Старейшие рисунки на скорлупе, 60 тыс. до н. э. В 2010 г. ученые в Южной...

️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San Daniele) в Удине, затем переехал в Венецию, где стал учеником Джорджоне. В 1514 году переехал в Рим, где поступил в мастерскую Рафаэля и считался одним из наиболее талантливых его учеников. Джорджо Вазари отмечал его стремление к гротеску и большую любовь к изображению природы — как растений и животных, так и неодушевлённых предметов. После смерти Рафаэля работал на кардинала Джулио Медичи (будущего папу Климента VII) по украшению Вилла Мадама, завершив работу к 1525 году; находился в конфликте с Джулио Романо. С 1521 по 1522 год работал во Флоренции, затем вернулся в Рим, в 1527 году покинул его, вернувшись в Удине, где стал архитектором и участвовал в восстановлении местного замка (итал. Castello di Udine), разрушенного сильным землетрясением 1511 года. В 1532 году ненадолго ездил во Флоренцию. В 1547 году создал лестницу с внешнего двора в этом замке. В 1560 году вернулся в Рим и остаток жизни провёл в бедности. Был похоронен в Пантеоне, рядом с Рафаэлем. Помогал Рафаэлю в расписывании лож ватиканского дворца и в других подобных работах. Им написаны и отчасти придуманы орнаменты в верхних ложах. В нижних ложах ему принадлежит плафонная живопись, реставрированная в 1867 году Мантовани. На вилле Фарнезина им исполнены фестоны, обрамляющие рафаэлевскую «Историю Психеи». Для папы Климента VII в сотрудничестве с Перино дель-Вага украсил живописью Торре-ди-Борджиа. Из прочих его произведений известны роспись вестибюля в вилле-Мадама, лепные украшения нижних сеней этого здания, декоративная живопись в палаццо Массими-алле-Колонне в Риме, работы в усыпальнице Медичи (в церкви Сан-Лоренцо) и рисунки, по которым изготовлены расписные стёкла в Лаврентьевской библиотеке во Флоренции.

Где-то я однажды вычитала красивую фразу про Сандро Боттичелли - мол, у него не могло быть последователей, только подражатели. Ну вот Франческо Боттичини был художником, родившимся тоже во Флоренции всего на год позже Боттичелли. Отец его делал рисунки для игральных карт и, вероятно, был его первым учителем, а дальше Боттичини попал в мастерскую Нери ди Бичи, сбежал оттуда через год, устав раскрашивать ящики, и дальше уже учился вместе с Сандро Боттичелли в мастерской Андреа Верроккьо. В этой мастерской Боттичини настолько лихо перенял стиль учителя, что ранние его работы Верроккьо и приписывались, а потом он дополнил свою манеру боттичелиевскими нежностями, поэтому более поздние картины уже приписывали Сандро и его мастерской. И правда, сейчас увидите, что похоже. Хотя его красавицы совсем немного другие, а палитра чуть-чуть, да потемнее. Боттичини в свое время был художником уважаемым и довольно популярным. О его жизни известно довольно мало и он даже был проигнорирован Джорджио Вазари и не вошел в его знаменитый гигантский сборник “Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев” то из-за своей вторичности, то ли из-за того, что работал он, в основном, в маленьких провинциальных городах, приезжая туда чтоб выполнить роспись стен, потолка или написать алтарные образы.

№ 5 .. № 22 1949 Марк Ротко Museum of Modern Art, Нью-Йорк Без определённой идеи, чем он хочет заниматься, Маркус Ротко́вич переехал в Нью-Йорк, снял комнату в доме № 19 на 102-й западной улице и сразу окунулся в бурную атмосферу художественной жизни большого города. По мнению Ротко, «тот факт, что художественная работа начинается с рисунка — уже академический подход. Мы начинаем с цвета», — писал художник, оценивая влияние примитивных культур на модернистов и их мимикрию под детское творчество. Ротко считал, что модернист, как ребёнок или человек примитивной культуры, должен в своей работе идеально выразить внутреннее ощущение формы без вмешательства разума. Это должен быть физический и эмоциональный, но не интеллектуальный опыт. Ротко стал использовать цветовые поля в своих акварелях и городских ландшафтах, именно тогда предмет и форма в его работах начали терять смысловую нагрузку. Ротко сознательно стремился имитировать детские рисунки.

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg

Арон Вайзенфелд (Aron Wiesenfeld) родился в 1972 году в Вашингтоне. В 2000 году окончил калифорнийский Art Center College of Design. Рисует завораживащие и мистические картины и рисунки, где главными героями являются одинокие дети и подростки.

ОбложкаНедели журнала Collier’s Weekly за 29 сентября 1917 года, США Мужественный военный лётчик в типичном обмундировании — кожаная куртка, шлем с очками и обязательный шарф. Шла ПерваяМировая и обложки периодических изданий часто украшали рисунки военной тематики. Автор этого — известный иллюстратор Джозеф Кристиан Лейендекер (Joseph Christian Leyendecker). Шарф для пилотов тех лет был одновременно и модным, и полезным аксессуаром. Благодаря ему была защищена шея — от ветра и от натирания об воротник во время воздушного боя. Хотя самолёт на фоне почти весь скрыт за фигурой лётчика, но он всё же легко узнаваем — это учебно-тренировочный биплан Curtiss JN-4 Jenny. Самый известный американский самолёт Первой мировой войны широко использовался для обучения будущих пилотов. Был выпущен впечатляющей серией в 6 813 экземпляров.

В индонезийской пещере обнаружены старейшие в мире произведения искусства В пещерах на острове Сулавеси в Индонезии археологи обнаружили древнейшие наскальные рисунки. Радиоуглеродный метод датирования определяет возраст этих рисунков приблизительно в 40 тыс. лет. Среди петроглифов* в пещерах Сулавеси археологи выделяют рисунки диких копытных животных и трафаретные рисунки рук, сделанные путем выдувания краски вокруг прижатой к скале кисти. Находка в Индонезии говорит как о том, что искусство развивалось параллельно сразу в нескольких частях света, так и о том, что оно зародилось десятки тысяч лет назад. Исследователи точно не знают, что обозначают эти отпечатки рук. Возможно, это своеобразная подпись автора, а может, ранние признаки мистицизма. *Петро́глифы — выбитые или нанесённые краской изображения на каменной основе.

Старейшие фигурки из слоновой кости мамонтов Одиннадцать фигурок, вырезанных из бивня мамонта, были обнаружены в пещере Фогельхерд на юго-западе Германии. Радиоуглеродный анализ и слой породы, показывают, что скульптуры были сделаны во время ориньякской культуры, которую связывают с первым появлением современного человека в Европе. Интерпретации резных фигур были сделаны в контексте огромного значения этих животных для выживания палео-человека и связанных с ними охотничьих ритуалов. Еще, возможно, они использовались в доисторических верованиях, культах и ​​шаманских практиках. Скульптура лошади. Длина: 4,8 см (примерно 30 000 - 29 000 лет). Полностью сохранилась только голова. Из-за отслаивания внешних слоев слоновой кости, ширина была уменьшена, а ноги отломаны. Скульптура шерстистого мамонта. Длина: 3,7 см (возраст около 35000 лет). Фигурка мамонта искусно проработанной резьбой. Скульптура пещерного льва. Длина: 5,6 см (возраст около 40 000 лет). Сохранилась только голова.

Выставка «От Дюрера до Матисса. Избранные рисунки из собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина» стремится представить связную историю европейского рисунка на протяжении пяти столетий. https://www.youtube.com/watch?v=4bkoiB5IbgI

"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства, Вашингтон. Трудно узнать в прилично одетой даме с ребенком ту самую скандальную натурщицу, которая позировала Эдуару Мане для «Олимпии» и «Завтрака на траве». Разве что прямой вызывающий взгляд ее выдает. Но это действительно она, Викторина Меран. Викторина Меран вернулась неожиданно. 6 лет о ней не было ничего слышно, никто не знал, куда она исчезла. Говорили, что все эти годы любимая натурщица Мане прожила в Америке. Бросать ей в Париже было нечего, жалеть тоже не о чем: нищета, мечты об актерской славе, гитара и несколько художников, которые готовы платить за то, что она раздевается в их мастерских. Поэтому Викторина рванула за океан, не раздумывая, за какой-то страстной роковой любовью. А вернувшись, опять согласилась позировать Мане. Правда предупредила, что на этот раз у нее совсем другие планы, позирует по старой дружбе и искренней сердечной привязанности, но уже готовит первые картины в Салон и тоже, да-да, стала художницей. В «Железной дороге» она наконец-то прилично одета, да и вообще просто одета. Вместо злополучного черного кота, который вызвал бурю возмущения у критиков и зрителей, Мане возвращает ей на колени мирно спящего щенка. Собака, символ преданности и верности, спала на кровати тициановской «Венеры урбинской», и была безжалостно заменена в «Олимпии» Мане на выгнувшего спину шипящего черного котенка. Кошка – это возмутительно, воплощение изменчивости, вожделения, ведьмовской натуры и, наконец, порочности, она стояла у ног обнаженной Олимпии и шипела на зрителя. Картину приняли в Салоне в 1874 год, в тот самый год, когда в ателье фотографа Надара состоялась первая выставка импрессионистов. В «Железной дороге» все было пристойно – и ничего не сбивало зрителя с благочестивых мыслей. Но над Мане снова смеялись. Современному зрителю трудно понять, что смешного видел карикатурист или журнальный критик в этой картине. Их выводила из себя абсолютная бессюжетность и нелитературность изображенного: то ли портрет, то ли жанровая сцена, железная дорога, а поездов не видно. Так смотрят на магазинные вывески из проезжающей кареты, а не на женщину с ребенком. Говорили, что картина схематична, а перспектива бездарно искажена, переднее пространство будто кто-то сжал и впечатал в железные прутья ограды. Это последняя картина, для которой Викторина Меран позировала Мане. Потом ее принимали несколько раз в Салоне, а потом перестали, позже она пристрастилась к выпивке, стала жить с юной натурщицей, играла на гитаре у входа в парижские кафе, продавала рисунки их нетрезвым посетителям. А после смерти Мане написала письмо его вдове, в котором попросила выдать ей процент от продажи картин с ее изображением. Утверждала, что Эдуар обещал с ней поделиться, когда наконец-то прославится и начнет зарабатывать. Не известно, как отреагировала мадам Мане на письмо Викторины. Известно только, что в 1898 году «Железная дорога» была продана за 100 тысяч франков американцу Генри Осборну Хэвемайеру, принадлежала его потомкам до 1956 года и ими же была передана в дар Национальной галерее искусств Вашингтона. ЭдуарМане Портрет Импрессионизм _history

Эдуард Мане "Железная дорога" (1873) Трудно узнать в прилично одетой даме с ребенком ту самую скандальную натурщицу, которая позировала Мане для «Олимпии» и «Завтрака на траве». Но это она, Викторина Меран. Тут она наконец-то прилично одета, да и вообще одета. В «Железной дороге» все было пристойно, но над Мане снова смеялись. Критики были недовольны бессюжетностью и нелитературностью изображенного: то ли портрет, то ли жанровая сцена, железная дорога, а поездов не видно. Говорили, что картина схематична, а перспектива бездарно искажена. Это последняя картина, для которой Викторина Меран позировала Мане. Потом ее принимали несколько раз в Салоне, а потом перестали, позже она пристрастилась к выпивке, стала жить с юной натурщицей, играла на гитаре у входа в парижские кафе, продавала свои рисунки их нетрезвым посетителям.

«Мужчина и колыбель». Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. Дело в том, что у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая по логике должна лежать на полу. Да и рано ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. В Третьяковскую галерею левая половина картины поступила после распродажи коллекции Павла Петровича Тугого-Свиньина. Ему принадлежал так называемый «Русский музеум» — коллекция живописи, скульптуры и антиквариата. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей», где собраны рисунки с большей части картин, входивших в коллекцию Свиньина.

​​️С 19 мая в галерее Lazy Mike откроется выставка Богдана Широкова «Topophilia». ️В 2022 году арт-ярмарка Frieze пройдет в Сеуле.   ️В Туле открылся фестиваль военного кино, посвященный 100-летию со дня рождения Юрия Озерова.   ️NFT картины Микеланджело «Мадонна Дони» из собрания галереи Уффици продан за €140 тыс.   ️Рисунок «Голова медведя» Леонардо да Винчи, который выставят на Christie's в июле, может побить рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок выполнен около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках. «Медведь» бывал и в России в Эрмитаже и Пушкинском музее. Фото: Леонардо да Винчи. «Голова медведя». Около 1480 г., Christie's https://telegra.ph/file/b74ca8e4a04d887c75870.jpg

​​Медведя Леонардо да Винчи продают за £12 млн Ожидается, что рисунок «Голова медведя», который выставят на Christie's в июле, побьет рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок медвежьей головы работы Леонардо да Винчи размером 7×7 см будет выставлен на торги Christie's 8 июля. Эстимейт рисунка — £8–12 млн. Ожидается, что «Голова медведя» побьет рекорд на рисунки Леонардо, который был установлен на Christie's в 2001 году, когда его «Конь и всадник» (ок. 1480) размером 12×7 см были проданы за £8,1 млн. «Голова медведя» выполнена около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках (не считая британской Королевской коллекции и собрания герцогов Девонширских). Рисунок в XVIII веке находился в собрании художника Томаса Лоуренса, от которого перешел к дилеру и кредитору художника Сэмюэлу Вудберну. Последний продал его в 1860 году на Christie's всего за £2,5. Бен Холл, глава отдела старых мастеров Christie's в Нью-Йорке, говорит, что рисунком владели «некоторые из самых выдающихся коллекционеров в области старых мастеров на протяжении многих веков, в числе которых и нынешний владелец, которому он принадлежал с 2008 года». С момента своей первой выставки в 1937 году рисунок был показан в музеях по всему миру, включая выставку Леонардо да Винчи в Лондонской национальной галерее в 2011–2012 годах. Знаком он и российской публике — в Государственном Эрмитаже и ГМИИ им. А.С.Пушкина его можно было увидеть на выставке из собрания Томаса Каплана и Дафны Реканати-Каплан «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции» в 2018 году. Рисунок представлен на публичной выставке Christie's в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке с 8 мая, затем он будет показан на выставке Christie's в Гонконге с 20 по 25 мая. После этого он отправится в Лондон, где будет выставлен на обозрение с 1 по 6 июня. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/18a97548754b667fba176.jpg

"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой карандашный рисунок, выполненный Пабло Пикассо в 1946 году, – один из самых лирических и чувственных портретов Франсуазы Жило. И, пожалуй, самый реалистичный из них. Пикассо создал этот рисунок в самом начале их отношений, в период, исполненный нежности и искреннего обожания. Несколько лет спустя, когда союз с Франсуазой уже начнет трещать по швам, Пикассо будет безжалостно сминать и искажать черты ее лица на своих картинах, как это уже бывало с ее предшественницами. О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше. Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения. Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи. К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти. ПаблоПикассо Графика _history

"Зонтик" 1777 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Увлекательная «Санта-Барбара» «Санта-Барбара» – это не только бесконечная американская мыльная опера. В Испании XVIII века так же называлась королевская ковровая фабрика – мануфактура «Санта-Барбара» (или, сказать проще, фабрика святой Варвары). «Совпадение? Не думаю», – так и тянет пошутить, тем более что и задача у обеих Санта-Барбар была примерно одинаковой: на длительное время сделать людям красиво, а также приятно, весело и интересно. Испанская «Санта-Барбара» для этой цели выпускала гобелены – большие безворсовые ковры ручной работы с жизнерадостными сюжетами и исполненными изящества харизматичными героями. Такие гобелены могли занимать почти всю стену, и ими с удовольствием декорировали не только частные дома, но и королевские покои. Вот на такую фабрику гобеленов и устроился работать приехавший в конце XVIII века в Мадрид из Сарагосы молодой художник Франсиско Гойя (справедливости ради скажем – попал он туда не с улицы, а по протекции Франсиско Байеу, придворного художника и старшего брата жены Гойи Хосефы). Задачей Гойи было создавать рисунки, на основе которых «Санта Барбара» будет ткать гобелены. Какие же сюжеты могут подойти? Кстати сказать, во Франции примерно в это же время или чуть раньше фабрику гобеленов возглавлял коллега Гойи – знаменитый художник Франсуа Буше. Темы для гобеленов выбирались идиллические: у французов это были резвящиеся на лоне природы пастухи и пастушки, в Испании персонажами гобеленов тоже были люди из простонародья – махо и манолас. Махо – это представители испанских городских низов, весёлые, темпераментные и витальные. Они готовы в любой момент схватиться за нож, не дураки выпить и вообще довольно криминализированы (как всякие социальные «низы») и в то же время остаются хранителями народных традиций. Их страстных подруг называют «махи» (отсюда – название известных картин Гойи). «Махи» – женщины легкого нрава и таких же правил, что отличает их от «манолас» – приличных девушек строгих правил, этаких «благородных мах», впрочем, столь же безоглядно уверенных в собственной неотразимости. Во времена Гойи изображения махо, мах и манолас были чрезвычайно популярны. Их национальные наряды были так выразительны, ярки и красивы, что даже аристократки, женщины из знатных родов, очень любили время от времени, особенно во время карнавалов и светских вечеринок, наряжаться в народном духе. Это было модно, а в текущей политической ситуации еще и помогало сохранять национальную идентичность. Особой приверженностью к испанскому народному костюму отличалась небезызвестная герцогиня Альба. На ростовых портретах Гойи она, аристократка, как раз одета в испанском народном стиле. Картоны Гойи для «Санта-Барбары» Всего Гойя выполнил не менее шестидесяти монументально-декоративных панно, служащих эскизами для гобеленовой мануфактуры. Их отличает удивительная, не представимая в дальнейшем творчестве Гойи искрящаяся жизнерадостность, многообразие и звучность палитры. Гойя вдохновенно создаёт счастливую утопию «естественного человека» с опорой на глубоко народные образы и представления о мире – образы той среды, откуда вышел и он сам. Картоны Гойи едва не были утрачены. После создания шпалер эскизы, на основе которых делались гобелены, становились не нужны. Сам Гойя, чей ранний период исследователи назовут «гобеленовым», не очень любил эти работы, справедливо полагая, что способен на большее, и не собирался их хранить. Картоны были забыты и некоторое время их местонахождение оставалось не известным. В 1860-х они были случайно обнаружены в каком-то подвале и переданы в Прадо. Гобелен Гойи «Зонтик» «Зонтик» – один из самых жизнерадостных и красивых картонов Гойи. Он изображает молодую манолас, сидящую на траве с маленькой собачкой на коленях. День солнечный, и чтобы красотка не обгорела, её услужливо прикрывает зонтиком юный махо в бархатном костюме и головном платке, которые, наряду с широкополыми шляпами, любили носить молодые испанцы. ФрансискоГойя Романтизм _history

