Сумерки. Стога (этюд) 1899 Картон, масло. 17 x 23 см Нижегородский...

Исаак Левитан - Тихая обитель (1890) Впрочем, если даже говорить только о пейзажах, трудно обойти вниманием удивительную разнообразность техник и материалов, которыми работал мастер: акварели, уголь, пастель, масло… На полотнах встречается строго реалистическая манера, близкая к Шишкину («Лесистый берег. Сумерки»), («У омута») и куиндживская игра со светом («Последние лучи солнца. Осиновый лес»), («Вечерние тени»), романтический лёгкий пафос Лагорио («Крымский пейзаж») и околоимпрессионистские эксперименты («Туман над водой»), («Осенний пейзаж с церковью»). Это ненавязчивое разнообразие не даёт зрителю заскучать, словно тот смотрит выставку не одного, а десяти мастеров и, конечно же, говорит об огромной одарённости, жажде творческого поиска.

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history

«Воз сена» 1500—1502гг. Иероним Босх В центральной части триптиха изображена повозка с огромным стогом сена, вокруг которого развиваются все действия. Вверху стога веселятся счастливые любовники. Внизу люди вершат свои мелкие делишки: грабят и обманывают, предаются обжорству, пьянству и мошенничают. Ими движет жажда наживы. И никому нет дела до того, что мерзкие монстры в крысином, рыбьем и жабьем обличье увлекают повозку в преисподнюю. Эти сюжеты представляют собой грехи воровства и распутства. В верхней части композиции на золотом облаке изображен наблюдающий за происходящим Всевышний, к милости которого взывает отчаявшийся вразумить людей ангел. Левая створка триптиха посвящена теме грехопадения прародителей, Адама и Евы, а на правой изображено возмездие за различные грехи, которые объединяет тема жадности. Таким образом, триптих повествует о том, как зло родилось («Грехопадение», левая створка), распространилось по миру («Воз сена», центральная часть) и как оно будет наказано («Ад», правая створка).

«Раздолье» 1944г. Александр Дейнека «Раздолье» Дейнека начал писать еще в довоенные годы, но закончил ее в 1944 году. В этой работе автор удачным образом сочетает пейзаж и жанр спорта. Общее впечатление, как будто ухвачен «стоп-кадр», момент, когда группа девушек, выбегая снизу с берега, пробегает мимо автора и веселой шумной стайкой исчезает справа. Они красивы, стройны, со спортивными фигурами, которые вырисовываются под влажной после купания одеждой. Вся картина наполнена динамикой и молодым задором. Ощущение простора создает великолепный пейзаж с его березками и елями, водной гладью и облаками, стогами сена и песчаными берегами. Учитывая, что картина написана в военном 1944 году, можно только предположить, сколько художник внес в нее своих воспоминаний о той предвоенной, мирной, светлой жизни, сколько желания скорейшей победы, что и произведение получилось запоминающимся, солнечным, ярким, заполняющим каждую клеточку души счастьем.

"Сумерки" 1899 г. Исаак Ильич Левитан Государственная Третьяковская галерея.

Долина покоя 1858-1859 Джон Эверетт Милле Галерея Тейт, Лондон «Могилы. Сумерки. Ограда. Жуткие очертания деревьев. Монахини. Католики. Сегрегация по половому признаку. Религиозность. Хозяйка и служанка, властные взаимоотношения, возможно, более глубокая эмоциональная кабала. Женский труд. Кого-то хоронят или эксгумируют. Два венка. Глубоко-тёмная земля. Трупы, тайны, заговор, страх. Это картина, которая вырывает все ограничения» На полотне сцена на кладбище почти в сумерках. За кладбищенской стеной видна невысокая часовня с колоколом. На переднем плане две католические монахини. Одна из них сидя на надгробной плите в скрещенных пальцах держит розарий и с тоскливым взглядом обращена к наблюдателю картины. Вторая монахиня лопатой роет могилу, рядом с ней лежит кирка. Предплечья и тело работающей напрягаются под тяжестью земли.

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history

Исаак Левитан "Сумерки. Стога" (1899) Это одна из последних работ Левитана. Написана в доме Чеховых, в Ялте. «В кабинете топился камин. Антон Павлович разгуливал, заложив руки за спину, и сокрушался о том, что ему, прирождённому северянину, приходится жить вдали от снега, берез и глухих лесов. Левитан попросил Марию Павловну принести картон, пристроил его в длинном углублении камина. Разговоры смолкли. Левитан писал. Когда он отошел от картона, все увидели луну, поднимающуюся за стогами. Словно сильным запахом свежего сена повеяло в комнате. Родной пейзаж. Теперь он всегда будет перед глазами Чехова, когда он поднимет их от листочков, исписанных убористым почерком. Он будет напоминать о далёкой природе севера и о несравненном художнике. Картина понравилась Чехову. Он писал о ней: "У нас Левитан. На моём камине он изобразил лунную ночь во время сенокоса. Луг, копны, вдали лес, надо всем царит луна".

Евгений Лушпин "Сумерки" (2000)

"Сирень" 1900 г. Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская галерея. На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов. Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее. Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь. Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура. У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете». Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель. МихаилВрубель _history

Аукционные рекорды для Ван Гога и Кайботта установлены в Нью-Йорке Три произведения Винсента Ван Гога, написанные в последние годы его жизни, стали «звёздами» на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Их общая стоимость составила 150 миллионов долларов, причём пейзаж «Стога пшеницы» стал рекордсменом среди работ художника на бумаге. А «Молодой человек у окна» Гюстава Кайботта стал самой дорогой картиной в наследии этого французского мастера. Знаковую работу приобрел музей. В целом на торги были выставлены более двух десятков произведений, охватывающих всю историю импрессионизма. Работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Берты Моризо и других мастеров принесли в общей сложности 332 миллиона долларов. Картины были частью «Коллекции Кокса», названной в честь её владельца — техасского бизнесмена Эда Кокса, который умер в 2020 году. Музей Гетти в Лос-Анджелесе купил сцену «Молодой человек у окна» Кайботта за 53 миллиона долларов. Это более чем вдвое превышает предыдущий рекорд, установленный для произведений художника. До этого «чемпионский титул» принадлежал пейзажу «Тропинка вверх», проданному за 22 миллиона долларов в 2019 году. «Молодой человек у окна» — одна из восьми картин, которые Кайботт отобрал для своего дебюта на Второй выставке импрессионистов в 1876 году. Марсьяль, младший брат художника, писал, что на полотне изображён их средний брат Рене. Он смотрит из окна семейной квартиры на втором этаже дома на углу улиц Миромесниль и Лиссабон в Париже. Резкий контраст между ярким уличным пейзажем и мягким полумраком интерьера сводит главного героя к силуэту на фоне освещённой сцены перед ним. Обитый плюшем стул на переднем плане предполагает, что молодой человек наслаждался уличными сценами сидя. Но что-то заставило его прервать праздное наблюдение, вскочить и подойти ближе. Возможно, это элегантная молодая женщина, чья миниатюрная фигура заметна на втором плане. Объявляя о покупке «Молодого человека у окна», Музей Гетти назвал картину «шедевром модернистского городского реализма XIX века». Это будет первая работа Кайботта, вошедшая в коллекцию учреждения. Её выставят в 2022-м, и она станет центральным элементом галереи импрессионистов и одной из главных достопримечательностей Центра. Среди трёх работ Ван Гога, выставленных на аукцион, наибольший интерес у коллекционеров вызвал холст «Деревянные хижины среди оливковых деревьев и кипарисов». За него сражались сразу семь участников. Победитель выложил за эту работу 71,3 миллиона долларов, и теперь это одно из самых дорогих произведений Ван Гога. Акварель «Стога пшеницы», выставленная на торги позже, взяла «планку» в 35,9 миллиона долларов и стала самой дорогой работой Винсента на бумаге. Она подвинула с пьедестала портрет под названием «Мусме», проданный в марте 2021 года за 10,4 миллиона долларов. «Стога пшеницы», написанные в последний год жизни художника, до Второй мировой войны принадлежали коллекционерам-евреям и затем были конфискованы нацистами. Эд Кокс приобрёл акварель в 1979 году, и сотрудникам Christie’s пришлось изрядно попотеть, чтобы заключить мировое соглашение между наследниками бывших владельцев и нынешним собственником работы. И «Стога», и «Деревянные хижины» приобрёл один человек — Хьюго Натан, сооснователь консалтинговой фирмы Beaumont Nathan из Лондона. Превысила все ожидания и ещё одна нетипичная (и, прямо скажем, не самая привлекательная) работа Ван Гога — портрет румяного молодого человека с васильком, зажатым в губах. Предварительная оценка лота составляла всего 5−7 миллионов долларов, но после ожесточенной борьбы победитель, специалист из Нью-Йорка, выложил за неё в шесть раз больше — 46,7 миллиона долларов. Все 23 лота из «Коллекции Кокса» были проданы за общую сумму в 332 миллиона долларов (с премией), что намного превысило максимальные ожидания. Торги также показали, что интерес к импрессионистам по-прежнему высок, несмотря на заявления скептиков, что они вышли из моды. Значительная часть картин отправилась к коллекционерам из Америки, 35 процентов — в Европу и 13 процентов — в Азию. новостиИОК _history https://t.me/pic_history2/218

"Бордель" Октябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Фонд Барнса, Филадельфия. Наверное, не будет преувеличением, если сказать, что Винсент Ван Гог был завсегдатаем борделей. В некоторые периоды жизни художника женщины легкого поведения были едва ли не единственными, к кому он мог обратиться в поисках поддержки и понимания. И получить их, пусть даже и за деньги. Частые визиты к проституткам, конечно, печальным образом сказались на состоянии здоровья Винсента, однако эти женщины зачастую помогали ему в работе, становясь его натурщицами. Картина «Бордель» была написана осенью 1888 года, когда Ван Гог жил в Арле. И, вероятнее всего, работница именно этого заведения сыграла немаловажную роль в судьбе художника. Как известно, в истории с отрезанным ухом Ван Гога фигурировала некая проститутка Рошель, которой художник то ли отправил, то ли даже лично принес свой кровавый «презент». Существует мнение, что эта женщина была главной причиной размолвки двух художников, поскольку Винсент испытывал к Рошель нежную привязанность, а любвеобильный Гоген этим пренебрег. Возможно, с помощью такого экстравагантного подарка Ван Гог хотел продемонстрировать женщине всю глубину своих чувств. Можно предположить, что на картине «Бордель» изображено то самое место, где работала Рошель, ведь Арль все же был маленьким городом, и подобных заведений в нем вряд ли было много. С помощью довольно скупых выразительных средств Ван Гогу удалось передать интимную и немного зловещую атмосферу, царящую в борделе. В одном из писем Тео, рассказывая о другом своем полотне – «Ночное кафе» - художник пишет, что хотел «выразить пагубную страсть, которая движет людьми, с помощью красного и зеленого цвета». Но если в «Ночном кафе» преобладал красный цвет, то здесь первую скрипку играет зеленый. Словно постепенно наступающие сумерки, этот цвет поглощает картины на стенах, столики и одежду героев, превращает лица в лишенные индивидуальности маски. Остаются только яркие детали, не поддающиеся этой обезличивающей «болотистой» атмосфере – вроде золотисто-теплой лампы на стене или ярко-красного мазка губ женщины на переднем плане. ВанГог Постимпрессионизм _history

"Зимняя гармония" 1890-е Джон Генри Твахтман В начале девяностых годов 19 века художник Джон Генри Твахман приобретает ферму неподалеку от городка Гринвич в Коннектикуте. Это позволяет ему совмещать жизнь в тихой сельской местности, о которой он давно мечтал, с преподавательской деятельностью в Нью-Йорке, куда от его владений было буквально рукой подать. Вскоре после переезда Твахман напишет в письме своему близкому товарищу и коллеге Уиру о том, что более всего его вдохновляет смена времен года, а в особенности – зима: «Теперь я отчетливо понимаю, насколько важно постоянно жить за городом, в каждое из времен года. Нам нужен снег, и как можно больше. Природа никогда не бывает настолько очаровывающей, как в моменты, когда идет снег. Вокруг стоит такая тишина, и вся земля, кажется, будто укутана покрывалом... Весь мир убаюкивается до полного безмолвия». Вместе с фермерскими угодьями Твахтману достается тихий пруд, окруженный деревцами. Художнику настолько полюбился каменистый ручей Хорснек, впадающий в этот водоем, что он становится частым героем картин Джона Генри. Запечатлевая один и тот же пейзаж в разные поры года, а иногда и в разные дни одного и того же сезона, он оттачивает мастерство в передаче едва уловимых изменений в природе, освещении, погоде. В отличие от работ его французских современников, зимние пейзажи Твахтмана часто монохромны, с приоритетом белого и лишь редкими вкраплениями цвета. Особенно в сравнении с куда более щедро расцвеченными зимними видами ортодоксальных европейских импрессионистов вроде Альфреда Сислея, Камиля Писсарро и Клода Моне. Живопись Твахтмана ограничена и в рамках тематики. Панорамным пейзажам он предпочитает крупный план. Насколько редко он пишет залитые солнцем ландшафты, настолько нечасто (проще сказать – никогда) привлекали его вечерние сумерки. Конек художника – зима во всех ее проявлениях: от почти полностью укрытых снегом бескрайних далей до живописания всех возможных стадий его таяния. Осеннее буйство красок едва вписывалось в его эстетику. «Зимняя гармония» – один из наиболее известных «портретов» облюбованного Твахтманом вида на свой пруд. Среди прочих он выделяется как раз нехарактерным для его снежных ландшафтов цветовым многообразием. В кои-то веки в ход идет практически вся палитра: одних только оттенков синего и лилового не счесть. Да еще желтизна жухлой травы, проступающей сквозь снег, и ржавые остатки листвы на деревцах, и намеки на оттенки зеленого в веточках хвои. Но на этом сходство с французскими импрессионистами заканчивается. В отличие от них, Твахтман работает не раздельными мазками, густо покрывающими полотно, не оставляя просветов, а применяет старую добрую лессировку, нанося почти сухие краски поверх первичной основы. Его кисть свободно порхает по холсту, так что основные оттенки и штрихи просвечивают сквозь прерывистую, неравномерную текстуру верхнего слоя. Это приближает его манеру к тонализму, создавая ощущение интимности и уюта, присущее картинам художника Уира и поздним работам пейзажиста Джорджа Иннесса. ДжонГенриТвахтман Пейзаж Импрессионизм _history

Анастасия Лобанова (1984) «Сумерки» 2014 холст, масло. 60х65 см анастасия_лобанова

"Ветряная мельница в солнечном свете" 1908 г. Пит Мондриан Муниципальный музей Гааги. Один из наиболее часто повторяющихся мотивов в раннем творчестве Мондриана – мельница. Что, впрочем, совсем неудивительно для художника, родившегося и прожившего внушительную часть жизни в Нидерландах. Еще одним таким объектом стал маяк в Весткапелле, который Мондриан изображал в разных стилях и техниках, экспериментируя с ними так, как в свое время Моне с многочисленными стогами в разном освещении. Мельницы же Мондриан начал писать еще до экспериментов, новшеств и открытий. Но уже тогда, особенно поддавшись влиянию теософов, он тяготел к изображению этих крестообразных конструкций. «Мельница в солнечном свете» стала одной из самых знаменитых работ художника, обозначив некий рубеж в его творчестве. Это полотно, очень похожее на работы люминистов, – яркий, солнечный аккорд, созданный с помощью одной лишь триады основных цветов. Голландская живопись, повлиявшая на ранние работы Мондриана, была далека от понимания колористики. Большинство нидерландских художников XIX века отдавали предпочтение тонализму, в котором нюансы и оттенки были важнее цвета как такового. Пожалуй, только Винсент Ван Гог сумел выйти за рамки этой традиции. Но в начале ХХ века ситуация изменилась. В 1907 году друг Мондриана Ян Слёйтерс привозит из Франции новые модные веяния – пуантилизм и фовизм. Для всего европейского искусства начала ХХ века и для Мондриана в частности сосредоточенность в первую очередь на цвете стала первым шагом к обновлению. Прежде чем перейти к проблеме формы, европейская живопись находит новое видение реальности через выразительность цвета. Но интересно, что в то же самое время, когда Мондриан увлекается цветом, во Франции Пабло Пикассо и Жорж Брак обращаются к новому видению формы, которая позже станет такой значимой для Мондриана. ПитМондриан Пейзаж Импрессионизм _history

Клод Моне "Стога сена на закате, эффект снега" (1891)