Назад

Семь радостей Марии 1480 Ганс Мемлинг Старая пинакотека, Мюнхен Семь радостей...

Описание:
Семь радостей Марии 1480 Ганс Мемлинг Старая пинакотека, Мюнхен Семь радостей Девы (Матери Иисуса) - это события из жизни Девы Марии взятые из средневековой религиозной литературы и искусства. Семь радостей обычно обозначают как: 1. Благовещение 2. Рождество Иисуса 3. Поклонение волхвов 4. Воскресение Христа 5. Вознесение Христа на небо 6. Пятидесятница или сошествие Святого Духа на Апостолов и Марию 7. Коронация Богородицы на небесах. Сложнейшая задача - не семь, а двадцать христианских религиозных сцен вплетены в ландшафт полотна: Благовещение, Рождество, Благовещение пастухам, звезда, явившаяся волхвам, посещение волхвами Ирода, дорога туда и обратно, поклонение волхвов, избиение младенцев, бегство Святого Семейства в Египет, искушение Христа, Воскресение, Не прикасайся ко Мне, Христос в Эммаусе, Пётр на море, явление Христа Марии, Вознесение, Троица, Успение и Вознесение Девы Марии. Стоит отметить, что в английской литературе эта картина назвается — «Пришествие и Триумф Христа».

Похожие статьи

Венера и Тангейзер
Отто Книлле
1873
Музей Берггрюна, Берлин

А история вот о...
Венера и Тангейзер Отто Книлле 1873 Музей Берггрюна, Берлин А история вот о...
Венера и Тангейзер Отто Книлле 1873 Музей Берггрюна, Берлин А история вот о чём. Согласно германскому народному преданию, направлявшийся на состязание певцов поэт Тангейзер встретил на своем пути богиню Венеру, которая завлекла его к себе в грот. Тангейзер провел с богиней любви в забавах и развлечениях семь лет. Пресытившись наслаждениями, поэт вспомнил о душе и, убоявшись ада, расстался с возлюбленной и совершив паломничество в Рим, где просил у папы отпущения грехов. Папа с негодованием отверг эту просьбу и подчеркнул, что скорее его папский посох даст свежие побеги, чем Бог простит такого великого грешника. Опечаленный Тангейзер с горя вернулся к божественной Венере. Тем временем жезл расцвел, и папа послал объявить об этом Тангейзеру, но к тому времени поэт уже вернулся в грот Венеры. Таким образом, отвергнутый папой грешник за свое раскаяние получил прощение от Бога, а папа запятнал свое имя излишней суровостью.
5581 

19.02.2021 17:13

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор...
"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history
5540 

16.02.2021 22:04

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно...
"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history
5529 

18.02.2021 21:27

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская...
"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history
5574 

20.02.2021 22:10


Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и...
Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.
5511 

17.02.2021 23:38

Клоун на ярмарочной сцене (Роспись для Бургтеатра, Вена) (1892)
Густава...
Клоун на ярмарочной сцене (Роспись для Бургтеатра, Вена) (1892) Густава...
Клоун на ярмарочной сцене (Роспись для Бургтеатра, Вена) (1892) Густава Климта Одной из важных вех в творчестве художника стала работа над оформлением столичного Художественно-исторического музея. В 1988 году художник получает императорский «Золотой крест», а в 1892 году, после смерти отца, на его плечи ложится забота о семье. В это же время Густав начинает вырабатывать свой «фирменный» неповторимый стиль. В 1897 году Климт становится президентом Венского сецессиона – художественного объединения, не имевшего манифеста и объединённого лишь общим желанием развивать новые стили, проводить художественный обмен с художниками других стран и продвигать творчество членов объединения. В этот период Климт создаёт ряд пейзажей, ставших впоследствии классическими.
5557 

28.01.2021 12:02

Жизнь и смерть Василия Верещагина.

Василий Верещагин (1842-1904) – один из...
Жизнь и смерть Василия Верещагина. Василий Верещагин (1842-1904) – один из...
Жизнь и смерть Василия Верещагина. Василий Верещагин (1842-1904) – один из наиболее выдающихся художников-баталистов в истории живописи. Родился в дворянской семье в Череповце, как и все его братья был отправлен в военно-учебные заведения, а именно – в Александровский кадетский корпус, после чего учился ещё в Морском кадетском корпусе, откуда выпустился в звании мичмана. Однако после окончания военной учёбы Василий не идёт служить, а поступает в петербургскую Академию художеств. Следующие несколько лет он проводит в разъездах между Петербургом и Парижем. По приглашению генерал-губернатора молодой художник едет в 1867 году в только взятый русскими войсками Самарканд. Тут то и начинается не только путь Верещагина как серьёзного живописца, но и путь его, как баталиста и… солдата. После того как восставшие туркестанцы окружают и штурмуют недавно захваченный город, художник попадает в осаду вместе с небольшим гарнизоном русских солдат.
5616 

19.02.2021 12:11

Карильон (карийон, фр. carillon)

Карильон - очень редкий инструмент. Он...
Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он...
Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он состоит из многочисленных колоколов, настроенных по хроматическому ряду, с диапазоном от двух до шести октав, которые играющий может приводить в действие, используя педали и рычаги. Звучание его зависит от формы колоколов, сплава, из которого они отлиты, материала и веса колокольных языков, акустики колокольни. Ну, и от качества настройки, разумеется. Этот инструмент постоянно проигрывал в борьбе за место в церкви органу или фортепьяно, но это не мешало ему производить большое впечатление. Риверсайдский карильон находится в церкви в Нью-Йорке и был подарен церкви семьёй Рокфеллеров. Он включает в себя 74 колокола, самый массивный из которых весит 20 тонн. Это самый большой карильон в мире, он весит более 100 тонн, что делает его одним из самых больших когда-либо построенных музыкальных инструментов.
5528 

18.02.2021 18:30

Санкт-Петербург..." />
"Обезьяны в кухне" Давид Тенирс Младший, 1640 > Санкт-Петербург...
"Обезьяны в кухне" Давид Тенирс Младший, 1640 > Санкт-Петербург, Эрмитаж Тематический диапазон творчества фламандского художника был чрезвычайно широк. В частности, Тенирс прославился как талантливый анималист. На картине представлена компания обезьян, которые, бесцеремонно пьют вино, лакомятся фруктами, играют в карты, жарят жаркое на вертеле. Некоторые из них украсили себя бархатными беретами. Идея Тенирса показать животных, имитирующих поведение людей, восходит к басням античной эпохи и зоологическим трактатам Средневековья. Пародийно-комическая по форме, картина была задумана как юмористическое назидание: тот, кто предается чувственным удовольствиям, слепо следуя природным инстинктам, опускается до уровня обезьяны. Свеча на камине – эмблема бренности, напоминающая о быстротечности радостей земного бытия. Ступа с пестом – символ глупости, с которой отождествлялись грехи. Тенирс мастерски передает свет и фактуру разнообразных предметов: деревянной мебели, глиняной посуды, стеклянных бокалов.
5470 

25.12.2020 17:15

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой...
"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history
5520 

22.02.2021 22:04


А вот посмотрите на его трактовку изображения Товии, сына Товита, и ангела 
(я...
А вот посмотрите на его трактовку изображения Товии, сына Товита, и ангела (я...
А вот посмотрите на его трактовку изображения Товии, сына Товита, и ангела (я вот тут довольно подробно пересказывала эту ветхозаветную историю). Товия изображен совсем юношей и даже во втором варианте - буквально ребенком. Ангел ведет мальчика за собой, как старший товарищ. Оба героя смотрят друг на друга - архангел Рафаил сверху вниз, нежно, по родительски, а мальчик - завороженно. Картин, на которых Товия и Рафаил (или три архангела сразу - Рафаил, Михаил и Гавриил) возвращаются домой чтоб излечить Товита от слепоты, Боттичини написал штук семь. Вероятно, этот сюжет ему так нравился потому что он, будучи совсем юным, вступил в братство Архангела Рафаила. В общем, художник хоть и, если можно так сказать, вторичный, а все равно прекрасный.
5562 

23.02.2021 17:59

"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей...
"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей Тараса Шевченко, Киев. «Крестьянская семья» Тараса Шевченко лишь на очень поверхностный взгляд может показаться незамысловатой этнографической зарисовкой. Но пусть вас не отвлекают от сути национальная одежда и украинская хата-мазанка под соломенной или камышовой крышей. На самом деле перед нами – украинская версия Holy Family, «святого семейства», один из архетипических сюжетов европейской живописи. К моменту работы над картиной Шевченко чуть менее тридцати. Всего 5 лет минуло с того момента, как он стал свободен от крепостной зависимости и смог посещать классы знаменитого Карла Брюллова в Императорской Академии художеств. Всё это время его излюбленными техниками оставались карандаш и акварель. В них он чувствует себя свободно: его карандаш остёр и точен, его акварели на редкость гармоничны по колориту. Но к масляной живописи Шевченко на первых порах боится подступиться. Масло и холст, в качестве рабочих инструментов, будто сковывают его, связывают академическими путами, лишают свободы выражения – а ведь никто не ценит свободу (в любых проявлениях и сферах) как тот, кто был её когда-то лишён. Перед началом работы над «Крестьянской семьёй» Шевченко делает массу карандашных зарисовок из украинского быта. Он много путешествует по Украине, а его дорожные альбомы переполнены эскизами. Начав, наконец, работу маслом, он отказывается от эмалевой «гладкописи» своего учителя Брюллова. Мазки Шевченко ложатся точечно, нервно. Объекты и фигуры картины лишены четких контуров. Но именно это и создаёт ощущение трепетного движения жизни. Предполагают даже, что если бы не арест и ссылка, и Шевченко смог бы, как планировал, поехать для продолжения работы в Европу, он вряд ли продолжил бы там академические традиции и, весьма вероятно, вошёл бы в круг родоначальников импрессионизма. Мы уже упоминали, что Шевченко делал не сотни - тысячи зарисовок народного быта. Почему из всего потока зрительных впечатлений он выбирает именно этот простой и незамысловатый сюжет? Ребёнок стоит в окружении своих матери и отца. Движения их рук и линии их тел образуют плавный овал – некую область безопасности, защищённости для младенца, который только-только начал ходить. Шевченко обрисовывает не конкретную бытовую ситуацию из жизни семьи – он передаёт нечто более глубокое: ощущение духовного единства, семейной общности, семьи как «малой церкви». Кто хоть немного знаком с биографией Шевченко, тот, несомненно, сможет прочесть в «Крестьянской семье» одно из самых глeбоких и интимных переживаний художника. Дело в том, что именно семьи в том самом идеальном представлении, которое он рисовал себе, Шевченко как раз не имел ни в детстве, ни во взрослой жизни. Нынешние психоаналитики уверены, что в детстве Тарас был лишён родительского внимания и любви: детские травмы отверженности будут сопровождать его на протяжении всей взрослой жизни. Семья в немного идеализированном, даже можно сказать идиллическом понимании (как вершина человеческих отношений, защита от холода внешней жизни) надолго станет его «идеей фикс». Но, в силу разных обстоятельств, способных составить захватывающий сюжет не одного романа, создать собственную семью Шевченко так и не удастся. Если уж продолжить психоаналитические аналогии, шевченковская «Крестьянская семья» - это чистой воды сублимация: воплощение в творчестве того, чего очень жаждешь, но никак не можешь получить в реальности. ТарасШевченко _history
5523 

24.02.2021 20:55

Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.)

Врубель - фамилия польская...
Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.) Врубель - фамилия польская...
Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.) Врубель - фамилия польская, но к моменту рождения Михаила уже 3 поколения предков художника жили в России. Он рано остался без матери, семья переезжала с места на место, вслед за отцом, офицером казачьего войска. Когда пришла пора выбирать профессию, будущий мастер полностью покорился воле отца и поступил в Петербургский университет на юридический факультет. Университет был окончен, но юристом художник не был ни дня. Он с большим трудом прошел все трудности годовой воинской повинности и вопреки желанию отца поступил в Академию художеств. Его серия «демонов» до сих пор считается самыми известными произведениями мастера, хрестоматийными для искусства модерна рубежа XIX и XX веков. XX век принес мастеру две большие трагедии: умирает его отец, а сын рождается в серьезным дефектом - заячьей губой. К личным трагедиям добавляется жесточайшая творческая депрессия. После этих событий его помещают в психиатрическую клинику, где он и доживает последние годы жизни.
5460 

24.02.2021 22:11

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg
5555 

26.02.2021 22:13

"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная...
"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная коллекция, Франция. «Волга в окрестностях Юрьевца» была выставлена анонимно в 1871 году на ежегодном конкурсе Московского общества ценителей искусства. Картина произвела фурор. «Волге» Саврасова досталось первое место в разделе ландшафтных изображений. Вот как она описывалась современниками: «Картина эта довольно обширных размеров (более сажени в ширину). Колорит, если так можно выразиться, дождливый. Бесконечная зыбь матушки-кормилицы Волги; облачное небо; Юрьевец на взгорье; куча бурлаков, тянущих на бечеве баржу; невеселая, но характерная картина...» В следующий раз публика об этой картине услышала в декабре 2014 года на парижском аукционе Audap & Mirabaud. Эстимейт был определен в 70–90 тысяч евро. Организаторы аукциона, похоже, не потрудились разобраться, что же перед ними, поставив столь скромную цену. А вот коллекционеры стоимость шедевра вполне осознавали, в итоге картина ушла за 939 тысяч евро (более 1 миллиона долларов) - во французскую частную коллекцию. В июне 2015 года на русских торгах аукциона Sotheby's в Лондоне картина была выставлена с эстимейтом 2 миллиона 150 тысяч – 2 миллиона 800 тысяч долларов. Она считалась одним из самых дорогих и лакомых лотов русских торгов, но покупателя не нашла. Не то чтобы «Волга в окрестностях Юрьевца» вообще исчезала. О ней знали, фотографии ее встречались в монографиях художника, ее даже школьники в сочинениях иногда описывали. Но где она находится и цела ли – не было известно. Надпись на обороте свидетельствует о том, что картина входила в коллекцию профессора Киевского университета, доктора Владимира Меринга. Точно нельзя проследить путь, по которому она попала за границу. По состоянию на 2015 год эта картина стала самым значимым полотном Саврасова, когда-либо выставленным на аукционе Sotheby's. И в целом она входит в число лучших произведений Саврасова. Бурлаки на фоне монументального волжского пейзажа, вернее, бурлаки как часть этого пейзажа открывают цикл работ Саврасова, посвященных Волге. В начале 1870 года художник вместе с женой Софией и их две дочери переехали в Ярославль. Здесь, неподалеку от Юрьевца (маленький городок восточнее Ярославля), Саврасов работал над этой картиной. Здесь же он написал самые известные свои полотна, в том числе легендарную картину «Грачи прилетели». Это было счастливое время в его жизни – любимая семья, возможность писать, вдохновение, природа. И вместе с тем это было тяжелое время – здесь после сложных родов Софии умер третий ребенок Саврасовых. На этом сплаве из трагических переживаний и счастливого быта создавались лучшие полотна художника. В 1860-70-е годы ряд крупных российских художников пытались привлечь внимание к теме бурлаков, в ней видели символ жестокой социальной несправедливости. Конечно, нельзя не вспомнить знаменитых «Бурлаков на Волге» Ильи Репина. Саврасов и Репин писали своих бурлаков параллельно и независимо друг от друга. На обоих безусловно повлияла написанная в 1866 году работа Василия Верещагина. Обе картины были представлены 1871 году, Репин показал своих «Бурлаков» в Санкт-Петербурге, Саврасов «Волгу» – в Москве. Известно, что Репин картину дорабатывал, и публика знает вариант, к которому он пришел в 1873 году. Саврасов тоже работал над картиной после первой выставки. По некоторым сведениями, он вносил правки до 1871 года. АлексейСаврасов Реализм _history
5590 

27.02.2021 19:54

​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд

Картина...
​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина...
​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина соучредителя Венского сецессиона Карла Молля «Белый интерьер» (1905) более столетия находилась в руках одной семьи. Теперь она произвела фурор на аукционе Freeman’s в Пенсильвании: при эстимейте в 300−500 тысяч долларов работа ушла с молотка за 4,7 миллиона. Это рекорд не только для произведений самого художника, но и для аукционного дома. За «Белый интерьер» сражались несколько участников торгов онлайн и дюжина ценителей по телефону. Все они находились в разных уголках мира. В итоге работа досталась частному калифорнийскому коллекционеру, который, как сообщается, намерен в будущем выставить её в Neue Galerie в Нью-Йорке. Предыдущий рекорд для картин Карла Молля составляет «скромных» 385 тыс. 653 доллара, а самый дорогой лот, который прежде продавал Freeman’s, оценивался в 3,1 миллиона долларов. Это была Императорская белая нефритовая печать периода Цяньлун. Карл Молль относительно малоизвестен за пределами своей родной Австрии. Тем не менее, он был одним из ведущих художников в Вене на рубеже XX века. В 1897 году живописец стал соучредителем Венского сецессиона вместе с Густавом Климтом, Отто Вагнером и Йозефом Хоффманом. Они отошли от конформизма Венской академии изящных искусств, чтобы продвигать новые формы творчества. Молль писал в основном пейзажи и натюрморты, вдохновлённые французским неоимпрессионизмом. Но его кисти принадлежат также безмятежные и элегантные внутренние сцены, которые он создавал на протяжении всей своей карьеры. «Белый интерьер», написанный в 1905 году, — одна из таких картин. На полотне изображена одинокая женская фигура в центре богато украшенной гостиной. Дама в свободном длинном белом платье стоит спиной к зрителю, расставляя букет жёлтых тюльпанов в старинной вазе. В этой сцене ощущается домашнее умиротворение, которое ей придаёт мягкий рассеянный свет. Молль вдохновлялся живописью Яна Вермеера, чьё творчество только что было заново открыто в начале XX века. Композиция тщательно сбалансирована и подчеркнута горизонтальной линией гладкого обеденного стола в центре. Красивым контрастом выступают две высокие стеклянные витрины, размещенные по сторонам холста на переднем плане. Отдельное внимание стоит уделить героине картины. Хотя Молль предпочёл скрыть её лицо, это — не анонимный персонаж. Художник изобразил Берту Цукеркандль, которую называли «кукловодом венской культурной сцены». Она была одной из значимых фигур Вены на рубеже веков и ярым сторонником австрийского модерна, который защищала во множестве своих статей в социал-демократической газете «Wiener Allgemeine Zeitung». Будучи замужем за известным анатомом, Цукеркандль проводила еженедельный салон (один из последних в Европе), где принимала многих знаменитостей того времени, таких как Густав Климт и Стефан Цвейг. «Белый интерьер» был выставлен в Берлине в начале 1905 года, а в следующем году — в Музее Фолькванг в Эссене. Последний публичный показ картины прошёл на знаменитой Венской художественной ярмарке, где она демонстрировалась вместе с культовым «Поцелуем» Густава Климта. Там её приобрёл частный коллекционер, и в течение столетия работа хранилась у его потомков. В середине 1970-х годов семья переехала из Германии в США, и теперь владельцы решили продать шедевр. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7249c86598c0815f7d3c2.jpg
5537 

28.02.2021 20:14

​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины...
​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины...
​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины Кандинского Мэр Амстердама решила, что пришло время пересмотреть вопрос о том, должен ли Городской музей Стеделейк оставить себе «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского. До того, как музей приобрёл картину во время Второй мировой войны, она входила в собрание коллекционера-еврея. Голландская комиссия по реституциям, которая рассматривает жалобы на нацистские грабежи, в 2018 году постановила, что музей может оставить себе работу «Картина с домами», на которую претендуют наследники его бывших владельцев. Решение реституционной комиссии было поддержано голландским судом. Однако мэр Амстердама в своём письме заявила, что было бы целесообразно, чтобы комиссия по реституции пересмотрела дело о картине, которая находится в коллекции музея с 1940 года. Судьба картины находится в центре внимания, поскольку это один из немногих случаев, когда комиссия по реституции пытается уравновесить интересы культурных учреждений и интересы людей, которые хотят вернуть произведения искусства, награбленные во время Второй мировой войны. Такая формулировка вызвала критику со стороны экспертов по реституции, а в декабре — со стороны комитета, созванного министром культуры Нидерландов для изучения решений комиссии по реституции. В своём письме мэр Фемке Хальсема и несколько других официальных лиц, известных под общим названием Коллегия мэров и олдерменов, написали, что они согласны с выводами комитета, который проявляет больше сочувствия в процессе реституции. «Еврейский народ был лишен своего имущества, прав, достоинства и, во многих случаях, жизни, — говорится в письме. — И если что-то из этой вопиющей несправедливости по отношению к ним ещё подлежит исправлению, у нас, как общества, есть моральное обязательство действовать соответственно». Джеймс Палмер, основатель компании по реституции произведений искусства Mondex Corporation, которая представляет истцов в «деле Кандинского», сказал, что они «в восторге от письма мэра и её коллег». «Прошло уже почти десять лет с тех пор, как семья начала свою тяжбу, — написал он, добавив: «Мы надеемся найти другое решение при поддержке города Амстердама, чтобы разрешить этот вопрос мирным и быстрым образом». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b3f826fa8210b073764c8.jpg
5507 

02.03.2021 20:48


"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из...
"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из поздних работ Люсьена Фрейда, которая затесалась между стройными рядами обнаженных человеческих тел, кажется, по какому-то недоразумению. При первом взгляде на это полотно даже сложно поверить, что оно принадлежит кисти того самого Фрейда, который на своих полотнах снимает с моделей оболочку за оболочкой, не оставляя в конце концов даже тела – одну лишь сердцевину. И только когда возникает безотчетное желание прикоснуться к изображению (удивительная особенность, объединяющая большинство работ художника), все сомнения отпадают – это и в самом деле Фрейд. В отличие от людей, по отношению к которым художник в своих работах, суждениях и определениях часто бывал довольно безжалостен, к животным он всю жизнь относился особенно трепетно и нежно. Что, впрочем, неудивительно, ведь в определенный период жизни Фрейда животные были его единственными друзьями. Когда семья Фрейда переехала из Германии в Англию, мальчик на долгое время замкнулся в себе. Люсьен плохо знал английский язык, из-за чего его дразнили сверстники, и тогда он стал искать утешения в общении с природой. С тех пор лошади и собаки окружали художника всю жизнь. Он часто укладывал своих собак рядом со спящими обнаженными натурщиками, создавая на картинах неуловимую ауру безмятежности и полного доверия. Когда Люсьен увлекся живописью, родители будущего художника восприняли это с большим энтузиазмом. Настолько большим, вспоминал потом Фрейд, что он даже стал подумывать о том, чтобы отказаться от карьеры художника и стать жокеем или ветеринаром. И, несмотря на то, что живопись все же взяла верх, лошади навсегда остались едва ли не самой сильной его любовью. В 60-х годах Фрейд каждую свободную минуту проводил на скачках, а позже часто бывал в конюшнях Дворцовой кавалерии, рисуя королевских скакунов. ЛюсьенФрейд Анимализм Натурализм _history
5509 

04.03.2021 21:37

​​️Последние денечки для посещения выставки современного японского художника...
​​️Последние денечки для посещения выставки современного японского художника...
​​️Последние денечки для посещения выставки современного японского художника Кавати Сэйко «Полет над Хокусаем» в Музее Востока. ️Сегодня галереи-резиденты арт-платформы Cube.Moscow представили сразу семь новых проектов. ️ 05 марта White Room Foundation представит групповую выставку «Тёмная сторона радуги» по итогам резиденции для художников. ️В Париже откроется новый культурный проект Structure 35-37.   ️Картина Уинстона Черчилля из коллекции Анджелины Джоли продана на торгах Christie’s за £7 млн Это рекордная цена, заплаченная за работу Черчилля-художника. Картина «Минарет мечети Кутубия» была написана в 1943 году во время визита политика в Марракеш. Позднее он подарил эту картину президенту США Франклину Рузвельту на день рождения. Джоли и Питт приобрели картину в 2011 году. Фото: Уинстон Черчилль. Минарет мечети Кутубия. 1943. Холст, масло. Christie’s https://telegra.ph/file/1005b18419867f8923f69.jpg
5517 

03.03.2021 21:21

Поль Гоген – первый дауншифтер

Первые 7 лет он жил на родине матери в Перу.
Поль Гоген – первый дауншифтер Первые 7 лет он жил на родине матери в Перу.
Поль Гоген – первый дауншифтер Первые 7 лет он жил на родине матери в Перу. Яркие воспоминания о тех райских краях Гоген сохранил на всю жизнь. Чтобы дать сыну достойное образование, семья переехала во Францию. Поль выучился, женился и стал работать биржевым брокером. У пары родилось пятеро детей. Семья Гоген занимала две комфортабельные квартиры, где было место и для мастерской художника. Как многие люди его круга, Поль коллекционировал работы художников и стал писать сам. Именно в эти моменты он чувствовал себя счастливым. В конце концов, он оставил работу. Денег кончились, жена ушла, забрав детей. И Поль отправляется туда, где он был счастлив – в дальние экзотические страны из своего детства. Сначала на остров Мартиника, потом в Панаму. Потом едет к Ван Гогу в Арль. Пребывание кончилось ссорой и историей с ухом. Наконец, сбегая от цивилизации, которую считал «болезнью» Поль Гоген уезжает в Океанию: сначала на остров Таити, а затем на остров Хива-Оа, где он напишет лучшие свои работы.
5562 

03.03.2021 22:30

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд

Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg
5505 

05.03.2021 19:47

Головин Александр Яковлевич (1863-1930)

Родился 17 февраля 1863 года в семье...
Головин Александр Яковлевич (1863-1930) Родился 17 февраля 1863 года в семье...
Головин Александр Яковлевич (1863-1930) Родился 17 февраля 1863 года в семье священника. Произошло это важное для русской культуры событие в Москве, на Плющихе. Спустя три года мальчик вместе с семьей переехал в Петровское-оРазумовское. Переезд состоялся после того, как отца будущего художника, Якова Даниловича Головина, назначили профессором богословия в только что основанную Петровскую земледельческую и лесную академию (ныне всем известная "Тимирязевка"). Как вспоминал сам Головин, художественные наклонности в нем первым заметил организатор и первый директор академии Н.И. Железнов, выдающийся русский ботаник и агроном. Не без помощи академических профессоров мальчика удалось определить в самые престижные учебные заведения Москвы. Девочка и фарфор (Фрося) — Головин Александр Яковлевич
5447 

10.03.2021 16:33

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон.
"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history
5490 

11.03.2021 21:37


Краткая биография Ивана Айвазовского (1817-1900гг.) 

Мальчик любил рисовать с...
Краткая биография Ивана Айвазовского (1817-1900гг.) Мальчик любил рисовать с...
Краткая биография Ивана Айвазовского (1817-1900гг.) Мальчик любил рисовать с детства, но семья была бедной, и не видать бы России великого художника, если бы не градоначальник Феодосии А.И. Казначеев. Именно с его помощью Айвазовский был принят сначала в гимназию в Симферополе, а затем - в петербургскую художественную Академию. В Петербурге он быстро стал «своим»: общается с Брюлловым, Глинкой, Крыловым. Судьбой Айвазовского стало море. Первые морские этюды художник написал еще в Академии. Но биография художника, возможно, была бы совсем другой, если бы в 1838 году Айвазовский не отправился бы на 2 года в Крым. В это время он знакомится с будущими морскими героями России - Нахимовым, Лазаревым, Корниловым. Знакомство накладывает отпечаток на творчество: теперь это не просто морские этюды, а картины-баталии. В 1840 году Айвазовский уезжает за границу, где так ярко раскрывает свой талант, что награждается золотой медалью французской художественной академии и становится кавалером Ордена Почетного легиона.
5453 

10.03.2021 22:30

М.Я. Будкеев родился 23 декабря 1922 года в крестьянской семье, в старинном...
М.Я. Будкеев родился 23 декабря 1922 года в крестьянской семье, в старинном...
М.Я. Будкеев родился 23 декабря 1922 года в крестьянской семье, в старинном селе у подножия Салаирского хребта Овсянниково Целинного района Алтайского края. Красота природы, самобытность жизненного уклада, природные склонности будили романтическое отношение к миру, формировали цельный характер. В крестьянской юности у М.Я. Будкеева были занятия, определяемые полузабытыми ныне словами "коногон", "копновоз"; помнятся художнику и клички всех лошадей из того далекого прошлого - Лапоть, Попиха, Пегуха - и о каждой из этих трудяг - поэма воспоминаний. Рано определившийся интерес к художественному творчеству не был тогда подкреплен обучением и художническим знанием, так как по судьбе будущего художника прошла Великая Отечественная война. М.Я. Будкеев закончил Канскую военную авиационную школу, летал штурманом, но воевать пришлось после окончания Новосибирского пехотного училища командиром взвода автоматчиков - апрель, май, июнь, июль 1943 года.
5438 

12.03.2021 16:29

Анджелина Джоли продала картину Уинстона Черчилля "Минарет мечети Аль-Кутубия"...
Анджелина Джоли продала картину Уинстона Черчилля "Минарет мечети Аль-Кутубия", которую тот подарил экс-президенту США Франклину Рузвельту, за 11,5 миллиона $. Картина была написана и подарена Рузвельту в 1943 году, а затем по наследству досталась его сыну Эллиоту. Позднее она также принадлежала ряду владельцев и выставлялась на нескольких выставках, а семьей Джоли была приобретена в 2011 году. Как сообщил Christie's в Twitter, это единственная картина, написанная Черчиллем во время Второй мировой войны. На картине изображен закат над самой крупной в марокканском Марракеше мечетью, построенной в XII веке, с горами на заднем плане. Предположительно, британский премьер написал эту картину после Касабланской конференции в 1943 году, а затем подарил ее американскому президенту на память.
5506 

14.03.2021 20:02

​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв...
​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв...
​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв нацизма Франция вернёт единственную картину Густава Климта из своей национальной коллекции наследникам Норы Стясны. Эта женщина еврейского происхождения вынуждена была продать полотно, когда нацисты аннексировали её родную Австрию. Министр культуры Франции Розлин Башло сказала, что с этим шедевром стране расстаться сложно, но необходимо. «Это завершение акта правосудия», — заявила она на пресс-конференции в Париже. «Розы под деревьями» в настоящее время находятся в Музее Орсе. Этот пейзаж не входил в специальный список награбленных произведений искусства, возвращенных из Германии во Францию после окончания Второй мировой войны. Картина Климта была куплена в 1980 году и по закону считается «неотъемлемой» собственностью страны. Это означает, что для её возвращения прежним владельцам парламент должен будет принять специальный закон. Нора Стясны родилась в 1898 году в Вене. Картину ей передал её дядя Виктор Цукеркандль — богатый сталелитейный магнат и коллекционер произведений искусства. «Розы под деревьями» он купил в 1911 году. Но после того, как нацисты аннексировали Австрию, Стясны была вынуждена продать пейзаж в 1938 году «почти за бесценок», чтобы выжить. Женщину депортировали в Польшу в 1942 году, где она в том же году погибла лагере смерти «Белжец» вместе с мужем и сыном. Картину в 1938 году купил человек, который называл себя другом семьи, но на деле симпатизировал нацистам. По словам Розлин Башло, он «спровоцировал продажу» и хранил полотно у себя до самой смерти в 1960 году. Двадцать лет спустя французское государство купило «Розы под деревьями» в художественной галерее. Чиновники готовились к открытию Музея Орсе и создавали государственную коллекцию современного искусства. На пресс-конференции официальные лица заверили, что перед покупкой Франция интересовалась происхождением картины, но не нашла доказательств того, что она была продана под принуждением. Лишь в последние годы французские и австрийские историки смогли проследить полный путь пейзажа. Это было довольно трудно из-за того, что большинство доказательств были уничтожены, а семейные воспоминания — размыты. В 2019 году Франция решила ответить на многолетнюю критику за недостаточную активность в сфере реституции. Новая экспертная группа получила более широкий мандат на поиск и возврат произведений искусства, которые были разграблены или проданы под принуждением во время нацистской оккупации. Сейчас Лувр пересматривает все свои приобретения, сделанные в период с 1933 по 1945 год. В 2017 году Австрия вернула наследникам Стясны похожую картину Климта «Яблоня II». Однако позже австрийские власти пришли к выводу, что эта реституция была ошибочной. В конечном итоге эксперты определили, что потомкам женщины следует передать «Розы под деревьями», а не «Яблоню II». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/d9741f03e17c2e942eb9f.jpg
5456 

18.03.2021 20:37

Краткая биография Архипова Абрама Ефимовича (1862-1930)

Абрам Архипов...
Краткая биография Архипова Абрама Ефимовича (1862-1930) Абрам Архипов...
Краткая биография Архипова Абрама Ефимовича (1862-1930) Абрам Архипов (настоящая фамилия Пыриков) родился в небогатой семье крестьян в Рязанской области. Интерес к живописи у мальчика возник с детских лет. Первыми его учителями стали местные и приезжающие иконописцы. В 1877 юноша поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ). Его учениками были Перов, Саврасов, Поленов. С 1904 - член Союза русских художников. Преподавал в МУЖВЗ, ГСХМ (бывш. Императорское Строгановское училище), Вхутемасе. Начинал с создания жанровых сцен, затем обратился к лирическому пейзажу. Мастерски сочетал настроенческие пейзажи с эмоциональным состоянием изображаемых людей. Большое внимание уделял «социальной повестке» (например, картина «Прачки» 1890-е гг). Более всего запомнился лучезарными портретам крестьянок, в которых широкими мазки и яркими, чистыми, сочными цветами создавал образы людей, полных здоровья и радости.
5420 

17.03.2021 22:30

Кошки против собак

О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость...
Кошки против собак О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость...
Кошки против собак О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость и изображалась как символ измены, разврата и лени мы уже писали. Вот на картине Эдуарда Мане «Олимпия» черный котенок в ногах у дамы пониженной социальной ответственности намекает нам о роде её деятельности. Пикассо пошел еще дальше. В своей картине «Кошка, схватившая птицу» в образе кровожадной кошки он изобразил фашизм. Другое дело – собаки. Собака, как известно, друг человека. И в живописи это точно так. Вот «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. На переднем плане маленькая собачка – символ верности и домашнего уюта. Такой же символ дремлет в ногах «Венеры Урбинской» Тициана (вроде всё то же, что и у Мане: лежащая обнаженная женщина, животное в ногах, но впечатления прямо противоположны). Или нерадивый ученик с картины Федора Решетникова «Опять двойка» - рада которому лишь одна собака. И как-то сразу верится, что парень он неплохой, и семья хорошая, просто немного не повезло, но он исправится.
5466 

18.03.2021 22:30

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины...
"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history
5506 

20.03.2021 20:22


​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым...
​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым...
​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым стеклом Шедевр Губерта и Яна ван Эйков, «Поклонение мистического агнца», также известный как Гентский алтарь, обрёл новый дом. Теперь одно из величайших мировых сокровищ будет находиться в пуленепробиваемом стеклянном контейнере стоимостью в 30 миллионов евро. Возможно, потраченная сумма кажется непомерно большой, однако стоит вспомнить, что этот полиптих — самое похищаемое произведение искусства всех времён. Братья Ван Эйки создали алтарь из двенадцати панелей в 1432 году для собора Святого Бавона в Генте (ныне — Бельгия). Сейчас он установлен в часовне Святого Причастия — самой большой часовне собора — в пуленепробиваемой витрине высотой в шесть метров и объёмом в 100 кубометров. В контейнере налажен климат-контроль для лучшего сохранения шедевра, чьё былое величие восстанавливали последние восемь лет. Температура в неотапливаемом соборе зимой опускается до двух градусов Цельсия, а часовня иногда наполняется солнечным светом, который проникает через цветные витражи. Но главным приоритетом для заказчиков и создателей витрины была безопасность шедевра. За свою 589-летнюю историю Гентский алтарь множество раз побывал на грани уничтожения. Полиптих пытались сжечь мятежные кальвинисты, Наполеон выкрал его для парижского Лувра, он был разделён, когда попал в руки короля Пруссии. Во время Второй мировой войны Герман Геринг пожелал преподнести «Поклонение мистического агнца» Адольфу Гитлеру, и похищенное творение Ван Эйков могли взорвать динамитом в австрийской соляной шахте, но его спасли двойные агенты-коммандос. К сожалению, алтарь не полностью сохранился в первоначальном виде. Одна из дюжины его панелей исчезла во время дерзкого ограбления вечером 10 апреля 1934 года. Это преступление до сих пор не раскрыто. В своё время попытка найти пропажу довела до отчаяния нацистских агентов, которых отправил Геббельс, и по сей день загадка сбивает с толку как следователей-профессионалов, так и сыщиков-любителей. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/53bc270c0334f28be8e10.jpg
5421 

28.03.2021 21:36

"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот...
"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот сад писал не только Сислей. Хозяин сада и дома в Монжероне, Эрнест Ошеде, был одним из первых поклонников молодых художников-импрессионистов. Он покупал их картины и часто спасал этим от голода. И был, кстати, владельцем легендарного полотна Моне «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всему движению молодых художников. Он приглашал Клода Моне, Эдуара Мане и Альфреда Сислея в свое поместье в Монжероне, где они жили по несколько месяцев и писали местные пейзажи и декоративные панно для огромного дома Ошеде. Художники отдыхали: в этом доме их всегда ждала мастерская в парковом павильоне, приятное общество, изысканная еда и вино, солнце и живописные места. Эрнест - наследник успешного бизнеса. Его родители создали торговое предприятие и занимались продажей тканей. У него жена Алиса, тоже богатая наследница крупных промышленников, и пятеро детей. Дела идут неплохо. Когда Эрнест разорится, бестолково угробит родительский бизнес и истратит родительские деньги, парижские журналисты будут писать ядовитые статьи: как это мило со стороны художника Клода Моне - приютить у себя в доме семью Эрнеста Ошеде, который стал банкротом, покупая его картины. Это была правда лишь наполовину: Моне действительно пригласил Эрнеста, Алису и их детей снимать один дом на две семьи, когда с деньгами у Ошеде стало туго. Но в разорении неудачливого торговца виноват был только он сам. Этот солнечный пейзаж Сислея подписан 1881 годом - к тому времени Эрнест уже разорился и заложил поместье. Его семья уже жила с Клодом Моне, а сам он был в постоянных разъездах и увлеченно делал карьеру журналиста в Париже. Дети Эрнеста скоро станут называть Клода Моне папой, а пока еще законная жена Ошеде Алиса станет возлюбленной и помощницей Моне. Так что скорее всего Сислей начал работу над «Садом Ошеде» за несколько лет до этого, когда Эрнест еще мог себе позволить скупать картины импрессионистов сотнями, когда беззаботная жизнь в Монжероне казалась бесконечной, а легкий летний флирт хозяйки дома Алисы Ошеде и молодого темпераментного талантливого Клода Моне еще казался мимолетным и несерьезным. Вот только дотянутся знойные ленивые тени до другого края сада - и все это наваждение рассеется. АльфредСислей Импрессионизм _history
5437 

30.03.2021 20:13

Гениальный обман в искусстве

Одна из самых дерзких схем по продаже подделок...
Гениальный обман в искусстве Одна из самых дерзких схем по продаже подделок...
Гениальный обман в искусстве Одна из самых дерзких схем по продаже подделок принадлежит американскому арт-дилеру иранского происхождения Эли Сахаю. Он продавал и оригинал, и подделку, написанную с оригинала. При этом подделка, как правило, сопровождалась сертификатом, который арт-дилер получал при покупке оригинала. Например, картину Марка Шагала «Сиреневая скатерть», Сахай купил в 1990 году на аукционе Christie’s за $312 тысяч. Копию с этой работы он затем продал японскому коллекционеру более, чем за $500 тысяч, а оригинал перепродал на том же Christie’s через восемь лет за $626 тысяч. На деятельность Сахая обратило внимание ФБР после того, как в 2000 году два главных аукционных дома Christie’s и Sotheby’s одновременно выставили на торги две одинаковые картины – «Ваза с лилиями» Поля Гогена. Подделку намеревался продать ни о чем не подозревающий японский коллекционер, который совсем недавно приобрел картину у Сахая. А сам Сахай решил продать уже настоящего Гогена через конкурирующую организацию.
5460 

30.03.2021 21:10

"Автопортрет в виде аллегории живописи" 1630-е Артемизия...
"Автопортрет в виде аллегории живописи" 1630-е Артемизия Джентилески Королевское художественное собрание в Виндзорском замке. Среди всех автопортретов Артемизии Джентилески шедевром является именно этот – сравнительно поздний, британский. Контрастная светотень и характерный колорит напоминают об усвоенных ею в юности уроках Караваджо, а очень необычный ракурс объясняется просто: когда бы перед загрунтованным холстом, над которым работает Артемизия, стояло зеркало, то, слегка повернув голову, она бы увидела себя именно в таком положении. Если датировка картины верна, то здесь Артемизии должно быть около сорока пяти. Она мать четверых детей – двух умерших мальчиков и двух оставшихся в живых девочек, одна из которых незаконнорождённая, а вехи прожитой жизни Артемизии похожи на этапы авантюрного романа. В 12 лет она начала учиться живописи. В 17 была изнасилована своим учителем перспективы Агостино Тасси. В 18 пережила громкий судебный процесс в Риме, обиду на отца, на любовника и на всех мужчин скопом. В 19 скоропалительно вышла замуж за почти случайного человека и уехала во Флоренцию. Там, несмотря на скандальную славу, добилась успеха, покровительства семьи Медичи, дружбы с Галилеем и даже (первой среди женщин!) членства в Флорентийской академии изящных искусств. Однако вынуждена была довольствоваться частными заказами: общественных и хорошо оплачиваемых женщине не полагалось. Бросив всё, рискнула перебраться в Неаполь. Там боролась с дикими нравами художников-конкурентов и даже получила разрешение на оружие. Добилась долгожданного заказа на фресковую живопись в городке Пиццуоли. Продолжала терпеть недопонимание и финансовые трудности. Решилась на отъезд в Британию – страну с отвратительным климатом и отсутствующей художественной традицией. Артемизия – имя, данное ей при рождении, – в переводе с итальянского означает «полынь». Несмотря на феноменальную энергию и завидную силу духа, Артемизия испытала на своём веку немало горечи. «Автопортрет в виде аллегории живописи» – её манифест, утверждение права называться крупным художником. По тем временам это был чрезвычайно смелый замысел – изобразить в виде аллегории живописи себя, с перепачканными краской запястьями и кулоном в форме мертвой головы. Но Артемизия считала, что такое право она заслужила. Этот чудесный автопортрет написан ориентировочно в 1638-1639 годах, когда итальянка Артемизия перебралась в Англию, куда её настойчиво звал британский монарх Карл V. Он был первым из правителей Туманного Альбиона, по-настоящему увлечённых искусством, и жаждал собрать под сводами Винздорского замка как можно больше знаменитых европейских мастеров – испанцев, итальянцев, голландцев. На этой волне его придворным портретистом стал фламандец Антонис Ван Дейк; даже престарелый Орацио Джентилески, отец Артемизии, получил заказ на роспись потолка Гринвичской резиденции. Сама Артемизия до этого лет 20 не виделась с отцом: она никак не могла его простить. Англия смогла примирить их и вернуть на четверть века назад, когда они вместе – мастер и его помощница – работали над росписями римских церквей. В франко-итальянском фильме «Артемизия» (1997) есть даже кадр, где художница предъявляет отцу именно эту работу, автопортрет, и Орацио восклицает: «Ты стала потрясающей художницей, моя Артемизия!» АртемизияДжентилески Барокко _history
5365 

18.04.2021 20:39

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ...
"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history
5374 

01.04.2021 23:08

Гея, 1966 г.
Ли Краснер 
 МоМА, Нью-Йорк

Американская художница, которую дома...
Гея, 1966 г. Ли Краснер МоМА, Нью-Йорк Американская художница, которую дома...
Гея, 1966 г. Ли Краснер МоМА, Нью-Йорк Американская художница, которую дома называли Леной, родилась в семье эмигрантов из села Шпиков Тульчинского района Винницкой области, покинувших Украину за несколько лет до рождения дочери. Краснер сейчас рассматривается как ключевая фигура переходного периода в абстракции, которая связывала искусство начала 20-го века с новыми идеями послевоенной Америки, и ее работы высоко ценятся на аукционах. Ли Краснер и Джексон Поллок познакомились друг с другом в 1942 году после того, как они оба были выставлены в галерее Макмиллена. Летом 1945-го они поженились в церкви с двумя свидетелями. Ли Краснер и Джексон Поллок стали прототипами главных героев романа американской писательницы Ивлин Тойнтон «Современное искусство» (2000).
5264 

04.04.2021 21:19


В.И.Суриков Меншиков в Берёзове 1883 В.И.Суриков (1848-1916) – знаменитый...
В.И.Суриков Меншиков в Берёзове 1883 В.И.Суриков (1848-1916) – знаменитый русский художник, прославившийся как мастер монументальных патриотических полотен в жанре исторической живописи. А.Д.Меншиков (1673–1729), ближайший сподвижник Петра I, государственный деятель. В 1727 году был обвинен в государственной измене и хищении казны. Вместе с семьей был сослан в городок Березов (ныне поселок в Ханты-Мансийском автономном округе), где и скончался. Суриков представил сцену в низкой, темной избе, где переживает опалу некогда всесильный царский фаворит. Маленькое слюдяное оконце едва пропускает тусклый свет зимнего дня. Комната погружена в полумрак. Чувствуется сибирская стужа, проникающая в жилище. Отсветы слабого огонька лампады слегка золотят оклады икон. От этого ещё темнее, мрачнее в избе и усиливается впечатление оторванности ссыльных от всего мира. Не смирившийся с поражением, по-прежнему величественный, Меншиков погружен в свои думы. Мастерски написаны его дети - старшая дочь Мария, прижавшаяся к отцу и глубоко задумавшаяся о чём-то далёком, сын Александр, машинально снимающий воск с подсвечника, и младшая дочь Александра, вводящая светлую ноту в атмосферу гибели и безысходности. Картина заставляет задуматься не только об исторических российских реалиях, но и о судьбе отдельного человека, попавшего в жесткие колеса истории. По отзывам многочисленных современников Сурикова, это полотно - одно из лучших, вышедших из-под его кисти. художник вневремени живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо
5347 

25.04.2021 11:48

Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец...
Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец занимался сельским хозяйством и детство Элин провела на ферме своей семьи, но в 1866 году случился неурожай и голод, ферма разорилась, ее пришлось продать и отец художницы застрелился, а мать осталась с двумя дочерьми. Элин с детства страстно интересовалась рисованием и поэтому в пятнадцать лет она отправилась в Хельсинки, где жили ее тетя и дядя, чтоб учиться в школе искусств. Одновременно она стала подрабатывать росписью фарфора и ходить на курсы в академию Адольфа фон Беккера, где научилась писать маслом. А, собственно, фон Беккер, который основал первую школу живописи в Финляндии и вообще был другом и учеником Густава Курбе, Элин выделял из своих учеников и даже купил у нее несколько картин, что художницу очень вдохновило. В 1880 году случилась ее первая выставка и в том же году она получила диплом учителя рисования и потом даже преподавала рисунок в разных школах по всей Финляндии. Кстати, представительницы небольшого художественного сестринства все были учителями рисования и благодаря их работе выросло потом еще одно поколение отличных художников. Вообще, в те времена получить степень педагога для художника часто было выгоднее, чем просто называться художником - так можно было меньше беспокоиться за свою финансовую независимость. В 1883 году художница отправилась в Париж чтоб продолжать учебу, поработала там в мастерской Огюста Родена, слушала лекции заслуженных художников, училась и тусовалась, как все нормальные художницы в Париже в те годы. Потом Даниэльсон-Гамбоджи ездила на пленэры в Бретань, вернулась в родную деревню Ноормаркку, открыла там студию и занялась преподаванием, каждое лето отправлялась в гости в колонию художников Эннингебю, которую устроил на Аландских островах пейзажист Виктор Вестерхольм. В 1895 году году Элин получила стипендию на обучение во Флоренции и путешествие по Италии, в результате которого она в тридцать шесть лет познакомилась со своим мужем, Рафаэлло Гамбоджи. Он тоже был художником, был моложе Элин на тринадцать лет и сначала у них была продуктивная совместная работа и они открывали вместе свои выставки по всей Европе и явно неплохо влияли друг на друга. А потом супружеская жизнь как-то не заладилась и муж решил уйти к подруге Элин, а затем надолго попал в психиатрическую лечебницу. Во время Первой мировой войны Элин осталась в Италии и потеряла возможность ездить на родину. В 1919 году она заболела пневмонией и умерла в итальянской коммуне Антиньяно. Ее на какое-то время позабыли в Финляндии, но сейчас она считается одной из главных представительниц того самого золотого века финского искусства.
5324 

27.04.2021 21:12

Лицом к лицу В 2007 году художники JR и Марко создали проект «Face 2...
Лицом к лицу В 2007 году художники JR и Марко создали проект «Face 2 face». Они выставили огромные фотографии израильтян и палестинцев, лицом к лицу, в восьми палестинских и израильских городах, и по обе стороны Израильского разделительного барьера. «Когда мы встретились в 2005 году, мы решили поехать вместе на Ближний Восток, чтобы выяснить, почему палестинцы и израильтяне не могут найти способ ладить вместе. Затем мы путешествовали по израильским и палестинским городам, почти не разговаривая. Просто с удивлением смотрю на этот мир. Это святое место иудаизма, христианства и ислама. Это крошечный уголок, где вы можете увидеть горы, море, пустыни и озера, любовь и ненависть, надежду и отчаяние, соединенные вместе. Через неделю мы пришли к выводу, что эти люди выглядят одинаково; они говорят почти на одном языке, как братья-близнецы, выросшие в разных семьях». Искусство или нет?
5256 

12.04.2021 12:56

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея...
"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history
5300 

17.04.2021 22:34

​​Свежие новости

Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: 

️3...
​​Свежие новости Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: ️3...
​​Свежие новости Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: ️3 июня – 28 августа 2022 Святитель Николай Чудотворец. Иконы XIII–ХХ веков Инженерный корпус, Лаврушинский переулок, 12, 2-й этаж Святитель Николай архиепископ Мир Ликийских, — один из самых почитаемых святых христианского мира. На Руси святой Николай получил прозвания «угодник» и «скорый помощник». Ему было посвящено множество храмов, а его образы находились в каждой церкви. Святитель Николай покровительствовал и семье Третьяковых. На выставке будут представлены иконографические изводы, воспроизводящие чудотворные образы святителя Николая, которые сыграли заметную роль в русской истории и культуре: иконы Николы Зарайского и Николы Великорецкого, а также иконописные и резные реплики с деревянной статуи Николы Можайского. Ряд памятников экспонируются впервые. ️8 июня - 2 октября 2022 Петр Великий. Усы властелина Лаврушинский переулок, 10, зал 11 Камерная выставка, приуроченная к 350-летию со дня рождения Петра I, представляет около 30 произведений живописи, графики, скульптуры и книги. Экспозиция предлагает зрителям наглядный и весьма нетривиальный взгляд на портретные изображения Петра Великого, относящиеся к XVIII–XXI векам. ️ 16 июня – 14 ноября 2022 Василий Чекрыгин Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Расширенная экспозиция произведений Василия Чекрыгина знакомит с наследием едва ли не самого гениального художника-графика начала ХХ века. Графическими средствами мастер добивается впечатления прозрачности и эфемерности телесного начала, преображающегося в потоках света. ️29 июня – 18 сентября 2022 Велимир Хлебников. Король Времени Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Велимир Хлебников — выдающийся поэт начала XX века, прозаик, драматург, автор утопических теорий, вошедший в историю русской литературы как реформатор поэтического языка и один из основоположников футуризма в России. Региональные проекты: ️2 июня – 17 июля 2022 Сокровища Третьяковской галереи Якутск, Национальный художественный музей Республики Саха, ул. Кирова, 9, 2-й этаж Третьяковская галерея представляет крупный выставочный проект, приуроченный к празднованию 100-летия образования Якутской АССР. Представленные в экспозиции художественные произведения — это образцы классического русского и советского искусства. ️ 19 июня – 17 июля 2022 Выставка одной картины Калининград, Кафедральный собор, ул. Канта, 1 Проект, появившийся в 2018 году, откроется уже в четвертый раз. В этом году в Кафедральный собор приедет «Портрет сестер княжон А.Г. и В.Г. Гагариных» знаменитого художника-сентименталиста Владимира Боровиковского. Фото: ГТГ https://telegra.ph/file/ebd7a5f103fad5f830baf.jpg
3668 

30.05.2022 18:29


Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884 - 1967)

Зинаида Лансере, по мужу...
Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884 - 1967) Зинаида Лансере, по мужу...
Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884 - 1967) Зинаида Лансере, по мужу Серебрякова, родилась под Харьковом. Ей было суждено родить четверых детей, овдоветь, сменить Харьков нв Петроград, а потом и на Париж и там успокоиться на кладбище Сен-Женевьев- де-Буа. Она родилась и выросла в семье, где не одно поколение поклонялось искусству. Прапрадед Катерино Кавос - родом из Италии, музыкант , автор опер, симфоний; прадед, Альберт Кавос - архитектор; родной дед - Николай Бенуа - зодчий, академик. Отец Зинаиды - известный скульптор Николай Лансере. После смерти отца Зина жила у деда, Николая Бенуа, где царила творческая атмосфера, а духом искусства пронизана сама обстановка дома. Столовую украшали картины, написанные ее матерью, ученицей Академии художеств. В комнатах стояла антикварная мебель работы старинных мастеров. В доме собирались известные люди: Бакст, Сомов, Дягилев и другие.
5289 

06.04.2021 13:12

Читатели газет в Неаполе
Орест Кипренский
1831
Третьяковка, Москва

Картина...
Читатели газет в Неаполе Орест Кипренский 1831 Третьяковка, Москва Картина...
Читатели газет в Неаполе Орест Кипренский 1831 Третьяковка, Москва Картина русского художника. Это групповой портрет четырёх мужчин, один из которых читает газету, а остальные слушают. Национальность изображённых на картине персонажей по-разному трактовалась различными исследователями творчества Кипренского — их называли то русскими, то поляками. Сам Кипренский разъяснял сюжет так: «…изображает политическое чтение в 1831-м году. Я сцену взял с натуры. Русские путешественники в Неаполе читают La Gazette de France статью о Польше, как то усмотрите в картине.» Относя «Читателей газет в Неаполе» к самым интересным работам позднего Кипренского, искусствовед Магдалина Ракова писала, что эта картина «принадлежит к числу наиболее ранних русских групповых портретов, показывающих не членов одной семьи, а единомышленников, людей, объединённых общими интересами». Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
3709 

03.06.2022 17:13

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru