Сын ремесленника, получивший прозвище “бочонок”, которое перешло к нему от...

Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель, силе, выразительности, стремительности его кисти завидовали многие. Он быстро отпускал натурщиков, тогда как другим приходилось оплачивать многочасовые сеансы. Он за полчаса набрасывал великолепный эскиз, над которым неделю безуспешно бились Серов с Коровиным. Крайне дисциплинированный в творчестве, он вел на удивление беспорядочный образ жизни. Окружал себя сомнительными и странными персонажами. Живя впроголодь, мог истратить последние деньги, к примеру, на пару лайковых перчаток или эпическую попойку. Был вдохновенным вралем. Однажды коллеги собрали ему денег, чтобы художник смог съездить из Киева в Харьков на похороны отца. И были немало удивлены, когда отец Врубеля — живой и здоровый — вскоре приехал в Киев навестить сына. Чувство ответственности было ему неведомо. Он мог опоздать на назначенную встречу на два дня. Или нарисовать поверх уже проданной заказчику картины цирковую наездницу, в которую был влюблен.

Картина «Возвращение блудного сына». Приблизительно 1669 г. Автор Рембрандт Харменс ван Рейн. Воплощение духа и плоти, божественного, небесного и земного начал.

Рене Магритт - Сын человеческий. 1964 год Тем не менее, в 50-е годы улицы города перестали изобиловать шляпами-котелками. Аксессуар стал старомодным, и следящим за трендами горожанам пришлось от него отказаться. Тогда шляпы Магритта, нарисованные в реалистичном стиле (в разгар абстрактного экспрессионизма), стали символом анонимности. В картинах Рене они выступили на первый план, вместо того, чтобы исчезнуть в безликой толпе. По сути, шляпы-котелки стали иконографической подписью Магритта. Получается забавная ирония: художник выбрал деталь, которая обеспечит неузнаваемость, но все сработало наоборот. Теперь шляпа-котелок – один из главных объектов творчества легендарного Рене Магритта.

А вот посмотрите на его трактовку изображения Товии, сына Товита, и ангела (я вот тут довольно подробно пересказывала эту ветхозаветную историю). Товия изображен совсем юношей и даже во втором варианте - буквально ребенком. Ангел ведет мальчика за собой, как старший товарищ. Оба героя смотрят друг на друга - архангел Рафаил сверху вниз, нежно, по родительски, а мальчик - завороженно. Картин, на которых Товия и Рафаил (или три архангела сразу - Рафаил, Михаил и Гавриил) возвращаются домой чтоб излечить Товита от слепоты, Боттичини написал штук семь. Вероятно, этот сюжет ему так нравился потому что он, будучи совсем юным, вступил в братство Архангела Рафаила. В общем, художник хоть и, если можно так сказать, вторичный, а все равно прекрасный.

Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.) Врубель - фамилия польская, но к моменту рождения Михаила уже 3 поколения предков художника жили в России. Он рано остался без матери, семья переезжала с места на место, вслед за отцом, офицером казачьего войска. Когда пришла пора выбирать профессию, будущий мастер полностью покорился воле отца и поступил в Петербургский университет на юридический факультет. Университет был окончен, но юристом художник не был ни дня. Он с большим трудом прошел все трудности годовой воинской повинности и вопреки желанию отца поступил в Академию художеств. Его серия «демонов» до сих пор считается самыми известными произведениями мастера, хрестоматийными для искусства модерна рубежа XIX и XX веков. XX век принес мастеру две большие трагедии: умирает его отец, а сын рождается в серьезным дефектом - заячьей губой. К личным трагедиям добавляется жесточайшая творческая депрессия. После этих событий его помещают в психиатрическую клинику, где он и доживает последние годы жизни.

"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 2015 году на русских торгах аукциона Sotheby's была заявлена одна из редких картин Айвазовского не на морскую тему – «Вечер в Каире». Эстимейт установили в рамках 1,5-2 миллионов фунтов стерлингов, торги были назначены на 2 июня. Однако Национальное центральное бюро Интерпола в России направило в Великобританию запрос с требованием снять картину с торгов, поскольку в 1997 году она была похищена из частной коллекции в Москве. Судьба картины до похищения известна: полотно находилось в коллекции московского собирателя Дедова. В 1940-е он продал ее Ивану Носенко, занимавшему пост наркома судостроительной промышленности. После смерти Носенко картина перешла в собственность его вдовы. В 1997 году 80-летняя Тамара Георгиевна ожидала внучку с продуктами. Вместо нее пришлось встретить грабителей. Из квартиры вынесли работы Айвазовского, Саврасова, Шишкина. «Вечер в Каире» оценивается как самый дорогой экземпляр коллекции. Впервые полотно всплыло в 2013 году всё на том же Sotheby's. Сын Тамары Георгиевны, дипломат Владимир Носенко опознал один из лотов аукциона и заявил об этом. Полотно было снято с торгов до дальнейшего выяснения обстоятельств. В следующем году аукционный дом получил ответ на запрос из московского ОВД, в котором сообщается: «в материалах уголовного дела отсутствует описание, фотографии и какие-либо другие официальные документы, которые могли бы дать возможность сравнить картину, похищенную в 1997 году у потерпевшей Носенко Т.Г., с картиной, представленной на аукционе Сотбис в 2013 году». То есть доказать, что этот «тот самый Айвазовский», не представляется возможным. Таким образом, с юридической точки зрения ситуация для бывших владельцев оказалась практически безнадежна. Страсти вокруг картины разгорались нешуточные. Представители Sotheby's заявили, что картина не числится ни в списке украденных предметов искусства, составленном Министерством культуры России, ни в международном Art Loss Register. Однако аукционисты связались с «предположительно бывшим владельцем картины» и договорились о выплате определенного процента со стоимости лота. Похоже, в Sotheby's тоже не были уверены в чистоте происхождения картины и понимали, что такой способ решить проблему оптимален для всех. Однако российские и, возможно, британские правоохранители иначе посмотрели на это дело. МВД и Интерпол настойчиво требовали снять картину с торгов. Утром 2 июня 2015 года за несколько минут до начала торгов картина таки были снята. ИванАйвазовский Романтизм _history

Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории европейского искусства - святого Себастьяна. Примерно в эпоху Возрождения этот святой стал символом гомоэротизма, обрел черты нежнешего из юнош, пассивного и беззащитного. Но канон подобных изображений был заложен намного раньше, в древней Греции, конечно же. До христианства было далеко, а без красивого юноши, символизирующего межмужскую любовь непонятно как обходиться, поэтому греки себе придумали Ганимеда. Был у царя Троса сын от нимфы Каллирои. Тут данные разнятся и он то сын Дардана, то Эрихтония, то еще кого, но главное, что он был смертным, а еще прекрасным настолько, что сами боги на него заглядывались. Согласно некоторым источникам, Ганимеда сначала похитила богиня зари, Эос, а потом у нее его стащил Зевс. По другим же, Зевс сразу придумал превратиться в гигантского орла и понес юношу к себе на Олимп что твоего хоббита. Там восхитительный красавец Ганимед был назначен виночерпием на божественных вечеринках. Отец его, Трос, сначала огорчился исчезновениям сына, но Зевс ему подарил очень красивую оливковую веточку из золота и пару очень хороших лошадок. А так же объяснил, что сыну отныне даровано бессмертие и даже поместил его на небо в качестве созвездия. Оттуда он на нас и глядит в виде Водолея. Трактуют этот миф по разному. Например, как историю о том, как некий прекрасный юноша умер перед свадьбой - отсюда версия с Эос, то есть, невестой, лишившейся возлюбленного. Или как историю с метафорической смертью мальчика для превращения в мужчину и царя. Или о том, как одни правители брали в плен детей других, для того чтоб наладить отношения. Но самым популярным оказалось, конечно, прочтение мифа как подтверждения того, что сам отец небес Зевс одобрял однополую любовь и был замешан. Сюжет стал одним из самых популярных в Греции, потом перекатился в Рим, позже ужасно осуждался христианами и только с наступлением Ренессанса вновь вернулся в искусство. Правда, неоплатоники эпохи Возрождения попытались миф переосмыслить и сообщали, что это все про восхождение души к Богу, а не то что вы подумали. Поэтому можно и нужно вновь писать как можно больше Ганимедов.

Картина «Портрет Арсения Васильевича Тропинина» (сына художника). Примерно 1818 г. Автор Василий Андреевич Тропинин.

«Смерть Инессы де Кастро» 1834г. Карл Брюллов История Инессы поражает своим драматизмом. Будучи придворной дамой, она влюбилась в инфанта, наследника португальского трона. Тайно обвенчавшись, они скрывали такой брак, тем более что у инфанта была невеста. Прознав реальную причину отказа сына жениться, король Афонсу IV решил убить его тайную жену. Но увидев женщину и своих внуков, молящих о пощаде, смиловался. Именно этот момент и отобразил на холсте Брюллов. Картина написана в ярко выраженной академической манере – «говорящие» жесты, скульптурные фигуры. Кульминацией картины выступает высветленное автором лицо Инессы, молящее и несчастное. Ещё более усугубляют щемящее впечатление дети, приникшие к матери. Лицо короля невозмутимо, но он опасается глядеть на нежеланную невестку. Лишь стража равнодушно глядит на правителя и ждёт его указаний. Известно, что Афонсу, который нуждался в «правильном» в политическом плане браке сына, поставил дело государства выше личных чувств, и Инесса потом всё таки была убита.

Поль Гоген – первый дауншифтер Первые 7 лет он жил на родине матери в Перу. Яркие воспоминания о тех райских краях Гоген сохранил на всю жизнь. Чтобы дать сыну достойное образование, семья переехала во Францию. Поль выучился, женился и стал работать биржевым брокером. У пары родилось пятеро детей. Семья Гоген занимала две комфортабельные квартиры, где было место и для мастерской художника. Как многие люди его круга, Поль коллекционировал работы художников и стал писать сам. Именно в эти моменты он чувствовал себя счастливым. В конце концов, он оставил работу. Денег кончились, жена ушла, забрав детей. И Поль отправляется туда, где он был счастлив – в дальние экзотические страны из своего детства. Сначала на остров Мартиника, потом в Панаму. Потом едет к Ван Гогу в Арль. Пребывание кончилось ссорой и историей с ухом. Наконец, сбегая от цивилизации, которую считал «болезнью» Поль Гоген уезжает в Океанию: сначала на остров Таити, а затем на остров Хива-Оа, где он напишет лучшие свои работы.

Маки (Поле маков) 1873 Клод Моне Это одна из самых узнаваемых работ мастера. Композиция имеет ярко выраженное диагональное построение, подчёркнутое маками. При этом всё композиционное решение воплощено с помощью цвета – красный организует и структурирует пространство картины. Две фигуры людей у нижнего правого угла полотна уравновешиваются двумя фигурами в начале диагонали. Моне не стал искать новую натуру, а снова изобразил жену и сына, как зеркальное отражение фигур ближнего плана. Работа над картиной шла на пленере. С небольшим переносным холстом в руках Моне отправлялся к макам, стремясь запечатлеть сиюминутное впечатление, при этом гармонично скомпоновав все детали и фрагменты картины.

Диптих Мэрилин - Энди Уорхол Сюжет и объекты: Портрет Стиль: Поп-арт Техника: Шелкография, Акрил Материалы: Холст Дата создания: 1962 Размер: 205.4×289.5 см Местонахождение: Тейт Британия, Лондон В девять лет Энди заболел хореей Сиденгама (также известной как «пляска святого Витта») и несколько месяцев провел в постели. Мать, которая ухаживала за Уорхолом, искала любые способы развлечь и отвлечь мальчика, но больше всего ему были по душе книжки-раскраски. За каждую аккуратно раскрашенную страницу Джулия давала сыну кусочек шоколада. Спустя много лет Энди напишет свою первую картину, в которой, как и во всех последующих, безошибочно угадываются отголоски его детской любви к раскраскам. Четко очерченные черные контуры и области, ровно заполненные чистым цветом, стали одной из главных особенностей творчества художника.

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

Анджелина Джоли продала картину Уинстона Черчилля "Минарет мечети Аль-Кутубия", которую тот подарил экс-президенту США Франклину Рузвельту, за 11,5 миллиона $. Картина была написана и подарена Рузвельту в 1943 году, а затем по наследству досталась его сыну Эллиоту. Позднее она также принадлежала ряду владельцев и выставлялась на нескольких выставках, а семьей Джоли была приобретена в 2011 году. Как сообщил Christie's в Twitter, это единственная картина, написанная Черчиллем во время Второй мировой войны. На картине изображен закат над самой крупной в марокканском Марракеше мечетью, построенной в XII веке, с горами на заднем плане. Предположительно, британский премьер написал эту картину после Касабланской конференции в 1943 году, а затем подарил ее американскому президенту на память.

Тропинин Василий Андреевич ( 1776 - 1857 ) Ему принадлежит особое место в изобразительном искусстве начала 19-го века. 47 лет своей жизни он провел в крепостной зависимости . В Академии художеств он учился в качестве «стороннего ученика». «Вольную» Тропинин получил лишь в 1823 году, причем только личную, помещик оставил крепостным его сына. На его полотнах можно видеть и дворян, и купечество, и крепостных крестьян, и дворовых, и ремесленников. Особый интерес вызывают произведения, в которых изображаются люди, занятые повседневным трудом, в окружении привычных им предметов. Подобные портреты можно рассматривать как зачатки бытового жанра. Искусство Тропинина высоко ценилось современниками, его считают основателем самостоятельной Московской живописной школы. Тропинин Василий Андреевич - КРУЖЕВНИЦА (1823 г.)

​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв нацизма Франция вернёт единственную картину Густава Климта из своей национальной коллекции наследникам Норы Стясны. Эта женщина еврейского происхождения вынуждена была продать полотно, когда нацисты аннексировали её родную Австрию. Министр культуры Франции Розлин Башло сказала, что с этим шедевром стране расстаться сложно, но необходимо. «Это завершение акта правосудия», — заявила она на пресс-конференции в Париже. «Розы под деревьями» в настоящее время находятся в Музее Орсе. Этот пейзаж не входил в специальный список награбленных произведений искусства, возвращенных из Германии во Францию после окончания Второй мировой войны. Картина Климта была куплена в 1980 году и по закону считается «неотъемлемой» собственностью страны. Это означает, что для её возвращения прежним владельцам парламент должен будет принять специальный закон. Нора Стясны родилась в 1898 году в Вене. Картину ей передал её дядя Виктор Цукеркандль — богатый сталелитейный магнат и коллекционер произведений искусства. «Розы под деревьями» он купил в 1911 году. Но после того, как нацисты аннексировали Австрию, Стясны была вынуждена продать пейзаж в 1938 году «почти за бесценок», чтобы выжить. Женщину депортировали в Польшу в 1942 году, где она в том же году погибла лагере смерти «Белжец» вместе с мужем и сыном. Картину в 1938 году купил человек, который называл себя другом семьи, но на деле симпатизировал нацистам. По словам Розлин Башло, он «спровоцировал продажу» и хранил полотно у себя до самой смерти в 1960 году. Двадцать лет спустя французское государство купило «Розы под деревьями» в художественной галерее. Чиновники готовились к открытию Музея Орсе и создавали государственную коллекцию современного искусства. На пресс-конференции официальные лица заверили, что перед покупкой Франция интересовалась происхождением картины, но не нашла доказательств того, что она была продана под принуждением. Лишь в последние годы французские и австрийские историки смогли проследить полный путь пейзажа. Это было довольно трудно из-за того, что большинство доказательств были уничтожены, а семейные воспоминания — размыты. В 2019 году Франция решила ответить на многолетнюю критику за недостаточную активность в сфере реституции. Новая экспертная группа получила более широкий мандат на поиск и возврат произведений искусства, которые были разграблены или проданы под принуждением во время нацистской оккупации. Сейчас Лувр пересматривает все свои приобретения, сделанные в период с 1933 по 1945 год. В 2017 году Австрия вернула наследникам Стясны похожую картину Климта «Яблоня II». Однако позже австрийские власти пришли к выводу, что эта реституция была ошибочной. В конечном итоге эксперты определили, что потомкам женщины следует передать «Розы под деревьями», а не «Яблоню II». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/d9741f03e17c2e942eb9f.jpg

​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо Это изображение распятия, темы, весьма распространенной в церковном искусстве, выполнено в непривычном, неканоническом виде. Фреска создает иллюзию крупного архитектурного фрагмента, выполненного в совершенно нетрадиционном для готики стиле. Это уже настоящий Ренессанс с его тонким пониманием пропорций и роли перспективы в искусстве. Нижняя часть фрески изображает каменное надгробие, принадлежащее Доменико Ленци. Этот факт дает право предполагать, что две фигуры — мужская и женская, находящиеся симметрично выше надгробия, принадлежат лицам, оплатившим фреску — Лоренцо Ленци и его супруге. Центральная часть симметричной композиции — это, собственно, сцена распятия. На кресте изображен Христос, за спиной которого стоит Бог-отец, поддерживающий своего сына в его смертный час. По сторонам печальной группы расположены фигуры Девы Марии и святого Иоанна. Интересно, что Дева Мария поворачивается к зрителям лицом и протягивает руку к своему страдающему на кресте сыну, как бы говоря: «Посмотрите, на что пошел Христос ради вас». http://chnly.pro/file/92d8472d56fb421697c9f3c19e3ade47

"Не верится, что время так быстро пролетело! Хочется верить (а что еще остается в 58), что утром я проснусь и мне снова исполнится 18. Я тогда взгляну в зеркало и увижу там юную, красивую, полную сил и желания изменить этот мир девочку, по которой очень тоскую, по которой сняться мне сны. Не грусти, скажет мне сын, радуйся, скажут мне близкие, не парься, скажут мне незнакомые люди, но от этого мне легче не станет! А ведь утром я проснусь на день старше, но это не страшно, когда понимаешь, что это нормально. Надеюсь, что в следующей жизни, мне будет всегда 18!" Друзья, эта художница пишет не менее прекрасные портреты, чем слова о самой себе. Загляните, полистайте - https://t.me/armine_art. Каждый портрет не просто рукописная копия, но холст наполненный жизнью, историей и любовью к искусству и своим моделям!

"Старый рынок в Руане" 1898 г. Камиль Писсарро Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Писсарро приезжал в этот город уже три раза, прекрасно знал его и изучил, казалось, все мотивы и привлекательные места. Но ехать с мольбертом в Руан после Моне – завидная смелость и профессиональная дерзость. Камиль Писсарро понимает, что каждый, кто в Париже увидит его руанские полотна, вспомнит о знаменитой серии Моне, которая несколько лет назад с успехом распродавалась прямо с выставки в галерее Поля Дюран-Рюэля. А значит, нужно подойти к Руанскому собору совсем с другой стороны, но и не делать при этом вид, как будто собора не существует вовсе. Тогда Камиль Писсарро прячет грандиозную, древнюю, настойчиво привлекательную для приезжего художника достопримечательность за простые городские постройки. Не такие величественные и сакральные, не такие важные. Так, будто он ходит мимо этого собора всю жизнь, будто он вырос и состарился в Руане. С этой точки обзора Писсарро написал в Руане три картины. Только эта является частью музейной экспозиции, две другие – в частных коллекциях. Художник писал сыну из Руана, что нашел прекрасное место, с которого можно написать не только улицу, но и рынок. Писсарро ждет пятницы, пока на городском рынке начнется рабочий день. Это «оконный период» Писсарро, когда он почти не выходит на пленэр из-за прогрессирующей болезни глаз. В последние несколько лет жизни он просто смотрит в окно и наслаждается возможностью иногда менять эти окна и вид за ними – у Писсарро наконец-то появились деньги для путешествия. В этой цельной картине со сжатым пространством две совершенно разные по техническому исполнению области. Одна – собор, нечеткий, текущий и призрачный в толще воздуха. Классический импрессионизм, реверанс в сторону юношеских находок. Вторая область – это мир рынка, шумный и яркий, устойчивый и наполнившийся в солнечном свете тяжестью и объемом. Несколько пятен чистого цвета на козырьке и на крышах прямо по улице Эписери уводят Писсарро далеко от мерцающих стен собора. Некоторые критики видят на этом руанском рынке геометрическую гармонию, которая предвещает скорое и настойчивое изменение живописной философии, которая предвещает кубизм. Писсарро вернулся в Париж – и Поль Дюран-Рюэль тут же купил у него за полторы тысячи франков картину с видом руанского рынка. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history

В.И.Суриков Меншиков в Берёзове 1883 В.И.Суриков (1848-1916) – знаменитый русский художник, прославившийся как мастер монументальных патриотических полотен в жанре исторической живописи. А.Д.Меншиков (1673–1729), ближайший сподвижник Петра I, государственный деятель. В 1727 году был обвинен в государственной измене и хищении казны. Вместе с семьей был сослан в городок Березов (ныне поселок в Ханты-Мансийском автономном округе), где и скончался. Суриков представил сцену в низкой, темной избе, где переживает опалу некогда всесильный царский фаворит. Маленькое слюдяное оконце едва пропускает тусклый свет зимнего дня. Комната погружена в полумрак. Чувствуется сибирская стужа, проникающая в жилище. Отсветы слабого огонька лампады слегка золотят оклады икон. От этого ещё темнее, мрачнее в избе и усиливается впечатление оторванности ссыльных от всего мира. Не смирившийся с поражением, по-прежнему величественный, Меншиков погружен в свои думы. Мастерски написаны его дети - старшая дочь Мария, прижавшаяся к отцу и глубоко задумавшаяся о чём-то далёком, сын Александр, машинально снимающий воск с подсвечника, и младшая дочь Александра, вводящая светлую ноту в атмосферу гибели и безысходности. Картина заставляет задуматься не только об исторических российских реалиях, но и о судьбе отдельного человека, попавшего в жесткие колеса истории. По отзывам многочисленных современников Сурикова, это полотно - одно из лучших, вышедших из-под его кисти. художник вневремени живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

"Розовый натюрморт" 1918 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственная Третьяковская галерея. Натюрморты Петрова-Водкина часто напоминают рабочий стол учетчика. Каждый предмет на нем лежит отдельно, не заслоняет других, доступен для полного обзора и ждет присвоения учетного номера. Даже мелкие ягоды, привычные к роскошной, гедонистической летней насыпи в глубокую миску, у него позируют в одиночку. Яблоко - 1 штука, вишня - 1 штука. Художнику достаточно простого и лаконичного набора предметов, чтоб понять вишни вообще и яблоки вообще. Вселенную вообще. У этой внешней скудности огромные возможности - вскрыть порядок вещей. Один из учеников художника вспоминал, как Кузьма Сергеевич советовал писать предметы: «Он говорил: если ты рисуешь карандаш, лежащий на столе, твоя задача определить не только положение этого карандаша к плоскости стола, на которой он лежит, но и его отношения к стенам той комнаты, в которой находится стол, и стен этой комнаты – к мировому пространству, ибо каждая вещь, даже простой карандаш, находится в сфере мирового пространства». И тогда зачем нужна корзина яблок, если уже одно открывает все связи в пространстве и связи с прошлым и будущим. Большинство натюрмортов Петрова-Водкина написаны в течение двух лет, с 1918 по 1920. Страшное, голодное, жестокое, скупое на радости, щедрое на испытания время. Не хватает самого необходимого. Но холодные, аскетичные композиции с яйцами, спичками, черным хлебом, конечно, не о нищете конкретных лет. В эпоху торжества беспредметного и уже даже абстрактного искусства Кузьма Петров-Водкин был несвоевременно привязан к предмету. Он был уверен, что мы в повседневности невнимательны к ним, ограничиваем их декоративными или прикладными свойствами. Эта невнимательность, кстати, и приводит человека со временем к проектированию и созданию по-настоящему уродливых вещей. Но когда художник отстраняется от утилитарного и украшательского, ему открываются «силы, образующие предмет изнутри». Он чувствует вес атмосферы вокруг яблока, энергию давления чайника на поверхность стола, уникальную плотность дерева, металла или стекла. «Вскрытие междупредметных отношений дает большую радость от проникновения в мир вещей: металл, жидкость, камень, дерево вводят анализирующего в их полную жизнь. Закон тяготения из абстрактного, только познавательного становится ощутимым, в масштабе близком, простом для всякого восприятия: кол...ия встречных, пересекающихся, сходящихся и расходящихся осей предметов, как в увеличительном стекле, проделывают пред вами законы движения, сцепления и отталкиваний», - писал Петров-Водкин в книге «Пространство Эвклида», где целую главу посвятил своим первым упражнениям в написании натюрмортов и рассуждениям о драмах, которые разворачиваются от столкновения предметов в пределах картины. По сравнению с многими другими «Розовый натюрморт» густо населен, для Петрова-Водкина, можно считать, даже изобилен. И воздух в нем разрежен, прозрачен до розового. Ветка с тяжелыми яблоками легко парит над столом, выстаивает собственные формулы закона тяготения. У каждого предмета - свой угол обзора, выгодный для него, ощутимый вес и текстура. Сын сапожника и швеи, Петров-Водкин поначалу учился в Московском училище технического рисования. Но чертежи шкафов и схемы декоративных узоров ему отчаянно не давались. Суровые параллели и перпендикуляры требовали цвета, сжимались и раздувались. Учитель черчения осторожно советовал юноше двигаться в живописном направлении. Искать место предмета не в развернутом чертеже, а в пространстве вселенной. ПетровВодкин Натюрморт Модерн _history

"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства, Вашингтон. Клод Моне честно признавался, что кроме живописи и садоводства ни на что больше не годен. И пожалуй, хуже всего ему удавалась роль мужа, особенно в первый раз. Камилла Моне оказалась одной из самых несчастных и печальных женщин во всей истории живописных героинь и жен художников. 18-летняя натурщица Камилла Донсье, дочь торговца, позировала юному красавчику Моне для картины «Женщина в зеленом», одной из самых успешных и стремительно прославившихся. Картину не просто приняли в Салоне, но и удостоили нескольких лестных отзывов. Камилле приятно, Моне счастлив, они молоды, влюблены и им кажется, что все прекрасное в их жизни только начинается. Следующие несколько отчаянных лет Камилла и Клод живут в сырых, холодных комнатах, часто без света и отопления и очень часто без еды. Бывает, что Ренуар приезжает к ним в гости, чтобы писать вместе с Клодом (в том числе - и Камиллу), и привозит немного хлеба – на несколько дней хватает. Иногда среди ночи они собирают вещи и бегут из очередного сельского домика, зная, что наутро не смогут заплатить хозяину долг за несколько месяцев. Клод работает с утра до вечера, как одержимый, не получая ни одобрения в официальном Салоне, ни признания среди заказчиков. Его картины не покупают. Хотя бы за 30, за 50 франков – он готов получить любые копейки. Когда Камилле придет время рожать, Моне уедет искать вдохновения – не очень-то похоже на безумную любовь. Издалека он будет в письмах умолять Фредерика Базиля выслать голодной Камилле денег, взывая к его человеколюбию, а вернувшись ненадолго, почти с удивлением обнаружит, что ребенок его по-настоящему радует. Отец и тетка Моне, узнав о его любовнице, отказывают в содержании и требуют бросить и возлюбленную, и новорожденного сына. Клод пишет Камиллу взахлеб, постоянно – и почти на всех портретах в глазах Камиллы такая бездонная пропасть и такая непоправимая печаль, что опознавать ее среди моделей художника можно именно по этой безнадежности. Она умрет в 32 года, в 1879-м, в страшных мучениях, всю заботу о ней во время тяжелой болезни возьмет на себя другая женщина, Алиса Ошеде, которая к тому времени будет в доме Моне чувствовать себя полноправной хозяйкой. Пройдет больше 10 лет – и призрак Камиллы с зонтиком Моне случайно увидит, возвращаясь вечером после пленэра в своем саду в Живерни. На насыпи, на фоне огромного неба, стояла его падчерица Сюзанна. «Вылитая Камилла в Аржантее! Завтра придем сюда, ты мне будешь позировать!» Он ставит Сюзанну в нужную позу, запрещая шевелиться и гонясь за призраком давно ушедшей за горизонт Камиллы. Он в ярости пинает ногами один из двух этюдов (1 и 2), рвет холст, Сюзанна теряет сознание от зноя, Моне в отчаянии – у него ничего не получается. У женщины с зонтиком, повернутой влево, и у женщины с зонтиком, повернутой вправо, не видно лица. Критики в один голос заявляют, что это шедевры, по сравнению с первой картиной, написанной в Аржантее, более динамичные, идеально уравновешенные, мастерски исполненные и создающие ощущение живописной целостности. Но когда видишь все три рядом, трудно отделаться от мысли, что безликие, застывшие в правильных позах правая и левая женщины – два неподвижных призрака той легкой, внезапно повернувшейся к художнику, тревожной, еще живой, но уже готовой скрыться за холмом Камиллы. КлодМоне Импрессионизм _history

Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.

Фредерик (Фред) Морган родился в Лондоне в семье известного жанрового художника Джона (Джури — по названию его картины The Gentlemen of the Jury) Моргана. 14-летнего сына отец забрал из школы, чтобы учить искусству. В 16 лет он создал совместно с отцом первую картину «Репетиция» (англ. The Rehearsal), которую выставили Королевской Академии. После нескольких лет перерыва его картины выставлялись там регулярно. Некоторое время Фредерик Морган работал портретистом для фотографа Эйлсбери. Этот опыт научил художника «наблюдать и уделять внимание деталям».

Н. П. Богданов-Бельский родился 8 декабря 1868 года в деревне Шитики Бельского уезда Смоленской губернии (ныне — Оленинский район Тверской области). Он был внебрачным сыном батрачки. Фамилию Богданов, будущий художник получил от крестившего его священника («Богом данный»). Бельским он стал позднее, присоединив к фамилии название уезда, в котором находилась родная деревня. Учился в церковно-приходской школе, затем в ныне знаменитой школе С. А. Рачинского в селе Татеве.

Берталан Пор "Михай Каройи" (1930) Родители первого президента Венгрии были двоюродными братом и сестрой. Они наградили мальчика расщеплением нёба и думали, что раз он еле разговаривает, то умственно отсталый. В раннем детстве Михай потерял мать, а отец мало внимания уделял воспитанию сына, считая, что он неспособен сделать карьеру. Но когда Михаю сделали операцию, оказалось, что всё с ним нормально. Каройи, испытывавший унижения всё это время, пустился во все тяжкие: наркотики, азартные игры, злачные заведения. Михай довольно быстро определился со своими политическими предпочтениями и стал называть себя социалистом. В 1913 году премьер-министр Тиса вызвал Каройи на дуэль. Дуэлянты дрались на саблях, Каройи проиграл этот поединок и получил резаную рану руки. А потом была увлекательная череда событий из Первой мировой, буржуазно - демократической революции и развала империи, которая возвела Михая на должность первого президента Венгрии. Потом, правда, так же быстро и сняла.

"Великий архитектор" Уильям Блейк, 1827 > Манчестер, Уитворт Картина относится к жанру сюрреализма. Блейк являлся сторонником теории креационизма и в данной работе выражает спектр своих религиозных чувств. Сначала это полотно художника, как и многие другие, было забыто. А сейчас же её анализируют и пытаются разгадать. Главным героем является Бог, который изображен в момент творения. Он не устанавливает порядок, а ограничивает свободу и пределы воображения. Религия, вера, законы и порядок – всегда присутствовали в творчестве Блейка, они являлись предметом его размышлений. В буквальном переводе картина называется «Ветхий днями» – так обозначали имя бога в различных мировых религиях. Больше всего черт в этой картине от ветхозаветного Яхве. Ветхий днями означает бессмертный. В мире христиан это имя часто ассоциируется с Богом-отцом, но иногда этим именем обозначали Бога-сына.

Гермафроди́т — согласно древнегреческой мифологии, прекрасный юноша, сын посланника богов Гермеса и богини любви Афродиты. Он либо изначально был двуполым, либо, согласно более поздним версиям мифа, стал таковым, будучи слит богами в единый организм с влюблённой в него нимфой Салмакидой. Имя Гермафродита стало нарицательным для обозначения животных и людей, обладающими признаками обоих полов. Позднее этот термин перешёл в биологию и медицину. https://tanjand.livejournal.com/3299440.html https://tanjand.livejournal.com/3299440.html

"Возьмите своего сына, сэр!" незаконченная картина художника-прерафаэлита Форда Мэдокса Брауна, начатая в 1851. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. На бледном, измученном лице женщины лихорадочный румянец, а маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. В зеркале за спиной женщины - отец ребенка, протягивающий руки. Моделью для картины послужила любовница и впоследствии вторая жена художника, Эмма Хилл. Работа над картиной была начата, когда художник и модель еще не состояли в браке, но после появления на свет первого, незаконнорожденного ребенка. По строгим порядкам викторианской Англии, подобные связи заслуживали порицания. В этой интерпретации название картины «Возьмите своего сына, сэр!» означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. По мнению историка искусства Маршии Пойнтон, картина намеренно парадоксальна и заключает в себе противопоставление жизни и смерти. Так, изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности женщины в разрезе. Считается, что художник окончательно забросил картину после смерти сына Артура, скончавшегося в июле 1857 года в возрасте десяти месяцев. Композиция полотна отсылает также к религиозным картинам, изображающим Мадонну с младенцем. На это указывает и зеркало, визуально образующее нимб вокруг головы матери, и рисунок обоев, напоминающий звёздное небо. Художник мог ссылаться на эту иконографию либо искренне, либо в ироничном контексте.

Возьмите своего сына, сэр! 1856 Форд Мэдокс Браун Британская галерея Тейт, Лондон Незаконченная картина художника-прерафаэлита, начата в 1851 году. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. Маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. Демонстрация зубов в контексте викторианской культуры символизирует женскую обиду и агрессию. За спиной на зелёных в звёздный рисунок обоях висит небольшое круглое зеркало, в котором отражается обстановка комнаты и отец ребенка в костюме и шляпе, протягивающий руки, чтобы взять ребенка. Зеркало было заимствовано как отсылка к «Портрету четы Арнольфини». Название картины означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. Изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности в разрезе.

Предположительно, в 1445 году португальский художник Нуну Гонсалвеш написал здоровенный полиптих, который называют Алтарем святого Винсента. Нуну Гонсалвеш - ужасно загадочная личность. Не известно ни когда он родился, ни когда умер, и не слишком понятно где он выучился рисовать, потому что в пятнадцатом веке в Португалии он был такой вот один - ни до него, ни одновременно с ним, на даже долго после в Португалии таких мощных живописцев не было. Ну вот разве что известно, что в 1428 году в Португалию приехал Ян ван Эйк в качестве участника посольства, что прибыло сватать Изабеллу Португальскую за Филиппа Доброго, и затусил в Лиссабоне на целый год. Но успел ли он поучить Гонсалвеша чему-нибудь или хотя бы был ли с ним знаком - об этом можно только гадать. Известно, что Гонсалвеш между 1450 и 1472 годами был придворным художником. Про него почти позабыли, настолько, даже считали вымышленным персонажем. Упоминания его эпичного полиптиха в исторических хрониках остались - в трактатах шестнадцатого века его описывали как картину, созданную для часовни Святого Винсента в Лиссабоне, но считалось, что если такая работа и существовала, то точно давным давно погибла - то ли во время Иберийской унии, когда Габсбурги набежали на Пиренейский полуостров и им не понравилось, что на картине изображены члены королевской семьи, но не той; то ли дело было во время Великого лиссабонского землетрясения, когда вообще погибло все подряд, от королевских дворцов, музеев, библиотек и трети населения Лиссабона до португальских колониальных амбиций. В общем, стала история про какую-то здоровенную и очень классную картину постепенно забывающейся сказкой и так было до тех пор, пока в 1882 году вдруг ее не нашли случайно в хранилище монастыря Сан Висенте де Фора. Вообще, конечно, эта находка поразила всех. Было не совсем понятно чего это нашли, но то что это невероятный шедевр было ясно всем и сразу. Исследователи бросились разбираться и, собственно, пришли к выводу, что вот он, легендарный алтарь Нуну Гонсалвеша. К слову, больше никаких его картин до нас не дошло. Иногда щекастенький портрет Жуаны Португальской еще приписывают кисти Гонсалвеша, но, вроде уже договорились, что его, скорее всего, написал какой-то неизвестный ученик художника. На пяти створках высотой 2,2 метра изображены вообще все. За створками закрепились названия (слева направо) - Монахи, Рыбаки, Инфант, Архиепископ, Рыцари и Реликвия. Инфант и Архиепископ шириной 128 сантиметров, все остальные - по 64 см, написано все это темперой и маслом на дубовых панелях. Имя, под которым нынче картина известна, дал ей в 1910 году португальский исследователь Жозе де Фигейреду, который, собственно, предположил, что тут все поклоняются Святому Винсенту и все понятно. Фигейреду написал о картине огромный подробный труд и был проделанной работой очень доволен. Но через пятнадцать лет в обсуждение ворвался другой исследователь, Жозе Сарайва, и заявил, что Фигейреду не прав и на самом деле главный во всей тусовке на панно - дон Фернанду, святой инфант. Фернанду был шестым сыном короля Жуана I, с детства религиозным и кротким юношей, которого за его такую кротость Папа Римский даже сделала кардиналом. В 35 лет Фернанду и его братья отправились в Северную Африку и попытались захватить Танжер, а в итоге нарвались на превосходящие силы противников и Фернанду попал в плен к злым маврам. Там его обижали, отказывались менять на других заложников, отправили в итоге работать рабом в конюшни, где он заболел и умер. Поэтому его в 1470 году причислили к святым. И вот, Жозе Сарайва настаивал на том, что на полиптихе юноша в черном, который стоит перед святым преклонив колено - это главный персонаж всего повествования, Святой Фернанду, покровитель Лиссабона, и его чествование всеми-всеми, включая и Святого Винсента, который его принимает где-то, вероятно даже в раю.

Торговцы пушниной на реке Миссури, 1845 год Это самая известная картина Джорджа Калеба Бингема, американского художника-самоучки из девятнадцатого века. Называлась картина по задумке художника “Французский торговец и его сын-метис”, но ее потом переименовал Американский художественный союз, потому что им там показалось, что название может вызвать какую-то неправильную реакцию. Хотя как раз браки, которые заключали торговцы мехом с коренными американками в те годы были совершенно обычной практикой - в Канаде из потомков таких браков даже сложилась целая новая этническая группа. Правда, к середине девятнадцатого века торговлю пушниной прибрали к рукам крупные компании с баржами и пароходами, а вот такие ребята, которые на простеньком каноэ отправляются вверх по течению Миссури чтоб продать добытые собственным трудом шкуры стали уже совсем редкостью. В общем, картинка ускользающего в нежной туманной дымке прошлого. Кстати, на носу каноэ не котик, а ручной медвежонок.

Отец и два сына 1950 Лоуренс Лоури «Он не принадлежит ни к одной школе, но в конечном счете может стать основателем своей школы», — писал критик в каталоге работ художника. Британский художник, мастер городского пейзажа и жанровых сцен, портретист. Лаури начинал как художник-любитель, но постепенно получил признание на родине и в Европе, стал академиком Королевской академии художеств (1962). В 2000 году в Солфорде был открыт Центр Лаури стоимостью 106 миллионов фунтов стерлингов. Названная в честь художника галерея площадью 2 000 квадратных метров вмещает в постоянной экспозиции 55 его картин и 278 рисунков — самую большую в мире коллекцию его работ. «Когда я уходил со станции, я заметил здание — огромную чёрную коробку с рядами светящихся жёлтых окон на фоне грустного мокрого послеполуденного неба… ряды маленьких коттеджей… — и вдруг понял, что знаю, что я должен писать» Картина "Отец и два сына" была продан за $2,4 млн в ноябре 2015

3 факта из жизни Клода Моне. 1. В детстве будущий художник ненавидел школу. Он предпочитал гулять в одиночестве, забираясь на скалы и гуляя вдоль реки. 2. Отец Клода Моне желал, чтобы сын пошёл по его стопам и стал бакалейщиком, но жизнь распорядилась иначе. 3. Первой живописью Клода Моне можно считать карикатуры на его учителей, которые он мастерски рисовал на обложках своих школьных тетрадей.

Принцесса Тувстарр в лесу Тарн 1913 Джон Бауэр Музей в Мальмё, Швеция Картина, одна из самых значительных работ Бауэра, была впервые опубликована в коллекции сказок «Среди гномов и троллей» в 1913 году в качестве иллюстрации над которыми Бауэр работал с 1907 по 1915 гг. И сделала его одним из самых известных сказочных художников Швеции. В правильно нарисованном лесу все примерно одного и того же цвета — мох, стволы деревьев и ветки елей, все — какое-то мягкое и серьезное, а иногда в лесной чаще мелькает посредине что-то серое, и бурое, и зеленое, но зелени очень мало. Если хочешь, сажаешь, например, в лес принцессу. Она всегда в белом и очень маленькая, и у нее длинные золотистые волосы. Ее лучше поместить в самом сердце лесной чащи или в золотом сечении. Картины и иллюстрации Бауэра выполнены в стиле романтического национализма; Когда Бауэру было 36 лет, он, его жена Эстер и их сын Бенгт утонули в озере Веттерн на юге Швеции.

«Рожденные для свободы». На рижской улице Тургенева появился оригинальный арт-объект – скульптура лисицы в черно-бурой шубке. Ее авторами стали известный в Латвии дизайнер Олег Мариноха и его сын Александр, студент 3 курса Латвийской академии художеств. Художественный объект выполнен при поддержке общества защиты животных Dzīvnieku brīvība. Курировал исполнение работы профессор Академии художеств Айгарс Бикше. Для создания скульптуры понадобилось стекло, сталь и пеньковые канаты. Работа в общей сложности заняла почти 5 месяцев. Помогали добровольцы. Скульптура весит примерно 500 килограммов. «…сейчас готова только первая часть проекта. По задумке, лиса должна вылезать из клетки. Мы еще продолжим работу над второй частью», - пояснял Александр Мариноха.

Норман Роквелл "Переезд из родного дома" (1954) «Я хотел выразить то, что чувствует отец, когда его дети покидают дом», — говорил Роквелл об этой иллюстрации. Отец и сын сидят на скамье в ожидании поезда, который увезет сына в колледж. Сын восторженно ждет прибытия поезда, который отвезет его в новую, взрослую жизнь. Прямо противоположное чувство испытывает отец — он заметно поник, сжимая незажженную сигарету и шляпу в руках. Отцу ничего не остается делать, кроме как ждать неминуемого прибытия поезда, который увезет его сына далеко от родного дома.

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history

"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Испанский король Карл IV, его супруга Мария Луиза Пармская, их разновозрастные и многочисленные «чада и домочадцы»… Перед нами знаменитый семейный портрет испанских монархов кисти придворного живописца Франсиско Гойи. Портрет, самую едкую и ёмкую характеристику которому дал французский поэт-романтик Теофиль Готье. Он сказал, что на этой картине видит не короля и королеву, а «булочника с женой, получивших крупный выигрыш в лотерею». «Семья короля Карла IV» – ода или насмешка? «Семья короля Карла IV» – парадный портрет, и в то же время в нём легко считывается ирония Гойи. С одной стороны, испанские правители, нынешние и будущие, показаны в блеске королевской славы. Гойя тщательно воспроизводит их одежду, обильно украшенную придворным ювелиром драгоценными камнями. Женские украшения, ордена короля (среди них – недавно учреждённый орден Марии Луизы и Золотого руна, а также Крест Непорочного зачатия) – всё это Гойя выписывает, кажется, с каким-то особым удовольствием. С не меньшим вкусом и знанием дела передана фактура тканей: тяжёлой золотой парчи, мягкого и вкрадчиво-матового бархата, лёгких кружев. Однако роскошь нарядов только оттеняет физические несовершенства героев. По воспоминаниям, король был феноменально рыхл, а королева-распутница – и вовсе безобразна. И Гойя не стремится дать их в идеализированном виде. Он изображает не богоподобных венценосцев, а заурядных смертных из плоти и крови. В демократической критике принято будет писать о семье Карла IV чуть ли не с отвращением: духовное убожество, мещанская заурядность, семья лавочников, вульгарность, невежество, вырождение и прочая, и прочая. В работе Гойи видели чуть ли не карикатуру. Вряд ли это и в самом деле так. Скорее, мы имеем дело с критической крайностью. А Гойя оставался художником, он создал остро-характерные портреты, раскрывающие в нём знатока человеческой природы. И, кстати, монархами портрет был воспринят благосклонно. Но вот что еще интересно: на этом портрете изображены люди, близкие по крови – король с королевой, три их дочери, три сына, внук, зять, сестра королевы и брат короля. Как это было принято среди европейских правящих династий, многие из них связаны двойной родственной связью: муж Марии-Луизы – одновременно её же кузен; брат короля Антонио Паскуаль был женат на королевской дочке, своей племяннице Марии Амалии (её на картине нет – она умерла за два года до её создания, в 1798-м; и может быть, это её Гойя изобразил отвернувшейся к стене?). Но несмотря на кровную близость, люди эти выглядят удивительно отчуждёнными, разрозненными, замкнутыми в себе, словно их собрала для позирования художнику простая случайность. А еще на картине есть тот, кто внимательно наблюдает за всеми ними. Автопортрет Гойи в картине «Семья короля Карла IV» Франсиско Гойя говорил: «Я признаю трёх учителей - Рембрандта, Веласкеса и природу». В этом парадном портрете короля Карла IV с его близкими есть прямая отсылка к веласкесовым «Менинам» – знаменитой картине-иллюзии, где в окружении королевских особ (инфанты Маргариты и отражающихся в зеркале короля и королевы, её родителей) кумир Гойи Веласкес изобразил себя самого за работой. Гойя здесь без стеснения подражает Веласкесу. Точно так же в групповое изображение семьи Карла IV Франсиско Гойя вписывает автопортрет: в затемнённом левом углу, позади королевских особ, за мольбертом, можно разглядеть по-рембрандтовски задумчивое лицо художника. ФрансискоГойя Портрет Романтизм _history

"Тарквиний и Лукреция" 1568–1571 гг. Тициан Вечеллио Музей Фицуильяма, Кембридж Популярные у художников сюжеты - Лукреция и Тарквиний, а затем и самоубийство Лукреции, римлянки, чье имя с древности было синонимом женского целомудрия. Конкретно эта картина была написана для Филиппа II Испанского в XVI веке. Древнеримский историк Тит Ливий рассказывает нам, как сын последнего царя Рима поразился и не смог стерпеть того, насколько честна и целомудренна была Лукреция, жена его сослуживца. Прокравшись к ней домой, он взял ее силой, тем самым обесчестив всю семью - в том числе и свою. Лукреция совершила самоубийство, что вызвало небывалые недовольство и печаль у народа, после чего Тарквиний Старший вместе с жестоким сыном и остальными членами семьи был изгнан из Рима. После этих событий римляне поняли, что больше не хотят иметь царскую власть в своем государстве и организовали ту самую республику - с сенатом, консулами и форумом. Данный пост любезно предоставлен автором канала про латынь и Древний Рим. Там вы можете найти больше интересных исторических фактов про быт римлян и их императоров, а также почитать этимологические разборы современных слов. Все просто, понятно и с юмором. Более того - скоро во всех книжных ожидается полноценная книга по истории Рима за авторством владельца канала.

"Юпитер и Фетида" 1811 г. Жан Огюст Доминик Энгр Музей Гране, Экс-ан-Прованс. «Зевс и Фетида» Энгра – «дипломная работа», подводившая итог стажировке в Риме, куда его направила парижская Академия изящных искусств. Он стремился сделать картину максимально благодатной и «богоугодной», поясняя, что «она должна за милю источать запах амброзии». Энгр отправил завершающую «посылку» (так называют его работы, отправленные из Рима в Париж в рамках стажировки) на Салон. Вердикт был безжалостен: лицо Зевса назвали недостаточно благородным, к телосложению Фетиды тоже упреков было достаточно. В основу картины положен мифологический сюжет. Морская нимфа Фетида влекла и Зевса, и Посейдона. Но предсказание гласило, что рожденный ею сын превзойдет в силе своего отца. Боги решили воздержаться от возможной сыновней конкуренции и отдали Фетиду замуж за смертного Пелея. От этого брака родился Ахилл. Картина изображает Фетиду, пришедшую к Зевсу и умоляющую защитить ее сына в противостоянии с Агамемноном в Троянской войне. Фетида склонилась у колен верховного бога, обхватив их одной рукой, вторая вытянута вверх и касается его бороды. Трон Зевса висит в облаках, фигуры Зевса и Фетиды резко контрастируют. Фигура Зевса темная, мощная, словно слившаяся с троном, левой рукой он опирается на кучевые облака. Взгляд его устремлен вдаль, кажется, что он даже не слышит Фетиду. Ее же фигура вся состоит из плавных линий. Даже то, что ставили Энгру в упрек – неестественно вытянутая левая рука Фетиды, ее чересчур запрокинутая голова и кажущаяся слишком полной по этой причине шея – выполняет свою функцию. Рука – словно воплощение мольбы и потаенной нежности, а вся фигура в целом, в том числе странный изгиб шеи – воплощает безудержную устремленность, словно эта диагональ, в которой Фетида расположена по отношению к Зевсу, включила в себя все ее чаяния, всю ее жизнь. Справа от Зевса – орёл, один из атрибутов бога. Слева мы видим лежащую на облаке и наблюдающую за происходящим фигуру Геры, супруги Громовержца. Как известно, она была весьма ревнивой богиней… Но здесь ее взгляд спокоен – она знает, что Зевс не внемлет мольбам Фетиды. А вот интимная подробность, которую видим мы, от Геры скрыта. Соприкасающиеся пальцы ног Зевса и Фетиды вносят очень теплую, глубоко лирическую и эротическую ноту в настроение картины. ДоминикЭнгр МифологическаяСцена Классицизм _history

Гюстав Доре "Семья акробатов" (1874) Часто, чтобы привлечь зрителей, бродячие циркачи старались сделать необычные и впечатляющие номера. В данном сюжете мать и отец привлекли к представлениям своего малолетнего сына, которому едва исполнилось пять-шесть лет. Он, судя по всему, ходил по канату или выполнял другие акробатические трюки, но не смог удержать равновесия. Художник Поль Гюстав Доре лично был свидетелем этой сцены. Он был настолько поражён ею, что решил создать картину со схожим сюжетом. Доре так писал в своих воспоминаниях: "Он умирает. Я хотел изобразить растерянность в глазах родителей, которые превратились в настолько закаленных существ, почти зверей, ведь для того, чтобы заработать деньги, они убили своего ребенка и, убив его, они обнаружили, что, оказывается, они имеют сердце и пришло позднее раскаяние..."

Сел Иона у стен города и сидел надувшись и ждал чего будет - погибнет город или все таки нет. И тогда Господь, чтоб и Иона не грустил и солнышком ему голову не напекло, за ночь вырастил над Ионой кустик - вероятно, то была тыква или клещевина. Иона ужасно обрадовался кустику. Тогда Господь на следующую ночь кустик уморил и тот высох. Расстроился Иона, да так сильно, что начал просить о смерти. Ну, вообще, Иона такой специфический пророк, как вы наверное уже поняли - не только убегает от воли божьей, так и еще в любой непонятной ситуации не стоически терпит бедствия, огорчения или просто неприятности, а сразу молит о смерти. А это его даже ни разу в костер не бросили, львам не скормили и на дыбе не растянули, как бывало. А кончается все вот каким диалогом: “И сказал Бог Ионе: неужели так сильно огорчился ты за растение? Он сказал: очень огорчился, даже до смерти. Тогда сказал Господь: ты сожалеешь о растении, над которым ты не трудился и которого не растил, которое в одну ночь выросло и в одну же ночь и пропало: Мне ли не пожалеть Ниневии, города великого, в котором более ста двадцати тысяч человек, не умеющих отличить правой руки от левой, и множество скота?” В средневековье этот сюжет очень любили художники и поэтому он с потрясающей частотой встречается в книжной иллюстрации. Дело в том, что сам Иисус в Новом завете сравнивает себя с Ионой - как Иона тусовался в ките три дня и три ночи, так же и Сын Человеческий три дня и три ночи проведет в земле, а после воскреснет. И еще мне кажется, что этот пророк, Иона, он самый человеческий из всех - он то боится, то хулиганит, то ропщет и в его короткой истории столько живого. Вот совсем крохотная подборка картинок из рукописей и пара фресок из разных храмов и даже иранская книжная миниатюра XIV века, потому что пророк Иона (Юнус) актуален для мусульман тоже.

Илья Репин (1844-1930) «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» 1885 холст, масло. 200x254 см Государственная Третьяковская галерея, Москва илья_репин

"Портрет Гертруды Лёв" 1902 г. Густав Климт Частная коллекция. 19-летняя дочка владельца фешенебельного санатория Вены, пленительный портрет, утраченная при нацистах коллекция, внебрачный сын Густава Климта и его модели, наконец, продажа за $39,2 млн «лучшей за последние 20 лет работы Климта» на торгах Sotheby’s летом 2015 года и особые условия раздела суммы — все это не просто картина. Это — сюжет. Работа гения венской сецессии создана в 1902 году. Вот отзывы критиков о работах того периода (включая и портрет Гернтруды Лёв), выставленных на коллективной выставке творцов Сецессиона в 1903 — 1904 годах: «…волшебное очарование сияющих обликов — отличительная черта живописной манеры Климта», и «самая тонкая лирика, которую только способна создать палитра художника». В то время на переломе веков художник тяготел к почти монохромной гамме, создавая нежные, воздушные образы героинь. А пленительная Гертруда тогда идеально соответствовала его живописным представлениям. Наша героиня была дважды замужем: первый брак поначалу был безоблачным, и апартаменты четы оформлял сам Коломан Мозер. Однако супруги расстались после ранней смерти их единственной дочери. Во втором браке с венгерским промышленником у пары было трое детей, но в 1923 году муж умер от скоротечной пневмонии: он не надел пальто, возвращаясь из ночного клуба. Гертруда, дочь своего отца, продолжала управлять санаторием, а ее портрет кисти Климта занимал почетное место в прихожей квартиры. Картина с сияюще-воздушной Гертрудой Лёв была признана современниками Климта и вошла в редкое лимитированное издание 50 литографий лучших его работ (удачная затея арт-дилера Метке (H. O. Miethke)). А теперь — вовсе не радужное продолжение истории. Под давлением нацистов еврейское семейство Лев в 1939 году покидает страну и бежит в США. Часть коллекции остается в Австрии, в том числе и бесценный портрет. Дочь Гертруды — Мария, — возвращается туда после войны, надеясь разыскать сокровище. Однако друг семьи, которому поручили приглядывать за оставшимися ценностями, продал картину (вероятнее всего, за бесценок), что называется, под дулом пистолета. Мария Лев в Вену больше не приезжала. Она скончалась в 1964 году в Калифорнии. Портрет кисти Климта после войны оказался у вероятного внебрачного сына художника — Густава Учицки (Gustav Ucicky: его мать, 19-летняя Мария из Праги, работала служанкой в доме Климта). Густав Учицки во время войны создавал в Вене пропагандистские фильмы для нацистов. Вроде бы именно им в 1942 году и была куплена работа. Вдова кинематографиста — Урсула, основавшая Фонд Климта в 2013 году, — в 2014 году «достигла соглашения» насчет портрета с внучкой Гертруды Лев. Средства от продажи картины в 2015 году с аукциона было решено поделить. «Этот портрет показывает храбрую и решительную природу моей бабушки. На этом визуальном воплощении живет сила ее характера и красоты» — сказала внучка прекрасной и вечно юной Гертруды, которую нарисовал австрийский гений — Густав Климт. ГуставКлимт Портрет _history

​​️Выставка, посвященная отцу отечественной панорамной живописи Францу Рубо, открылась около здания, построенного для написанной им панорамы Первой обороны Севастополя. ️Обновленный Музей моды — MoMu откроется в Антверпене в сентябре. Классный молодёжный город: ️На вокзале в Иваново открывается арт-резиденция Art Station Ivanovo. Специально для выставки, которая будет проходить в пространстве конструктивистского здания железнодорожного вокзала, на текстильном предприятии города Иваново «Красная Талка» были изготовлены десятки 7-метровых полотен. Каждое из них расписали художники уличной волны: Миша Most, Анатолий Akue, Илья Slak (Aesthetics group), Petro (Aesthetics group), MAX 13 и Павел Ртуе. ️Творческая лаборатория "Человек мира" открылась в субботу в Суздальском районе Владимирской области. В течение суток команда из ста актеров, режиссеров, художников, музыкантов и волонтеров представит публике 10 спектаклей, посвященных свадьбам. ️Успейте посмотреть на работу Дюрера, идею которой до сих пор не могут разгадать искусствоведы: В Историческом Государственном музее до 22 августа проходит Выставка графических работ Альбрехта Дюрера из коллекции Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии — одной из самых известных художественных галерей Европы! Из Италии привезли более 120 гравюр мастера, среди которых представлены самые известные — гравюра "Меланхолия I", "Адам и Ева", "Блудный сын", "Аполлон и Диана". Произведения А. Дюрера сопровождаются работами его современников, которые копировали с изумительной точностью великого гравера, что говорит об огромном признании мастерства художника. Альбрехт Дюрер. Меланхолия (Меланхолия I). Германия, Нюрнберг. 1514 г. Бумага без водяных знаков; гравюра резцом. Пинакотека Тозио Мартиненго https://telegra.ph/file/f70de48b61ef8681decb9.jpg

Отправление на рынок 1859 Констан Тройон Холст, масло. 260,5 × 211 см Эрмитаж, Санкт-Петербург Картина французского художника, одного из ведущих представителей барбизонской школы (группа французских художников-пейзажистов. Имя школа получила по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где длительное время жили Руссо, Милле и некоторые другие представители группы). Раннее утро, в лучах взошедшего солнца женщина на ослике, с навьюченными на него корзинами с ягнятами, двигается на рынок в сопровождении мужчины на лошади, с ними также идёт небольшое стадо овец и коров. Слева на пригорке виден дом с соломенной крышей. Слева внизу стоит подпись художника и дата: C. Troyon 1859. В Салоне 1859 года картина вызвала значительный резонанс, её хвалил в прессе А. Дюма-сын; молодой Клод Моне писал своему учителю Эжену Будену: «Там также есть „Отправление на рынок“. Оно показывает эффект тумана на восходе солнца. Оно великолепно и, главное, полно света».