Реалистичные рисунки. Американская художница Карла Миалинн (Karla Mialynne). Изначально девушка начинала работать цветными карандашами. Позже к ним добавились маркеры и акриловые краски. В результате рождались гиперреалистичные картины на всевозможные темы, начиная от портретов знаменитостей, заканчивая изображениями животных. Ее иллюстрации используются в рекламах, для украшения панелей смартфонов и оформления календарей. Для того, чтобы ни у кого из зрителей не возникало сомнения в подлинности картины или предметов, которыми они были нарисованы, Karla Mialynne всегда выкладывает возле рисунка ряд карандашей и маркеров, которыми была написана работа.

​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в список Всемирного наследия, находящегося под угрозой исчезновения. Окончательное решение будет принято на 45-й ежегодной конференции ЮНЕСКО в 2022 году. ️Святоносский маяк под Мурманском признан объектом культурного наследия федерального значения. Он является уникальным образцом деревянной фортификационной архитектуры 19 века. Это один из старейших действующих маяков в России, он был установлен на мысе Святой Нос в 1862 году. Маяк не переставал работать во время Первой мировой войны и Великой Отечественной войны. ️В Фонде Cartier в Париже 6 июля откроется выставка «Дэмиен Херст. Цветение вишни». Вопреки обычной для британского классика практике, все картины для этого проекта художник написал сам, без ассистентов. ️Галерея «Здесь на Таганке» представит выставку памяти художника Владислава Мамышева-Монро. ️️Три неизвестных ранее работы Ван Гога найдены, спрятанными в романе о французских крестьянах. Три эскиза публикуются в The Art Newspaper впервые! Открытия совершенно неизвестных рисунков Ван Гога сейчас редки — один или два раза в десятилетие. Рисунки выставлены в музее Ван Гога в Амстердаме на новой выставке Here to stay. Искусствоведы думают, что это не просто рисунки: возможно Ван Гог сделал именно закладку для книги, ведь художник был заядлым читателем. Фото: Слева — три изображения закладки в приближённости виде; справа — полный масштаб Courtesy of the Van Gogh Museum, Amsterdam (bought with support from BankGiro Loterij) https://telegra.ph/file/67eb6c677f82a867a7771.jpg

Карл Эмануэл Янссон - шведско-финский художник с Аландских островов. Он родился в 1846 году в городе Финстрём, столице архипелага, в которой тогда жило примерно две тысячи человек, а население всех островов вместе было не больше двадцати тысяч. Отец Карла был фермером, сам же Карл год провел в ученичестве у сапожника, потом подался в маляры, а вот страсть к рисованию ему привил местный приходской художник, который, за одно, обучал юношу грамоте. В 13 лет пришел первый успех - рисунки Карла приметил викарий Франц фон Кнорринг и решил отправить их в недавно появившееся Финское художественное общество, сопроводив рекомендательным письмом, и это имело успех - Янссон получил стипендию на обучение в рисовальной школе “для юных гениев” в Турку. Про гениев и не шутка вовсе - у нас же как раз в это время был тот самый Золотой век финского искусства и живопись стала буквально одним из краеугольных камней, на которых строилось новое национальное самосознание финнов, поэтому вкладывать в художников деньги, время, силы и любовь считалось делом ну очень сильно важным. Поэтому покровителем Янссона стал уже именитый маcтер, Роберт Вильгельм Экман, который помог юноше с жильем и красками. Дальше Янссона ждали сначала в Шведской, а потом в Дюссельдорфской академии художеств, где он учился, не забывая родные острова и постоянно туда приезжая. Начались первые премии, не за горами было настоящее признание, как вдруг в 1872 году у художника обнаружили туберкулез. Стремясь избавиться от болезни и как-то продлить свои дни, он отправился в Рим за солнцем, покочевал немного по курортным местам, понял, что лучше не становится, привел дела в порядок и вернулся на Аландские острова, остановившись в городе Йомала, где его приютила семья местного судьи. И уже там, когда художник был буквально на смертном одре, он получил новость о том, что стал членом Императорской Академии художеств. Умер Карл Эмануэл всего в 27 лет. Живопись Янссона - это такой мелкий серый жемчуг, который не хуже крупного, если его любить и уметь видеть. Почти все его работы - бытовые зарисовки из жизни родных краев. Есть, конечно, немного портретов, есть подражания итальянцам, но домашняя живопись мне нравится намного больше, поэтому я ее сегодня вам покажу. Печка, люлька, шкаф, широкие потрескавшиеся чисто вымытые половицы, добротная крестьянская мебель, простое убранство лютеранской церкви с деревянными фигурками святых, рыбаки, музыкальные инструменты на стенах избы, простая посуда. Ничего лишнего, а каждая вещь добротно и логично, хоть и грубовато скроена, функциональная и понятна. Все очень человеческое. Это не взгляд этнографа - хотя точность передачи быта Янссону свойственна, не потешные сценки, а обжитые пространства, где в северном тусклом свете медленно течет не простая и размеренная жизнь северянина. Простите мне мою романтичность, но для меня вот каждая его маленькая (а это и правда маленькие такие работы, в основном, не превышающие формата 50х40, а обычного мельче) картина - как будто целый роман вроде “Соков земли” Гамсуна.

Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции, выполненную в 1500 году художником Якопо де Барбари. Она поражает не только как предмет искусства и восхитительный пример графики, но и с точки зрения картографии является вещью совершенно революционной. Короче, откроете - обалдеете, я обещаю. Для начала, это огромная гравюра, собранная из шести блоков, надо которой Якопо де Барбари трудился три года. При том, что резку по его рисунку делали другие люди, специально нанятые резчики, то есть, он три года потратил только на рисунок. А сама карта стала самым большим изображением, вырезанным на дереве (грушевом) для печати и долго еще этот рекорд никто не мог переплюнуть. С рисунком все тоже интересно, потому что совершенно не понятно как художник умудрился зарисовать весь город практически с высоты птичьего полета. Это мы с вами балованные самолетами и дронами, а тут только XVI век начался вообще-то, поэтому надо было как-то для начала придумать рисунок в таком ракурсе, а потом его еще и осуществить. Ну вот, есть версия, что ду Барбари видел карту Флоренции, выполненную в 1480 году Франциско Росселли, не такую подробную, более средневековую по своей манере, рассказывающую о городе в общих чертах, а не работающую подробным путеводителем, но зато как раз нарисованную из похожего ракурса. Что касается совсем технической стороны дела, то некоторые считают, что де Барбари лазил на колокольни по всему городу (их тогда Венеции было 103 штуки и все они, кстати, есть на карте) и зарисовывал по кусочку пейзаж, а потом собрал все рисунки как паззл. И, скорее всего, художник пользовался не только рисованием, но и применял тригонометрию, которую, как и многие науки, вернули к жизни ученые-гуманисты совсем недавно, и эта карта не просто результат наблюдательности, но и вещь, которая построена исходя из сложных расчетов. Еще интересно то, что карта достоверна - говорят, даже сейчас можно ее использовать как путеводитель по городу. Новинка от де Барбари - изображение практических всех зданий согласно их настоящим пропорциям, а не выделение важнейших при помощи размера. Он разве что польстил Дворцу Дожей, в котором заседали все самые важные люди города и который был и остается его главной достопримечательностью, нарисовав его в половину крупнее оригинала. Ну и некоторые совсем крохотные и сложные улочки, там, где совсем окраинные лабиринты, де Барбари упростил. Зато мы видим острова - Мурано, Маццорбо, Бурано, Гвидекка и Сан Джорджио Маджоре, а вдалеке виднеются Альпы. По идее, Альпы из Венеции не должны быть видны, но это нам так показывают значение Венеции в мире, как его символический центр. Для тех же целей - ветры и, главное, в центре карты два античных бога, глядящие друг на друга. Сверху - Меркурий, покровитель торговли на троне-облаке со своим кадуцеем, знаком коммерции и атрибутом послов. Вокруг него надпись на латыни - “Я, Меркурий, благосклонно сияю над этим эмпорием”. Ну какой же из Венеции эмпорий? - спросите вы, вспомнив о том, что эмпории - это такие маленькие торговые поселения, в которых ни церкви ни армии, одни рынки. Это так, мне кажется, де Барбари, с одной стороны, скромничает за всю Венецию, а с другой - подчеркивает то, что как и средневековые или даже древние эмпории не имели укреплений и солдат потому что их безопасность гарантировалась покровительством знати, деньгами и связями, Венеция процветает за счет дипломатии. Собственно, у Венеции регулярной армии тоже ведь не водилось, были наемники, и, главное, политически опытные элиты, которые несмотря на постоянное состояние угрозы со стороны всех подряд, умудрялись при помощи переговоров (и подкупов, интриг и всего такого) удерживать Венецию от развала и разграбления.

Бабушка Мо́зес (настоящее имя Анна Мэри Мозес, 7 сентября 1860 — 13 декабря 1961) — американская художница-любительница, одна из главных представителей американского живописного примитивизма. В её честь назван кратер Мозес на Венере. Любила рисовать с раннего детства, однако бо́льшую часть жизни провела на ферме в штате Нью-Йорк, будучи женой фермера. После смерти мужа в 1927 году Анна Мозес снова стала рисовать. В 1938 году нью-йоркский коллекционер заметил рисунок Анны Мозес, выставленный в окне аптеки. В течение года рисунки Мозес начали появляться в нью-йоркской галерее и привлекли к себе широкое внимание коллекционеров и любителей живописи. В течение 1940-х годов выставки Мозес прошли во многих европейских странах и в Японии. В 1941 году она получила государственную премию штата Нью-Йорк, в 1949 году президент США Гарри Трумэн лично вручил ей премию Национального Американского женского пресс-клуба.

​​️Выставка «Шедевры русского искусства из американских коллекций», организованная нью-йоркской галереей ABA, пройдет в Москве с 9 ноября по 12 декабря. В Российской академии художеств представят около 70 произведений русского искусства руки Филиппа Малявина, Константина Коровина, Николая Рериха, Михаила Ларионова, Александра Яковлева и других мастеров. ️Саунд-художник Билл Фонтана записал голос Нотр-Дама. Мировая премьера аудиоработы под названием «Отголоски Нотр-Дама» пройдёт в Париже в июле следующего года. ️Фонд «Свет» поддержит грантами инклюзивные программы в музеях. ️День народного единства в «Царицыне» в этом году пройдет онлайн. Можно будет послушать лекции об истории национальных маскарадов, увидеть фильм о музейной коллекции, послушать концерт классической музыки и даже посетить семейное онлайн-чаепитие вместе с музеями Русского Севера, которое состоится 4 ноября. ️Неизвестные рисунки Франца Кафки впервые представлены публике Сам писатель требовал сжечь их после его смерти. Сегодня они находятся в открытом доступе на сайте Национальной библиотеки Израиля. Фото: рисунок чернилами Франца Кафка с надписью на старинном немецком шрифте Kurrent, Национальная библиотека Израиля https://telegra.ph/file/35ce676c0a05810cf06f5.jpg

Искусство в московском метро За последние годы схема московского метро выросла в геометрической прогрессии. Каждый год открываются новые станции. Некоторые из них особенно интересны в плане переосмысления разных художественных направлений Румянцево Станция, спроектированная в стилистике Пита Мондриана. В архитектуре преобладают строгие формы, стены облицованы абстрактными рисунками в стиле Мондриана и даже такие малые архитектурные формы,как скамейки, вторят общей задумке — они выкрашены в ярко-красный цвет. Мнёвники Эта станция — еще один островок авангарда в московском метро. Главным материалом является бетон, а декоративные опоры на платформе выполнены в красном цвете. Народное ополчение А эта станция получилась довольно футуристической. Алюминиевые панели на стенах и стальные колонны. На платформе и в вестибюлях можно увидеть рисунки, выполненные УФ-печатью по алюминию. А какие у вас ассоциации с этими станциями метро?

Книга пенисов Лондонский художник Доминик Мэтт издал артбук, полностью посвященный пенисам. В книгу вошли 52 рисунка фаллоса, которые по просьбе Мэтта сделали как первые встречные, так и его коллеги. В том числе пенисы нарисовали модельер Вивьен Вествуд и ее муж Андреас Кронталер, фотограф Ник Найт и модель Кара Тейлор. Попали в коллекцию и рисунки людей не из индустрии: бабушки друга Мэтта, человека из секс-клуба, хозяйки паба и оператора колл-центра. Художник комментирует: «Я хотел привлечь внимание к скромным, но вездесущим фаллическим каракулям, которые все мы либо сами выводили, либо видели на обратной стороне книг, на стенах, дверях, в кабинетах и в других местах. Мне было интересно, как разные люди отреагируют на мою просьбу нарисовать пенис и что у них получится. Некоторые рассматривают сексуальную природу пениса, а другие просто играются с формой». Саму книгу он издал в мягкой обложке и специально подобрал такой размер, чтобы, будучи свернутой в трубку, длина и диаметр у нее были такие же, как у среднестатистического пениса. Все деньги с продажи издания автор пожертвует двум фондам: один из них поддерживает ВИЧ-положительных людей, а второй занимается борьбой с расизмом. Искусство или нет?

Мария Башкирцева страдала о том, что у женщины в жизни всего два пути - выйти замуж или умереть. И умерла. А Луиза Бреслау, с которой Башкирцева вместе училась в парижской Академии Жюлиана, решила по-своему - и замуж не пошла и умирать не поспешила, а прожила сорок лет с художницей Мадлен Зиллхардт. Башикрцева на страницах дневника очень много завидует Бреслау. А Бреслау, кстати, очень даже хорошая! Родилась Мария Луиза Катарина Бреслау в 1856 году в Мюнхене, в семье известного врача гинеколога. Это была вообще-то семья польских евреев, но ассимилировавшая в Германии - вроде как, Луиза Бреслау даже потом откажется использовать свое первое имя - Мария - чтоб подчеркнуть свое еврейское происхождение. Когда будущей художнице было два года, ее отец получил должность профессора и сразу главного врача в Цюрихском университете и семья отправилась в Швейцарию. А в 1866 году доктор Бреслау во время патологоанатомического исследования подцепил стафилококковую инфекцию и резко от нее умер - такие вот были времена суровые. Луиза же всю жизнь страдала от астмы, при том в детстве - особенно остро. Чтоб подлечить астму, Луизу отправили в женскую школу при монастыре на Боденском озере и там, бесконечно гуляя или настолько же бесконечно лежа в кровати, от скуки ли, от печали, Луиза начала рисовать и увлеклась этим делом очень сильно, намного больше, чем требовалось от девушки из приличной семьи. По возвращении из монастыря Бреслау берет частные уроки рисования у швейцарского художника, крепкого академиста Эдуарда Пфайфера, потому что в местные академии и кружки ей вход заказан по признаку пола, и приходит к выводу, что надо ехать в Париж. В Париже, как вы помните, в это время происходит все самое интересное - вспыхивают новые художественные течения, художники бегают туда-сюда и машут руками, в академии Жюлиана додумались до того, чтоб брать в рисовальные классы женщин, Роден обучает их же в своих мастерских аж скульптуре. В общем, хочешь рисовать - действуй, и решительная Бреслау меняет Цюрих на Париж. И обожает его до конца своих дней. В академии, даже по воспоминаниям все той же Башкирцевой, Бреслау была самой сильной студенткой, способной соревноваться с мужчинами - и действительно, в 1879 году именно она становится единственной студенткой академии Жюлиана, чьи работы дебютируют на Парижском салоне. Этот дебют принес художнице известность и она стала довольно популярной портретисткой - Бреслау открыла собственный салон, стала завсегдатаем Салона парижского, получала там медали и любовь публики, а потом - заказы от состоятельных парижан и тоже любовь. Столько любви, что в итоге она стала третьей женщиной в истории и первой иностранкой, получившей орден Почетного легиона. Во время учебы Бреслау обрела несколько верных подруг, с которыми общалась всю жизнь. А еще познакомилась там с Мадлен Зиллхардт (ее портрет за утренним туалетом, очень нежный, я добавлю первым в подборку ниже). Мадлен стала главной моделью Луизы, ее музой, другом, доверенным лицом. Часто на картинах Бреслау, которые не портреты, а изображения “подруг” - Зиллхардт как-нибудь красиво лежит или сидит. Во время Первой мировой войны у Бреслау была возможность спрятаться в Швейцарии, но она осталась в Париже и писала портреты солдат и медсестер, а после войны отправилась вести замкнутую и тихую жизнь в своем поместье напару с Мадлен, писала цветочки в своем саду и радовалась (надеюсь) жизни. После смерти Бреслау в 1927 году Мадлен Зиллхардт унаследовала ее поместье и рисунки, которые передала в музей изящных искусств в Дижоне.

"Башня синих лошадей" 1913 г. Франц Марк Утеряна. «Башня синих лошадей» - один из редких случаев, когда память о картине есть, а самой картины нет. Она пропала. В 1937 году национал-социалисты объявили картину вырожденческой. Надо сказать, она была не единственной и компания у нее была дерзкая и гениальная. Вместе с Францем Марком из немецких музеев были изгнаны Оскар Кокошка, Эдвард Мунк, Иоганнес Иттен, Пауль Клее, Василий Кандинский, Марк Шагал, в общем дегенеративными объявили 650 полотен, а заодно десятки художников и даже целые художественные направления и объединения. Но прежде чем навсегда забыть о них, заклеймить и избавиться, им устроили выставку, которая проехала по нескольким городам Германии и собрала 3 миллиона зрителей. Рекордное количество для своего времени, повторить которое удастся только в 21 веке. А сначала «Башня синих лошадей» была одной из ключевых иллюстраций к первому альманаху «Синий всадник», над изданием которого работали вдвоем Франц Марк и Василий Кандинский. Этой картине определенно везло с соседями: на страницах альманаха разместились репродукции работ Кандинского, Пикассо, Матисса, Явленского, Робера Делоне, Пауля Клее, а рядом – примеры баварской подстекольной живописи и русского лубка, рисунки детей и рукописные ноты. Была большая задача – создать журнал, который бы рассказывал о проявлении новых, авангардных идей в разных видах искусства, в разных формах искусства, профессиональной и любительской, академической и народной. Синий цвет Франц Марк любил, он перерисовал столько синих лошадей, что если бы они собрались вместе, получилось бы прекрасное небесное стадо. Всегда мастерски передавая движения и пластику животного, художник не стремился к натуралистичному образу, а изображал его «внутреннюю сущность». А синий цвет, в эстетике Марка «духовный», «мужской», «аскетичный», дает этой сущности зазвучать в полную силу. Устремленная в небо «башня» - мощный композиционный усилитель все того же смысла. В 1919 году, через три года после смерти Франца Марка, картину купила Новая национальная галерея в Берлине. Ей было уготовано теплое галерейное будущее, которое в считанные дни разрушилось. После конфискации, скандальной выставки, Второй мировой войны, после капитуляции Германии в 1945 году картина просто исчезла. Кто-то изредка сообщает, что картина цела и тайно находится в каком-нибудь частном собрании или в Швейцарском банке, но ни один слух до сих пор не подтвержден. А тем временем следы пребывания на берлинских улицах четырех синих лошадей обнаруживаются. Их воскрешает искусство. В 2012 году немецкий художник Мартин Гостнер в память об украденной или погибшей картине создал инсталляцию у входа в Новую национальную галерею. Четыре кучи искусственного, но очень натуралистично изображенного, навоза должны были создавать у посетителей ощущение, что синие лошади Франца Марка совсем недавно прошли здесь и находятся где-то рядом, гуляют по городским улицам или по залам музея, просто постоянно не удается их там застать. ФранцМарк Анимализм Экспрессионизм _history

Кацусика Хокусай был первым художником, использовавшим термин «манга». Слово означало случайные рисунки, сейчас этот термин ассоциируется с японскими комиксами. В 1811 году в возрасте 51 года Хокусай создал «Хокусай-мангу», содержащую забавные изображения, которые копировались его учениками и другими начинающими художниками.

Сердце Анд 1859 Фредерик Эдвин Чёрч Музей Метрополитен, Нью-Йорк Картина написана под влиянием впечатлений от второй поездки Фредерика Эдвина Чёрча в Южную Америку. Он посетил горные районы Эквадора. Результатом этой поездки были многочисленные рисунки и эскизы. Картина пользовалась большим успехом, и за три недели 12 тысяч человек заплатили взнос в 25 центов, чтобы посмотреть на неё. Картина была продана за 10 тысяч долларов — на тот момент, это была самая большая цена, когда-либо уплаченная за картину американскому художнику. Покупательницей картины была Маргарет Доус, которая в 1909 году завещала её Музею Метрополитен в Нью-Йорке. Стоит отметить, что Картина не соответствует какому-то определённому ландшафту, а представляет идеализированный вид, скомбинированный из нескольких впечатлений художника. На заднем плане изображён эквадорский вулкан Чимборасо. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о Сюзанне Валадон, кого имеем в виду? Прекрасную, всегда разную натурщицу, запечатленную на шедеврах импрессионистов? Художницу, которая и сама оставила след в живописи? Мать знаменитого художника? Яркую, самобытную женщину? А может, скандальную даму Монмартра, участницу «проклятой тройки»? Вспомним всех. Вспомним Сюзанну Валадон. Сюзанна Валадон не родилась Сюзанной Мог ли кто-то предположить, что Мари-Клементин Валадон, незаконнорожденная дочь прачки, прославится отнюдь не достижениями на поприще стирки и прочего клининга, а станет всемирно известна как модель, запечатленная на картинах Ренуара, Тулуз-Лотрека, Пюи де Шаванна (сегодня мы любуемся ею в самых знаменитых музеях)? Но не только. Знаем мы Сюзанну Валадон и как самобытную художницу. Позируя этим мужчинам, Мари-Клементин училась у них. Художники писали ее, она же словно впитывала их умения. Сеансы позирования были для нее и сеансами обучения, о чем до поры до времени никто не подозревал. Известна она и как мать художника Мориса Утрилло, чья слава в итоге превзошла ее собственную. Но почему же Сюзанна? Ревнивый Тулуз-Лотрек (кстати, именно он первый увидел ее рисунки) так нарек ставшую на тот момент знаменитой любимую (во всех смыслах) натурщицу, прозрачно намекая на библейскую историю Сусанны и старцев. В роли старцев Лотрек представил именитых живописцев, которым Мари позировала. Правда, в отличие от Сусанны библейской, Сюзанна Валадон, смущающая «старцов Монмартра», чаще всего им не отказывала. Фамилию какого именитого художника должен был носить ее сын Морис Утрилло, не знала даже она. Мальчику было 8 лет, когда его усыновил один из возлюбленных Сюзанны, архитектор, художник и арт-критик Мигель Утрилло. По этому поводу ему приписывают шутку, мол, подписать творение одного из великих мастеров — большая честь для него. Сюзанна Валадон: «все сложно» С Сюзанной Валадон точности и определенности не будет, это становится очевидно уже при попытке начать стандартную биографию. Имя-фамилия, дата рождения, вот это всё. Насчет имени разобрались выше, но с датой тоже не всё просто. Мари-Клементин Валадон родилась в 6 утра 23 сентября 1865 года в доме мадам Гимбо в Бессине, так значится в книге регистрации актов о рождении. Однако сама художница настаивала на другой дате — 23 июля 1867 года. Мать Мари служила в доме Гимбо прачкой. Ее беременность вызвала множество пересудов: такая тихая, строгая и ответственная работница, и вдруг такой казус, ах. А что с папенькой, кстати? Неизвестно. В рассказах Сюзанны он появлялся то человеком знаменитого имени и голубых кровей, то всего лишь «простым» банкиром, а временами и каторжником. Впрочем, иногда она заявляла, что мать нашла ее у ступеней Лиможского собора. Практически всю свою жизнь Сюзанна Валадон создавала миф о себе, словно дразня биографов и потомков противоречивыми сведениями и шокируя непредсказуемыми выходками. Чего стоило утверждение, что свои неудачные картины она скармливает козе, обитающей в ее мастерской. А посещение мероприятий с пучком морковки в качестве букета? В последние годы жизни уже создавшая себе имя Сюзанна Валадон забросила живопись. Четко увидеть и определить момент, когда ты сказала всё, что могла сказать, и остановиться, — это, пожалуй, даже эффектнее, чем коза в мастерской. «У меня были великие учителя, от которых я взяла лучшее в отношении профессионализма и мастерства. Я нашла себя, стала той, кем в действительности являюсь. Мне было что сказать, и я сказала все. Так чего же хорошего в том, чтобы во что бы то ни стало продолжать, впадать в самоповторы, как старый маразматик? Нет уж, спасибо, не мой стиль».

Пабло Пикассо (1881-1973). Самые ранние примеры его плодовитого художественного таланта датируются временем, когда он был ещё ребёнком. Первые уроки художественного мастерства Пабло Пикассо получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре сильно в этом преуспел. Его ранняя картина маслом «Пикадор», написанная им в 8-летнем возрасте, вероятно, является самой старой из сохранившихся картин художника. В течение следующих нескольких лет Пикассо создавал академические рисунки и картины, которые демонстрировали быстрое улучшение его художественных навыков. Фото: «Знание и милосердие», 1897 год.

Первые инкунабулы во многом были похожи на рукописные книги — они печатались шрифтами, изготовленными вручную, их украшали многочисленные рисунки и многоцветные заставки, в них, как и в старых рукописях, отсутствовали титульные листы. По мере развития технологий книгопечатания это сходство утрачивалось. Шрифты для инкунабул начали отливать из специально подобранных сплавов, в книгах появились титульные листы и иллюстрации, созданные печатным способом — гравюры. С каждым годом появлялись всё новые типографии, в которых печатали инкунабулы — во Франции, Италии, Испании, Польше и многих других европейских странах. Увеличивалась их производительность, а с ней — и тиражи. Так, печатник Антон Кобергер (Anton Koberger) основал в Нюрнберге крупную типографию, в которой было больше 100 работников и 24 печатных станка. Печатники Средневековья активно экспериментировали с форматами инкунабул. Они издавали как компактные карманные книги для ежедневного чтения, так и большие фолианты. Johannes Müller, Regiomontanus

​​️Петербурженка написала заявление в полицию на художника Покраса Лампаса. За «дискредитацию армии». ️Рисунки итальянских и французских мастеров привезли в Нижний Новгород. Первый городской фестиваль графики открылся выставкой «От Веронезе до Пикассо» в Нижегородском государственном художественном музее (НГХМ). До 9 октября. ️Еврейский музей и центр толерантности объявляет набор на шестой сезон кураторской школы Avant-Garde LAB. Обучение в школе бесплатное. Заявки принимаются до 12 сентября. ️Политехнический музей назвал победителей конкурса проектов Art&Science – 16 проектов, среди которых интерактивные инсталляции, роботические перформансы, проекты с использованием нейросетей и работы в жанре мокьюментари. ️Джонни Депп снимет фильм о художнике Амедео Модильяни. Фильм расскажет о потрясении, которое художник и скульптор испытал в Париже в 1916 году. Одним из продюсеров выступит Аль Пачино. Съёмки проекта начнутся весной 2023 года; актёрский состав объявят в ближайшее время. https://telegra.ph/file/10c67165afcf1b3aba26b.jpg

Экскурсия «Российские деньги: путешествие во времени». Музей истории денег https://youtu.be/_j-dwlRlzJg В экспозиции представлены все основные виды банкнот и монет, имевших хождение на территории России с древнейших времен до наших дней. А также – проектные рисунки, уникальные пробные монеты и банкноты, инструменты для их изготовления из собрания Гознака. https://youtu.be/_j-dwlRlzJg

​​️Ученые раскрыли тайну долговечности древнеримских построек: из-за самовосстанавливающего бетона. Если в бетоне появляется трещина, то вода проникает в них и растворяет кальций в кусочках извести. После он выпадает в осадок, кристаллизуется вдоль трещин и таким образом заделывает их. ️В Петербурге продлили выставку «Балабанов» до 15 февраля. ️Одноклассники запустили видеоэкскурсии по архитектуре на примере известных зданий Москвы. На экскурсиях пользователи смогут познакомиться с несколькими архитектурными стилями — авангардом, сталинским ампиром и советским модернизмом. ️В Екатеринбурге пройдет фестиваль цифрового искусства. Начался прием заявок на участие в фестивале. Открытие мероприятия состоится 14 апреля. ️Директор Фонда Джакометти поделился планами о новом музее. Финансированием реконструкции для музея Джакометти бывшего Вокзала инвалидов на левом берегу Сены займется французский миллиардер Ксавье Ньель. В новом Музее Джакометти будет выставлено около 10 тыс. произведений художника: скульптуры из гипса и бронзы, картины и рисунки.При музее также учредят общедоступную художественную школу. Она будет открыта для всех — от самых юных до пожилых. https://telegra.ph/file/2e1d3e5958ad2886cbfc8.jpg

В честь 150-летия со дня рождения выдающегося оперного певца, Федора Ивановича Шаляпина, в течение всего 2023 года проводятся концерты, фестивали, выставки, презентации изданий и творческие встречи, посвященные артисту. Весной в Шереметевском дворце в Санкт-Петербурге открылась выставка «Царь Федор», летом проводится Шаляпин-фест: масштабный спектакль-променад, путешествие по шаляпинским местам с посещением всех пяти филиалов Музея театрального и музыкального искусства. В московском Музее-усадьбе Ф. И. Шаляпина (филиал Российского национального музея музыки) проходит выставка, посвященная певцу, где представлены экспонаты из Дома-музея Шаляпина на ул. Графтио: живописные полотна, рисунки и скульптура из коллекции артиста, работы крупнейших художников К. Коровина, Б. Кустодиева, Б. Григорьева, И. Бродского, В. Серова, В. Васнецова, подлинные мемориальные вещи. Особое место в экспозиции занимают рисунки и скульптуры, созданные самим Шаляпиным. Они рассказывают о нем не только как о музыканте, но и как о художнике. В Москве, в ресторане "Савой", состоялось светское образовательное мероприятие "Шаляпин. Элегия любви", организатором которого выступил европейский ювелирный дом StyleAvenue. Арт-партнером вечера стала художница Евгения Егоркина, представившая свои картины, на создание которых её вдохновили музыкальные произведения Шаляпина. Мазки красок в авторской технике Евгении льются как песня, пленяя своей красотой. Сочетание живописных чарующих образов на картинах художницы, сияние ювелирных украшений из уникальных авторских коллекций бутика StyleAvenue, исполнение произведений Шаляпина оперными артистами, увлекательная лекция о любви и творчестве певца создали неповторимую атмосферу вечера.