Удивительный сюрреализм Яцека Йерка Яцек Йерка (Jacek Yerka) – это творческий...

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

Цветущие маки (1907) - Густава Климта Пейзажи Климта близки к импрессионистским вещам Моне, но при этом изящная детальность полотен возведена здесь в абсолют («Цветущие маки»). Мазки становятся меньше и, если зритель расфокусирует взгляд, полотно рискует рассыпаться на крошечные «пиксели» краски, это же, впрочем, и добавляет картинам жизни, как будто лёгкий ветерок заставляет дрожать траву и листья деревьев вокруг смотрящего. Может показаться, что кто-то разобрал абсурдистские брызги Поллока и, собрав их, как кубик Рубика, получил эффект, которого чуть позже и в несколько ином решении добьётся Клее, когда множество разрозненных на первый взгляд несущественных элементов и создают самое картину. Безусловно Климт далёк от абстракционизма и сюрреализма, но необычайная техника мастера заставляет искать столь же необычные сравнения. Некоторые полотна («Сад с распятием у коттеджа») по постимпрессионистскому накалу близки, например, Гогену, а иные («Две девушки с олеандром») даже к прерафаэлитам. Чувствуете масштаб

"Полдник" Леон Базиль Перро, 1880 Французский художник Леон Базиль Перро, творивший свои шедевры в конце 19 века в академической манере 18 столетия, был востребован и популярен в Европе и США, невзирая на стремительное развитие новых модных направлений в искусстве. Его полотна были постоянными экспонатами на престижной выставке Парижского Салона на протяжении 42 лет и до сих пор на аукционных торгах пользуются большим спросом. Удивительный мастер, работавший в академическом направлении, прославился портретами на тематику материнства и детства, хотя увлекался художник батальными и религиозными темами, декоративными росписями.

Яркие солнечные работы Лорана Парселье Его удивительный мир света, цвета, легкости и яркости. Невероятная атмосфера красоты природы и гармонии архитектуры, нежности цветов и прозрачности воздуха. ⠀ Такое ощущение, что картины написаны не масляными мазками, а сотканы из тысячи солнечных зайчиков. мастерство

Сюрреализм в живописи появился в 1920-х годах во Франции, а затем стремительно распространился по всему миру. Изначально движение зародилось в литературе, но почти сразу же перекочевало в художественную сферу. Вслед за популярным в то время психоанализом сюрреалисты пытались показать, что творческая энергия находится в бессознательном, проявляясь в состояниях сна, гипноза, болезненного бреда и в автоматических неконтролируемых действиях. В своих работах они совмещали привычные глазу повседневные образы с аллюзиями и парадоксами из сновидений. Вдохновленные идеями левой идеологии, последователи течения призывали к освобождению от навязанной рациональности с помощью искусства и выступали за то, что наше восприятие крайне иллюзорно из-за искажений, вызываемых бессознательными процессами. Работы сюрреалистов стремятся передать посыл: зачастую мы видим совсем не то, что нам кажется. Светильник философа - Рене Магритт

Модернизм (от франц. moderne - новый, новейший, современный) – художественное направление, объединяющее множество течений, основанных на противостоянии классическому искусству и возникшие в ХХ веке. Для всех них характерны глубокая индивидуальность, внутренняя свобода, вызов устоявшимся канонам. К ранним течениям модернизма относятся импрессионизм и постимпрессионизм. Позже получили развитие такие направления модернизма, как фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, дадаизм и сюрреализм. Более поздними считаются кинетическое искусство и оп-арт (оптическое искусство).

Внимание, мы наконец доделали, пожалуй, пока что самый трудоемкий выпуск! Про сюрреализм (почти) без Сальвадора Дали - настоящий, махровый, сумасшедший сюрреализм родом из Франции, тот, который был придуман чтоб перевернуть мир и освободить человечество. Мрачный, обращающийся к подсознанию, из переулков морфия и алкоголя, вбирающий в себя прошлое и будущее, вечный! Скорее смотрите, делитесь и приходите обсуждать! https://youtu.be/3V3CvteD-io https://youtu.be/3V3CvteD-io

Удивительный мир детства. Картины Нино Чакветадзе Нино Чакветадзе - это автор многочисленных полотен о детстве. Ее творчество глубоко личное. Детство на полотнах Нино Чакветадзе не выглядит привычным образом. Не фон­та­ни­рует яркими крас­ками и не рас­цве­чено сол­неч­ным светом. В нём нет без­об­лач­ного сча­стья, но содер­жится нечто боль­шее, Оно у Нино – как подснежники, зажатые в руке у мальчугана и припрятанные за спиной у дверей чьего-то подъезда. Это не просто подарок – это затаённое чудо. Вот, сейчас выбежит на встречу друг – и будет всем радость. (картина «Подснежники в ладошке»). Детство у неё – это и непростое время роста души, болезненного взросления. А ещё – время предельного одиночества. Ребёнок на картинах Нино часто совсем один. Есть ещё птицы и ангелы. Но нет друга, нет взрослого рядом, способного разделить с ним горести и радости. Может, поэтому дети и ангелы глубоко не безучастны друг к другу. Тем и другим хочется сердечного тепла, и они обретают его в молчаливом общении.

"Слон Целебеса" Макс Эрнст, 1921 > Лондон, Тейт «Слон Целебеса» – первое масштабное произведение Макса Эрнста, ставшее одним из ключевых для сюрреализма. Созданная после Первой мировой войны работа стремится выразить весь ужас милитаризма. Эрнст рассказывал, что композиция картины пришла ему в голову, когда он увидел в антропологическом журнале фотографию большой корзины для зерна, используемой племенами в Южном Судане. Это объясняет и ритуальные столбы, изображённые на картине. Возможно, художник хотел сказать, что божества, перед которыми благоговели и которым поклонялись люди на заре человечества, никуда не ушли, а лишь переродились в другие, милитаристско-технические, формы. Механический слон, вызывающий в памяти образы танка, противогаза, печи, кажется огромным по сравнению со светлой женской фигурой на первом плане, которая словно зовёт его за собой неестественно повёрнутой рукой. У женщины нет головы – означает ли это, что творение может погубить своего же творца?

​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы в марте 2021 года принесли несколько неожиданных сюрпризов. Вновь заявил о себе криптовалютный рынок. На этот раз один из его игроков за внушительную сумму купил целиком самое большое в мире полотно, которое автор планировал продать частями. «Воин» Жана-Мишеля Баскии стал самым дорогим произведением западного искусства, проданным в Азии. А антипандемическое заявление Бэнкси установило рекорд для его работ. Осенью прошлого года британский художник Саша Жафри попал в книгу рекордов Гиннеса как создатель самой большой в мире картины под названием «Путешествие человечества». Теперь она продана на аукционе за не менее внушительную сумму в 62 миллиона долларов. Такой результат поставил Жафри на четвёртое место в списке самых дорогих из ныне живущих мастеров — после Джеффа Кунса, Дэвида Хокни и цифрового художника Бипла. Покупателем стал французский крипто-бизнесмен Андре Абдун. Выручка от продажи картины пойдёт на благотворительность. Произведение занимает площадь в 1580 квадратных метров, что приблизительно соответствует двум теннисным кортам. Жафри создавал его в течение восьми месяцев, когда застрял на карантине в пятизвёздочном отеле Atlantis The Palm в Дубае. Холсты он размещал на полу танцевального зала гостиницы. Картина навеяна детскими рисунками — художник просил детей со всего мира нарисовать их впечатления во время пандемии. 44-летний Жафри получил работы более чем из 140 стран. Первоначально он планировал разделить картину на 70 частей и продать на четырёх аукционах. Но теперь, благодаря Андре Абдуну, для неё будет построен музей и открыт благотворительный фонд. Картина «Воин», которую Жан-Мишель Баския написал в 1982 году, установила новый рекорд среди произведений западного искусства, проданных в Азии. Она ушла на аукционе Christie’s в Гонконге за 41,8 миллиона долларов США. Предыдущим рекордсменом была абстракция немецкого художника Герхарда Рихтера. В октябре прошлого года на Sotheby’s за неё выложили 27,7 миллиона долларов. Продажа картины Баскии стала аукционом одного лота перед лондонско-гонконгским марафоном произведений XX века, сюрреализма и современного искусства. Фокусом торгов стала работа Бэнкси «Тот, кто меняет игру» (2020), которую продавали в пользу сотрудников и пациентов университетской больницы Саутгемптона. Художник даже получил особое разрешение от Красного Креста на использование культового знака организации в своей работе — подобные просьбы удовлетворяются редко. Предварительная оценка картины кол...ась от 2,5 до 3,5 миллионов фунтов стерлингов, и когда ставки достигли 5-ти миллионов, торги несколько замедлились. Однако они вновь оживились, когда в битве остались двое участников. Они шли нос к носу с шагом в 200 тысяч фунтов стерлингов, и в конце концов победитель предложил 14,8 миллиона. С учётом премии окончательная цена составила 16,8 миллиона фунтов стерлингов или 23,2 миллиона долларов США. Это не только впечатляющий вклад в благое дело, но и новый аукционный рекорд для Бэнкси. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/25ffc61083c73277f5828.jpg

Сидящий обнаженный мужчина (автопортрет) 1910 Эгон Шиле Музей Леопольда, Вена Невозможно уйти от традиционной живописи дальше, чем Шиле с его автопортретами. Его работы и сегодня, спустя столетие, шокируют и потрясают. В 1910 году ему было всего лишь 20 лет, но к этому времени он выставлял работы уже в течение двух лет. В «Автопортрете в виде сидящего обнаженного» художник раздет, его тело - странное, нездорово бледное на белом фоне. Как будто он существует в пустоте, неспособный соединиться ни с чем вне себя. Удивительный симбиоз нового взгляда сквозь калейдоскоп Микеланджело и Родена — youtube.com/watch

"Над городом" 1918 г. Марк Захарович Шагал Государственная Третьяковская галерея. «Над городом» - одна из самых знаменитых картин Марка Шагала. На ней художник изобразил всё, что у него было важного в жизни на тот момент: самого себя, любимую жену Беллу и Витебск. Отбросив земное притяжение, счастливые влюбленные летят над городом, обнявшись. Под ними расчерченный и опоясанный бесконечными заборами Витбеск – в этом же году Шагал в недолгий период очарования новой властью устроит на этих заборах уникальное граффити, разрисовав их к годовщине Октябрьской революции. Люди часто летают на картинах Шагала. Особенно ему нравилось отправлять в полет влюбленных. В таких случаях мы видим буквальное воплощение метафоры «летать от счастья». В книге воспоминаний Беллы Шагал «Горящие огни» есть описание того, как Марк Шагал отправляет их двоих в полет: «Ты бросаешься к полотну, дрожащему под твоей рукой. Обмакиваешь кисти. Хлещет красный, синий, белый, черный. Втягиваешь меня в водоворот красок. И внезапно ты отрываешься от земли и тянешь меня за собой». Однако летают у Шагала не только от счастья. Полет на его картинах – это даже не преодоление земного притяжения, а простое и естественное состояние человека. Идет ли речь о счастливых влюбленных, цирковых акробатах, обнаженной женщине или еврее, пролетающем над Витебском. Такова особенность картин Шагала – в них безудержен полет фантазии, но при этом фантастическое абсолютно реально и достоверно. Особый эффект картины «Над городом» создается трогательным сочетанием бытовых моментов и выхода за пределы быта. Пикантная деталь – присмотритесь к нижнему левому углу. Что происходит под витебским забором? Совершенно верно, кто-то, стянув штаны, справляет нужду. Вот так сюрприз, одна из самых романтичных картин Шагала! В том и романтизм его, в том и прелесть, что всё – едино. И полет, и голый зад, и изящный наряд Беллы, которая ведь тоже представлена отнюдь не как абстрактная идея прекрасной возвышенной дамы. Если фигура самого художника кубизирована, то Белла написала мягкими округлыми линиями. Она более чем реальна – кружевные оборки на платье, в подробностях тщательно прорисованные туфельки… Впоследствии искусствоведы не раз удивятся тому, как можно было создать бесконечную симфонию любви, посвятив ее реальной женщине, с которой живешь рядом многие годы. Вероятно, для этого нужен тот особый взгляд, позволяющий видеть в любимой одновременно и в деталях кружевную оборку платья и полет ее души. МаркШагал Сюрреализм _history

"Великий архитектор" Уильям Блейк, 1827 > Манчестер, Уитворт Картина относится к жанру сюрреализма. Блейк являлся сторонником теории креационизма и в данной работе выражает спектр своих религиозных чувств. Сначала это полотно художника, как и многие другие, было забыто. А сейчас же её анализируют и пытаются разгадать. Главным героем является Бог, который изображен в момент творения. Он не устанавливает порядок, а ограничивает свободу и пределы воображения. Религия, вера, законы и порядок – всегда присутствовали в творчестве Блейка, они являлись предметом его размышлений. В буквальном переводе картина называется «Ветхий днями» – так обозначали имя бога в различных мировых религиях. Больше всего черт в этой картине от ветхозаветного Яхве. Ветхий днями означает бессмертный. В мире христиан это имя часто ассоциируется с Богом-отцом, но иногда этим именем обозначали Бога-сына.

Урожай 1943 Рене Магритт Холст, масло. 59,7 × 80 см Музей Магритта, Брюссель Его причисляют к представителям сюрреализма и прежде всего он известен как автор остроумно-иронических и вместе с тем философских, а также поэтически-загадочных картин. С наступлением Второй мировой войны и оккупации Бельгии он отказывается от сделавшей его знаменитым представителем авангарда манеры и начинает работать в новой — яркой, прихотливой и жизнерадостной. После ряда поражений германских войск он проникся убеждённостью в неизбежности победы над фашизмом и правильности выбора своей оптимистичной стилистики, проникнутой влиянием импрессионизма. Находясь под впечатлением от работ позднего периода Огюста Ренуара и, в частности, его «Купальщиц», Магритт создаёт своё полотно «Урожай», одно из наиболее известных работ в стиле «периода Ренуара». В этом направлении Магрит создал более 70 картин. Но такая живопись плохо продавалась. Из-за этого он вновь вернулся к своей более традиционной.

Искусство многолико. Heather Hansen – удивительный художник из Нового Орлеана, которая не просто рисует картины, а делает это всем телом, в танце, зажав по бруску древесного угля в каждой руке. Хезер чаще создает картины в студии, но время от времени делает показательные выступления, где творит свои шедевры. Толпы поклонников собираются вокруг, чтобы посмотреть, как художница извивается по белому полотну в порыве вдохновения. Несмотря на то, что Хезер работает в одной единственной технике, картины получаются каждый раз разные, поражая окружающих своей лаконичностью и симметричностью. Рисовать в такой манере Heather Hansen начала случайно. Она одинаково любила графику и танцы, поэтому всегда старалась уделить обоим увлечениям равное количество времени. Постепенно художница приспособилась танцевать во время рисования, а потом и вовсе объединила эти 2 направления искусства, создав свою собственную разновидность творчества.

Темная фигура 1938 год Федерико Кастельон «Whitney», Нью-Йорк Кастельон родился в Алхабии, Испания, учился в Мадриде и Париже, а поселился в Бруклине в Нью-Йорке. Был гравером-сюрреалистом, иллюстратором, художником и скульптором. По сути, художник-самоучка. Посещал посетил музеи Нью-Йорка поэтому на него повлияли и старые мастера и современные художники того времени включая Пабло Пикассо, Сальвадора Дали и Жоржа Руо. Примерно в это же время Кастельон познакомился с Диего Риверой, который рисовал фрески для Рокфеллер-центра. Он разглядел в нём талант и впоследствии устроил восемнадцатилетнему Кастельону его первую персональную выставку. Работы художника, действительно, ценны тем, что это первые образцы сюрреализма, созданные американцем.

Дом и студия архитектора Рикардо Бофилла. В 1973 году испанский архитектор Рикардо Бофилл наткнулся на цементный завод в Каталонии, который представлял собой огромный комплекс зданий, под которыми также располагается почти 4 километра подземных туннелей! Бофилл решил выкупить весь комплекс эпохи Первой мировой войны вместе с его территорией и переделать его так, чтобы здесь можно было жить и работать. Архитектор отталкивался от промышленной формы, объединив в своем проекте элементы сюрреализма, абстракции и брутализма. На преобразование завода Бофиллу потребовалось 1,5 года, тогда же мастера восстановили сад и благоустроили всю территорию комплекса. Сейчас здесь располагается мастерская архитектора, архивные комнаты, резиденция для приема гостей и студия, а также рабочее пространство фирмы Бофилла, которое занимает 4 этажа одного из зданий. Проект находится в постоянном развитии. «У меня создается впечатление, что я живу в замкнутой вселенной, которая защищает меня от внешнего мира и повседневной жизни».

Сон 1910 Анри Руссо Стиль "Наивное искусство" (Примитивизм) Нью-Йоркский музей современного искусства «Сон» - последняя картина Анри Руссо, написанная за несколько месяцев до внезапной смерти художника. Как объяснял сам Руссо, на полотне изображен сон, который видит лежащая девушка. Обнаженная на диване – излюбленный и даже традиционный сюжет салонной живописи - на этой картине оказывается посреди джунглей.Тут, задолго до опытов сюрреализма, смешиваются сон и явь, демонстрируя реальность воображаемого. Руссо, никогда не покидавший Францию, удивительно ярко и сочно изображает тропическую растительность. И хотя его травы и цветы не имеют соответствий в атласах растений и являются плодом богатого воображения художника, они выписаны с предельной тщательностью. Так и не освоив законы перспективы, Руссо добивался реалистичного объема своих джунглей за счет цветовых нюансов – например, только для изображения листвы он использовал больше 20-ти оттенков зелёного.

Яркие солнечные работы Лорана Парселье Его удивительный мир света, цвета, легкости и яркости. Невероятная атмосфера красоты природы и гармонии архитектуры, нежности цветов и прозрачности воздуха. ⠀ Такое ощущение, что картины написаны не масляными мазками, а сотканы из тысячи солнечных зайчиков. мастерство

Вообще, Яцек Йерка (настоящая фамилия Ковальский) — польский художник-иллюстратор. Его стиль — реалистичный сюрреализм и фэнтези. Работы Яцека Йерки впечатляют богатой палитрой, множеством мелких деталей, фантазией, что говорит о необычайном таланте художника. Первая книга с иллюстрациями Яцека Йерки “Mind Fields” вышла в 1994 году. Американский писатель фантаст Харлан Эллисон был настолько впечатлен работами Йерки, что специально написал 13 новых коротких историй для “Mind Fields”. Каждая история относится к одной из тридцати вошедших в “Mind Fields” картин Яцека Йерки. Сегодня его четырёхсторонние картины, которые можно вешать любой стороной. У этих картин нет обычного положения. Выбирайте любое.

Утро в горах 1822—1823 Каспар Давид Фридрих Эрмитаж, Питер Отличительная особенность картины в том, что пейзаж с видом на горы, сделан со значительной высоты. Немецкий художник, один из крупнейших представителей романтического направления в живописи Германии. Скончался в бедности в Дрездене, практически забытый в художественных кругах и оставленный даже своими учениками. Его творчество вновь было открыто в 1890-е годы. На определённый период забытое искусство Фридриха вновь привлекло внимание в XX веке, начиная с эпохи сюрреализма. Франческо Арканджелли находил общие позиции в планировке картин немецкого художника и Пита Мондриана. Оставил афоризмы и наблюдения об искусстве, подчёркивающие необходимость сочетания верности натуре («душе природы») с внутренней духовной интуицией, которую считал «божественным глаголом» в сердце.

Игорь Майков (1966) «Удивительный Ирис» 2019 холст, масло. 100х50 см игорь_майков

“Танцовщицы”. Натали Сегуин (Nathalie Seguin)- талантливый, французский скульптор, которая создала свой удивительный мир динамичных образов, застывших в бронзе. Родилась в 1964 году в Анже, что на западе Франции. Дочь художника, воспитанная в творческой среде, рано приобщилась к искусству. Особенно хорошо ей удавалась работа с шелком, деревом, камнем и другими природными материалами. На протяжении своей творческой карьеры Натали Сегуин удостаивалась многочисленных международных наград, призов, медалей и премий. Ее работы известны в широких кругах ценителей этого вида искусства.

Фрида. Кало — фамилия отца, Кальдерон — фамилия матери, Ривера — фамилия мужа. Фри́да Ка́ло де Риве́ра или Магдале́на Ка́рмен Фри́да Ка́ло Кальдеро́н (1907 — 1954) — мексиканская художница, наиболее известная автопортретами. Мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки оказали заметное влияние на её творчество. Художественный стиль Фриды Кало иногда характеризуют как наивное искусство или фолк-арт. Основоположник сюрреализма Андре Бретон причислял её к сюрреалистам.

"Пламя" 1943 г. Рене Магритт Музей Магритта, Брюссель. «Пламя» – картина, написанная Магриттом в 1943 году во время немецкой оккупации Бельгии. В отличие от многих коллег-сюрреалистов, отправившихся пережидать смутные времена за океан (как Дали с Галой – в Америку), он предпочел остаться на родине. В военные годы художник несколько отошел от своего фирменного стиля: он считал, что его искусство должно приободрять людей в трудные времена и внушать если не радость, то хотя бы оптимизм. Он сознательно обратился к более яркой палитре и даже вдохновлялся импрессионистскими наработками. Несмотря на благие намерения, от этих его работ нередко сквозило скорее тревогой, нежели беззаботностью и негой. Магритт называл работы этого периода «солнечным сюрреализмом», однако критики были не в восторге от такого поворота в его творчестве. «Пламя» - показательный пример в этом отношении: на картине есть и узнаваемые магриттовские деревья в форме листьев, и нехарактерный для него вырвиглазный фон, больше напоминающий о наследии Ренуара. Хотя на этой работе бодрые импрессионистские мазки вовсе не выглядят жизнеутверждающими – напротив, создается впечатление, что этот сюрреалистический лес полыхает в огне. Название картины подсказывает, что эффект неслучаен: видимо, несмотря на все усилия художника противостоять мрачным настроениям военного времени, реальность все же вносила коррективы и в его мировосприятие и творческие порывы. Даже листья-деревца, обычно такие хрупкие и ажурные на картинах Магритта, выглядят кусками плоти, испещренными вспухшими от крови венами. Впервые художник пришел к такой форме дерева в 1935 году и с тех пор неоднократно использовал ее в разных цветовых вариациях, а иногда и вовсе оставив лишь ажурный каркас, как на картине «Потерянный жокей». Магритт не сразу пришел к этой лаконичной форме. Он делился деталями своего поиска в письме Андре Бретону от июля 1934 года: «В данный момент я пытаюсь обнаружить, что именно в дереве принадлежит ему, но будет противоречить нашему представлению о дереве». Там же он писал о своем решении проблемы: «Дерево превратилось в большой лист, стебель которого стал стволом, посаженным прямо в землю». Жак Мёрис в книге «Рене Магритт» так отзывался об обращении художника с природными объектами: «Природа, как ее видел Магритт, была элементом с теми же характеристиками, как и те, которыми он наделял каждый предмет, каждую вещь. В его творчестве не было ни «натуралистских» тенденций, ни экологического порыва, ни даже поэтического преобразования природы. Тем не менее деревья и листья, поодиночке или группами, одетые или голые, иногда порченные насекомыми, могут быть рассмотрены как «индивидуумы», наделенные разнообразными чувствами, одаренные чарами в разных смыслах этого слова». РенеМагритт Пейзаж Сюрреализм _history

Анри Матисс …и его страсти ещенепознер Ещё один художник, который изменил наш мир навсегда. Страстный, сложный, умный и одновременно — предельно ясный. Его «Танец» — вторая по популярности (тираж изображения) картина в мире. Первая — «Мона Лиза». Нашим проводником в удивительный мир художника-философа стала историк искусства Наталья Юрьевна Семёнова, автор книг о Щукине, Морозове, Остроухове. Она же — автор недавно вышедшей книги «Проданные сокровища России». И она же перевела на русский язык книгу «Анри Матисс» Хилари Сперлинг в серии «ЖЗЛ». Приятного просмотра. https://www.youtube.com/watch?v=S4aWRYrSBso

"Великая война" 1964 г. Рене Магритт «Великая война» - одна из работ цикла, посвященного скрытому и видимому, как и знаменитые «Сын человеческий» и «Человек в котелке», созданные в том же 1964 году. Эти сюрреалистические работы Магритта предлагают зрителю множество трактовок, основанных как на содержании работ, так и на их названиях, играющих роль своеобразных ключей для расшифровки загадок художника. На картине мы видим состоятельную даму, одетую в изящное белое платье, стоящую перед кирпичной стеной на фоне океана. Используя прием, часто встречающийся в его работах, Магритт помещает меньший объект перед большим, маскируя часть объекта на заднем плане. В этой работе Магритт помещает букет сирени перед лицом женщины, скрывая ее личность от зрителя, заставляя, тем самым, задаться вопросом – не являются ли ее дорогая одежда, изысканная сумочка, украшенная бисером и вышивкой, шляпа с перьями, вычурный парасоль более значимыми, чем ее лицо? Искусствовед Патрик Вальдберг, близкий к сюрреалистам, приводит такие слова Магритта: «Интересное в этих картинах – это внезапно ворвавшееся в наше сознание присутствие открытого видимого и скрытого видимого, которые в природе никогда друг от друга не отделяются. Видимое всегда прячет за собой еще одно видимое. Мои картины просто выявляют такое положение вещей непосредственным и неожиданным образом. Между тем, что мир предлагает нам как видимое, и тем, что это данное видимое под собой прячет, разыгрывается некое действие. Это действие – зримо, и оно – как борьба, и потому название «Великая война» воспроизводит его содержание с достаточной точностью». Хотя картина, изображающая женщину, является именее известной, чем связанная с ней работа «Сын человеческий», ее трактовки так же разнообразны. Название «Великая война», очевидно, отсылает к кровопролитным событиям XX века: скрывая лицо женщины прекрасным букетом, художник словно намекает, что лицо войны может быть куда более чудовищно, чем ее одеяние, сотканное из обещаний и обманчивых надежд, а сама война – обезличенное насилие, разрушающее привычный уклад жизни и человеческие судьбы. Важную роль в понимании этой работы играет и наряд женщины: когда солдат умирал на фронте, помолвленный с девушкой, она оставалась, по сути, вечной невестой, вдовой в белом. Букет фиалок - символ невинности и нежности, словно букет невесты, - усиливает это впечатление. Скрывая лицо, этот букет словно прячет скорбь и траур от посторонних глаз, оставляя лишь символичное напоминание о том, чего может лишить война. Мы ничего не знаем ни об этой женщине, ни о мужчине, которому она была обещана – только о том, что произошло с ними. Само название цветов фиалки (viollette – фр.) ассоциативно намекает на насилие (viol, violence – фр.), которым является война и которое, видимо, навсегда разлучило возлюбленных. Магритт написал эту работу за три года до смерти, будучи уже немолодым мужчиной, пережившим ужасы двух мировых войн. Возможно, художник выразил свою скорбь об этих событиях метафорически изобразив невесту с уже ненужным свадебным букетом, обреченную оставаться в белом свадебном платье, одной на пирсе, идущем вдоль пустынного моря. РенеМагритт АллегорическаяСцена Сюрреализм _history

Картина «Постоянство памяти» вдохновлена сыром Камамбер. Одна из самых известных работ художника Сальвадора Дали, я написанная в 1931 году в жанре сюрреализма. Так художник сам рассказывает о своей картине: «Решив написать часы, я сделал их мягкими. Однажды вечером у меня была мигрень, я остался дома. Я поел сыр и думал о том, как он мягок. Дошёл до мастерской взглянуть на работу, мне не хватало детали на моем пейзаже. Мне в голову пришла идея сделать часы мягкими. Несмотря на мигрень я начал писать и через 2 часа закончил картину, которая должна была стать одной из самых знаменитых».

"Градива" 1931 г. Сальвадор Дали Частная коллекция. Композиция «Градива», написанная в 1931 году, объединяет уникальное художественное видение Дали с технической виртуозностью, характерной для его ранних сюрреалистических произведений. Эта полуобнажённая женщина, выписанная в мельчайших подробностях, воплощает мифологическую Градиву – персонаж одноимённого романа Вильгельма Йенсена, изданного в 1902 году. Герой книги, молодой археолог, одержим женской фигурой с древнеримского барельефа до такой степени, что влюбляется в неё и воображает в реальности. Этот сюжет впоследствии использовал Зигмунд Фрейд в анализе идеализации красоты и представлений о спроецированной и настоящей любви. Дали же ассоциировал Градиву со своей женой Галой. Они познакомились в 1929 году в Кадакесе, куда Гала и её прежний муж Поль Элюар приехали в гости к художнику. Вскоре она стала центром личной и художественной жизни Дали. Эту работу купила непосредственно у художника аргентинская графиня де Куэвас де Вера вместе с полотном «Дом для эротомана» (1932). Урождённая Мария де лас Мерседес Адела Атуча и Лавайол вышла замуж за графа де Куэваса де Веру, однако все называли её прозвищем Тота. Она родилась в высокообразованной дворянской семье и провела всю жизнь между Буэнос-Айресом и Европой, особенно Францией, где дружила с Дали, Пабло Пикассо, Альберто Джакометти, Максом Эрнстом, Ле Корбюзье, Маном Рэем, писателем Жаном Кокто, кинорежиссёром Луисом Бунюэлем и многими другими знаменитостями, творившими в Париже в 1920-х и 1930-х годах. Резиденцию её родителей в Аргентине проектировал знаменитый французский архитектор Рене Сержан, построивший отели Savoy и Claridge's в Лондоне. Тот факт, что родители Тоты поручили ему возведение своего семейного дома, говорит об их интересе к авангарду и модернизму. До 2018 года картины хранились в семье потомков Тоты де Куэвас де Веры, пока не была продана на аукционе Sotheby's за 2,7 млн фунтов стерлингов (3,7 млн долларов США). СальвадорДали Сюрреализм _history https://t.me/pic_history/5542

"Воин" 1982 г. Сальвадор Дали «Воин» (или «Голова воина») стал одним из последних произведений Сальвадора Дали. Написан он по скульптурному портрету Лоренцо Ди Медичи, который выполнил Микеланджело. Лицо крупным планом занимает практически всё пространство полотна. Голова в каске, рот прикрыт согнутыми пальцами, из глазниц на зрителя смотрит это же лицо, уменьшенное и отражённое дважды (художник потратил много времени, воспроизводя его). Надбровные дуги подпираются копьями, а одну из ноздрей поддерживает костыль. У воина бессмысленный взгляд сумасшедшего. Левая часть полотна представляет собой нагромождение мелких деталей. Из шлема растёт дерево, чья крона теряется в плотном клубящемся облаке. С основания побега свисают мягкие часы. Рядом с головой изображена группа кипарисов, а отдельно стоящее дерево на фоне напоминает свечу. Всё это – и деревья, и часы – символы течения времени. Персонаж картины не ощущает его. Ни каска, ни копья, ни костыль не имеют значения. Воин остаётся жнецом смерти независимо от возраста. Возможно, это солдат, обезумевший от бесконечной череды убийств, смертей и ужасов, которые он видел в бойне, называемой войной. Римский легионер или викинг, крестоносец, кирасир, гусар, рядовой пехотинец или военачальник, слепо стремящийся к победе любой ценой – его лицо это собирательный образ. Кажется, что персонаж картины просто перешагнул тонкую грань, разделяющую безумие и здравый смысл. Ведь, несмотря на то, что в зрачках мы видим отражение человека, они всё же напоминают глубокие тёмные колодцы человеческого сознания, где скрыты жестокость, жажда величия и ненависть. И не превратятся ли эти глаза в бойницы неприступной крепости, откуда нацелены безжалостные руки, готовые в любой момент поразить врага из лука или арбалета, вылить на него кипящую смолу? Время идёт своим чередом, а люди по-прежнему уничтожают друг друга. Время смерти – субъективное время, которое отсчитывают «мягкие» часы Дали – может наступить в любой момент. Воин носит его с собой. СальвадорДали Портрет Сюрреализм _history

Первые сюрреалистические картины Дали напишет в 1928 году, спустя два года. А сейчас, в 1926, он как раз заканчивает Художественную академию в Мадриде (на выпускной экзамен он сначала не явится, а потом явится, но откажется сдавать). Дали 22 года, он еще студент, но его первая выставка уже принесла обнадеживающие отзывы критиков и первые деньги. Его картинами восхищаются друзья, в него верит отец, да не просто верит, а решает подарить сыну в честь первого успеха поездку в Париж. Отправляясь в столицу художественной жизни, в эпицентр всего грандиозного, что сейчас происходит в искусстве, Дали берет с собой «Женщину у окна в Фигерасе», чтобы показать Пикассо. В мастерскую знаменитого испанца он отправится прежде, чем доберется до Лувра. Пикассо для него в это время (да и долгое время после) – главный художник, беспрекословный гений, «лучший поэт» современности и ориентир. Дали экспериментирует с кубизмом и пуризмом несколько лет, тренируется разбирать изображение на части (этот опыт визуального конструктора перерастет для него потом в собственный художественный метод двойственных изображений). Но кроме мастерской Пикассо юный каталонец посещает несколько музеев и важных мест на художественной карте – и среди них дом Милле в Барбизоне и музей в Бельгии ради картин Вермеера. Эти двое – Милле и Вермеер – виновники и спонсоры самых значительных детских эстетических впечатлений Сальвадора. «Анджелюс» Милле в школьном коридоре заставлял девятилетнего Дали испытывать сильнейшее наслаждение и сильнейшую тревогу, одержимость скрытыми в этом полотне загадками будет сопровождать художника всю жизнь. Репродукция «Кружевницы» Вермеера висела в кабинете отца Дали – и волновала воображение Сальвадора не меньше. Главный инструмент кружевницы, центр композиции, точка наибольшего внимания, которой на самом деле нет – невидимая игла. И, конечно, «Женщина у окна в Фигерасе» - попытка разгадать эту детскую тайну, попытка зайти с другой стороны и отыскать невидимую иглу. Женщина на его картине плетет кружева при помощи тех же инструментов, что и кружевница Вермеера 250 лет назад – те же деревянные коклюшки. Только чтобы кружево получилось, необходимы булавки – ими утыкана подушечка под руками вермееровской мастерицы. А вот женщина Дали обходится без них – ее кружево сплетается без единой иглы. Довести загадку до абсурда, ответить на несуществующее, усугубив это несуществующее. Посмотреть в упор на то, чего нет, и тщательно это задокументировать. Очень в духе будущего сюрреалиста Дали. СальвадорДали Сюрреализм _history https://t.me/pic_history/2221

"Удивительный сад" 1903 г. Юзеф Мехоффер Национальный музей, Варшава. «Удивительный сад» Мехоффера словно сочится солнечным светом. Игра света и тени, сияние на практически золотом теле малыша, которое словно само излучает свет, переливы цветов, глубокая синева маминого платья, ветки мальвы в руках ребенка и цветочные гирлянды, всполохи алого и белого в костюме няни – эта картина о солнце, свете и цвете. Художник начал работу над ней в 1902 году во время летнего семейного отдыха вблизи Кракова. Ребенка и его мать художник написал с любимой жены Ядвиги и сына. _history

«Никто не даст вам свободу. Вы должны ее взять» Мерет Оппенгейм наиболее известна своей работой «Объект» (1936): чайной чашкой, покрытой мехом газели (уже чувствую, как во рту застревают эти волоски ). В одночасье художница стала иконой сюрреализма и первопроходцем авангарда, но получившаяся слава практически уничтожила молодую мятежную душу Мерет. Ее творчество включает в себя картины, скульптуры, костюмы, дизайн и поэзию. Оппенгейм не любит повторяться, как ей пришла идея соединить фарфор и мех, поэтому я тоже оставлю это загадкой. А как вы считаете, художники должны объяснять смысл своих работ? Сейчас будет опрос! А пока — по кофейку? Художницы МеретОппенгейм

Шар-головоломка из слоновой кости, который находится в музее Rijksmuseum в Амстердаме. Это очень удивительный и красивый предмет, который демонстрирует высокое мастерство китайских резчиков по кости. Шар состоит из восьми вложенных сфер, каждая из которых имеет ажурный узор. Чтобы сделать такой шар, резчик должен был высверлить отверстия в центре куска слоновой кости и затем разделить внутренние сферы с помощью специальных инструментов. Это очень сложный и трудоемкий процесс, который мог занимать несколько месяцев или даже лет. Шар-головоломка является одним из самых изысканных примеров китайского искусства резьбы по кости, которое имеет более четырехтысячелетнюю историю. Шар называют головоломкой, потому что он представляет собой сложную конструкцию из нескольких вложенных шаров, которые можно вращать в разных направлениях. Это требует большого ума и ловкости, чтобы сделать такой шар и понять, как он работает. Кроме того, шар имеет много деталей и узоров, которые тоже являются загадкой для глаза.