реквием» – последняя картина Борисова-Мусатова. Это не так. Но, безусловно, эта акварель оказалась очень символична и стала реквиемом не только по близкому другу, но и по столь милой его сердцу усадьбе, и по нему самому. После смерти Борисова-Мусатова была организована посмертная персональная выставка, чтобы помочь его семье. Но расставаться с «Реквиемом» жена не захотела. Она всегда возила с собой эту картину при любых перемещениях. Однажды Елена попала в сильный шторм на Черном море. Упакованная в специальный чемоданчик картина оказалась единственным не поврежденным предметом на борту. Но, опасаясь, что следующий подобный случай может быть не столь удачным, вдова художника приняла решение подарить картину Третьяковской галерее. БорисовМусатов Символизм _history
956 

06.06.2022 20:37

​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.
 
Начиная с 10...
​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.   Начиная с 10...
​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.   Начиная с 10 июня под открытым небом будет демонстрироваться уникальный контент — фильмы, недавно вышедшие в прокат и вызвавшие интерес у публики.   Покажут и ролики победителей конкурса «Миры Тарковского». За расписанием сеансов в летнем кинотеатре можно следить на сайте   Вход бесплатный при регистрации ️Фестиваль креативных индустрий НИУ ВШЭ Telling Stories пройдет в Казани 11 июня.   Посетителей ждут бесплатные лекции, выставка и концерты.   Проект посвящен инновациям, трендам и образованию в сферах кино, новых медиа, игровой индустрии, маркетинга и коммуникаций, искусства, дизайна и моды. Регистрация и программа   ️10 июня на ВДНХ откроется мультимедийная выставка-погружение «Петр Великий. Рождение империи».   ️Шестой международный театральный фестиваль под открытым небом «Толстой» пройдет в музее «Ясная Поляна». Даты будут объявлены позднее.   От автора: Была в «Ясной Поляне» и до сих пор чувствую запах яблок и то впечатление, будто время остановилось. Усадьба у Льва Николаевича необъятна. Невероятно, но музей был основан в 1921 году. А саму усадьбу прадед Льва Толстого князь Сергей Волконский купил в 1763 году. В своем доме Лев Толстой родился и прожил более 50 лет. Именно здесь он написал свои главные труды.   Читала, что Лев Николаевич сам насажал большой яблочный сад: более 7800 деревьев. Софья Толстая писала: «Взглянешь в окно в сад и всякий раз поразишься этим воздушным белым облакам цветов в воздухе, с розовым оттенком местами и со свежим зеленым фоном вдали». Сейчас в яблочном соду можно найти 30 различных сортов яблок. Посмотрите это чудесное видео и навестите «Ясную Поляну» этим летом   Фото: Дом Льва Николаевича Толстого, Предоставлено пресс-службой фестиваля https://telegra.ph/file/db1fccc49e08b32606da6.jpg
909 

08.06.2022 22:49


"Любовь небесная и любовь земная" 1518 г. Тициан Вечеллио Галерея Боргезе...
"Любовь небесная и любовь земная" 1518 г. Тициан Вечеллио Галерея Боргезе, Рим. Одна из наиболее известных и в то же время одна из самых загадочных картин Тициана Вечеллио. Предыстория: для кого и с какой целью Тициан создал картину «Любовь небесная и любовь земная» Однажды на пороге дома Тициана появился высокопоставленный венецианский царедворец Николо Аурелио. Он работал в Consiglio dei Dieci – так называемом Совете Десяти, коллегиальном органе, избираемом ежегодно в Венеции из ста наизнатнейших патрициев. Совет Десяти был своего рода службой республиканской безопасности, отвечал за неприкосновенность политического строя Республики святого Марка и даже имел свою разветвлённую сеть шпионов. А Николо Аурелио был его бессменным секретарём, отвечая за все важнейшие государственные бумаги, предоставляемые дожу на подпись. Дело, которое заставило его обратиться к Тициану, было весьма деликатным. Пожилой Аурелио замыслил жениться на молодой вдове. Но для чиновника такого ранга это был рискованный шаг. Во-первых, отец невесты был казнён в Падуе за военное предательство Республики. А во-вторых, люди ведь могут подумать, что Николо привлекла не сама вдовушка, а оставленное её покойным мужем наследство – вдова действительно была сказочно богата. Нужна картина, которая подчеркнула бы возвышенный, а не грубо-материальный и не низменно-плотский характер любви Аурелио. Джорджоне не справится, слишком легкомысленный. Оба Беллини избалованы славой, с ними лучше не связываться. Только Тициан, с присущей ему рассудительностью и мудростью, сможет предложить какой-нибудь подходящий аллегорический сюжет, и тогда картина станет достойным свадебным подарком для невесты венецианского царедворца. Самого Тициана, переживавшего тогда бурный роман со значительной младшей его Виолантой, также волновала этическая коллизия между добродетелью и сладострастием, которая и была положена в повествовательную основу картины «Любовь небесная и любовь земная». Именно с Виоланты, своей возлюбленной, Тициан напишет обе женские фигуры картины, олицетворяющие две ипостаси любви – профанную (земную) и сакральную (небесную). Символика картины «Любовь небесная и любовь земная» Существует обширная литература, описывающая сложные символы в основе картины Тициана – от воззрений на сущность любви Платона и неоплатоников до аллюзий на книгу кардинала Пьетро Бембо «Азоланские беседы», посвященную Лукреции Борджиа. Широкоформатная горизонтальная композиция строится на двух незримых диагоналях, которые сходятся где-то в районе руки купидона. Сидящая слева женщина в пышном голубом платье олицетворяет целомудрие, она словно задумалась о чем-то, в то время как другая женщина, ее обнажённое alter ego, курящая фимиам из черной плошки, как будто склоняет её отдаться земной, всесокрушающей страсти. Эту же этическую дилемму символизируют барельефы – конь ассоциируется с неудержимостью страсти (так же как и пара зайцев на втором плане, символ плодовитости), а рядом изображается сцена побиения кнутом за плотские грехи. Просветленный и торжественный колорит, парадоксальное примирение чувственного и возвышенного начал делают «Любовь небесную и любовь земную» настоящим гимном женской красоте. ТицианВечеллио Возрождение _history
873 

17.06.2022 20:37

Афродита Анадиомена (др.-греч. Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, «выныривающая, выходящая из...
Афродита Анадиомена (др.-греч. Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, «выныривающая, выходящая из...
Афродита Анадиомена (др.-греч. Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, «выныривающая, выходящая из моря») — эпитет богини Афродиты, рождающейся из морской пены и выходящей на сушу, и иконографический тип её изображения в этот момент. Данная иконография прославилась во времена Античности благодаря несохранившейся картине Апеллеса и неоднократно повторялась мастерами последующих эпох. Варианты её названия: Афродита Анадиомена, Венера Анадиомена, Рождение Венеры, Venus Marina. Иконографический тип изображения рождающейся Афродиты, включал, таким образом, следующие элементы, которые могли использоваться в различных комбинациях: обнажённая богиня, морское побережье, вода, волны, пена, выжимание богиней своих мокрых волос, ракушка — одновременно средство передвижения и символ вульвы, то есть рождения и любви (ср. йони), атрибуты морской стихии — напр. дельфины, нереиды, помощники богини — служанки, оры, хариты, ветра (Борей, Зефир, проч.), купидоны.
881 

14.06.2022 03:27

Лунная ночь
1898
Аксели Галлен-Каллела
ГМИИ им. А.С. Пушкина

Стиль...
Лунная ночь 1898 Аксели Галлен-Каллела ГМИИ им. А.С. Пушкина Стиль...
Лунная ночь 1898 Аксели Галлен-Каллела ГМИИ им. А.С. Пушкина Стиль художника Аксели Галлен-Каллела — финский художник шведского происхождения, наиболее известен по иллюстрациям к Калевале. Он писал монументальные панно, посвященные героям карело-финского эпоса. В его произведениях сочетались символическая трактовка образов, четкость изображения деталей с броскими цветовыми и композиционными ритмами. Важное значение в его сюжетных композициях играли пейзажные фоны. Создавал Галлен-Каллела и чистые пейзажи, в которых он часто представлял обобщенный цикл человеческой жизни-смерти вкупе с рождением-умиранием природы. Переезд В 1894 году Галлен-Каллела переехал в построенный им деревянный дом в Калеле, на берегу озера Руовеси в центральной Финляндии. Изображенный фрагмент деревянной постройки в пейзаже «Лунная ночь» имеет большое сходство с террасой дома художника. Можно предположить, что на картине представлено озеро Руовеси. Галлен-Каллела неоднократно писал виды с террасы своего дома. Особенности северного символизма Данный пейзаж в полной мере воплощает особенности северного символизма, где новые принципы изобразительного языка не только не противоречили традиционной реалистической манере, но и успешно уживались с ней в рамках одного произведения. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
787 

06.07.2022 17:13

"Волна" 1902 г. Франтишек Купка Галерея изобразительных искусств, Острава.
"Волна" 1902 г. Франтишек Купка Галерея изобразительных искусств, Острава. «Волна» написана в Париже, в этот период Купка следовал символистской традиции. Изображенная среди бушующей стихии девушка кажется частью самой стихии. Символизм картины построен на контрастах: вода и камень, неподвижное и ни на мгновенье не останавливающееся, хрупкость и мощь. И на сопоставлениях: женщина и волна, развевающаяся одежда и летящие брызги воды, небрежно собранные в пучок волосы и изогнутые гребни волн, едва прикрытое тело и девственная красота природы. Женщина кажется порождением и продолжением стихии, а эротизм полуобнаженного тела звучит в унисон с захлестывающими это тело волнами – воды? стихии? желания? На картине изображен не разгул стихии, а скорее, стихия, которая вот-вот может развернуться в полную силу. И тогда не только волны взовьются до небес, но и женщина выпрямится и распустит волосы (а у символистов волосы олицетворяют стихию чувственной любви). Женщина и вода – ответы на вопрос «откуда появилась жизнь», они обе стоят у истоков. В период написания этой акварели художник создает графическую серию «Голоса тишины», которая открывается офортом «Начало жизни». В нем максимально отражено единство женщины и стихии воды: водяные лилии и человеческий эмбрион, плавающий в круге света, соединенном пуповиной с цветком. Как и «Волна», эта гравюра апеллирует к образно-символическому ряду божественного и одновременно стихийного аспекта женщины. Франтишек Купка всю жизнь пытался решить задачу соединения видимого и непознаваемого, воплотить «вечное космическое движение». Позже он будет делать это посредством абстрактных картин, а в картине «Волна» решает вопрос, сопоставляя женский образ и природную стихию. Летящая в небе чайка создает некую вертикаль, словно выход в космические энергии (не забываем, что Купка с подросткового возраста состоял в спиритическом обществе и всю жизнь интересовался эзотерикой). О чем же «хотел сказать художник»? Пожалуй, обо всём сразу, потому что эти интерпретации прекрасно дополняют друг друга. И единство стихии и женщины, и противопоставление человека и сил природы, и хрупкое vs мощное, и сексуальное желание, и единство космических и земных энергий. ФрантишекКупка Символизм _history
772 

15.07.2022 20:37

«Каждая несчастливая семья несчастлива по-своему» Была ли довольна своей...
«Каждая несчастливая семья несчастлива по-своему» Была ли довольна своей участью новоиспечённая герцогиня урбинская? Представим, как она оказалась в поражающем воображение великолепном замке, построенном харизматичным Федериго, которого ей не довелось застать. Его проектировал архитектор Лаурана и лучшие инженеры своего времени, а консультировал строительства сам Леон Баттиста Альберти. Замок был необыкновенной красоты и функциональности: висячие сады, залы, оформленные знаменитыми художниками, инкрустированный кабинет хозяина, грандиозный тронный зал для приёмов, а еще небывалый по тем временам уровень бытовых удобств – водопровод с системой повторной очистки воды, кухня и ледник, уборные, которые отапливались так же, как термы Древнего Римаю. Всё это было чрезвычайной роскошью для своего времени. Когда французский философ Монтень, путешествуя, попал в Урбино, он поразился масштабам дворца Монтефельтро и зафиксировал в путевых заметках, что комнат и залов там не меньше, чем дней в году. Но семейная жизнь Элизабетты не заладилась с самого начала. Довольно скоро она разочаровалась в супруге. Болезненный Гвидобальдо (помимо смещения позвонков, он страдал тяжелой формой подагры – врождённого дефекта обмена веществ, поражающего суставы) не был способен зачать наследника. Их брак оставался бездетным. Возможно, поэтому Элизабетта нежно опекала подрастающего Рафаэля. Не столько потому, что предвидела будущие успехи – скорее по благосклонности к его родителям: грациозная Маджия, мать Рафаэля, была украшением свиты герцогини, его отец Джованни – не только художником и декоратором, но и устроителем всякого рода развлечений при дворе, в том числе так любимых всеми рыцарских турниров. В 8 лет Рафаэль потеряет мать, и общество образованной, умной, изысканно любезной Элизабетты, герцогини Урбинской будет способствовать его образованию и развитию у него вкуса к поэзии, восприимчивости к прекрасному. Когда у второй жены Джованни Санти родится дочь, Элизабетта Гонзага согласится стать крёстной матерью, так что в её честь сводную сестру Рафаэля тоже будут звать Элизабеттой. При всем при том преданность Элизабетты мужу не вызывала сомнений. В 1497-м году Урбино окружили отряды Чезаре Борджиа. Разбитый подагрой Гвидобальдо командовал обороной города, отстаивая независимость Урбино. Из-за сильных болей он мог передвигаться только на носилках, и однажды у крепостных стен герцога похитили головорезы Борджиа и потребовали за него фантастический выкуп. Чтобы спасти мужа, Элизабетта, скрывавшаяся в это время в Мантуе, распродала свои драгоценности и заложила наследственные земельные наделы, а когда и этого оказалось мало, взяла в банке кредит под непомерный процент. Только благодаря её усилиям полуживой герцог вернулся домой. А коварный Борджиа, вернув Гвидобальдо, продолжал беспардонно троллить его, называя «дорогим итальянским братом» и присылая подарки с подтекстом: раз это оказался серебряный бочонок с устрицами – известным средством для поднятия потенции, во другой раз – античные скульптуры Венеры и Эроса. Смысл их был очевидно издевательский. Все знали об интимной беде семьи Монтефельтро. Родня пыталась склонить Элизабетту к разводу с постылым мужем и более выгодному союзу – герцогиня не поддалась.
661 

13.08.2022 19:12

А что же Рафаэль?

Рафаэль уедет в Перуджу, потом во Флоренцию и, наконец, в...
А что же Рафаэль? Рафаэль уедет в Перуджу, потом во Флоренцию и, наконец, в...
А что же Рафаэль? Рафаэль уедет в Перуджу, потом во Флоренцию и, наконец, в Рим, но с радостью будет время от времени приезжать в Урбино (хотя там давно уже не будет в живых его родителей) именно потому, что ему нравилась атмосфера герцогского двора, во много определяемая личностью Элизабетты. Друг Рафаэля, писатель и дипломат Бальдассаре Кастильоне посвятит Элизабетте свой знаменитый трактат «Придворный». Гуляка Бальдассаре с пиететом напишет о герцогине Урбинской, что «целомудрие и достоинство присуще даже её шуткам и смеху». (Существует версия, что Кастильоне, уезжая в 1506-м году в Англию с дипломатической миссией, взял с собой портрет Элизабетты, так как был в неё влюблён. Чтобы не компрометировать герцогиню, портрет скрыли от досужих глаз под поверхностью зеркала. Смотрясь в него, Кастильоне мысленно сопрягал своё отражение с изображение возлюбленной. Тонкая черная рамка, по мнению некоторых ученых, доказывает, что это именно тот портрет, который увёз с собой Бальдассаре). По другой версии, этот портрет 33-летняя герцогиня заказала Рафаэлю с целью отправить в подарок своей подруге Изабелле д'Эсте, еще одной незауряднейшей (хотя и изводившей своими капризами Леонардо и Тициана) женщине своей эпохи, которую называли la Primadonna del Rinascimento – примадонной Ренессанса. Она приходилась Элизабетте невесткой – Изабелла была замужем за её братом. Элизабетта на портрете одета в чёрное платье с геометрическим золотым орнаментом. Черный и золотой выбраны неслучайно: это геральдические цвета Урбино. Из украшений на герцогине золотые цепочки и аксессуар в виде скорпиона с драгоценным камнем на лбу. Смысл его неясен. Предполагают, что скорпион имеет отношение к эзотерической науке мелотезии (части медицинской астрологии), связывающей знаки зодиака с определёнными частями человеческого тела. Скорпион, что характерно, в этой системе отвечает за половые органы. Рафаэль не пишет портреты Элизабетты и Гвидобальдо в профиль, лицом к лицу (как поступил когда-то Пьеро делла Франческо с парным портретом родителей Гвидобальдо), и не располагает их в трёхчетвертном развороте, обращёнными друг другу (хотя примерно в то же время именно так Рафаэль написал супружескую чету Аньоло и Маддалену Дони). Художник изображает герцога и герцогиню урбинских строго анфас. Это придаёт их изображениям странную неподвижность и отчуждённость друг от друга. «В этом диптихе супружеской пары, – пишет биограф Рафаэля Александр Махов о портретах Гвидобальдо и Элизабетты, – молодому портретисту удалось тонко передать непростые отношения, связывающие эту бездетную правящую чету, не познавшую взаимной привязанности, не говоря уже о любви. Некрасивое лицо умной 33-летней Елизаветы отражает неизбывную тоску по чувству материнства, которое ей не довелось познать. Что же касается портрета её более молодого супруга, то это само выражение слабоволия и скрытой хвори, истачивающей червем его плоть. В отличие от своего волевого отца молодой правитель Урбино был человеком мягким и нерешительным. Он слабо разбирался в людях и обычно на руководящие должности назначал тех, кого советовала жена, игравшая роль умной и заботливой супруги-матери». На 6 лет Элизабетта Гонзага (1471-1526) переживёт Рафаэля (1483-1520) и на целых 18 – своего мужа Гвидобальдо (1472-1508), в браке с которым ей нередко приходилось жить разлуками и чувствовать одиночество. В далёкую Россию, на выставку «Рафаэль. Поэзия образа» (сентябрь – декабрь 2016) в Государственном музее изобразительных искусств им. Пушкина, Элизабетта тоже приехала без Гвидобальдо, портрет которого остался ждать её в Уффици. РафаэльСанти Портрет Возрождение _history https://t.me/pic_history2/299
664 

13.08.2022 19:12

"Мадонна Оньиссанти" 1300-е Джотто ди Бондоне Галерея Уффици...
"Мадонна Оньиссанти" 1300-е Джотто ди Бондоне Галерея Уффици, Флоренция. «Мадонна Оньиссанти» («Мадонна на троне», «Маэста») – единственный сохранившийся до наших дней алтарный образ Джотто. В отличие от других известных работ художника, «Мадонна Оньиссанти» не фреска, а картина, написанная на деревянной основе водными красками. Она создана в промежутке между 1306 и 1310-м годами для флорентийского Собора Всех святых – по-итальянски «Оньиссанти» – и сохранила за собой это название, даже когда была перемещена в другое место. Ровно через 500 лет, в 1810-м году, «Мадонну Оньиссанти» перевезли из собора в галерею Флорентийской Академии, а в 1919-м она перебралась в галерею Уффици, где и представлена в настоящее время. Считается, что «Мадонна Оньиссанти» – единственный подлинник Джотто в музеях мира. Дело в том, что большинство сохранившихся работ Джотто – это фрески в итальянских храмах. Деревянные панели, приписываемые художнику, в национальных галереях Лондона и Вашинготона – спорные работы, скорее принадлежащие не лично Джотто, а художникам его мастерской. Горячо дискутируется и принадлежность Джотто луврских панелей «Проповедь св. Франциска птицам» и «Утверждение францисканского закона». В одном зале галереи Уффици с «Мадонной Оньиссанти» представлена другая выдающаяся работа – «Мадонна во славе» флорентийского художника Чимабуэ, учителя Джотто. Они располагаются друг напротив друга, и этим невольно настраивают посетителя на сопоставление. Картины разделяет примерно 25 лет. Обе относятся к одному и тому же иконографическому типу – «Маэста» («Мадонна на троне», «Прославление Богоматери») и сопоставимы по исторической и художественной ценности. И все-таки их внимательное и вдумчивое сравнение показывает, сколь разительные перемены произошли в итальянском изобразительном искусстве в течение всего четверти столетия и насколько новая проторенессансная манера Джотто отличается от традиционной готической стилистики Чимабуэ. «Мадонна» Чимабуэ имеет характерные для византийской живописи вытянутые пропорции: длинные пальцы, тонкий удлиненный нос, узкое лицо, продолговатые скорбные глаза. Это иконописный лик – прекрасный и бесплотный. «Мадонна» Джотто и похожа на «Мадонну Чимабуэ» (она так же восседает на троне с младенцем Христом на руках в окружении ангелов), и в то же время – разительно не похожа. Дева Мария, которую изображает Джотто, отнюдь не бесплотна. У неё широкие плечи, крепкая шея с реалистичными продольными полосками, лицо с румянцем. Губы Девы Марии слегка приоткрыты, а тонкая ткань платья очерчивает развитую грудь – это грудь и стать кормящей матери, скорее земной женщины, чем бестелесной Мадонны. Человеческая фигура у Джотто становится более осязаемой и округлой, чем на иконах. Необычайно красивы коленопреклоненные ангелы у подножия трона. Младенец – весом и круглолиц. Джоттовское изображение очень отличается от византийского канона, его характер – более земной и более интимный. Обе Мадонны – и Джотто, и Чимабуэ – окружены фигурами. Но Чимабуэ просто даёт их одну над другой, в то время как Джотто сообщает изображению подобие перспективы, добивается большей скульптурности, пытается передать трёхмерность пространства. Искусствовед Паола Волкова так описывает «Мадонну» Джотто: «На красивом инкрустированном троне (инкрустация мрамором как раз входила в моду) сидит женщина – широкоплечая, мощная, молодая, с румянцем во всю щеку. Она крепко держит крепкого младенца. Прекрасная белая рубашка подчеркивает её телесность, её мощь. И она спокойно смотрит на нас. В её лице нет страданий: оно полно высокого человеческого достоинства и покоя. Это уже не икона Богородицы – это Мадонна в позднем итальянском понимании: и Мария, и Прекрасная Дама». ДжоттоДиБондоне РелигиознаяСцена Возрождение _history https://t.me/pic_history2/300
643 

14.08.2022 20:37


​​️Президентский фонд культурных инициатив выделил 20 млрд рублей на музейные...
​​️Президентский фонд культурных инициатив выделил 20 млрд рублей на музейные...
​​️Президентский фонд культурных инициатив выделил 20 млрд рублей на музейные проекты в 2023–2024 годах. Прием заявок на первый конкурс 2023 года начнется в октябре. ️Галерея Уффици подала судебный иск против французского модного дома Jean Paul Gaultier из-за использования образа со знаменитой картины Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» в последней коллекции бренда ️Скверу у главного входа в ГМИИ им. Пушкина присвоено имя Ирины Антоновой. ️Госдума приняла правительственный законопроект, устанавливающий критерии для определения значимости объектов культурного наследия. ️Французский художник Филипп Паррено спроектировал сцену для показа Louis Vuitton на Неделе моды в Париже. Паррено стал не единственным художником, приглашенным для сотрудничества на Неделю моды. Испанский художник Сантьяго Сьерра спроектировал залитый грязью подиум для показа Balenciaga, а Ёситомо Нара разработал для Стеллы Маккарти сцену с цветными блоками в Центре Помпиду. https://telegra.ph/file/65eefb6636c51eb499f7e.jpg
64 

10.10.2022 18:37

Zara, H&M, levi’s, Adidas, Decathlon, Nike


Zara, H&M, levi’s, Adidas, Decathlon, Nike, Pull&Bear, Bershka, Mango, Oysho и многие другие любимые бренды снова доступны для Вас по приятным ценам!

Супер качество и адекватные цены !!!
По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru