Назад

"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная...

Описание:
"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. «Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах. На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов. Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту. Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел. ДжонУотерхаус _history

Похожие статьи

​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв...
​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв...
​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв нацизма Франция вернёт единственную картину Густава Климта из своей национальной коллекции наследникам Норы Стясны. Эта женщина еврейского происхождения вынуждена была продать полотно, когда нацисты аннексировали её родную Австрию. Министр культуры Франции Розлин Башло сказала, что с этим шедевром стране расстаться сложно, но необходимо. «Это завершение акта правосудия», — заявила она на пресс-конференции в Париже. «Розы под деревьями» в настоящее время находятся в Музее Орсе. Этот пейзаж не входил в специальный список награбленных произведений искусства, возвращенных из Германии во Францию после окончания Второй мировой войны. Картина Климта была куплена в 1980 году и по закону считается «неотъемлемой» собственностью страны. Это означает, что для её возвращения прежним владельцам парламент должен будет принять специальный закон. Нора Стясны родилась в 1898 году в Вене. Картину ей передал её дядя Виктор Цукеркандль — богатый сталелитейный магнат и коллекционер произведений искусства. «Розы под деревьями» он купил в 1911 году. Но после того, как нацисты аннексировали Австрию, Стясны была вынуждена продать пейзаж в 1938 году «почти за бесценок», чтобы выжить. Женщину депортировали в Польшу в 1942 году, где она в том же году погибла лагере смерти «Белжец» вместе с мужем и сыном. Картину в 1938 году купил человек, который называл себя другом семьи, но на деле симпатизировал нацистам. По словам Розлин Башло, он «спровоцировал продажу» и хранил полотно у себя до самой смерти в 1960 году. Двадцать лет спустя французское государство купило «Розы под деревьями» в художественной галерее. Чиновники готовились к открытию Музея Орсе и создавали государственную коллекцию современного искусства. На пресс-конференции официальные лица заверили, что перед покупкой Франция интересовалась происхождением картины, но не нашла доказательств того, что она была продана под принуждением. Лишь в последние годы французские и австрийские историки смогли проследить полный путь пейзажа. Это было довольно трудно из-за того, что большинство доказательств были уничтожены, а семейные воспоминания — размыты. В 2019 году Франция решила ответить на многолетнюю критику за недостаточную активность в сфере реституции. Новая экспертная группа получила более широкий мандат на поиск и возврат произведений искусства, которые были разграблены или проданы под принуждением во время нацистской оккупации. Сейчас Лувр пересматривает все свои приобретения, сделанные в период с 1933 по 1945 год. В 2017 году Австрия вернула наследникам Стясны похожую картину Климта «Яблоня II». Однако позже австрийские власти пришли к выводу, что эта реституция была ошибочной. В конечном итоге эксперты определили, что потомкам женщины следует передать «Розы под деревьями», а не «Яблоню II». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/d9741f03e17c2e942eb9f.jpg
5707 

18.03.2021 20:37

Русский художник Константин Маковский (8 (20) июня 1839, Москва — 17 (30...
Русский художник Константин Маковский (8 (20) июня 1839, Москва — 17 (30...
Русский художник Константин Маковский (8 (20) июня 1839, Москва — 17 (30) сентября 1915, Петроград) – один из участников «Бунта 14», некоторое время сотрудничал с передвижниками. Писал также в рамках академизма, модерна, во многих работах заметны элементы барокко. Обучался в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества, потом – в Академии художеств, которую не окончил. Его картины ценились очень дорого. Широко известен «боярскими» работами и портретами, в том числе детскими портретами. Особенности творчества художника Константина Маковского: работы в «боярском стиле», изображающие богатую, красочную, идеалистическую жизнь прошлых веков. Идеализация присуща и его портретам, в особенности детским и даже картинам передвижнического периода, о чем подробнее можно прочесть в дальнейшей биографии художника. Дети, бегущие от грозы - Константин Егорович Маковский 1872, 167×102 см
5669 

23.03.2021 14:35

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ...
"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history
5625 

01.04.2021 23:08

"Святая Маргарита Антиохийская" 1630-е Франсиско де Сурбаран Лондонская...
"Святая Маргарита Антиохийская" 1630-е Франсиско де Сурбаран Лондонская Национальная галерея. «Святая Маргарита Антиохийская» – одна из нескольких картин загадочной серии Сурбарана, изображающей христианских мучениц. Загадочно в этих полотнах, прежде всего, их назначение. Номинально они изображают святых, по факту же – привлекательных жительниц Севильи в современных одеждах. И хотя Сурбаран всю жизнь работал для монастырей, его святые женского пола мало пригодны для украшения церковных стен. Для всех мучениц Сурбаран выбрал повторяющуюся из раза в раз композицию. Фигуры занимают всё пространство портретов, почти все они на 2/3 развернуты к зрителю и – что важно – все без исключения самым тщательным образом разодеты. Доротея, Аполлония и другие – просто в роскошные накидки и платья, дочка мавританского правителя Касильда – в царское облачение, ну а святая Маргарита – всего лишь в пастушеский костюм, однако чрезвычайно гармоничный и красивый. Но не странно ли это? Не абсурдно ли подобное сосредоточение на внешности в ущерб непосредственно христианским подвигам святых? Ведь их жития содержат массу подробностей – живописных, хотя и кровавых, на которые в искусстве барокко был большой спрос. Мавританка Касильда носила пищу христианским пленникам, а когда отец застукал её с хлебом в подоле, могла бы быть казнена, но хлеб превратился в розы. Аполлония Александрийская отказалась поклоняться языческим богам, за что ей сначала вырвали клещами зубы, а потом сожгли на костре. Святая Маргарита своим крестом распорола брюхо самому дьяволу, который предварительно её сожрал. Обо всех этих холодящих душу подробностях Сурбаран сообщает лишь вскользь – розами в подоле Касильды, щипцами в руках Аполлонии. Но сами девы никак не производят впечатления святых и тем более мучениц – во всяком случае, не таких, как их представляет церковный канон. Маргариту Сурбаран изобразил в изящном костюме в народном духе. Соломенная шляпа с загнутыми полями оттеняет точеное лицо с ярким румянцем; монументально сочетание белого, синего и красного в наряде; особенно выразительной выглядит вышитая холщовая сумка (такие вплоть до наших дней время от времени входят в моду как элементы испанского стиля). Между тем, в отличие от Касильды, жившей незадолго до Сурбарана, в XV столетии, Маргарита никак не могла быть его близкой современницей. Она была дочерью языческого жреца в Антиохии в далёком III веке, еще до того, как Антиохия вошла в состав Византии, а христианство стало государственной религией. Христианкой Маргарита стала тайно. Правитель Антиохии, покоренный её юностью и красотой, хотел жениться на Маргарите. Но она ответила отказом, объяснив, что не может стать суженой царя земного, поскольку уже является невестой Царя Небесного. За это Маргариту бросили в темницу, а дьявол, приняв облик огнедышащего дракона (его мы видим на заднем плане картины Сурбарана) прилетал, чтобы пугать мученицу, и однажды даже проглотил её. Тогда крест в руках Маргариты внезапно стал расти и увеличивался до тех пор, пока не вспорол дракону брюхо. Житие Маргариты наполнено сказочно-готическими элементами и драматическими поворотами. Но не они привлекают Сурбарана. Как и во всех картинах серии, его главный интерес представляет не что иное как тщательное, виртуозное исполнение одежды. Сейчас в исследовательской среде все чаще звучат идеи о том, что неправильно ограничивать творчество Сурбарана монастырскими стенами. Быть может, его неоправданно прекрасные мученицы просто служили рекламой семейному бизнесу по продаже дорогих тканей? Во всяком случае, такую версию в фильме об испанском барокко высказывает арт-критик Вальдемар Янушчак. А писатель Теофиль Готье признавал, что святые Сурбарана – «это самые романтические существа, которых только можно себе представить». ФрансискоДеСурбаран Портрет Барокко _history
5561 

29.04.2021 21:13

"Рожь" 1878 г. Иван Иванович Шишкин Государственная Третьяковская...
"Рожь" 1878 г. Иван Иванович Шишкин Государственная Третьяковская галерея. Картину Шишкина «Рожь» публика впервые увидела в год ее создания на VI передвижной выставке. Иван Крамской в письме к Репину, обсуждая экспонировавшиеся работы, заявил: «Я буду говорить в том порядке, в котором (по-моему) вещи по внутреннему своему достоинству располагаются на выставке. Первое место занимает Шишкина «Рожь»». Картина вдохновлена родиной художника – Елабугой. Сохранилось несколько карандашных эскизов, на одном из них есть пометка, недвусмысленно сообщающая нам, что «что хотел сказать автор»: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство». Перед нами типично русский пейзаж, призванный отразить эти состояния. Дорога – популярный мотив у русских художников. В исполнении Шишкина петляющая среди безбрежного поля ржи проселочная тропа обретает такую мощь и монументальность, что становится одним из символов русской жизни в целом. Тональность картины светло-спокойная, сдержанная. Кажется, глядя на нее, можно услышать напевы народных песен. Земля напоена зноем, ощущается сухой жаркий ветер, о нем говорят и волны, прокатывающиеся по колосящейся золотистой ржи, и затягивающие небо облака. Всё это создает предощущение грозы, которая, вполне возможно, разразится в ближайшее время. Структурирующим компонентом пейзажа выступают столь любимые Шишкиным сосны. Их стволы грациозны и монументальны, словно античная колоннада. Порхающие над самой тропой стрижи оживляют пейзаж. Едва виднеющиеся вдалеке головы шагающих людей, во-первых, демонстрируют необъятность просторов (люди кажутся крошечными), к тому же, связывают пейзаж и человека, утверждая, что перед нами не просто вид природы, а рассказ о том, «как на Руси живется» – в данном конкретном случае не обличающий, а скорее благостный, с интонацией любования. Всмотревшись пристальнее, привычно обнаружим свойственную Шишкину скрупулезность в изображении каждой травинки, каждого стебелька и былинки. Если рассматривать картину в свете общественных и художественных тенденций, то к концу 1870-х стало ясно, что на одном обличении передвижники далеко не уйдут. Возникла потребность в каких-то положительных идеалах, и пейзаж отлично заполнил эту лакуну. Дорога Шишкина на этой картине – это не дорога скорби (как, к примеру, «Владимирка» Левитана). В ней нет тоски и безысходности, она – не тупик. Настроение картины – скорее благодарение жизни, наслаждение безбрежным простором, любование восхождением духа. Это светлая дорога. Предтечей этой картины можно считать написанный почти десятилетием раньше «Полдень. В окрестностях Москвы». Здесь уже намечена та же тема: широта безбрежных просторов, радость простой жизни, озаренной светом и солнцем. Впрочем, идеализаций мы у Шишкина не найдем, он остается величайшим реалистом. Это не идеализация, а взгляд на русскую действительность с не особо привычной радостной стороны. ИванШишкин Реализм _history
5497 

04.05.2021 20:38

Гвоздика, лилия, лилия, роза
1886
Джон Сингер Сарджент 
Тейт Британия...
Гвоздика, лилия, лилия, роза 1886 Джон Сингер Сарджент Тейт Британия...
Гвоздика, лилия, лилия, роза 1886 Джон Сингер Сарджент Тейт Британия, Лондон Идея пришла когда художник путешествовал по Темзе в Беркшире. Во время прогулки он увидел китайские фонарики висящие среди деревьев и лилий. Он писал Роберту Льюису Стивенсону что хотел передать увиденный им эффект сумерок: "...такой райский вид, что заставляет восторгаться." Слева на картине изображена одиннадцатилетняя Долли, а справа - семилетняя Полли. Сарджент работал над этой композицией в традициях импрессионистов, используя естественный свет и на открытом воздухе. Работа над картиной затянулась, и художник писал с сентября до начала ноября. За это время, розы постепенно увядали и их пришлось заменять искусственными цветами. Девочки надевали свитера, а на них платья. Картину выставили в 1887 году на выставке Королевской академии художеств. Британская Королевская Академия купила картину для галереи Тейт почти сразу же после окончания выставки.
5509 

17.05.2021 17:13

"Я и моя деревня" 1911 г. Марк Захарович Шагал Нью-Йоркский музей современного...
"Я и моя деревня" 1911 г. Марк Захарович Шагал Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Шагал писал картину «Я и моя деревня» в Париже. Сюжет ее построен на зеркальном отображении. Справа мы видим профиль самого художника, напротив – профиль коровьей морды. Художник протягивает ей связку веток и цветов, которую трактуют как древо жизни. В верхней части картины эти зеркальные профили, словно мостом, соединены изображением Витебска. Шагал и корова присматриваются, «принюхиваются» друг к другу. Интересный метод «матрешки» позволил художнику изобразить внутри головы животного отдельную сцену с дояркой и коровой. В центре мы видим круг, соединяющий все элементы в единое целое и символизирующий круговорот жизни. Вокруг этого круга и разворачиваются события картины: дома Витебска, в том числе, стоящие на собственных крышах, доярка с коровой, перевернутая женщина и догоняющий ее мужчина с косой. В светлой перевернутой фигуре женщины ощущается сила, ее трактуют как символ плодородия. Она словно убегает от изображенного в темных тонах мужчины с косой. Не отсылка ли это к старухе с косой? Впрочем, эта погоня не создает ощущения угрозы, она выглядит естественной частью круга, естественной частью жизни. Картина в полной мере проявляет свойственное Шагалу умение соединять бытовое и сверхъестественное. В картине «Я и деревня» ощущаются отголоски фовизма – законы перспективы отправлены в утиль за ненадобностью, да и размеры не озабочены соответствием реальности, кубизма – разделение на сектора, декомпозиция, импрессионизма – нестандартное использование цвета. При этом картина максимально насыщена символами: знаки (коса, церковь, дерево жизни), форма (круг, матрешка). Многие исследователи определяют ее жанр как «бытовой символизм». Но правильнее сказать, что перекликаясь с различными направлениями живописи, картина все же выходит за рамки любого из них. Шагалу удалось воплотить свою цель «не быть похожим на кого-то, найти свой путь». МаркШагал _history
5149 

28.07.2021 20:37

Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции...
Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции, выполненную в 1500 году художником Якопо де Барбари. Она поражает не только как предмет искусства и восхитительный пример графики, но и с точки зрения картографии является вещью совершенно революционной. Короче, откроете - обалдеете, я обещаю. Для начала, это огромная гравюра, собранная из шести блоков, надо которой Якопо де Барбари трудился три года. При том, что резку по его рисунку делали другие люди, специально нанятые резчики, то есть, он три года потратил только на рисунок. А сама карта стала самым большим изображением, вырезанным на дереве (грушевом) для печати и долго еще этот рекорд никто не мог переплюнуть. С рисунком все тоже интересно, потому что совершенно не понятно как художник умудрился зарисовать весь город практически с высоты птичьего полета. Это мы с вами балованные самолетами и дронами, а тут только XVI век начался вообще-то, поэтому надо было как-то для начала придумать рисунок в таком ракурсе, а потом его еще и осуществить. Ну вот, есть версия, что ду Барбари видел карту Флоренции, выполненную в 1480 году Франциско Росселли, не такую подробную, более средневековую по своей манере, рассказывающую о городе в общих чертах, а не работающую подробным путеводителем, но зато как раз нарисованную из похожего ракурса. Что касается совсем технической стороны дела, то некоторые считают, что де Барбари лазил на колокольни по всему городу (их тогда Венеции было 103 штуки и все они, кстати, есть на карте) и зарисовывал по кусочку пейзаж, а потом собрал все рисунки как паззл. И, скорее всего, художник пользовался не только рисованием, но и применял тригонометрию, которую, как и многие науки, вернули к жизни ученые-гуманисты совсем недавно, и эта карта не просто результат наблюдательности, но и вещь, которая построена исходя из сложных расчетов. Еще интересно то, что карта достоверна - говорят, даже сейчас можно ее использовать как путеводитель по городу. Новинка от де Барбари - изображение практических всех зданий согласно их настоящим пропорциям, а не выделение важнейших при помощи размера. Он разве что польстил Дворцу Дожей, в котором заседали все самые важные люди города и который был и остается его главной достопримечательностью, нарисовав его в половину крупнее оригинала. Ну и некоторые совсем крохотные и сложные улочки, там, где совсем окраинные лабиринты, де Барбари упростил. Зато мы видим острова - Мурано, Маццорбо, Бурано, Гвидекка и Сан Джорджио Маджоре, а вдалеке виднеются Альпы. По идее, Альпы из Венеции не должны быть видны, но это нам так показывают значение Венеции в мире, как его символический центр. Для тех же целей - ветры и, главное, в центре карты два античных бога, глядящие друг на друга. Сверху - Меркурий, покровитель торговли на троне-облаке со своим кадуцеем, знаком коммерции и атрибутом послов. Вокруг него надпись на латыни - “Я, Меркурий, благосклонно сияю над этим эмпорием”. Ну какой же из Венеции эмпорий? - спросите вы, вспомнив о том, что эмпории - это такие маленькие торговые поселения, в которых ни церкви ни армии, одни рынки. Это так, мне кажется, де Барбари, с одной стороны, скромничает за всю Венецию, а с другой - подчеркивает то, что как и средневековые или даже древние эмпории не имели укреплений и солдат потому что их безопасность гарантировалась покровительством знати, деньгами и связями, Венеция процветает за счет дипломатии. Собственно, у Венеции регулярной армии тоже ведь не водилось, были наемники, и, главное, политически опытные элиты, которые несмотря на постоянное состояние угрозы со стороны всех подряд, умудрялись при помощи переговоров (и подкупов, интриг и всего такого) удерживать Венецию от развала и разграбления.
5033 

18.08.2021 16:47

«Герцогиня» - одна из самых популярных картин в лондонской Национальной...
«Герцогиня» - одна из самых популярных картин в лондонской Национальной галерее. Никто так и не может дать однозначныи‌ ответ: кто эта женщина и деи‌ствительно ли так она выглядела? Одна из версий гласит: это карикатурный портрет модницы, которая, несмотря на свой преклонный возраст, все еще старалась выглядеть, как молоденькая девушка и поэтому на ней модный головной убор. То же можно сказать и о ее декольте, откровенно демонстрирующем увядшие прелести. Сарказм подмечен языком символов: в руке красавицы - нераскрывшийся бутон розы, который говорит о статусе невесты на выданье и желании привлечь жениха. По другой версии героиня картины могла быть написана по рисунку Леонардо. По утверждению исследователей, Леонардо имел живой интерес к необычным лицам, уродцам в виду его работы над системой идеальных пропорции‌. Возможно, это могла быть больная женщина с конечной стадией синдрома Педжета, при котором деформируются кости - увеличиваются в размерах, меняются по строению, теряют прочность и часто ломаются. Кстати, "Герцогиня" также появляется, как персонаж, в сказке Кэрролла "Алиса в стране чудес".
4697 

20.11.2021 16:37

"Красные гладиолусы" 1919 г. Хаим Соломонович Сутин Музей Оранжери, Париж. В...
"Красные гладиолусы" 1919 г. Хаим Соломонович Сутин Музей Оранжери, Париж. В 1916-1919 годы Хаим Сутин создает целую серию цветочных натюрмортов, особое место среди которых занимают красные гладиолусы. Не стоит обманываться жанром «цветочный натюрморт» – нежности и романтизма в этих картинах мы не найдем. Никаких утопий и пасторали! Иллюзии, розы-грёзы – это не для него. Кажется, Сутин до боли в глазах всматривается в окружающую действительность, и краски его кричат, не умолкая, о том ужасе, в который приводит художника столкновение с ней – даже когда речь о букете цветов или двух детях, которые, взявшись за руки, идут по дороге. От этих кричащих красок невозможно отвести глаз. Цветочные натюрморты Сутина – отнюдь не то, на чем отдохнет уставший глаз, они – настоящее поле битвы. В этом смысле гладиолус выбран не случайно, этимология слова восходит к латинскому gladius - меч. В серии «гладиолусов» впервые на ведущие роли выходит красный – король цветовой палитры Сутина. Мы встречаем у него множество оттенков красного – пурпурный, алый, багряный, кровавый, огненный. Его красный – всегда насыщенный, слепящий. В отличие от фовистов, которые тоже уделяли пристальное внимание цвету, у Сутина цвет не бывает декоративным, он всегда – ключ к чувствам, а чувства эти - никогда не спокойствие. «Экспрессия содержится в мазке», – говорил Сутин. «Красные гладиолусы» из парижского музея Оранжери особенно примечательны в этом смысле. Мазок – плотный, густой, очень ощутимый, явственный. Самого Сутина причисляют к экспрессионистам, хотя он не «вошел в круг» экспрессионистов. Он вообще ни в какие общества и круги не входил, зато близко дружил с Модильяни, изрядно озадачивая публику, которая не могла понять, что общего у изысканного, лощеного знаменитого экспрессиониста и этого странного, оборванного, нервного маленького еврея. Разве что огромный талант? Но в Сутине его увидят позже. Сутин работал в трех жанрах: натюрморт, пейзаж, портрет. Ни в одном из них не отличался натурализмом. Его не интересует, какая форма листьев и цветов у гладиолусов, единственное, что имеет значение – страсть красного, жар и ощущение битвы, которое возникает при взгляде на эти кровавые цветы. Кстати, он неоднократно говорил, что если бы не был художником, то стал бы боксером. Бой на свои холсты он точно перенес. Кто-то из современников прокомментировал «цветы» Сутина: они словно «когти, грубо раздирающие воздух». ХаимСутин Экспрессионизм _history
4706 

10.12.2021 20:37

​​️В Архангельской области национальные парки «Кенозерский» и «Онежское...
​​️В Архангельской области национальные парки «Кенозерский» и «Онежское...
​​️В Архангельской области национальные парки «Кенозерский» и «Онежское Поморье» открыли прием заявок на волонтерские проекты в 2022 году.   Кенозерский национальный парк расположен в Архангельской области. На его территории зарегистрировано 50 видов млекопитающих и 263 вида птиц, многие из которых занесены в Красную книгу России. В парке сохранились не только природные комплексы Русского Севера, но и памятники архитектуры, археологии, монументальной живописи и иконописи. В 2004 году особо охраняемая территория включена во Всемирную сеть Биосферных Резерватов ЮНЕСКО.   ️В Москве появился Музей криптографии.   ️Венецианский институт науки, литературы и искусства утверждает, что Венецию к 2100 году разрушит повышение уровня моря.   ️C 15 января в Библиотеке №180 имени Н.Ф. Федорова на Профсоюзной в Москве пройдет выставка одного из ведущих российских иконописцев Александра Чашкина «От Рождества до Воскресения».   ️Музей русского импрессионизма представил книгу «Юрий Пименов. Непридуманные истории» — сборник документальной прозы, посвященной художнику. ️Государственный Русский музей в Санкт-Петербург откроет выставку «Михаил Врубель. К 165-летию со дня рождения». После Третьяковской галереи коллекция отправится в Русский музей, где мы увидим более 100 работ из богатого наследия великого живописца. Михаил Александрович Врубель, Жемчужина, 1904, Московский Румянцевский музей Фото: Третьяковская галерея https://telegra.ph/file/714bb42d38fc13089f433.jpg
4545 

13.01.2022 21:54

​​️23 и 24 апреля в ГЭС-2 пройдут бесплатные лекции, беседы и игры...
​​️23 и 24 апреля в ГЭС-2 пройдут бесплатные лекции, беседы и игры...
​​️23 и 24 апреля в ГЭС-2 пройдут бесплатные лекции, беседы и игры от ассоциации юристов, медиаторов и переговорщиков.   ️В Царском селе создали VR-версию Янтарной комнаты.   ️В конце апреля к 475-летию со дня рождения Сервантеса, Дню испанского языка и Всемирному дню книги, в Библиотеке иностранной литературы пройдёт фестиваль «Дни Сервантеса».   Откроет фестиваль Праздник Розы и Книги, который уходит корнями в 18 век. Так называют день Святого Георгия — покровителя Каталонии.   Праздник отмечают в Каталонии, автономном регионе Испании. По традиции в этот день мужчины дарят любимым женщинам розу, а женщины мужчинам — книгу. Утром каждый читатель получит в подарок книгу и розу.    Программа   ️23 апреля в Петербурге в галерее One’s Mind откроется выставка работ молодых художников «Fragile! Осторожно: хрупкий груз! VOL. 2».   Наша подруга и прекрасная художница Валерия Витвицкая представит скульптурную инсталляцию «Шепсес Анх: живой образ». Ключевым принципом данной работы является миф: маска хищного кошачьего животного и руки девушки, а также  визуальный и смысловой контраст: сочетание черного твердого и матового с розовым, жидким и глянцевым, сочетание сильного и опасного хищника с уязвимым и незащищенным состоянием.   Валерия рассуждает на тему женственности, гармонии женского и мужского начал.   https://telegra.ph/file/51457d13ff857386b2ffb.jpg
4025 

19.04.2022 20:27

​За каждым великим художником стоит муза. Иногда даже не одна.

Например, при...
​За каждым великим художником стоит муза. Иногда даже не одна. Например, при...
​За каждым великим художником стоит муза. Иногда даже не одна. Например, при рентгеновском исследовании «Данаи» Рембрандта выяснилось, что лицо героини полностью переписано. Она похожа на Гертье Диркс — гражданскую супругу Рембрандта. Но в ранней версии Даная была точной копией Саскии — первой жены художника. Почему он заменил на картине одну возлюбленную на другую — неизвестно. Но это интересный факт, который хочется рассказать друзьям, стоя перед картиной в Эрмитаже. Чтобы сделать знание таких фактов своей профессией, приходите на бесплатный двухдневный интенсив «Как стать искусствоведом» от «Правого полушария Интроверта»! Вы сможете: – Попробовать себя в роли искусствоведа и научиться анализировать любые произведения на примере картины Эжена Делакруа «‎Свобода, ведущая народ». – Узнать, кем работать с искусствоведческим образованием. – Понять, как трудоустроиться в арт-сфере. – Поучаствовать в розыгрыше места на профессиональном курсе «Искусствовед». Интенсив пройдет 13 и 14 июля в 19:00 мск. ️ Регистрируйтесь бесплатно прямо сейчас, количество мест ограничено: https://artforintrovert.cc/3P6cUtT https://telegra.ph/file/870260da4d8107f45a15e.jpg
3795 

08.07.2022 17:10

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru