Назад

Сальвадор Дали (1904-1989) «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за...

Описание:
Сальвадор Дали (1904-1989) «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» 1944 холст, масло. 51х41 см Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания сальвадор_дали

Похожие статьи

Картины Дино Валлса
Дино Валлса называют реинкарнацией легендарного Сальвадора...
Картины Дино Валлса Дино Валлса называют реинкарнацией легендарного Сальвадора...
Картины Дино Валлса Дино Валлса называют реинкарнацией легендарного Сальвадора Дали, который на этот раз решил уделить смысловой составляющей наибольшее внимание. Работы Валлса отличаются особой глубиной и серьезностью. Провоцирующие и яркие, они оставят безразличным только самого черствого зрителя. Дино родился в 1959 году в Испании. В 1982 году он защитил диплом по медицине и хирургии. Этот факт биографии пронизывает множество работ художника, в которых с удивительной точностью демонстрируются анатомические особенности человека. Дино Валлса вряд ли можно назвать спонтанным художником, поскольку каждая картина тщательно спланирована. Все – от материалов, которые будут изображены, до формы холста – результат последовательных размышлений Дино.
5515 

18.02.2021 13:09

Карильон (карийон, фр. carillon)

Карильон - очень редкий инструмент. Он...
Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он...
Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он состоит из многочисленных колоколов, настроенных по хроматическому ряду, с диапазоном от двух до шести октав, которые играющий может приводить в действие, используя педали и рычаги. Звучание его зависит от формы колоколов, сплава, из которого они отлиты, материала и веса колокольных языков, акустики колокольни. Ну, и от качества настройки, разумеется. Этот инструмент постоянно проигрывал в борьбе за место в церкви органу или фортепьяно, но это не мешало ему производить большое впечатление. Риверсайдский карильон находится в церкви в Нью-Йорке и был подарен церкви семьёй Рокфеллеров. Он включает в себя 74 колокола, самый массивный из которых весит 20 тонн. Это самый большой карильон в мире, он весит более 100 тонн, что делает его одним из самых больших когда-либо построенных музыкальных инструментов.
5528 

18.02.2021 18:30

​​️С 26 февраля в Галерее Алины Пинской откроется выставка «Артефактов...
​​️С 26 февраля в Галерее Алины Пинской откроется выставка «Артефактов...
​​️С 26 февраля в Галерее Алины Пинской откроется выставка «Артефактов» Франциско Инфанте и Нонны Горюновой.   ️HBO анонсировал сериалы и документальные фильмы 2021 года ️Эрмитаж и Cartier представляют выставку отреставрированных шедевров. Пять лет «дружбы домами» Эрмитажа и Cartier: российский музей и французская ювелирная фирма создали уникальную реставрационную программу, итоги которой показывают на выставке. ️Третьяковская галерея запустила новый интерактивный цифровой проект «Моя Третьяковка». Учить русское искусство можно теперь бесплатно, любуясь на 1096 выложенных шедевров! Фото: Крамской Иван, Неизвестная, 1883, Поступило от Народного комиссариата иностранных дел (ранее собрание П.И. и В.А. Харитоненко), ГТГ. https://telegra.ph/file/04b071d52c0a30ab832b7.jpg
5621 

22.02.2021 20:34

​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает...
​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает...
​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает исследование Кураторы Национального музея Норвегии пришли к выводу, что автором загадочной надписи, спрятанной на самой знаменитой картине Эдварда Мунка «Крик», был сам художник. Экспертам уже давно известно, что в верхнем левом углу есть мрачная фраза «Могло быть написано только сумасшедшим», но они не могли определить её происхождение. Надпись карандашом была добавлена на картину лишь через несколько лет после её завершения в 1893 году. Поэтому многие думают, что её сделал не художник, а кто-то другой. По словам куратора музея Маи Бритт Гуленг, некоторые эксперты даже считали, что это мог быть акт вандализма. «В 1904 году искусствовед и помыслить не мог, что подобную надпись на поверхности своего полотна мог сделать сам художник», — говорит Гуленг. Тексты на картинах — явление нередкое в истории искусства, если вспомнить о средневековых свитках или плашках на портретах. Однако этот едкий комментарий имеет совсем иную природу. «Эта надпись — не объяснение мотива, как в подобных случаях. Это замечание о психическом здоровье автора, а искусствовед никогда не ожидает, что художник сделает его сам», — поясняет куратор. Исследование надписи проходило в преддверии переезда картины в новый дом — Национальный музей Норвегии. Эксперты просветили картину инфракрасными лучами и сравнили почерки на полотне и в записных книжках Мунка. Всё указывает на то, что автором тревожной надписи был всё же сам художник. Искусствоведы полагают, что Мунк мог нацарапать «дополнение» к картине в ответ на критику, сопровождавшую первое представление работы норвежской публике в 1895 году. Глубокое состояние тревоги, которое вызывает эта композиция, заставило критиков бурно обсуждать душевное состояние художника. Некий студент-медик дошёл до того, что на примере картин доказывал, что Мунк не в своём уме — и это происходило во время дискуссии, на которой присутствовал сам автор. Глубоко задетый этим обвинением в психическом нездоровье, художник снова и снова возвращался к этому инциденту в разных письмах и заметках. «Мунк был сложным человеком, и причина, по которой он написал это, вероятно, столь же сложна, — говорит Гуленг. — Он стремился провоцировать публику, но в то же время хотел, чтобы его уважали. Для него было важно контролировать историю о Мунке как лично для себя, так и для общественности». новостиИОК https://telegra.ph/file/c4f6370073bf4e44fdd28.jpg
5487 

23.02.2021 20:36

​​️Еврейский музей и фуд-корт «Брикет Маркет» приглашают на праздник Пурим.
​​️Еврейский музей и фуд-корт «Брикет Маркет» приглашают на праздник Пурим.
​​️Еврейский музей и фуд-корт «Брикет Маркет» приглашают на праздник Пурим.   ️В «Гараже» 02 марта пройдет презентация комикса о беженцах «Бежать нельзя остаться». Регистрируйтесь скорее! Тема важная.   ️На Охтинском мысе в Санкт-Петербурге планируют создать музей-заповедник и археологический парк «Допетровский Петербург».   Многие исследователи сравнили недавние археологические находки на Охте с открытием Трои.   ️В Кемерево построят музейно-театральный комплекс — Сибирский кластер искусств.   У здания будет три главных обитателя: ️Театр оперы и балета со зрительным залом на 950 человек — в статусе филиала петербургского Мариинского театра; ️Музейный комплекс, филиал Государственного Русского музея; ️Кузбасский центр искусств.   Самоирония — признак интеллектуальности:   ️Надписи в верхнем углу картины «Крик» сделал сам Эдвард Мунк. Исследование проведено Национальным музеем Норвегии.   Мунк написал карандашом на картине — «могло быть нарисовано только сумасшедшим» Ученые предполагали возможность вандализма, но — нет. Возможно, художник добавил эту надпись после того, как картина была подвергнута резкой критике после первой выставки. На фото прекрасный рисунок Мунка «The Heart», который я нашла в Культурном центре LAC в Лугано: о любви он тоже писал. https://telegra.ph/file/8c68216d265816d238b05.jpg
5545 

25.02.2021 20:52


Жорж де Латур
Жорж де Латур "Едоки гороха" (ок.1620) В 1975-м году в одном из швейцарских...
Жорж де Латур "Едоки гороха" (ок.1620) В 1975-м году в одном из швейцарских музеев были найдены две связанных по смыслу картины, изображающие старика и старуху. Оба ели горох из глиняных плошек. Автор обеих картин был не известен. Предположили, что, скорее всего, это две части одного полотна. Во-первых, сходство мотива: не так часто персонажи картин поглощают горох, да еще руками. Во-вторых, на обеих картинах был виден грубый вертикальный след разреза на одной из сторон. Оставалось установить автора. Стандартной процедурой в подобной ситуации является рассылка соответствующего запроса по всем европейским музеям: не содержится ли в их фондах чего-то подобного? Ответ пришел из французского Нанси. В их городском музее действительно имелась картина с такими персонажами. Но самое главное, на обороте было подписано «копия с де Латура». Швейцарские половинки соединили, отреставрировали и дали картине название «Едоки гороха», после чего её приобрела берлинская Художественная галерея.
5473 

24.02.2021 10:40

«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали

Вернувшись из...
«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали Вернувшись из...
«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали Вернувшись из Нью-Йорка, Дали объявил, что собирается создать картину, которую назвал сенсационной – взрывающийся Христос, ядерный и гиперкубический. Он сказал, что это будет первая картина, написанная в классической технике и по академической формуле, но на самом деле состоящая из кубических элементов. Живопись Дали полна снов и «видений», но многое в его искусстве шло от разума, например идея изобразить в представленной картине развертку гиперкуба вместо креста. Таким образом художник сталкивает четкую геометрическую форму и страдание Христа, подчеркнутое его выгнутым телом с выпирающей грудной клеткой. Это рождает особое напряжение, которым наполнено полотно. В этом произведении Дали продолжает традицию классической западноевропейской живописи, когда в картинах на евангельские сюжеты изображали конкретных людей. Здесь на распятого Христа смотрит Гала, жена и муза Дали. Но она не просто предстоит перед Распятием, а созерцает его. Это ее видение.
5523 

25.02.2021 10:40

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд

Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg
5505 

05.03.2021 19:47


"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная...
"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history
5515 

10.03.2021 22:37

«Женщина с головой из роз» 1935г. Сальвадор Дали

Работа наполнена символами...
«Женщина с головой из роз» 1935г. Сальвадор Дали Работа наполнена символами...
«Женщина с головой из роз» 1935г. Сальвадор Дали Работа наполнена символами, надеждами и страхами художника. На фоне звездного предрассветного неба две подруги в обычной, очень женской ситуации: примерка нового наряда. Наряд не готов, спадающая ткань, трансформируясь в цепкие мужские руки, не желает отпускать тонкую фигуру. Вторая подруга задумалась над рисунком будущего наряда. Хрупкость моделей удачно подчеркнута яйцом на белой неустойчивой доске. Интересен задний план полотна. Одинокая мужская фигура внимательно разглядывает собачью голову со скалами на макушке. Скалы - препятствие, собачья голова - пугающая верность. Препятствие, сложность, трудность - верность для мужчины всегда была одним из страхов в отношениях с женщинами. Страх и притягательность греха, с одной стороны, привлекательность и искушение, с другой. Восходящее солнце скоро разрушит иллюзию. Длинные тени исчезнут. Женские фигуры вернут себе земные черты, страхи исчезнут, готовые вернуться в любой момент.
5444 

11.03.2021 10:40

Супрематическая композиция.
1916
Малевич
Частная коллекция

Cамое дорогое...
Супрематическая композиция. 1916 Малевич Частная коллекция Cамое дорогое...
Супрематическая композиция. 1916 Малевич Частная коллекция Cамое дорогое произведение русского искусства. Малевич оставил свои картины на сохранность перед отъездом в СССР в 1927 году Герингe немецкому архитектору. И тот вывез это и другие полотна из нацистской Германии, где их бы сожгли как «дегенеративное искусство». В 1958 году картину продали музею Стеделик в Амстердаме. Когда в 2003 г. музей выставлял полотна Малевича в США, наследники художника оспорили права музея распоряжаться ими. После 4-летнего суда стороны пришли к мировому соглашению. Музей уступил наследникам пять значимых картин из своего собрания. 3 ноября 2008 года на аукционе Sotheby's картина была продана неизвестному за $60 млн, став одной из самых дорогих картин в истории, написанной русским художником. 16 мая 2018 года на аукционе Christie's в Нью-Йорке она была выставлена вновь, и оказалась проданной за $85 млн. Покупатель остался анонимным. Это самая дорогая сделка в истории для картин российских художников.
5456 

12.03.2021 20:16

"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер...
"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины. «Капризница» из собрания Эрмитажа – безусловно, одна из них. В центре композиции, с небольшим смещением влево, сидит миловидная дама в струящемся черном платье. За её спиной игриво полулежит господин в красном берете с пером и, очевидно, заигрывает с девушкой. Но её напряжённо-прямая осанка и явное неудовольствие на лице свидетельствуют, что поклонник чересчур навязчив и уступать его напору героиня не расположена. Во всяком случае, сейчас. Флирт и ухаживания, проявления галантности – это вообще центральная тема рококо. И именно Ватто положил ей начало своими «галантными празднествами». «Капризница» также принадлежит к этому жанру. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. Однако, в отличие от абсолютного большинства сюжетов «галантных празднеств», где ухаживания совершаются к полному взаимному удовольствия, «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. Развернувшись спиной к собеседнику, героиня проявляет высшую степень неучтивости. Этим она показывает, что относится к визави без всякого уважения. Мечтательный взгляд Капризницы устремлён вдаль. Некоторые даже предполагают – на некоего другого кавалера, которого она предпочла бы видеть рядом с собой. Ватто любил смешивать реальность и театр, наряжать друзей в театральные костюмы, которые он коллекционировал, и в таком виде рисовать их. Ему импонировала идея игрового смешения иллюзии и реальности, нравилось извлекать из этого взаимного проникновения неожиданные психологические эффекты. Всё это есть и в «Капризнице». Трудно отделаться от мысли, что героиня ощущает себя на сцене, перед полным зрительным залом, что она чересчур озабочена тем, как выглядит со стороны. Этому впечатлению подыгрывает даже пейзаж, покорно выполняющий роль кулис. В «Капризнице» есть то, за что Ватто ценят больше всего – некая умышленная недоговоренность. Загадочная будничность. Трактовка смысла картины вроде бы лежит на поверхности и в то же время – вызывает трудности, ускользает от окончательного понимания. Именно за это качество Ватто впоследствии выше всех прочих художников будут ценить символисты. Может быть, Капризница не отклоняет ухаживания, а наоборот – слушает оправдания и принимает извинения? Может быть, это не начало отношений, а их конец или явный кризис? Может быть, что-то вызвало ревность героини и герой (любовник?) вынужден оправдываться? Так или иначе, Ватто предстаёт перед нами мастером тонкого и затейливого психологического рисунка. Именно во внимании к личности и нюансам переживаний героини заключена ценность картины. Известный искусствовед Михаил Алпатов писал, что для её понимания стоит сравнить «Капризницу» с работами кого-нибудь из голландцев ХVII века: Ватто «интересуют в первую очередь не красивые вещи, не блестящие ткани, как многих голландцев, а характер и мимика людей». Но голландских мастеров Ватто в самом деле очень ценил и многому у них учился. Исследователи мягко укоряют художника за вольные или невольные заимствования: дескать, и наряды у него уж больно а-ля Франс Халс. А красный берет персонажа «Капризницы» - так и вовсе списан у Рембрандта. И все-таки нельзя не признать, что платье героини – само по себе маленький шедевр с бесконечным разнообразием переходов цвета, который лишь условно может быть назван черным. АнтуанВатто Рококо _history
5501 

19.03.2021 20:37

​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд

Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве», созданная примерно в 1831 году, была продана за 1,6 миллиона долларов на распродаже японских и корейских произведений искусства Christie’s. Окончательная цена в 10 раз превышает предварительную оценку в 150 тыс. долларов, которую дали эксперты аукционного дома. Сцена, ставшая «визитной карточкой» японского художника XIX века, изображает лодочников, которые борются с волнами на фоне горы Фудзи. Гравюры Хокусая с изображением волн, созданные в начале 1800-х годов, пожалуй, его самые известные работы. Они были представлены на европейском рынке в середине XIX века. К моменту создания данной работы художнику было за 70 лет, и он нуждался в деньгах. Это первый лист «36 видов Фудзи» — серии настолько популярной, что отпечатки с неё делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться. Предположительно, с оригинальных досок Хокусая было отпечатано около пяти тысяч копий. Широко признано, что мастер изобразил бессилие и незначительность человека на фоне неукротимой стихии. Мы видим рыбаков, которые плывут навстречу верной гибели, и их суденышки вот-вот разлетятся на щепки. Но есть и другое мнение. Культуролог-японист Евгений Штейнер указывает, что в японском искусстве движение в картине идет справа налево. «Соответственно, рыбачьи лодки являют собой активное начало, они двигаются и внедряются в волну, в податливое аморфное начало, а некоторые уже прошли её насквозь», — поясняет он. Предыдущий рекорд для работ Кацусики Хокусая был установлен девять лет назад. В 2002 году альбом ксилографий с видами на гору Фудзи ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s в Париже за 1,47 миллиона долларов. Сборник подавали наследники французской арт-дилера Огетты Берес. На аукционе Christie’s вместе с «Большой волной в Канагаве» была выставлена ещё одна гравюра Хокусая — «Водопад Йоро в провинции Мино». Она была куплена за 100 тысяч долларов, что в 10 раз превышает её первоначальную оценку в 10 тысяч. Там же был установлен ещё один рекорд. Свиток японского художника XVIII века Ито Дзякутю под названием «Пара журавлей и восходящее солнце» также был продан за 1,6 миллиона долларов. Это в пять раз выше его предварительной оценки в 300 тысяч долларов. Два белых журавля — символы Нового года и бессмертия в Восточной Азии. Работа принадлежала частному японскому коллекционеру и никогда ранее не продавалась на рынке. Предыдущий рекорд для творчества Дзякутю работы установлен в 2006 году. Тогда Метрополитен-музей продал на Christie’s в Нью-Йорке рукописный свиток «Наслаждение от чернил» за 441 тысячу 600 долларов, хотя первоначально его оценили в 80 тысяч долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f8bf89407ab4389f27409.jpg
5369 

21.03.2021 20:37


"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины...
"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history
5506 

20.03.2021 20:22

Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка

Кто из нас не помнит басню...
Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка Кто из нас не помнит басню...
Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка Кто из нас не помнит басню Крылова, в которой моська лаяла на слона, чтобы доказать окружающим, что она сильна? А вот недавно скульптор Рей Виллафан и художница Сью Беатрис совместными усилиями создали чудесную работу - «‎Слон играет в шахматы с мышью ». Привычный сюжет получил новую интерпретацию: интеллектуальный поединок показал, что шансы равны у всех, независимо от массы тела. Идея свести за игральным столом слона и мышь - прекрасна, ведь подобные аллегории всегда вызывают живой интерес. Исполнение задуманного тоже на высоте - мастерам удалось создать скульптуру из песка, при этом и слон, и мышь выполнены в натуральную величину. Да и сами образы очень реалистичны: с первого взгляда кажется, что мультяшные персонажи ожили перед зрителем.
5342 

21.03.2021 19:05

Статуя Будды Майтрейи в Лэшане (Китай)

Высота статуи Будды – 71 метр. Она...
Статуя Будды Майтрейи в Лэшане (Китай) Высота статуи Будды – 71 метр. Она...
Статуя Будды Майтрейи в Лэшане (Китай) Высота статуи Будды – 71 метр. Она является одной из самых высоких статуй мира. Уникальность статуи заключается в том, что Будда изображен сидящим на троне – в буддийской иконографии такое встречается редко. Она высечена в скале горы Линъюньшань, находящейся на стечении трех китайских рек провинции Сычуань. По легенде статуя верховного божества появилась благодаря монаху Хай Тун, который решил таким образом умилостивить стихию. Деньги на сооружение статуи он собирал много лет и в 713 году начал работы по строительству. Когда изваяние Будды было возведено до колен, Хай Тун скончался. Но его главная цель была достигнута: осколки вырубаемой скалы падали в реку и частично засыпали ее потоки. Дело монаха продолжили правители Сычуани. Через девяносто лет одна из самых больших статуй Будды в мире была готова. Статуя признана памятником Всемирного наследия ЮНЕСКО.
5418 

23.03.2021 18:55

«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до...
«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до...
«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» Пожалуй, первый художник, который вспоминается, при разговоре о символах - Сальвадор Дали. Сам он не любил давать объяснения своим картинам и не рекомендовал кому-либо это делать. Но ведь страсть, как хочется! Психоаналитик бы сказал, что героиня картины видит классический фрейдистский сон — о противостоянии мужского и женского начал. Кстати, Дали однажды встречался с Фрейдом и оба остались не в восторге. Гранат в античной и христианской символике - возрождение и плодородие. «Вся жизнетворящая биология возникает из лопнувшего граната», - говорил Дали. Тигры имеют тот же окрас, что и пчелы, возможно именно они так представляются спящей. Слон, несущий обелиск и атрибуты папы — намек на сон о похоронах папы римского, приснившийся Фрейду из-за колокольного звона. Тонкие суставчатые ноги — символ зыбкости сна. Море, вероятно, - сознание. Одно мы знаем точно: женщина на картине это Гала – жена и муза художника.
5444 

25.03.2021 22:30


​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым...
​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым...
​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым стеклом Шедевр Губерта и Яна ван Эйков, «Поклонение мистического агнца», также известный как Гентский алтарь, обрёл новый дом. Теперь одно из величайших мировых сокровищ будет находиться в пуленепробиваемом стеклянном контейнере стоимостью в 30 миллионов евро. Возможно, потраченная сумма кажется непомерно большой, однако стоит вспомнить, что этот полиптих — самое похищаемое произведение искусства всех времён. Братья Ван Эйки создали алтарь из двенадцати панелей в 1432 году для собора Святого Бавона в Генте (ныне — Бельгия). Сейчас он установлен в часовне Святого Причастия — самой большой часовне собора — в пуленепробиваемой витрине высотой в шесть метров и объёмом в 100 кубометров. В контейнере налажен климат-контроль для лучшего сохранения шедевра, чьё былое величие восстанавливали последние восемь лет. Температура в неотапливаемом соборе зимой опускается до двух градусов Цельсия, а часовня иногда наполняется солнечным светом, который проникает через цветные витражи. Но главным приоритетом для заказчиков и создателей витрины была безопасность шедевра. За свою 589-летнюю историю Гентский алтарь множество раз побывал на грани уничтожения. Полиптих пытались сжечь мятежные кальвинисты, Наполеон выкрал его для парижского Лувра, он был разделён, когда попал в руки короля Пруссии. Во время Второй мировой войны Герман Геринг пожелал преподнести «Поклонение мистического агнца» Адольфу Гитлеру, и похищенное творение Ван Эйков могли взорвать динамитом в австрийской соляной шахте, но его спасли двойные агенты-коммандос. К сожалению, алтарь не полностью сохранился в первоначальном виде. Одна из дюжины его панелей исчезла во время дерзкого ограбления вечером 10 апреля 1934 года. Это преступление до сих пор не раскрыто. В своё время попытка найти пропажу довела до отчаяния нацистских агентов, которых отправил Геббельс, и по сей день загадка сбивает с толку как следователей-профессионалов, так и сыщиков-любителей. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/53bc270c0334f28be8e10.jpg
5421 

28.03.2021 21:36

​​Угадайте художницу по описанию 
⠀
 В юности эту флорентийку изнасиловал...
​​Угадайте художницу по описанию ⠀ В юности эту флорентийку изнасиловал...
​​Угадайте художницу по описанию ⠀ В юности эту флорентийку изнасиловал учитель рисования. С тех пор все ее картины наполнилось местью к мужскому полу и страданием. Первая в истории феминистка и женщина, которую приняли во флорентийскую академию искусств. ⠀ Эта девушка влюбилась в знаменитого французского художника, брала у него уроки рисования и стала его музой. Однако, вышла замуж за его брата. Знаменитой она тоже стала. ⠀ Она писала много цветов и была женой знаменитого фотографа, который создавал ее портреты в стиле ню. Критика приписывала картинам этой американки сексуальный подтекст, который она, разумеется, отрицала. ⠀ Она попала в жуткую аварию и не смогла выносить ребёнка. При этом вышла замуж за своего кумира и стала знаменитой на весь мир благодаря своей аутентичности. Муж ей постоянно изменял, но и она обладали меняющейся в зависимости от ситуации ориентацией. Хотите узнать больше о великих художницах? Приглашаем вас на Артлекцию «5 великих художниц, которые должен знать каждый». Когда: 1 апреля в 19:00 по мск. Автор и ведущая лекции: искусствовед Влада Никифорова. Регистрируйтесь по ссылке и получайте чек-лист в подарок. https://telegra.ph/file/a57b8e1ae9d5800058ae4.jpg
5305 

30.03.2021 12:00

"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот...
"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот сад писал не только Сислей. Хозяин сада и дома в Монжероне, Эрнест Ошеде, был одним из первых поклонников молодых художников-импрессионистов. Он покупал их картины и часто спасал этим от голода. И был, кстати, владельцем легендарного полотна Моне «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всему движению молодых художников. Он приглашал Клода Моне, Эдуара Мане и Альфреда Сислея в свое поместье в Монжероне, где они жили по несколько месяцев и писали местные пейзажи и декоративные панно для огромного дома Ошеде. Художники отдыхали: в этом доме их всегда ждала мастерская в парковом павильоне, приятное общество, изысканная еда и вино, солнце и живописные места. Эрнест - наследник успешного бизнеса. Его родители создали торговое предприятие и занимались продажей тканей. У него жена Алиса, тоже богатая наследница крупных промышленников, и пятеро детей. Дела идут неплохо. Когда Эрнест разорится, бестолково угробит родительский бизнес и истратит родительские деньги, парижские журналисты будут писать ядовитые статьи: как это мило со стороны художника Клода Моне - приютить у себя в доме семью Эрнеста Ошеде, который стал банкротом, покупая его картины. Это была правда лишь наполовину: Моне действительно пригласил Эрнеста, Алису и их детей снимать один дом на две семьи, когда с деньгами у Ошеде стало туго. Но в разорении неудачливого торговца виноват был только он сам. Этот солнечный пейзаж Сислея подписан 1881 годом - к тому времени Эрнест уже разорился и заложил поместье. Его семья уже жила с Клодом Моне, а сам он был в постоянных разъездах и увлеченно делал карьеру журналиста в Париже. Дети Эрнеста скоро станут называть Клода Моне папой, а пока еще законная жена Ошеде Алиса станет возлюбленной и помощницей Моне. Так что скорее всего Сислей начал работу над «Садом Ошеде» за несколько лет до этого, когда Эрнест еще мог себе позволить скупать картины импрессионистов сотнями, когда беззаботная жизнь в Монжероне казалась бесконечной, а легкий летний флирт хозяйки дома Алисы Ошеде и молодого темпераментного талантливого Клода Моне еще казался мимолетным и несерьезным. Вот только дотянутся знойные ленивые тени до другого края сада - и все это наваждение рассеется. АльфредСислей Импрессионизм _history
5437 

30.03.2021 20:13

Медсестры
Ричард Принс

Современный американский художник-авангардист...
Медсестры Ричард Принс Современный американский художник-авангардист...
Медсестры Ричард Принс Современный американский художник-авангардист, перенявший талант эпатажа у Дали. Не стесняется в своих произведениях использовать чужие работы. Много сделал для антипропаганды рекламы. Однажды он заметил, что на обложках любовных романов очень часто встречаются изображения медсестер. Это наблюдение автор решил использовать в своем творчестве, и так на свет появилась серия картин «The Nurse Paintings», медсестры – сексуальные и не очень, опасные, печальные, сострадающие… На картинах использовал мрачно-кровавую палитру фона, а сами ангелы милосердия представали в совсем иной ипостаси… В произведениях делал акцент на темной стороне общества, развенчивал представления о морали и дискредитировал индустрию рекламы. Серия создавалась с 2002 по 2006 годы: за это время появились 42 картины. Художник сохранил оригинальные названия романов, которые стали названиями его работ: к примеру, «Своенравная медсестра» или «Иностранная медсестра»
5294 

16.04.2021 20:16


Лицом к лицу В 2007 году художники JR и Марко создали проект «Face 2...
Лицом к лицу В 2007 году художники JR и Марко создали проект «Face 2 face». Они выставили огромные фотографии израильтян и палестинцев, лицом к лицу, в восьми палестинских и израильских городах, и по обе стороны Израильского разделительного барьера. «Когда мы встретились в 2005 году, мы решили поехать вместе на Ближний Восток, чтобы выяснить, почему палестинцы и израильтяне не могут найти способ ладить вместе. Затем мы путешествовали по израильским и палестинским городам, почти не разговаривая. Просто с удивлением смотрю на этот мир. Это святое место иудаизма, христианства и ислама. Это крошечный уголок, где вы можете увидеть горы, море, пустыни и озера, любовь и ненависть, надежду и отчаяние, соединенные вместе. Через неделю мы пришли к выводу, что эти люди выглядят одинаково; они говорят почти на одном языке, как братья-близнецы, выросшие в разных семьях». Искусство или нет?
5256 

12.04.2021 12:56

Краткие тезисы по «Явлению Христа народу» -Иванов писал картину более 20...
Краткие тезисы по «Явлению Христа народу» -Иванов писал картину более 20 лет -Он объездил всю Италию и создал 600 этюдов, чтобы написать «Явление Христа народу» -Сначала эта картина находилась в Румянцевском музее, в здании дома Пашкова. И только в 20-е годы стала частью собрания Третьяковской галереи -Иванов - великий художник, один из главных романтиков, который сильно опередил свое время - Главный герой этой картины - момент. А точнее, само появление Спасителя в момент крещения людей в Иордане -Да, на картине, скорее всего, Гоголь, но документальных подтверждений этому нет -Александр Иванов так и не дописал свое главное произведение. Он мечтал создать картину, которая разделила бы жизнь людей на «до и после», помогла бы людям по-новому взглянуть на жизнь и свой духовный путь -Каждый персонаж «Явления Христа народу» имеет свой смысл, каждый жест и поворот головы - не просто так. Эта картина - целое собрание психологических портретов. -Иванов создал композицию, в которой одно «вытекает» из другого, поэтому картина не «разваливается» на части - Почти каждый художник, который считал себя «талантом», пытался повторить идею Иванова и создать произведение, которое перевернет сознание людей - Картину, в итоге, купил император Александр II. Изначально он видел ее в Италии еще будучи цесаревичем -Иванов не дожил до момента, когда картину оценили. При первом ее показе отзывы были очень противоречивыми -Идея картины связана, в том числе, с настроениями в Российской империи, в частности, с грядущей отменой крепостного права -Работы Иванова «Явление Христа Марии Магдалине» и «Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина» связаны с главным шедевром Иванова. Они были результатами поиска сюжета для огромной картины, размер которой - 5,5 на 7,5 м PROиванов
3642 

27.05.2022 11:04

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея...
"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history
5300 

17.04.2021 22:34

"Женщины у колодца" 1892 г. Поль Синьяк Музей д’Орсе, Париж. ««Женщины у...
"Женщины у колодца" 1892 г. Поль Синьяк Музей д’Орсе, Париж. ««Женщины у колодца» сделаны из конфетти», – столь уничижительную оценку дал этой картине Поль Гоген. Впрочем, Гоген уж точно не был «добрым ангелом» Поля Синьяка. В свое время именно он выгнал юного Поля с четвертой выставки импрессионистов, где тот вдохновенно делал наброски с Дега. «Здесь не копируют!», – заявил Гоген юнцу. Впрочем, Поля Синьяка это ничуть не смутило и не остановило в его исканиях. Синьяк написал «Женщин у колодца» в разгар своего увлечения пуантилизмом (он же – дивизионизм, неоимпрессионизм) – методом нанесения изображения с помощью отдельных точек контрастных чистых цветов. Работа эта было длительная и кропотливая и, честно говоря, не соответствовала темпераменту и устремлениям Синьяка. Метод пуантилизма, по его мнению, идеально подходил для монументальных декоративных панно. Да и основатель направления Жорж Сёра предпочитал масштабные полотна. Пуантилистский период у Поля Синьяка не было долгим, но оказал безусловно важное влияние на его становление. Полотно подчеркнуто декоративно. Обращает на себя внимание, что даже следуя неоимпрессионистической манере, Синьяк не останавливает время, подобно Сёра или тому, как это происходит на его собственной картине «Завтрак». Такие категории, как время и движение, здесь имеют место, женщина вдали не замерла, она именно идет, движется. Кувшин сейчас на веревке будет опущен в колодец, женщина слева явно пару минут назад присела на колодец. Точки Синьяка создают цвет и свет, делают изображение по-особенному нарядным, но не отменяют категорию времени и предполагают движение. Зыбкость точечного изображения у Синьяка вызывает ощущение не застывшего марева, а движущегося миража. Цвета использованы контрастные, поверхности окрашены чистым цветом. Синьяк - очень талантливый колорист, но в полной мере это проявится чуть позже, когда он заменит точку мазком и перестанет пытаться удержаться в рамках неоимпрессионистского «научного подхода». Его кисть – кисть эмоциональная, а не рассудочная (в отличие от Жоржа Сёра). Но ощущение особой легкости и умелое использование цвета заметны уже и в этой работе. ПольСиньяк Пуантилизм _history
5282 

24.04.2021 19:48

Неизвестно кто именно это придумал, но эти художники решили объединиться...
Неизвестно кто именно это придумал, но эти художники решили объединиться, потому что их роднил не только уникальный опыт, но и общие интеллектуальные, художественные и иногда еще житейские вопросы. Интересно то, что к художникам присоединились граверы, скульпторы, ювелиры и даже поэты. Расширился и национальный состав общества - к нидерландцам и фламандцам позже примкнуло немножко немцев, французов и даже итальянцев. Называлось это общество, впоследствии ставшее серьезной оппозицией местной официальной академии Святого Луки, обществом Перелетных Птиц (хотя были редкие мастера, входившие и в Академию и в Птиц). Чтоб в него попасть, надо было пройти целое крещение и посвящение. Первая часть этого дела включала в себя высокоинтеллектуальные беседы о сути искусства на разных языках, а вторая прославила художников на весь Рим и окрестности, потому что это был вакхический кутеж на сутки. Ну, представьте, действующие члены общества наряжались в цветные простыни, типа это у них тоги как у греков, украшали головы венками, немножко неистовствовали, а новый член общества угощал всех вином, выслушивал напутственные речи и получал новое имя в честь античных богов, ну или просто смешное и полунеприличное прозвище. Затем процессия художников отправлялась в храм Санта Констанца, который был назначен храмом бога Вакха, потому что там находился античный саркофаг, и продолжала поднимать кубки с вином уже у этого саркофага. Вообще, католическому Риму не сильно нравились бурно пьянствующие протестанты, разыгрывающие языческие шествия, поэтому саркофаг потом передали в Ватикан от греха подальше.
5360 

15.04.2021 13:31

Читатели газет в Неаполе
Орест Кипренский
1831
Третьяковка, Москва

Картина...
Читатели газет в Неаполе Орест Кипренский 1831 Третьяковка, Москва Картина...
Читатели газет в Неаполе Орест Кипренский 1831 Третьяковка, Москва Картина русского художника. Это групповой портрет четырёх мужчин, один из которых читает газету, а остальные слушают. Национальность изображённых на картине персонажей по-разному трактовалась различными исследователями творчества Кипренского — их называли то русскими, то поляками. Сам Кипренский разъяснял сюжет так: «…изображает политическое чтение в 1831-м году. Я сцену взял с натуры. Русские путешественники в Неаполе читают La Gazette de France статью о Польше, как то усмотрите в картине.» Относя «Читателей газет в Неаполе» к самым интересным работам позднего Кипренского, искусствовед Магдалина Ракова писала, что эта картина «принадлежит к числу наиболее ранних русских групповых портретов, показывающих не членов одной семьи, а единомышленников, людей, объединённых общими интересами». Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
3709 

03.06.2022 17:13


Мёртвый Христос
1475–1478
Андреа Мантенья
Пинакотека Брера, Милан

Супер...
Мёртвый Христос 1475–1478 Андреа Мантенья Пинакотека Брера, Милан Супер...
Мёртвый Христос 1475–1478 Андреа Мантенья Пинакотека Брера, Милан Супер оригинальное композиционное решение. Тело Христа лежит не параллельно, а перпендикулярно горизонтальной оси. Смелость и сложность такого решения неожиданно для Раннего Ренессанса. Резкое сокращение перспективы позволяет видеть и лицо Христа, и раны на его ступнях. При этом есть нюанс: ступни Христа уменьшены, а голова, по сравнению с ними, увеличена. Подобное искажение пропорций не случайно: если бы Мантенья передал реальное соотношение между ступнями и головой, основное место на холсте заняли бы ноги, что помешало бы восприятию главного центра картины — головы Христа. Это доказывает, что эксперимент с перспективой — не самоцель, а средство решения сложной художественной задачи. Тело Христа покоится на мраморной плите (камне помазания); слева Богородица и апостол Иоанн. Выше в левом углу фрагмент ещё одного лица. Возможно, это Мария Магдалина, на что указывает стоящий в изголовье Христа сосуд с миром.
5301 

30.04.2021 21:58

"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер...
"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер Марке Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Дождливый день в Париже – идеально подходящий Альберу Марке сюжет. Его Париж серого цвета. Но серость эта – мягкая, спокойная, манящая, ни в коем случае не обреченная и безысходная. Набережная Сены, изящные арки мостов, Нотр-Дам де Пари – любимые объекты Марке. Художник снимал квартиру на пятом этаже и часто писал у окна, поэтому многие его городские пейзажи представляют вид сверху. А в данном случае – не просто сверху, а с уклоном, эдакая горка для глаз: взгляд сразу же скользит по мостовой вглубь холста. На первом плане – набережная, шагающие по мокрому тротуару парижане, угол дома. Но смысловой центр композиции – Собор Парижской Богоматери, чья громада вздымается на заднем плане. Светлая, почти прозрачная улица упирается в приземистый темный силуэт Нотр-Дам де Пари, и взгляд словно проваливается в него. Растерявшись, несколько мгновений ищет выход, затем спешно возвращается на поверхность, к переднему плану и уже более детально воспринимает всю картину. Мы видим зажатую строениями площадь перед собором, пешеходов, проезжающий вдали экипаж, подъемный кран. На углу здания на переднем плане – человек, идущий против сдувающего его ветра в направлении Малого моста. Таким образом, взгляд зрителя одновременно воспринимает всю картину и в то же время движется внутри нее, что в сочетании создает особую объемность восприятия. В городских пейзажах Марке удивительным образом соединены отстраненность и тонкий лиризм. Марке – не импрессионист. Он пишет дождливый день в Париже, а не свои от него впечатления, но чувства, которые этот день и этот город у него вызывают, мы ощущаем. После нескольких выставок, на которых были представлены его пейзажи, критики заговорили о таком явлении как «Париж Марке». Его изображения французской столицы сравнивали с работами импрессионистов и Мориса Утрилло, и говорили, что только им удавалось столь проникновенно и лирично показывать Париж. АльберМарке _history
5273 

01.05.2021 20:38

"Автопортрет" 1622 г. Антонис ван Дейк Государственный Эрмитаж...
"Автопортрет" 1622 г. Антонис ван Дейк Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Автопортретов Ван Дейк написал за свою короткую жизнь очень много. Гораздо больше, к примеру, чем даже его учитель и в каком-то смысле соперник Рубенс. Пожалуй, по числу собственных авторских изображений Ван Дейк сопоставим лишь с другим великим голландским художником - Рембрандтом. Однако специалисты склонны оценивать автопортреты Ван Дейка ниже: они утверждают, что целью Рембрандта, из года в год пишущего собственное лицо (неприметное, но обретающее всё большую значительность) было самопознание, в то время как автопортреты Ван Дейка говорят скорее о нарциссическом самолюбовании. Мы вольны соглашаться или противиться такому профессиональному взгляду на автопортреты Ван Дейка и всё же ценность их несомненна: они дают нам вполне точное представление о художнике – нервном, эмоционально утонченном, явно болезненно честолюбивом и зависимом от роскоши и признания, словом, таком, каким, судя по сохранившимся документам и биографическим сведениям, Ван Дейк и был. Известен автопортрет на дереве, который написал 14-летний художник. Мы видим только лицо – но какое! С умным, твёрдым и уверенным взглядом и с вызовом в глазах. «Автопортрет» из Эрмитажа – это следующий этап в жизни Ван Дейка. Ему здесь слегка за двадцать. В это время Ван Дейк уже признанный мастер. Шутка ли – его иногда сравнивают с самим Рубенсом! В глубине души Ван Дейк считает такое сравнение обоснованным, но ведь далеко не все их равновеликость признают - и потому в его глазах по-прежнему вызов, даже некоторая спесь – и одновременно беззащитность. Ван Дейк прячет её под щегольской одеждой (говорили, что никто не умел писать блеск атласа и фактуру шёлка так, как это делал Ван Дейк), под несколько развязной позой. Он так стремится изобразить расслабленность, что это выглядит нарочитым. По воспоминаниям современников, Рубенс и Ван Дейк обладали совершенно различной физикой и несходными темпераментами. Рубенс был коренастым крупным человеком, основательным, неторопливым и спокойным. Ван Дейк, напротив, был мал ростом, тщедушен, нервен и импульсивен в работе. Некоторым заказчикам это претило. За тем, что можно ошибочно принять за самолюбование, мы видим на автопортрете Ван Дейка вполне исчерпывающую эмоциональную характеристику - живой темперамент, сплав легкомыслия и меланхолии, самоуверенности и беззащитности. Всем нам наверняка не раз встречалось утверждение, что длинные, конически сужающиеся от основания к кончикам пальцы – это признак артистичности натуры. Антонис Ван Дейк в этом смысле – пример ярчайший. На всех автопортретах, где он изображает себя не погрудно, а по пояс или в рост, бросаются в глаза его удивительные пальцы – изящные, тонкие, с тщательно ухоженными, отполированными ногтями. Интереснее другое: Ван Дейк изображал так не только себя. Красивые удлинённые пальцы встречаются на многих его картинах, они станут «визитной карточкой» художника и узнаваемой приметой его героев, которым Ван Дейк приписывал качества, которыми те могли и не обладать: поэтичность, аристократизм, утонченность и возвышенность помыслов. АнтонисВанДейк Портрет Барокко _history
5229 

03.05.2021 20:37

Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников?
⠀
Давайте...
Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников? ⠀ Давайте...
Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников? ⠀ Давайте рассмотрим на конкретных примерах ⠀ Картина бывшего арт-дуэта Виталия Комара и Александра Меламида «Встреча Солженицына и Бёлля на даче у Ростроповича» ушла с аукциона за $1 011 194. Когда художники перестали работать вместе, произведения каждого оценивались не более, чем в $250 000. Самая дорогая картина бывшего творческого дуэта Александра Виноградова и Владимира Дубосарского «Big Paradise» была продана за $305 000. После распада работы художников можно приобрести за $16–20 тысяч. Сальвадор Дали в 1930-х годах поучаствовал в создании коллекции для модного дома Schiaparelli. Такой наряд стоит почти $20 000. Платье Schiaparelli без принта обойдется примерно в $4000. ⠀ Пражский арт-дуэт иллюстраторов Tomski&Polanski появился лишь в 2013 году, но уже приобрел популярность. Цены за их общие картины начинаются от $900, в то время как отдельные работы художников можно приобрести за $50.
3711 

23.05.2022 19:12

Юрий Пименов
Юрий Пименов "Фронтовая дорога" (1944) Главное произведение Пименова эпохи...
Юрий Пименов "Фронтовая дорога" (1944) Главное произведение Пименова эпохи соцреализма — картина «Новая Москва», написанная за четыре года до начала Великой Отечественной войны. Девушка в легком летнем платье за рулем машины проезжает по цветущей Москве, которая к 1937 году украшается новыми постройками в стиле сталинского ампира. Картина передает ощущение беспечности и радости. Спустя семь лет, в 1944 году, Пименов создает новую картину, повторяющую сюжет первой, но совсем с другим настроением. Девушка сменила легкое платье на шинель, справа от нее сидит солдат в каске, а вместо летнего московского пейзажа — покрытая лужами и грязью дорога, вдали угадываются силуэты полуразрушенных зданий. На обочинах застыли разбитые танки, и новые силы Красной армии в грузовиках направляются на фронт.
5235 

09.05.2021 20:38

"Пейзаж в Арле-дю-Нор" 1874 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея.
"Пейзаж в Арле-дю-Нор" 1874 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. В искусстве Коро был практически самоучкой. Не получив профессионального образования, он развивал свои художественные способности просто потому, что ему нравилось путешествовать и воспроизводить на холсте и бумаге свои впечатления от увиденных мест. Примерно так высказался о Коро один из его ближайших друзей – художник Шарль Франсуа Добиньи. Но это, конечно, неправда: Kopo очень много работал, чтобы добиться прославившего его удивительного мастерства в пейзаже и, видимо, именно из-за любви к путешествиям художник выбрал жанр, который не пользовался одобрением в академических кругах. В середине XIX века в Париже сложилась группа художников, объединенных любовью к природе. Каждое лето они покидали Париж и уезжали в маленькую деревушку Барбизон, где писали свои бесконечные этюды. Коро сблизился и подружился с некоторыми из них и стал часто наведываться в Барбизон, неизменно привозя оттуда свои прекрасные пейзажи. Пейзаж в Арле-дю-Нор был начат на пленэре во время путешествия на северо-восток Франции, предпринятого для сбора материала; позднее он был закончен в мастерской. Это произведение зрелого мастера. Его композиция говорит о близком знакомстве Коро с творчеством Моне и, конечно, о влиянии Добиньи, с которым художника связывала крепкая дружба. К середине века Коро уже был признанным пейзажистом. КамильКоро Пейзаж
5206 

11.05.2021 21:33

Гвоздика, лилия, лилия, роза
1886
Джон Сингер Сарджент 
Тейт Британия...
Гвоздика, лилия, лилия, роза 1886 Джон Сингер Сарджент Тейт Британия...
Гвоздика, лилия, лилия, роза 1886 Джон Сингер Сарджент Тейт Британия, Лондон Идея пришла когда художник путешествовал по Темзе в Беркшире. Во время прогулки он увидел китайские фонарики висящие среди деревьев и лилий. Он писал Роберту Льюису Стивенсону что хотел передать увиденный им эффект сумерок: "...такой райский вид, что заставляет восторгаться." Слева на картине изображена одиннадцатилетняя Долли, а справа - семилетняя Полли. Сарджент работал над этой композицией в традициях импрессионистов, используя естественный свет и на открытом воздухе. Работа над картиной затянулась, и художник писал с сентября до начала ноября. За это время, розы постепенно увядали и их пришлось заменять искусственными цветами. Девочки надевали свитера, а на них платья. Картину выставили в 1887 году на выставке Королевской академии художеств. Британская Королевская Академия купила картину для галереи Тейт почти сразу же после окончания выставки.
5241 

17.05.2021 17:13


"Похороны сардинки" 1810-е Франсиско Гойя Королевская академия изящных...
"Похороны сардинки" 1810-е Франсиско Гойя Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид. Франсиско Гойя – специалист по жутким историям и непростым для понимания сюжетам. Его «Капричос» даже сопровождались подписями, без которых сложно, а иногда и совсем невозможно понять замысел Гойи. Но картина, о которой пойдёт речь, не вписывается в этот ряд персональных фантазий Гойи. «Похороны сардинки» – это не произвол авторской фантазии, а реально существовавший в Испании ритуал с лёгким привкусом абсурда. Зачем испанцам хоронить сардину? В пепельную среду – день, предшествующий началу Великого Поста, жители Мадрида и других городов Испании, а также испанских колоний в Латинской Америке, шумной толпой высыпали на улицы. Многолюдная процессия несла впереди себя большую рыбу (сделанную из подручных материалов). Со всех сторон раздавались притворные рыдания и громкий потешный плач. Ближе всех к безвременно почившей рыбе располагались громко стенающие «вдовы» с черными усами – группа ряженых испанских мужчин. Все идущие изображали безутешную скорбь, неизбежно переходящую в народные гуляния с песнями и плясками. Задача похорон сардины та же, что у любого карнавала: повеселиться и покуражиться так, чтобы хватило на все семь недель предстоящего поста. В конце праздника чучело рыбы сжигали (совсем как чучело Масленицы во время аналогичного праздника), а пепел бросали в воду. В наше время этот обычай с соблюдением всех установленных ритуалов лучше всего сохранился на острове Тенерифе – самом большом из островов Канарского Архипелага, бывшей испанской колонии. Пиренейские конквистадоры в XVI веке экспортировали на Тенерифе из Испании не только грипп и оспу, но также католическую религию и сопутствующие ей ритуалы вроде потешных похорон мёртвой рыбы, нашедших отражение в известной картине Франсиско Гойи. Версии происхождения «Похорон сардинки» Похороны мёртвой рыбы бессмысленны только на взгляд рационалиста. Но в карнавальном сознании, переворачивающем мир вверх ногами и предпочитающем порядку – весёлый хаос, ничего невозможного не существует. По одной из версий, похороны сардины – это трансформация другого карнавального ритуала, еще более древнего. Когда-то в Испании накануне поста принято было погребать специально для этой цели заколотого поросёнка. Название такого жертвоприношения – cerdna – было созвучно слову «сардина», так что со временем и хоронить стали её: чем абсурднее, тем веселее! Другая версия приурочивает ритуал как раз к эпохе Гойи: якобы при короле Карлосе III, первом покровителе художника, народ во время карнавала угостили протухшими сардинками. Но угощение сопровождалось таким количеством вина, что подданные Карлоса III не обиделись, а решили учредить торжественные похороны безвременно усопшей рыбы. Место картины в творчестве Франсиско Гойи Фред Лихт, специалист по творчеству Гойи, пишет: «Похороны сардинки» – одно из самых удивительных и виртуозных из дошедших до нас произведений кисти Гойи. Редко кто достигал такой решительности и смелости мазка. Каждый мазок является каллиграфическим чудом и в то же время с виртуозной точность живописует выражения лиц и эмоциональный заряд каждой позы или жеста. Глядя на картину, мы оказываемся где-то посередине, в идеальной точке равновесия между гобеленами Гойи и его «черными картинами». Буйное народное веселье первых постепенно сменяется тревожностью последних. В потемнении колорита, в неоднозначной маске на стяге и особенно в избыточности жестов и движений зритель начинает смутно ощущать беспокоящий подтекст массовой истерии, лежащей в основе фиесты». ФрансискоГойя Романтизм _history
5258 

13.05.2021 22:27

"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода...
"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода Моне и Эдуара Мане началось с очевидного недоразумения – путаницы с фамилиями. После открытия очередного Салона к Мане начали подходить знакомые и хвалить две его марины. Какие марины? Он не посылал на Салон никаких марин! Оказывается, что какой-то молодой нахал пользуется сходством фамилий, чтобы прославиться, мало того – еще и картины его имеют больший успех. Со временем обиды и претензии растворились в огромном взаимном уважении и восхищении. Летом 1874 года художники работали вместе на берегу Сены, в Аржантейе – и Мане как будто решил поиграть со своими друзьями в их импрессионизм. Но по своим правилам. Все импрессионистские находки он этим летом примерил и освоил: короткие отрывистые мазки, светлая палитра, пленэр и солнечный свет. И все равно остался самим собой. Он писал воду и пейзажи, самого Клода Моне, работающего в плавучей мастерской-лодке, но всегда отыскивал то, что интересовало его всегда: отношения мужчины и женщины и внутренние живописные законы произведения, которые не всегда совпадали с закономерностями природных цветов. Так появилась загадочная средиземноморская синева Сены на картине «Аржантей», за которую Мане исступленно поносили критики, требующие соответствия действительности, и которая стала очередной попыткой художника натренировать глаза зрителей на новый взгляд на искреннее, эмоциональное искусство. «Художник может все выразить при помощи фруктов и цветов или одних облаков», - считает Мане. И на этот раз ему хватило синевы Сены, чтобы создать то радостное настроение, в котором пребывал он в то лето и в котором находились окружавшие его влюбленные пары, медленно плывущие по реке и звонко смеющиеся. Когда на Салоне 1874 года кто-то робко пытался похвалить картину Мане, ему обязательно кричали в ответ: «Но эта синева!» «Река цвета индиго, плотная, как металл, прямая, как стена», - захлебывались в возмущении критики. Их интересовала одна только вызывающе синяя река. Этот Мане просто издевается и смеется над ними, нарочно устраивает шумиху и раздувает скандалы вокруг своего имени. «Мое честолюбие – никогда не повторять завтра то, что сделал вчера», - говорил Мане. И после этого лета он больше никогда не напишет синюю Сену, но напишет «Весну», проданную в 2014 году за 65 млн. долларов, и «Бар в «Фоли-Бержер», никогда не повторяя себя вчерашнего. ЭдуарМане Импрессионизм _history
5183 

16.05.2021 20:38

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru