Назад

"Сон" 1910 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственный Русский музей...

Описание:
"Сон" 1910 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. «Сон» Кузьмы Петрова-Водкина поднял в Петербурге волну отчаянных споров, которые не утихали несколько лет. Илья Репин был оскорблен картиной настолько, что написал письмо в редакцию газеты «Биржевые ведомости», поместил юного выскочку в позорную компанию с Гогеном и Матиссом и обвинил в рабском подражании западным влияниям. Псевдонимы, анонимы, насмешники один за другим публиковали статьи и сыпали остротами: «…кирпичный юноша спит, а перед ним стоят две женщины - одна лилового цвета, другая тоже кирпичного. Бедный, когда он проснется!» Александр Бенуа не считал картину лучшей, но ценил в ней цветовой аккорд. Споры постепенно перемещались с фигуры молодого художника и его скандальной картины на разговоры об искусстве вообще и об искусстве в России. А Петров-Водкин понимал, что каждая новая работа, которую он теперь решится представить публике, будет пристально высматриваться из обоих враждующих лагерей. Можно не сомневаться, дозорные глаз не сводят и оповестят о любом признаке художественного неспокойствия. _history

Похожие статьи

Каким был в жизни Михаил Врубель

Легкости, с которой работал Михаил Врубель...
Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель...
Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель, силе, выразительности, стремительности его кисти завидовали многие. Он быстро отпускал натурщиков, тогда как другим приходилось оплачивать многочасовые сеансы. Он за полчаса набрасывал великолепный эскиз, над которым неделю безуспешно бились Серов с Коровиным. Крайне дисциплинированный в творчестве, он вел на удивление беспорядочный образ жизни. Окружал себя сомнительными и странными персонажами. Живя впроголодь, мог истратить последние деньги, к примеру, на пару лайковых перчаток или эпическую попойку. Был вдохновенным вралем. Однажды коллеги собрали ему денег, чтобы художник смог съездить из Киева в Харьков на похороны отца. И были немало удивлены, когда отец Врубеля — живой и здоровый — вскоре приехал в Киев навестить сына. Чувство ответственности было ему неведомо. Он мог опоздать на назначенную встречу на два дня. Или нарисовать поверх уже проданной заказчику картины цирковую наездницу, в которую был влюблен.
5001 

21.02.2021 22:55

Иероним Босх  Смерть скупца 1500 Иероним Босх (около 1450-1516)) - ярчайший...
Иероним Босх  Смерть скупца 1500 Иероним Босх (около 1450-1516)) - ярчайший представитель Северного Возрождения, художник, чья личность не перестаёт оставаться загадкой, а творчество - источником вдохновения для современных художников, дизайнеров и кинематографистов. Сюжет картины взят из популярного во временя Босха трактата «Искусство умирать», в котором смерть человека рассматривается как итог бездарно либо праведно прожитой жизни. А мерой вещей является то, принимает ли умирающий заветы Христа или отвергает их. Перед такой же дилеммой оказывается и персонаж картины Босха. Зрителю открывается спальня со сводчатым высоким потолком и кроватью под пологом, на которой привстал измождённый умирающий. Смерть, традиционно изображаемая в виде скелета, завёрнутого в белый саван, заглядывает в его дверь. Она наводит на умирающего стрелу, но медлит в нерешительности. У скупца на смертном одре всё еще остаётся шанс на спасение. Накануне смерти он оказывается перед тем же выбором, который искушал его при жизни: деньги или спасение, кошелёк или вечная жизнь. С одной стороны ангел, заботливо поддерживающий больного сзади, указывает на распятие в арке оконного проёма под потолком. С другой стороны, дьявол в обличье невиданного монстра протягивает ему денежный мешок. И хотя Новый завет предостерегает о том, что «не можете служить Богу и маммоне» (обогащению), скупец отворачивается от ангела и инстинктивно тянет руки за мешком с деньгами. Вокруг резвятся разнообразные темные существа. Очевидно, это духи преисподней, слетевшиеся, чтобы склонить умирающего на свою сторону. Но окончательный выбор всё еще не сделан. Пока стрела смерти не пущена, у скупого остаётся шанс отвергнуть дьявола и последовать за ангелом в рай. художник Босх живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо
4988 

20.02.2021 14:54

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно...
"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history
4956 

18.02.2021 21:27


Художник Ческидова Ольга Александровна Родилась в 1943 году в Томске. С 1949...
Художник Ческидова Ольга Александровна Родилась в 1943 году в Томске. С 1949 года проживает в г. Санкт-Петербурге. С 1955 по 1963 г. обучалась в СХШ при Академии художеств СССР г. Ленинграда. Училась живописи, рисунку, композиции у известных педагогов — А. П. Кузнецова, Л. С. Шолохова, Н. И. Андрецова, А. Ф. Булыгина. В 1969 году закончила обучение в ЛВХТУ им. В. И. Мухиной на отделении интерьер мастерской профессора В. А. Петрова. По распределению работала в Росторгрекламе Ленинграда, где ею были придуманы и осуществлены интерьеры магазина Бронза по Садовой улице, выставочные залы для показа моделей одежды на Суворовском проспекте, витрины магазинов на Невском и Московском проспектах. С 1970 года О. А. Ческидова работет в проектном институте. Ею были разработаны комплексные решения интерьеров дома Советов в Уфе, ресторанов, кафе и баров в Северодвинске. С 1973 г. работает в художественном фонде при Союзе художников СССР Ленинграда. В 1976 г. поступает в Молодежную секцию ЛОСХ. С 1982 г. член Союза художников . Действительный член Петровской Академии наук и искусств. Член ассоциации искусствоведов (АИС) общероссийская общественная организация историков искусства и художественных критиков. Лауреат международного фонда «Культурное достояние». Лауреат Международного художественно-просветительского проекта в честь 700-летия прп. Сергия Радонежского. В 1988 г. Ольга Александровна организует свою персональную мастерскую при Союзе художников СССР и выполняет творческие заказы и ведет авторский надзор в созданных ею интерьерах, под её руководством работают художники разных профилей. Основные проекты: дворец культуры, библиотеки, рестораны (г. Степногорск), политехнический институт (г. Тула), сеть ресторанов (г. Архангельск), дворец культуры профсоюзов (г. Мурманск), комплекс культурных объектов (г. Минеральные Воды). Много время уделяет станковой живописи: пейзажу, натюрморту и портрету. Постоянная участница выставок юбилейных ,зональных, всероссийских, тематических, персональных в Санкт-Петербурге и других городах России. Её работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом — в Германии, США, Англии, Китае и других странах.
5006 

11.05.2020 10:16

Стили искусства. Абстрактный экспрессионизм  

Движение в американской живописи...
Стили искусства. Абстрактный экспрессионизм Движение в американской живописи...
Стили искусства. Абстрактный экспрессионизм Движение в американской живописи ХХ века, которое зародилось в конце 1940-х годов. Самыми яркими представителями абстрактного экспрессионизма были Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Франц Клайн и Марк Ротко. Большинство абстрактных экспрессионистов жили, работали и выставлялись в Нью-Йорке. По большому счету, понятие «абстрактный экспрессионизм» является не слишком точным определением для работ, которые к нему причисляют. На самом деле, это движение включает в себя множество отличающихся стилей, каждый из которых был присущ лишь одному или нескольким художникам, и исполненных в разных техниках. Однако, несмотря на широту понятия, картины в стиле абстрактного экспрессионизма объединяют некоторые особенности. Во-первых, все они, собственно, абстрактны, то есть не воспроизводят видимый мир. Они являются отражением свободного, спонтанного и личного эмоционального переживания и отличаются свободой в технике исполнения. АБВстиль
4936 

19.02.2021 22:30

Стокгольм..." />
"Горный пейзаж с водопадом в Смоланде" Маркус Ларсон, 1859 > Стокгольм...
"Горный пейзаж с водопадом в Смоланде" Маркус Ларсон, 1859 > Стокгольм, Национальный музей Современники называли пейзажиста Маркуса Ларсона «наиболее выдающимся из шведских художников Дюссельдорфа». Он был выходцем из сельской местности, после смерти отца переехал в Стокгольм. Ларсон много путешествовал, посетил Германию, Францию, Англию, Финляндию, Россию в поисках красивых видов, принимал участие в выставках. «Горный пейзаж с водопадом в Смоланде» был создан во время поездки по названной шведской провинции. Темные густые облака заволокли все небо. С высоких скал с грохотом низвергается водопад. Романтический скалистый вид поражает неистовым буйством природы, ее мощью и первобытной силой. Подобные сюжеты с разыгравшейся стихией довольно часты в произведениях автора. Известно, что большинство своих картин Ларсон писал не с натуры, а в мастерской, используя зарисовки и фотографические снимки.
4950 

15.12.2020 23:12

Вашингтон, Смитсоновский музей Мария..." />
"Майский сад" Мария Оки Девинг, 1895 > Вашингтон, Смитсоновский музей Мария...
"Майский сад" Мария Оки Девинг, 1895 > Вашингтон, Смитсоновский музей Мария Оки Дьюинг – американская художница, жена художника Томаса Дьюинга, изобрела жанр натюрморта на открытом воздухе, часто выполняла фоны на картинах мужа. Девинг писала цветы в естественной среде, создавая у зрителя ощущение реального присутствия в зарослях домашнего парка. "Майский сад" – одно из самых знаменитых полотен художницы. Композиция проникнута поэтическими чувствами и лиризмом. В этих простых на первый взгляд розах и гвоздиках, погруженных в зеленую листву, Девинг открыла поразительное богатство тончайших красочных оттенков. Цветы расположены непринужденно и свободно. Бутоны намечены легкими мазками кисти, что придает изображению возвышенность и свежесть. Девинг словно создавала "портреты" растений. Она наделяла цветы одухотворенностью и считала, что их красота более абстрактная и глубокая, чем человеческая.
4974 

22.12.2020 00:12

"Белая летучая мышь" Лючия Хеффернан Лючия Хеффернан – современная художница...
"Белая летучая мышь" Лючия Хеффернан Лючия Хеффернан – современная художница из Тайваня, которая в настоящее время живет в США. Она создает картины с животными в юмористической манере. Основа творчества Хеффернан – увлечённость исследованием жизни животных. Лючия старается дать животным голос и личность. Художники-анималисты иногда любят немного пошутить. Такова серия работ о мышатах, которая вызывает море позитива и умиления у зрителей. Представляя в своем творческом воображении, что могут вытворять эти грызуны в той или иной ситуации, Лючия Хеффернан придает им человеческие черты поведения. Среди персонажей художницы есть кошки, кролики, поросята и другие животные. Мир живой природы загадочный и увлекательный. И мы имеем уникальную возможность познавать его и посредством анималистической живописи. Однако, участь художников-анималистов почти всегда незавидна. Они практически никогда не оказываются среди прославленных мастеров живописи, а их картины не ценятся высоко на аукционных торгах.
4969 

29.01.2021 00:43


..." />
"Концерт для флейты Фридриха Великого в Сан-Суси" Адольф фон Менцель, 1852 >...
"Концерт для флейты Фридриха Великого в Сан-Суси" Адольф фон Менцель, 1852 > Берлин, Старая национальная галерея На картине в празднично освещённом концертном зале дворца Сан-Суси в Потсдаме король Пруссии Фридрих II даёт концерт для своих гостей и сам солирует на флейте. Фридрих Великий сочинял сонаты для флейты и, как считается, великолепно играл на ней. Художник написал несколько эскизов для этой картины, в которых работал с мебелью, нотным пюпитром, архитектурными деталями, костюмами и позами персонажей. Изображённое на картине помещение сохранилось во дворце до настоящего времени, но у Менцеля оно выглядит больше реальных размеров. Менцель, художник-реалист, стремился воссоздать обстановку и атмосферу эпохи рококо. Работая над образом главного персонажа, художник ориентировался на идеализированные портреты молодого Фридриха II. Но художник якобы признавался, что писал картину по сути только «ради люстры».
4879 

11.02.2021 00:11

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой...
"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history
4913 

22.02.2021 22:04

Жорж де Латур
Жорж де Латур "Едоки гороха" (ок.1620) В 1975-м году в одном из швейцарских...
Жорж де Латур "Едоки гороха" (ок.1620) В 1975-м году в одном из швейцарских музеев были найдены две связанных по смыслу картины, изображающие старика и старуху. Оба ели горох из глиняных плошек. Автор обеих картин был не известен. Предположили, что, скорее всего, это две части одного полотна. Во-первых, сходство мотива: не так часто персонажи картин поглощают горох, да еще руками. Во-вторых, на обеих картинах был виден грубый вертикальный след разреза на одной из сторон. Оставалось установить автора. Стандартной процедурой в подобной ситуации является рассылка соответствующего запроса по всем европейским музеям: не содержится ли в их фондах чего-то подобного? Ответ пришел из французского Нанси. В их городском музее действительно имелась картина с такими персонажами. Но самое главное, на обороте было подписано «копия с де Латура». Швейцарские половинки соединили, отреставрировали и дали картине название «Едоки гороха», после чего её приобрела берлинская Художественная галерея.
4883 

24.02.2021 10:40

Представьте, что у вас есть подруга, которая уехала на ПМЖ в Италию...
Представьте, что у вас есть подруга, которая уехала на ПМЖ в Италию...
Представьте, что у вас есть подруга, которая уехала на ПМЖ в Италию Знакомится с людьми на других мультиках выросших и обретает новые привычки. Есть вещи от которых она без ума. И такие, без которых жила бы долго и счастливо. Тоскует по Родине, понимая, что есть и нам чем гордиться. И видит, что мы разные. Это не хорошо и не плохо. Это так. Своими наблюдениями Ваша подруга с удовольствием поделиться с Вами! t.me/mamma_mia_ed Невыдуманные истории из жизни персонажей, которые чтят или не очень УК - t.me/mamma_mia_ed/125 Столкновение менталитетов, бой здравового смысла с нездравым - t.me/mamma_mia_ed/83 Перевожу актуальные статьи не комментируя - t.me/mamma_mia_ed/133 Повседневщина с юмором, невыносимая сложность бытия - t.me/mamma_mia_ed/53 И... Мемасики! Куда без них! Только итальянские! Только с переводом! Только на злобу дня - t.me/mamma_mia_ed/121 Ну, если Этна будет извергаться, тоже покажу - t.me/mamma_mia_ed/98
4909 

27.02.2021 20:18

"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара...
"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара Пьясецка-Джонсон (1937-2013), бывшая польская горничная, ставшая после удачного замужества наследницей гигантской фармацевтической империи Johnson & Johnson, выставила на торги лондонского отделения аукциона Sotheby's свою коллекцию мебели и предметов искусства эпохи барокко. Общая сумма продаж составила тогда 9,9 млн фунтов (около 16 млн. долларов), а самым дорогим лотом из всей торговавшейся коллекции стала картина «Прометей» Хосе де Риберы: она была продана за 3,8 млн фунтов. Высокая цена – всегда результат синергии многих факторов. Причём далеко не всегда можно сказать, какой из них имел решающее значение. Возможно, дело в том, что «Прометей» – одна из характернейших картин Риберы с его «фирменным» острым драматизмом и резкой светотенью. А быть может, к легендированию картины имеют непосредственное отношение слухи о нездоровом интересе Риберы к истязаниям и пыткам. Или же свою роль сыграла «караваджиевская» манера исполнения «Прометея», а Караваджо, как известно, всегда отлично продаётся. Рибера использовал в «Прометее» своё излюбленное композиционное решение – разместить тело в напряженнной и сложной позе строго по диагонали картины. В подобных, хотя и не тождественных, положениях предстают в 1620-х годах на картинах Риберы святые Варфоломей, Андрей, Себастьян. Композиция, «отработанная» на христианских святых, в 1630-м году или позже, когда написан «Прометей», оказалась едва ли не более подходящей для античного титана. Тем более, сюжет мифа о Прометее, самоотверженном защитнике человеческого рода от произвола богов, располагает к живописным упражнениям в передаче телесных мук и корчей. Точная передача анатомии прикованного Прометея, предельного напряжения всех мышц, рваной кровавой раны в боку и, главное, передача эмоционального накала огромной силы – вот «визитная карточка» Риберы. Все это делает картину драматически-волнующей и такой желанной для покупателей. Согласно некоторым данным, для этюдов и зарисовок Рибера регулярно посещал неапольские тюрьмы, где наблюдал за истязаемыми заключенными. Это позволяло ему натуралистично изображать человеческое тело, насильственно вывернутое, распластанное в неудобном и мучительном положении. Недаром Риберу иногда называют «художником истязаний». Рибера действительно заимствует у Караваджо живописные техники, известные как «кьяроскуро» и «тенебросо». Некоторые старые авторы настойчиво пытались найти доказательства их личных встреч. Но, ради исторической справедливости, следует уточнить, что Хосе де Рибера и Микеланджело Меризи да Караваджо познакомиться всё-таки не успели: Караваджо бежал из Неаполя в 1607-м, а Рибера, вероятнее всего, перебрался туда и остался там на всю жизнь несколькими годами позже, когда Караваджо уже не было в живых. Среди восьми покупателей, охотящихся за этим лотом на Sotheby's, были представители Прадо, но им так и не удалось пополнить коллекцию главного музея Испании. К огромному сожалению, личность нового владельца «Прометея», согласно аукционным правилам конфиденциальности, остаётся неизвестной. Рибера Барокко МифологическаяСцена _history
4946 

01.03.2021 21:50

​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд

Картина...
​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина...
​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина соучредителя Венского сецессиона Карла Молля «Белый интерьер» (1905) более столетия находилась в руках одной семьи. Теперь она произвела фурор на аукционе Freeman’s в Пенсильвании: при эстимейте в 300−500 тысяч долларов работа ушла с молотка за 4,7 миллиона. Это рекорд не только для произведений самого художника, но и для аукционного дома. За «Белый интерьер» сражались несколько участников торгов онлайн и дюжина ценителей по телефону. Все они находились в разных уголках мира. В итоге работа досталась частному калифорнийскому коллекционеру, который, как сообщается, намерен в будущем выставить её в Neue Galerie в Нью-Йорке. Предыдущий рекорд для картин Карла Молля составляет «скромных» 385 тыс. 653 доллара, а самый дорогой лот, который прежде продавал Freeman’s, оценивался в 3,1 миллиона долларов. Это была Императорская белая нефритовая печать периода Цяньлун. Карл Молль относительно малоизвестен за пределами своей родной Австрии. Тем не менее, он был одним из ведущих художников в Вене на рубеже XX века. В 1897 году живописец стал соучредителем Венского сецессиона вместе с Густавом Климтом, Отто Вагнером и Йозефом Хоффманом. Они отошли от конформизма Венской академии изящных искусств, чтобы продвигать новые формы творчества. Молль писал в основном пейзажи и натюрморты, вдохновлённые французским неоимпрессионизмом. Но его кисти принадлежат также безмятежные и элегантные внутренние сцены, которые он создавал на протяжении всей своей карьеры. «Белый интерьер», написанный в 1905 году, — одна из таких картин. На полотне изображена одинокая женская фигура в центре богато украшенной гостиной. Дама в свободном длинном белом платье стоит спиной к зрителю, расставляя букет жёлтых тюльпанов в старинной вазе. В этой сцене ощущается домашнее умиротворение, которое ей придаёт мягкий рассеянный свет. Молль вдохновлялся живописью Яна Вермеера, чьё творчество только что было заново открыто в начале XX века. Композиция тщательно сбалансирована и подчеркнута горизонтальной линией гладкого обеденного стола в центре. Красивым контрастом выступают две высокие стеклянные витрины, размещенные по сторонам холста на переднем плане. Отдельное внимание стоит уделить героине картины. Хотя Молль предпочёл скрыть её лицо, это — не анонимный персонаж. Художник изобразил Берту Цукеркандль, которую называли «кукловодом венской культурной сцены». Она была одной из значимых фигур Вены на рубеже веков и ярым сторонником австрийского модерна, который защищала во множестве своих статей в социал-демократической газете «Wiener Allgemeine Zeitung». Будучи замужем за известным анатомом, Цукеркандль проводила еженедельный салон (один из последних в Европе), где принимала многих знаменитостей того времени, таких как Густав Климт и Стефан Цвейг. «Белый интерьер» был выставлен в Берлине в начале 1905 года, а в следующем году — в Музее Фолькванг в Эссене. Последний публичный показ картины прошёл на знаменитой Венской художественной ярмарке, где она демонстрировалась вместе с культовым «Поцелуем» Густава Климта. Там её приобрёл частный коллекционер, и в течение столетия работа хранилась у его потомков. В середине 1970-х годов семья переехала из Германии в США, и теперь владельцы решили продать шедевр. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7249c86598c0815f7d3c2.jpg
4930 

28.02.2021 20:14

​​️03 марта в ГУМ-Red-Line пройдет паблик-ток «Чжан Хуань. Любовь как...
​​️03 марта в ГУМ-Red-Line пройдет паблик-ток «Чжан Хуань. Любовь как...
​​️03 марта в ГУМ-Red-Line пройдет паблик-ток «Чжан Хуань. Любовь как мудрость». ️В июле в доме Третьяковых в Голутвинском переулке в Москве планируют открыть музей. ️Деймиан Херст начинает продавать авторские принты за криптовалюту. Лимитированная серия, вдохновлённая кодексом самураев, будет продаваться до 3 марта.   ️Храм Сицилийской иконы Божьей матери будет закреплен за музеем-заповедником «Дивногорье».   ️ГМИИ им. А.С. Пушкина завтра открывает первую в России персональную выставку гения видео-арта Билла Виолы «Путешествие души». Искусство Билла Виолы – это ставший уже классическим пример переосмысления традиционной западной иконографии, религиозных образов и метафор через их преломление в современной повседневности средствами медиаискусства. Обращаясь к фундаментальным вопросам жизни — рождению, смерти, трансформации, — Виола создает сакральные пространства, в которых угадываются образы прошлого. Серия «Страсти», Квинтет Изумленных, 2000, цветная видеопроекция на экране Фото: Кира Перов Студия Билла Виолы https://telegra.ph/file/1b029dc02fc4e514f47ad.jpg
4907 

01.03.2021 20:40


«The Weather Project» (Проект Погода) Олафур Элиассон

Датско-исландский...
«The Weather Project» (Проект Погода) Олафур Элиассон Датско-исландский...
«The Weather Project» (Проект Погода) Олафур Элиассон Датско-исландский художник Олафур Элиассон разработал свою впечатляюще амбициозную инсталляцию «The Weather Project», которая олицетворяет эффект огромного солнца, появляющегося сквозь тонкую и зыбкую пелену тумана. Низкочастотные лампы вокруг его искусственного солнца позволяли солнечному золотому сиянию доминировать в пространстве, уменьшая все окружающие цвета до волшебных оттенков золота и чёрного. Мастер иллюзии сделал свой светящийся шар из полукруга света, отражающегося зеркальными панелями на потолке, которые завершают круг, придавая верхней половине солнца туманное, мерцающее сияние, имитирующее настоящее солнечное свечение. Эти зеркальные панели были размещены по всему потолку, позволяя посетителям видеть своё отражение, как будто парящее в небе над ними, создавая ощущение невесомости в пространстве.
4835 

28.02.2021 18:30

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа...
"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history
4844 

03.03.2021 19:37

Уотсон и акула - Джон Синглтон Копли
Сюжет и объекты: Ню, Жанровая сцена...
Уотсон и акула - Джон Синглтон Копли Сюжет и объекты: Ню, Жанровая сцена...
Уотсон и акула - Джон Синглтон Копли Сюжет и объекты: Ню, Жанровая сцена, Историческая сцена Стиль: Неоклассицизм, Романтизм Техника: Масло Материалы: Холст Дата создания: 1778 Размер: 182.1×229.7 см Местонахождение: Национальная галерея искусства, Вашингтон Неоклассицизмом называют направление в искусстве конца XVIII-го века, которое позволило художникам и скульпторам обратиться к канонам «колыбели цивилизации» - Древней Греции. При этом в европейских странах течение распространялось и приобретало популярность на протяжении полутора веков. Мировые искусствоведы понимают под этим термином эстетику конца XVIII - начала XIX века, получившую распространение во Франции, Англии, Италии. В России и Германии неоклассицистами называли представителей искусства последней трети XIX - начала XX веков.
4897 

04.03.2021 11:35


​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд

Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок...
​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg
4919 

05.03.2021 19:47

"Купальщицы" 1911 г. Илья Иванович Машков Частная коллекция. В 2013 году...
"Купальщицы" 1911 г. Илья Иванович Машков Частная коллекция. В 2013 году «Купальщицы» Машкова были проданы на аукционе русского искусства Christie`s за 6,7 миллионов долларов. Картина создана на грани неопримитивизма, фовизма и кубизма. В отличие от коллег по сообществу «Бубновый валет», Машков не особо жаловал кубизм, отдавая свое внимание и кисть фовистическому буйству красок. Но здесь довольно очевидно разделение фигур на составные части, груди «зеленой» – конусообразные, на спине у «фиолетовой» вообще прекрасный геометрический узор. И все же главным остается цвет. В данном случае речь даже не об оттенках: женские тела просто написаны зеленым и фиолетовым. «Неадекватное» для академизма использование чистого цвета – методика не только Машкова. «Почему Вава зеленая?» – позже будут спрашивать критики и зрители, глядя на портрет второй жены Марка Шагала. В то время нередко русские авангардисты, увлеченные французскими направлениями в искусстве и французскими художниками – Сезанном, Матиссом, – писали чистыми цветами в противовес сторонникам академического течения, которые смешивали на палитре цвета, чтобы добиться нужного «оттенка телесности». Но пришедшие на смену им живописцы не желали следовать канонам, они создавали свои, следующим же шагом их разрушая. У Машкова с изображением женских тел вообще интересная история. Он это дело любил и писал обнаженных женщин практически всю жизнь. Как правило, они напрочь лишены изящности, зато написаны объемно. Художник словно специально подчеркивает их массу, телесность, плоть искрится и переливается, нередко благодаря цветовым решениям. Критика воспринимала такие эксперименты очень неоднозначно. Его обвиняли в том, что натурщицы «все в синяках и кровоподтеках; одна вишневая, как будто купалась в настойке, и на самом неудобном месте желтый туз, вырезан сердечком». Известно, что иногда Машков пресловутое «я художник, я так вижу» писал с натуры, предварительно раскрасив своих натурщиц в соответствующие цвета. Чаще он применял все же переливы цветов, а не чистый «ненормальный». Он явно склонен к натурному изображению, то есть творческое преобразование реальности для Ильи Машкова начинается не в момент прикосновения кисти к холсту, а еще на этапе взаимодействия с собственно реальностью. При этом представитель академизма Константин Маковский считал, что «среди русских «Матиссов и Ван Гогов» наиболее впечатляющее дарование все-таки — москвич Илья Машков...А если уступает Матиссу и Ван Гогу в четкости красочного рисунка и умении «гармонировать» диссонансы, которыми поражают французы, то самым «цветом» может соперничать с любым лауреатом крайнего модернизма». ИльяМашков _history
4920 

06.03.2021 20:47

"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская...
"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская галерея. «Бой быков» написан по мотивам испанских впечатлений. В Испанию Кончаловский ездил в 1910-х годах вместе со своим тестем Василием Суриковым. Именно эта поездка стала ключевой для его становления как художника, в ней Кончаловский обрел свой путь. Парадокс заключается в том, что «освободителями», как он сам их назвал, на этом новом пути стали французы – Сезанн, Матисс. Но первые полноценные самобытные работы художника – это изображения испанской корриды, которые сложно сопоставить с какими-либо работами европейцев. Кончаловский во время путешествия по Испании написал множество эскизов к этой картине. Окончательная версия существенно отличается от них. Причем художник убрал из картины именно то, что его особенно зацепило в реальности: «Меня поразила яркость красок: желтый песок, голубое небо и совершенно изумрудные тени». Действительно, один из предварительных вариантов картины, «Бой быков в Севилье» демонстрирует пронзительно голубое небо, его напряженный контраст с песчаной ареной и заполненными трибунами. От картины исходит ощущение густой, плотной энергии, она пышет зноем, волнует и завораживает. Но всё это безжалостно убрано из окончательного варианта. Кончаловский говорил, что хочет приблизить свой «Бой быков» к ярмарочному стилю, чтобы быки получились подобны лубочным медведям – большие, сильные, дикие. Чтобы они были страшные, но от них – не страшно. «Помните этих троицких игрушечников, которые всю свою жизнь резали из дерева какого-нибудь игрушечного медведя с мужиком? С какой простотой и силой передавали они самое существо зверя и человека, пуская в дело элементарнейшие средства, все сводя к двум-трем характернейшим деталям. Вот так именно, “по-мужицки”, “по-игрушечному” и хотелось мне дать быка во время боя», – пояснял он. Реминисценции народного творчества – вообще один из наиболее любимых неопримитивистами приемов. Именно за счет внесенных в окончательную картину поправок Кончаловский достигает этого стиля ярмарочности, эффекта игрушки. Пространство максимально приблизилось к зрителю и замкнулось. Не видно ни трибун, ни неба. Перед нами словно ярко раскрашенная коробочка с персонажами: багровая арена, алая ткань, черный бык с застывшим белым глазом, белая полоса на ограждении арены, не пересекающиеся с другими элементами цвета одежды тореадоров. Здесь нет движения, это слепок, момент без «до» и «после» – вопреки логике сюжета, который, по идее, говорит о движении. У Кончаловского получилось сделать «Бой быков» таким, как он запланировал. Мы знаем, что бык – страшен, что изображенная сцена – опасна. Более того, бой быков выходит за пределы корриды, становится боем со смертью, приобретая архетипическое величие. Но вот что удивительно – знание о том, что это страшно, не возбуждает страх. По той же причине, по которой мы не боимся игрушечного ярмарочного медведя. ПетрКончаловский Экспрессионизм _history
4925 

07.03.2021 21:47

Чашки Петри, пульсирующие клетками

Вена рубежа XIX–XX веков - интеллектуальный...
Чашки Петри, пульсирующие клетками Вена рубежа XIX–XX веков - интеллектуальный...
Чашки Петри, пульсирующие клетками Вена рубежа XIX–XX веков - интеллектуальный центр Австро-Венгерской империи, сердце познания и самопознания, эмансипации, синтеза передовой науки и самого утонченного искусства. В ее салонах собиралась интеллектуальная элита общества. Одним из самых модных таких салонов был дом четы Цукеркандель. Именно Эмиль Цукеркандель - анатом и антрополог показал молодому художнику Густаву Климту человеческие клетки под микроскопом. Климт был очарован этой красотой. А весь мир – очарован полотнами Климта, украшенными орнаментами на основе человеческих клеток. Например, на портрете Адели Блох-Бауэр орнаменты навеяны изображениями мужских и женских клеток. На картине «Надежда I» темно-синие одежды одного из персонажей украшены орнаментальным изображением сперматозоидов. А на картине «Даная» Климт, изобразил бластоцисты как метафору беременности. Чашки Петри с бьющимися тромбоцитами украшают и платье героини знаменитого «Поцелуя».
4843 

08.03.2021 22:50

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа...
Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.
4930 

10.03.2021 16:50


Марсово поле: Красная башня
1911—1923
Робе́р Делоне́

Художник начинал под...
Марсово поле: Красная башня 1911—1923 Робе́р Делоне́ Художник начинал под...
Марсово поле: Красная башня 1911—1923 Робе́р Делоне́ Художник начинал под влиянием постимпрессионистов, прежде всего Сезанна. Остро чувствовал движение, ритм. С 1912 года вместе со своей женой Соней Терк-Делоне пришёл от кубизма к своеобразной манере абстрактной живописи, которую Гийом Аполлинер назвал орфизмом. В эстетической концепции Делоне, в отличие от теорий основоположников абстракционизма Кандинского и Мондриана, идеалистическая метафизика отвергалась; основной задачей абстракционизма художнику представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка. Делоне был близок к Синему всаднику, переписывался с Кандинским и Макке. "Красная башня" одно из самых известных произведений художника. Эйфелева башня – его любимая тема. Как всегда, в картине Делоне она предстает в необычном виде. Чаще всего мастер изображает башню в ярко-красных тонах. Кажется, что она парит в воздухе.
4907 

11.03.2021 20:16

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная...
"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history
4912 

10.03.2021 22:37

Ветвь омелы
1790
Фрэнсис Уитли

Сюжет картины, на первый взгляд, может...
Ветвь омелы 1790 Фрэнсис Уитли Сюжет картины, на первый взгляд, может...
Ветвь омелы 1790 Фрэнсис Уитли Сюжет картины, на первый взгляд, может показаться странным и непонятным, но это только если не знаешь обычая, который связан с ветвью омелы. Присмотритесь, под потолком подвешена веточка. Подвешенный к потолку пучок омелы (вечнозелёное кустарниковое растение) – традиционное рождественское украшение в Англии до распространения рождественской ёлки во второй половине XIX столетия. Считалось,что если мужчина и женщина оказывались под омелой, они могли поцеловаться. Происхождение обычая неизвестно, но есть предположение, что в нем отразились архаические свадебные обряды – согласно древнеримским историкам, омела использовалась в ритуалах друидов в дни зимнего солнцестояния. Они считали вечнозелёную омелу священным растением. В качестве рождественского украшения омела упоминается впервые в середине XVII века. Персону, случайно оказавшуюся под висящей веткой омелы, позволялось поцеловать любому. Отсюда происходит название «ветка поцелуев».
4853 

14.03.2021 16:21

​​️Стали известны номинанты премии «Оскар» 2021 года.
 
️В Москве «Ночь...
​​️Стали известны номинанты премии «Оскар» 2021 года.   ️В Москве «Ночь...
​​️Стали известны номинанты премии «Оскар» 2021 года.   ️В Москве «Ночь театров» пройдет с 27 на 28 марта.   ️Российский коллекционер Петр Авен откроет в Риге частный художественный музей.   ️Звезда китайского искусства Ай Вэйвэй планирует создать в центре Берлина памятник Михаилу Горбачеву.   ️Christie’s продал NFT-произведение Бипла за $69,3 млн. Шквал ставок на онлайн-аукционе чуть не обрушил сайт в последнюю минуту торгов. Christie’s стал первым крупным аукционным домом, предложившим произведение искусства в жанре NFT (non-fungible token, невзаимозаменяемый токен, уникальный цифровой актив).   Это цифровая работа, созданная художником под псевдонимом Бипл (Майк Винкельманн). Цифровая работа «Каждый день: первые 5000 дней» (2021) состоит из 5 тыс. изображений, которые автор создавал ежедневно с 1 мая 2007 года.   Покупатель получит произведение в виде «цифрового ключа», гарантирующего персональное владение и подтверждающего авторство.   Фото: Бипл (Майк Винкельманн). «Каждый день: первые 5000 дней». 2021, Christie's https://telegra.ph/file/f1040543a6017351ebc9d.jpg
4804 

15.03.2021 20:47

«Христос омывает ноги своим ученикам» 1575-1580гг. Якопо Тинторетто

Вытянутое...
«Христос омывает ноги своим ученикам» 1575-1580гг. Якопо Тинторетто Вытянутое...
«Христос омывает ноги своим ученикам» 1575-1580гг. Якопо Тинторетто Вытянутое по горизонтали полотно на классическую библейскую тематику представляет собой сложную композицию с подчеркнутой перспективой, которая передана при помощи геометрического узора напольной плитки. На полотне изображено много фигур в различных сложных позах и ракурсах. Они находятся в просторном темном помещении, в верхней горнице, в которой по библейскому рассказу и проходила тайная вечеря. Боковые фигуры буквально тонут в тени, все они изображены темными, приглушенными красками, а лица персонажей освещены теплым золотистым светом огня из очага. Такая цветовая гамма отлично подчеркивает красное с белым одеяние Иисуса Христа. Важность его персонажа заявлена не только особым цветом его одежды, но и центральным расположением. Он стоит на коленях посреди комнаты, перед ним сидит один из его учеников. На полу стоит лохань с водой, в которой богочеловек омывает ноги апостолам. Вокруг головы Христа разливается яркое золотое сияние.
4935 

13.03.2021 11:08

«Ярд» 1961г. Аллан Капроу

«Ярд» американского художника Аллана Капроу...
«Ярд» 1961г. Аллан Капроу «Ярд» американского художника Аллана Капроу...
«Ярд» 1961г. Аллан Капроу «Ярд» американского художника Аллана Капроу ознаменовал новую эру в истории искусства. Художник заполнил открытый задний двор нью-йоркской галереи Марты Джексон до краёв чёрными резиновыми автомобильными шинами и пригласил желающих присоединиться к игровой площадке, где можно было резвиться, прыгая и бегая подобно детям. Его культовое искусство инсталляции открыло новые, сенсорные впечатления для посетителей и позволило им наслаждаться каждой минутой, проведённой там. Капроу также привнёс импровизацию и групповое участие в своё искусство, приблизив его к реальности обычной жизни, тем самым объяснив, что жизнь гораздо интереснее искусства. А грань между искусством и жизнью должна быть как можно более зыбкой и, возможно, нечёткой.
4965 

14.03.2021 18:45


Тут сейчас будет о довольно спорной выставке и о смерти, поэтому вы, если что...
Тут сейчас будет о довольно спорной выставке и о смерти, поэтому вы, если что, пролистайте это дело просто. Меня тут, видимо, как эксперта по любым вопросам, пару раз попросили высказаться на тему выставки “Body Worlds”, которая сейчас проходит на ВДНХ и которую, что особо иронично, пытаются закрыть деятели, относящие себя к коммунистической партии. И, хоть я обычно не лезу в современность, тут решила поддаться и ответить. В двух словах, о чем тут речь: в Москву снова приехала выставка немецкого анатома Гунтера фон Хагенса, на которой все экспонаты собраны из частей настоящих человеческих тел. И, конечно, это вызывает множество вопросов, диалогов и, куда без них, скандалов. Гунтер фон Хагенс в 1977 году изобрел особый способ консервации анатомических препаратов, который называется пластинацией - это когда воду и липиды в биологических тканях заменяют смолами и полимерами. Вот описание процесса от автора: “Этот метод я изобрёл случайно в 1977 году, когда был ассистентом в Анатомическом институте Гейдельбергского университета. Я спрашивал себя, рассматривая выставленные препараты, залитые полимером, почему их заливают, а не вводят полимер внутрь? Тогда-то мне и пришла в голову идея пропитать препараты биополимером при помощи вакуума. Для этого препарат сначала нужно погрузить в ледяной ацетон. Когда в результате диффузии вода в тканях заменится ацетоном, вещество следует погрузить в биополимер. Ацетон вакуумным способом откачивается, и его место в тканях заполняется силиконом. После этого с веществом можно работать как с художественным материалом”. Тело как художественный материал. А нужно ли нам такое? Ну, начнем с того, что человеческое тело - штука безумно интересная. Анатомия как наука появилась в эпоху Возрождения и первым анатомом был вовсе не врач, а наш любимый художник Леонардо да Винчи. Он вскрыл, разобрал на запчасти и описал с точки зрения механики более тридцати трупов. За ним следовала целая плеяда выдающихся анатомов, которые разбирали устройство человеческого тела, то и дело открывая что-то новое и потрясающее - то риолановы аркады, то вормиевы кости, то евстахивеву трубу или капсулу Глиссона какую. Каждая крохотная мышца, косточка, связочка, из которых собрано это чудо, наше тело, в результате кропотливой работы и бесконечных зарисовок десятков, сотен ученых были описаны и поняты. Надо ли говорить насколько огромный вклад это внесло в медицину? Но еще интереснее то, что это все оказалось огромным вкладом в искусство. Я не зря выше там про зарисовки написала - между врачами и художниками издавна существует тесная связь, и как раз в эпоху Возрождения художники и врачи входили обычно в один цех и имели общего покровителя - святого Луку. Художники эпохи Возрождения учили анатомию не по атласам и манекенам, а именно что по трупам и даже иногда их воровали с кладбищ под покровом ночи. Проблема воровства покойников докторами и рисовальщиками встала в какой-то момент настолько остро, что на захоронениях даже начали устанавливать специальные приспособления - клетки или тяжелые плиты, которые не под силу было быстро взломать или перетащить. В случае же с работами Гунтера фон Хагенса, который себя считает продолжателем традиций анатомов эпохи Возрождения и даже специально, чтоб это подчеркнуть, постоянно носит черную шляпу, как это было принято у анатомов тех времен, мы имеем дело с донорами, которые добровольно при жизни завещали свои тела. То есть это свободное выражение воли людей, которые, видимо, слишком буквально восприняли идею попадания в музеи после смерти.
4822 

15.03.2021 16:46

«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон

На картине нарисован простой пейзаж и...
«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон На картине нарисован простой пейзаж и...
«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон На картине нарисован простой пейзаж и редко встречающийся ракурс – художник и вместе с ним зритель находится прямо напротив садящегося солнца. Его лучи «бьют» навстречу взгляду, но не мешают ему, потому что дробятся стройными рядами стволов деревьев. Изображение подано таким образом, что кажется выше уровня взгляда зрителя. Художник находится внизу, у склона холма, а высокие деревья и персонажи – вверху, на пригорке, почти на линии горизонта. Благодаря такому приему лошадь с телегой, полной собранного хвороста, и собирающий его на снегу в вязанку человек кажутся изображенными в контражуре – почти черными. Они четко вырисовываются на светлом фоне снега и зимнего неба. Стройные деревья без листьев кажутся кружевными, это ощущение поддерживается редкими пушистыми облачками на бледном небе. В противовес этому темные ели служат фоном нежной и хрупкой красоте голых ветвей, но не придают мрачности полотну, потому что в нем использованы достаточно яркие и сочные краски.
4881 

16.03.2021 10:40

Старейшие рисунки на скорлупе, 60 тыс. до н. э.

В 2010 г. ученые в Южной...
Старейшие рисунки на скорлупе, 60 тыс. до н. э. В 2010 г. ученые в Южной...
Старейшие рисунки на скорлупе, 60 тыс. до н. э. В 2010 г. ученые в Южной Африке обнаружили склад из 270 фрагментов страусиных яиц, на которых были декоративные и символические орнаменты. Эти рисунки были созданы людьми из Ховисонс-портской культуры охотников и собирателей. «Центральным мотивом этих рисунков являются две параллельные линии, которые, видимо, огибали все яйцо», - считают ученые. Эти линии процарапаны по скорлупе и пересекаются под прямым или острым углом. Многократно повторяя этот рисунок, доисторические люди явно пытались передать какую-то мысль. Возможно, они таким образом стремились как-то обозначить себя или группу лиц. Проведенные учеными эксперименты показали, что окраска найденных фрагментов скорлупы является естественной, а не результатом применения каких-то красителей.
4881 

17.03.2021 18:30

"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер...
"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины. «Капризница» из собрания Эрмитажа – безусловно, одна из них. В центре композиции, с небольшим смещением влево, сидит миловидная дама в струящемся черном платье. За её спиной игриво полулежит господин в красном берете с пером и, очевидно, заигрывает с девушкой. Но её напряжённо-прямая осанка и явное неудовольствие на лице свидетельствуют, что поклонник чересчур навязчив и уступать его напору героиня не расположена. Во всяком случае, сейчас. Флирт и ухаживания, проявления галантности – это вообще центральная тема рококо. И именно Ватто положил ей начало своими «галантными празднествами». «Капризница» также принадлежит к этому жанру. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. Однако, в отличие от абсолютного большинства сюжетов «галантных празднеств», где ухаживания совершаются к полному взаимному удовольствия, «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. Развернувшись спиной к собеседнику, героиня проявляет высшую степень неучтивости. Этим она показывает, что относится к визави без всякого уважения. Мечтательный взгляд Капризницы устремлён вдаль. Некоторые даже предполагают – на некоего другого кавалера, которого она предпочла бы видеть рядом с собой. Ватто любил смешивать реальность и театр, наряжать друзей в театральные костюмы, которые он коллекционировал, и в таком виде рисовать их. Ему импонировала идея игрового смешения иллюзии и реальности, нравилось извлекать из этого взаимного проникновения неожиданные психологические эффекты. Всё это есть и в «Капризнице». Трудно отделаться от мысли, что героиня ощущает себя на сцене, перед полным зрительным залом, что она чересчур озабочена тем, как выглядит со стороны. Этому впечатлению подыгрывает даже пейзаж, покорно выполняющий роль кулис. В «Капризнице» есть то, за что Ватто ценят больше всего – некая умышленная недоговоренность. Загадочная будничность. Трактовка смысла картины вроде бы лежит на поверхности и в то же время – вызывает трудности, ускользает от окончательного понимания. Именно за это качество Ватто впоследствии выше всех прочих художников будут ценить символисты. Может быть, Капризница не отклоняет ухаживания, а наоборот – слушает оправдания и принимает извинения? Может быть, это не начало отношений, а их конец или явный кризис? Может быть, что-то вызвало ревность героини и герой (любовник?) вынужден оправдываться? Так или иначе, Ватто предстаёт перед нами мастером тонкого и затейливого психологического рисунка. Именно во внимании к личности и нюансам переживаний героини заключена ценность картины. Известный искусствовед Михаил Алпатов писал, что для её понимания стоит сравнить «Капризницу» с работами кого-нибудь из голландцев ХVII века: Ватто «интересуют в первую очередь не красивые вещи, не блестящие ткани, как многих голландцев, а характер и мимика людей». Но голландских мастеров Ватто в самом деле очень ценил и многому у них учился. Исследователи мягко укоряют художника за вольные или невольные заимствования: дескать, и наряды у него уж больно а-ля Франс Халс. А красный берет персонажа «Капризницы» - так и вовсе списан у Рембрандта. И все-таки нельзя не признать, что платье героини – само по себе маленький шедевр с бесконечным разнообразием переходов цвета, который лишь условно может быть назван черным. АнтуанВатто Рококо _history
4911 

19.03.2021 20:37

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины...
"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history
4901 

20.03.2021 20:22

"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо...
"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Картину «Триумф Вакха» Диего Веласкес написал, что называется, на спор. Но удивительным было даже не это, а тот факт, что до сего момента художнику не приходилось обращаться к мифологической живописи, которую так любила его эпоха – эпоха барокко. Картины мифологической тематики пользовались гигантской популярностью: ими украшали ратуши и замки, суды и университеты, гостиные и спальни. Вспомнить хотя бы старшего современника Веласкеса – Рубенса, который отдал аллегорической живописи чрезвычайно щедрую дань! Но 30-летнего Веласкеса античный антураж оставлял равнодушным. Почему же Веласкес создал «Триумф Вакха»? До 23 лет Веласкес жил в Севилье и там писал в основном бодегоны – реалистичные бытовые зарисовки в какой-нибудь таверне или харчевне. Иногда его упрекали: что же ты, дескать, всё малюешь гуляк да пьяниц, изобразил бы бога или героя какого! Но юный Веласкес придумал в ответ замечательную формулу, которой потом руководствовался всю жизнь: «Лучше быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». А уже в 24 года художник оказался в Мадриде и долгое время писал исключительно портреты. Практически сразу он получил звание придворного живописца короля Филиппа IV. Веласкес был очень молод, но король – на 6 лет моложе. Филипп приблизил его к себе, устроил Веласкесу мастерскую прямо в своих покоях. Любил сидеть там и наблюдать, как художник работает. Не позволял портретировать себя никому, кроме Веласкеса. Давал ему одно придворное звание за другим. Не разрешал уезжать надолго, потому что очень скоро начинал скучать по своему камергеру и другу. И, конечно, у прочих художников это вызывало огромную ревность. При дворах европейских монархов традиционно работали приглашённые итальянцы, воспитанные на культуре античности. Они плели против Веласкеса интриги. Однажды взволнованный король пришёл в мастерскую к своему фавориту и заявил с порога: «Они говорят, что ты умеешь хорошо рисовать только лица! Неужели это правда?» Ответом Веласкеса и стала картина «Триумф Вакха» (известная также под испанским названием Los Borrachos – «Пьяницы»). С убедительной наглядностью он показывал заносчивым итальянцам: «Не только лица! И тела тоже! И композицию могу выстроить не хуже, чем на ваших античных фризах. И Вакха написать не менее живым и соблазнительно-хмельным, чем ваш хвалёный Караваджо!» В чем своеобразие картины Веласкеса «Триумф Вакха»? Но и в несвойственном ему мифологическом жанре Веласкес остался Веласкесом: античную вакханалию он скрестил с испанским бодегоном, высокое – с низким. Как правило, свита Вакха состоит из вакханок и сатиров. А Веласкес решил поместить бога вина и страсти среди простых крестьян, помятых и побитых жизнью, в простой одежде и с обветренными лицами. Его Вакх – белотелый, немного рыхлый. По нынешним меркам, его тело можно назвать слегка «поплывшим», а вот сатир позади него – мускулист и смугл. Противопоставляя их, Веласкес показывает, что он большой мастер своего дела (и чужого тела): он может передавать и сложные ракурсы, и разнообразные позы, и различающееся «агрегатное состояние» человеческой плоти. Вакх Веласкеса сидит на бочке с вином – это его трон. Нагота его прикрыта складками ткани «королевских» цветов – белого и пурпурного. На его голове – венец из виноградных листьев, а сам Вакх коронует кого-то из своих особенно ярых почитателей, отметившегося на ниве пития и разврата, таким же виноградным венком. Крестьяне пришли к божеству с просьбой облегчить их тяжелую жизнь. А Вакх даровал им вино – самый доступный способ забыть о горестях и печалях. Большая плоская чаша в руках у центрального персонажа (в шляпе) написана притягивающе-реалистичной. Кажется, что глядя на глянцевую поверхность вина, можно ощутить его прохладу и терпкий аромат. Взгляд обрадованного пьяницы направлен прямо на нас. Он улыбается так широко и по-свойски, что буквально «затягивает» зрителя в пространство картины, требуя разделить с ним его веселье и питьё. ДиегоВеласкес Барокко МифологическаяСцена _history
4883 

22.03.2021 22:04


Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка

Кто из нас не помнит басню...
Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка Кто из нас не помнит басню...
Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка Кто из нас не помнит басню Крылова, в которой моська лаяла на слона, чтобы доказать окружающим, что она сильна? А вот недавно скульптор Рей Виллафан и художница Сью Беатрис совместными усилиями создали чудесную работу - «‎Слон играет в шахматы с мышью ». Привычный сюжет получил новую интерпретацию: интеллектуальный поединок показал, что шансы равны у всех, независимо от массы тела. Идея свести за игральным столом слона и мышь - прекрасна, ведь подобные аллегории всегда вызывают живой интерес. Исполнение задуманного тоже на высоте - мастерам удалось создать скульптуру из песка, при этом и слон, и мышь выполнены в натуральную величину. Да и сами образы очень реалистичны: с первого взгляда кажется, что мультяшные персонажи ожили перед зрителем.
4747 

21.03.2021 19:05

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс...
Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history
4821 

24.03.2021 20:37

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru