Уильям Тёрнер (1775-1851) «Венеция: Догана и Сан-Джорджо Маджоре» 1834 холст...

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

Вильям Бугро (1825-1905) «Нимфы и сатир» 1873 холст, масло. 260х180 см Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, США вильям_бугро

Уильям Хогарт "До" (1731) Эта повествовательная картина описывает момент соблазнения. Молодой человек в красных бриджах тащит девушку в кровать. Изо всех сил она пытается оттолкнуть его, волоча за собой туалетный столик с падающим зеркалом. Как ни странно, в открытом ящике стола обнаруживается книга «Практика благочестия», книга об ухаживании и любовное письмо. Внизу лает маленькая собачка, встревоженная суматохой.

Уильям Хогарт "После" (1731) В этой посткоитальной картине мужчина задумчиво подтягивает портки, а женщина цепляется за него. Ее чепчик и юбки растрепаны. Уставшая от лая собака заснула на упавшем таки зеркале.

Картина «Безжалостная красавица». 1893 г. Автор Джон Уильям Уотерхаус. Картина посвящена героине одноимённой баллады Джона Китса. Иллюстрирует следующие строки: «И, вздыхая, меня увлекала в свой приют между сказочных скал, и там её скорбные очи поцелуями я закрывал».

Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.

Джон Уильям Уотерхаус "Срывайте розы поскорей" (1909) Уотерхаус цитирует в названии первые строки стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика, английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах.

​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69 млн NFT-мания: 11 марта на онлайн-аукционе Christie’s файл «Каждый день. Первые 5000 дней» в формате JPG, созданный цифровым художником Майком Винкельманном, известным как Beeple, был продан за 69,3 миллиона долларов. За час до завершения торгов было подано более 180 заявок. Цена стала новым максимумом для произведения искусства, которые существуют лишь в цифровом виде. Она превзошла аукционные рекорды «физических» картин таких мастеров, как Уильям Тёрнер, Жорж Сёра и Франсиско Гойя. Продажа коллажа Бипла длилась две недели и началась со ста долларов. Ещё за несколько секунд до окончания аукциона за работу давали менее 30-ти миллионов долларов. Но вал ставок, поступивших в последний момент, заставил организаторов продлить торги ещё на две минуты, и окончательная цена составила почти 70 миллионов. За коллаж сражались 33 участника торгов, а Бипл в результате вошёл в тройку самых дорогих из живущих художников после Джеффа Кунса и Дэвида Хокни. Работа «Каждый день. Первые 5000 дней», которую Christie’s объявил «уникальным произведением в истории цифрового искусства», представляет собой коллаж из всех изображений, которые Бипл размещает в Интернете ежедневно, начиная с 2007 года. Художник, который сотрудничал с Louis Vuitton и такими поп-звездами, как Джастин Бибер и Кэти Перри, создаёт дерзкие визуальные комментарии о жизни в XXI веке. Коллажированный JPG-файл Бипла был создан или «отчеканен» в виде «невзаимозаменяемого токена» (nonfungible token или NFT) в феврале. Безопасная сеть компьютерных систем, которая регистрирует продажу в «цифровом гроссбухе», известном как блокчейн, даёт покупателям доказательства подлинности и права собственности. Большинство из них платят криптовалютой эфириум (Ethereum). «Каждый день» был первым NFT, который продал Christie’s, и аукционный дом заявил, что принимает платежи в эфирах, что также стало первым случаем в 255-летней истории фирмы. Тодд Левин, советник по искусству из Нью-Йорка, видевший продажу «Спасителя Мира» Леонардо да Винчи за 450 миллионов долларов, сказал, что у него «смешанные эмоции» по поводу рекорда Бипла. «С одной стороны, очень интересно стать свидетелем исторической поворотной точки, — сказал эксперт. — С другой стороны, вовлечённые суммы могут исказить и повредить зарождающийся рынок». Christie’s провёл свой аукцион в момент, когда мир искусства попал под стремительный натиск спекулятивного рынка NFT. Стоимость произведений, отчеканенных во невзаимозаменяемых токенах, недавно резко выросла на таких специализированных сайтах, как Open Sea, Nifty Gateway, Super Rare и Makers Place и теперь не соответствует суммам на остальном арт-рынке. NFT также стал шансом для начинающих художников. На прошлой неделе анонимная группа «Сожжённый Бэнкси» продала уникальный NFT — цифровую копию принта Бэнкси «Идиоты» (2006). Продавцы заявили, что сожгли оригинальную работу стоимостью в десятки тысяч долларов в ходе «церемонии», которую транслировали на YouTube и Twitter. Всё, что осталось, — это сертифицированный блокчейном NFT «Идиотов». Этот токен ушёл за 382 тысяч долларов, что в три раза выше цены любого оригинала из ограниченного тиража «Идиотов» на аукционе. Победителем торгов стал пользователь с ником GALAXY, который немедленно выставил своё приобретение на продажу. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/866914a1d8e26f73fa2c9.jpg

Джон Уильям Годвард "Сладкое безделье" (1904)

Джон Уильям Уотерхаус (1849-1917) «Нарцисс и Эхо» 1903 холст, масло. 109х189 см Галерея искусств Уокера, Ливерпуль, Великобритания джон_уильям_уотерхаус

"Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога" 1844 г. Уильям Тёрнер Лондонская Национальная галерея. «Дождь, пар и скорость», картину, изображавшую мчащийся по мосту Мейденхед над Темзой поезд, очень любили импрессионисты. В каком-то смысле, именно из этого тумана, окружающего поезд, они и сами появились. Но, конечно, Тёрнер не мог знать, что противопоставление скорости нового и замедленности уходящего – это и противопоставление грядущего импрессионизма и исчерпавшей себя академической живописи. Клод Моне через несколько десятков лет создаст свою вокзальную серию. Англию в те годы охватила настоящая железнодорожная лихорадка. Тёрнер изобразил ее в своем ключе, без любования «железным конем». Не машину он написал, а скорость. Поезд – словно неутомимый яростный зверь - мчится вперед, за ним все скрыто в дымке. Кажется, поезд появляется из ниоткуда, взрезая пространство, несется прямо на нас, а после умчится в никуда. Сверкающая сфера на передней части паровоза – словно распахнутая пасть, это самый яркий элемент картины. «Перед нами ослепляющее видение или мимолетная реальность?» – спрашивает посетивший выставку обозреватель The Times. Мимолетная реальность? Вы тоже чувствуете, что скоро здесь будут импрессионисты? Лодка с людьми по левую сторону от поезда, призрачные фигуры танцующих девушек, застывший пахарь с плугом справа, силуэт зайца на рельсах, – всё это кажется элементами уходящего мира, уступающего место новому, скоростному. Но при этом, и лодки, и танцующие девушки, и пахарь с плугом, и влажный туман, в котором все они практически растворены – вне времени, они есть и будут даже после того, как промчится этот поезд. Им не угнаться за этой скоростью, но поезд уйдет, а они – останутся. Противопоставлением «новое – уходящее» картина близка к настроению знаменитого «Последнего рейса фрегата “Отважный”». Некоторые исследователи сопоставляют колористику этой картины с работами Рембрандта. «Он – мастер в изображении тонкой грани между утренней зарей и полднем, грани, которая обычно ускользает», – признавал заслуги голландца в виртуозном владении цветом и светом художник, посвятивший себя «богу-солнцу». УильямТёрнер Романтизм _history

​​NotLand / не-игра и совриск. NotLand — виртульная не-игра на стыке современного искусства и альтернативного геймдизайна. Проект был вдохновлен не-манифестом студии «Tale of tales», который предлагает создавать не-игры — без миссии и соревновательного элемента — как формат нового цифрового развлечения. Кураторы Ира Аксенова (FFTN gallery) и Катя Михатова (KZgallery) пригласили к участию 4х художников из Швейцарии и России для создания собственных территорий в общем виртуальном ландшафте. Строки из Уильяма Блейка, дыры в пространстве, послания к зрителю и котики, окружающие мурлыкающую клубнику, — всё это NotLand. ️Художники: Саша Зубрицкая, Аня Ротаенко, Тилль Лангшид, Юрген Бауманн ️Дизайн&разработка: Дима Роткин (KZgallery) ️Саунд-дизайн: Алексей Борисов ️Побродить (с компа!) во вселенной художников: https://notlandartproject.com/ https://telegra.ph/file/20e77b7952a4071ae6082.jpg

"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие. Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать. Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона: Как жизнь пуста! — она сказала. — Он не придет и впредь. А я устала, так устала, Уж лучше умереть! Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание. Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии. Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение. Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами. ДжонМилле _history

Уильям Тёрнер (1775-1851) «Mortlake Terrace» 1827 холст, масло. 92х122 см Национальная галерея искусства, Вашингтон, США уильям_тёрнер

"Великий архитектор" Уильям Блейк, 1827 > Манчестер, Уитворт Картина относится к жанру сюрреализма. Блейк являлся сторонником теории креационизма и в данной работе выражает спектр своих религиозных чувств. Сначала это полотно художника, как и многие другие, было забыто. А сейчас же её анализируют и пытаются разгадать. Главным героем является Бог, который изображен в момент творения. Он не устанавливает порядок, а ограничивает свободу и пределы воображения. Религия, вера, законы и порядок – всегда присутствовали в творчестве Блейка, они являлись предметом его размышлений. В буквальном переводе картина называется «Ветхий днями» – так обозначали имя бога в различных мировых религиях. Больше всего черт в этой картине от ветхозаветного Яхве. Ветхий днями означает бессмертный. В мире христиан это имя часто ассоциируется с Богом-отцом, но иногда этим именем обозначали Бога-сына.

Жимолость 1876 Вильям Моррис Этот тип абстрактного искусства называется: "Криволинейный абстракционизм". Он сильно связан с кельтским искусством, в котором используется ряд абстрактных мотивов, включая узлы, чересстрочные шаблоны и спирали (включая трискеле или трискелион). Мотивы не были изобретены кельтами, многие другие ранние культуры использовали эти орнаменты на протяжении веков. Тем не менее, справедливо сказать, что кельтские дизайнеры вдохнули новую жизнь в такие узоры, сделав их более замысловатыми и сложными. Позже они вернулись в 19-м веке и особенно проявились в книжных обложках, тканях, обоях и ситцевых рисунках, подобных работам Уильяма Морриса и Артура Макзмурдо. Криволинейная абстракция также характеризуется таким понятием, как «бесконечная картина» — широко распространена в исламском искусстве.

"Тарквиний и Лукреция" 1568–1571 гг. Тициан Вечеллио Музей Фицуильяма, Кембридж Популярные у художников сюжеты - Лукреция и Тарквиний, а затем и самоубийство Лукреции, римлянки, чье имя с древности было синонимом женского целомудрия. Конкретно эта картина была написана для Филиппа II Испанского в XVI веке. Древнеримский историк Тит Ливий рассказывает нам, как сын последнего царя Рима поразился и не смог стерпеть того, насколько честна и целомудренна была Лукреция, жена его сослуживца. Прокравшись к ней домой, он взял ее силой, тем самым обесчестив всю семью - в том числе и свою. Лукреция совершила самоубийство, что вызвало небывалые недовольство и печаль у народа, после чего Тарквиний Старший вместе с жестоким сыном и остальными членами семьи был изгнан из Рима. После этих событий римляне поняли, что больше не хотят иметь царскую власть в своем государстве и организовали ту самую республику - с сенатом, консулами и форумом. Данный пост любезно предоставлен автором канала про латынь и Древний Рим. Там вы можете найти больше интересных исторических фактов про быт римлян и их императоров, а также почитать этимологические разборы современных слов. Все просто, понятно и с юмором. Более того - скоро во всех книжных ожидается полноценная книга по истории Рима за авторством владельца канала.

"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. «Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах. На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов. Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту. Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел. ДжонУотерхаус _history

Уильям Тёрнер (1775-1851) «Замок Конвей, Северный Уэльс» 1798 бумага, акварель. 54х77 см Музей Гетти, Лос-Анджелес, США уильям_тёрнер

Джон Уильям Уотерхаус "Пандора" (1898)

"Вакх и Ариадна" 1745 г. Джованни Баттиста Тьеполо Национальная галерея искусства, Вашингтон. «Вакха и Ариадну» Джованни Баттиста Тьеполо создал, скорее всего, для украшения лестницы неизвестного венецианского дворца. На это указывает ныне утерянное письмо, которое художник написал некоему адресату в 1764 году, где владелец палаццо обозначен инициалами V. E. Картина, вероятно, была одной из четырёх работ (из них сохранились лишь три), каждая из которых символизировала некий природный элемент. «Вакх и Ариадна» представляют землю, «Триумф Амфитриты» (ныне находится в Галерее старых мастеров в Дрездене) – воду, а «Юнона и Луна» (Музей изящных искусств, Хьюстон) – воздух. Местонахождение четвертой картины, на которой, скорее всего, был изображён Вулкан, бог огня, и его жена Венера, неизвестно. Представление о том, как могло выглядеть это полотно, даёт нам эскиз полоточной росписи для Королевского дворца в Мадриде, хранящийся в Художественном музее Филадельфии. «Вакх и Ариадна» – иллюстрация эпизода древнего мифа, когда бог виноделия коронует смертную девушку, влюбившись в неё. Пара повстречалась на берегу острова Наксос, где Ариадну бросил возлюбленный – герой Тесей. Она стала женой Вакха, взошла на гору Олимп и обрела бессмертие. Художник изобразил бога едва сидящим на бочке и держащим сверкающий золотой венец, который позже станет созвездием Северная Корона. Внизу лежит один из двух ягуаров, везущих его колесницу. Сам олимпиец окружён гуляками с кувшинами вина и виноградными лозами, представляющими плодовитость земли, а пшеница в волосах Ариадны и тростник в её руке, символизируют землю. В 2014 году Национальная галерея в Вашингтоне начала реставрацию полотна, которая продолжалась четыре года. Исследование выявило на картине ранее неизвестные детали, утраченные после того, как в конце XVIII века её вывезли из дворца, для которого она была написана. В частности, композиция (как и две другие дошедшие до нас картины этого цикла) содержит архитектурные мотивы, связывавшие её с первоначальным местоположением. Это изображения каменных волют (спиралевидные завитки на одном из которых сидит путти) в верхней трети полотна и длинношеих существ, похожих на грифонов, в нижних углах. Согласно найденным записям, работы были изъяты со своих исходных мест в 1798 году. После этого архитектурные детали на них утратили смысл и были закрашены. Реставраторы сняли более поздний красочный слой, под которым обнаружились высокие вертикальные листья на левой и правой сторонах композиции. Инфракрасные снимки показали, что первоначально снопы были перевязаны золотыми лентами. Они, как и грифоны, вероятнее всего, были связующими фрагментами для всех четырёх картин серии. Сходные элементы были найдены при реставрации «Триумфа Амфитриты» несколько десятилетий назад. Полотно «Юнона и Луна» пока ещё не восстанавливалось, но инфракрасные и рентгеновские снимки показали, что на нём есть закрашенные грифоны. Украшение в виде золотой ленты есть на ещё одной работе Тьеполо, «Нашествие змей» (1732 – 1735) из Галереи Академии в Венеции. Она, а также архивные документальные изображения и другие произведения художника дали реставраторам понять, как выглядели недостающие элементы. Учёные также выявили, что во время работы Тьеполо вносил значительные изменения в композицию. Это свидетельствует о том, что «Вакх и Ариадна», вероятнее всего, были первой картиной серии. Рентген показал, что под грифоном и ягуаром в правом нижем углу скрываются изогнутые формы – возможно, с их помощью художник первоначально пытался включить произведение в окружающий интерьер. После того, как «Вакха и Ариадну» сняли с первоначального места, картина находилась в частных коллекциях в Италии и Вене. В конце 1920-х годов её купили промышленник Уильям Роберт Тимкен и его жена Лилиан. В 1960 году они передали полотно Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Обновлённое произведение вернулось в экспозицию 14 июня 2018 года. ДжованниТьеполо МифологическаяСцена Рококо _history

Томас Лоуренс "Красный мальчик" (1825) Семилетний мальчик на картине - Чарльз Уильям Лэмбтон, представитель влиятельной британской семьи. Его дед, Чарльз Грей, позже станет премьер-министром Великобритании, а отец - депутатом парламента. Отец заплатил художнику 600 гиней за написание этого портрета, что было огромной суммой денег, эквивалентной сегодня около $ 60 000. В начале этого года Национальная галерея приобрела работу за более чем $ 10 млн. Изначально художник "нарядил" мальчика в желтый цвет, однако герой сливался с коричневым фоном камня на заднем плане. В итоге победил багряно-красный оттенок, придавший лоск юному джентльмену. К сожалению, судьба мальчика сложилась трагически: он скончался от туберкулеза в возрасте 13 лет. "Красный мальчик" стала первой картиной, которую поместили на британские почтовые марки в 1967 году.

Кандавл, царь Лидии, украдкой показывает свою жену Гигу, одному из своих слуг, когда она ложится в кровать 1830 Уильям Этти Галерея Тейт, Лондон «Кандавл, царь Лидии, украдкой показывает свою жену Гигу, одному из своих слуг, когда она ложится в кровать» — картина английского художника Уильяма Этти, написанная в 1830 году. Основой сюжета картины послужила сцена из произведения Геродота «История», в которой Кандавл, царь Лидии, приглашает телохранителя Гига спрятаться в своей спальне и посмотреть, как его жена будет раздеваться, чтобы показать ему её красоту. Ниса уличает Гига и бросает ему вызов: убить себя или Кандавла. Гиг убивает царя и занимает его место. На картине показан тот момент, когда Ниса, не зная, что за ней наблюдает ещё кто-то, кроме её мужа, снимает с себя последние одежды. Этти надеялся, что зрители вынесут из сюжета его картины моральный урок, заключающийся в том, что женщины не являются имуществом, и что те, кто нарушает их права, будут справедливо наказаны.

Святая Евлалия 1885 Джон Уильям Уотерхаус Галерея Тейт, Лондон На картине мученическая смерть христианской святой Евлалии Меридской. Когда началось гонение на христиан в римсой империи при императоре Диоклетиане в 303 году, Евлалия, которой 12 лет, была отослана родителями в деревню. Евлалия бежала на суд к наместнику Дакийскому в Эмерите, объявила себя христианкой, оскорбила языческих богов и императора Максимиана и потребовала от властей мученичества. Евлалия сказала на суде: «Исида, Аполлон, Венера — ничто, и Максимиан — не больше их, все они — ничто, руками созданы, и вы ручным творениям поклоняетесь». Её приговорили к пытке крючками и факелами, а потом — к казни через сожжение. Она все время насмехалась над своими мучителями. Присутствующие видели, как душа мученицы покинула тело в виде белой голубки. Тело Евлалии обнажили и бросили без погребения. Внезапно пошёл снег, который покрыл тело мученицы и не растаял даже от пламени полыхавшего рядом костра.

"Лидия Эммет" 1892 г. Уильям Меррит Чейз Бруклинский музей, Бруклин. Для своего времени это один из самых дерзких женских портретов. До сих пор так писали только мужчин: уверенный поворот, выставленная вперед нога, энергичное и свободное положение руки. Ван Дейк, Веласкес, Рубенс, все написанные ими короли и принцы, со шпагами и плащами, званиями и титулами. За 20 лет до Чейза подобную дерзость позволял себе только Эдуар Мане, смягчая ее все же веером, сценическим костюмом с испанскими корнями и более нежным поворотом тела. В остальных же случаях дамам на портретах положено было левой рукой придерживать платье, теребить платок, укачивать младенца, сжимать зонтик или веер. Нежным полукругом изгибать ее в крайнем случае. Но художницу Лидию Эммет необходимо было написать именно так. В 1892 году Лидия Эммет (ей 26 лет!) принимала участие в росписи свежеотстроенного Женского здания на готовящейся Всемирной колумбовой выставке в Чикаго. Выставка состоится через год и станет самой масштабной и посещаемой за всю историю. Лидия, бывшая ученица Уильяма Чейза, уже вернулась к тому времени из Парижа, где училась, из Живерни, где жила некоторое время в колонии американских импрессионистов, поклонников-последователей Клода Моне. Теперь Лидия Эммет – помощница Чейза и преподаватель начального курса в его летней школе в Лонг-Айленде. Она получила первый заказ на иллюстрации к детской книге, когда ей было 16 лет, стала академиком в 45 лет, разработала эскиз медали Американского географического общества, рисовала иллюстрации для журнала Harper’s Bazaar, создавала витражи для Луиса Тиффани, написала портрет первой леди Лу Гувер, который сейчас находится в Белом доме. Одним словом, веер, платок и зонтик – абсолютно посторонние для нее вещи. По портрету Лидии Эммет можно составлять подробный список живописцев, которыми восхищался Чейз, от которых с удовольствием перенимал технические находки, по которым цитировал кружева и платье, позу модели и композицию картины. И все это вместе оставалось бы ловким реверансом в сторону Веласкеса, Ван Дейка, Уистлера, если бы не эта гендерная дерзость. И еще одно: эта длинная розовая лента, пересекающая вертикально всю фигуру Лидии, написана одним тягучим, виртуозным, вызывающе точным мазком. УильямЧейз Портрет _history

"Замок Алник, Нортумберленд" 1829 г. Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида.

"Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях" 1864 г. Фредерик Уильям Бертон Национальная галерея Ирландии, Дублин. По итогам опроса, проведённого в 2012 году, работа Фредерика Уильяма Бёртона «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» была признана самой любимой картиной в Ирландии, опередив произведения более известных художников. Результаты ничуть не удивили кураторов Национальной галереи в Дублине: они знают, насколько популярна у посетителей эта композиция, а её репродукция – постоянный бестселлер в музейном магазине. Источником вдохновения для Бёртона послужила поэма «Хеллелила и Хильдебранд», опубликованная в 1855 году во «Втором сборнике датских баллад» в переводе Уитли Стоукса, друга художника. По сюжету, дочь короля, прекрасная Хеллелила (варианты: Хилле, Хиллелиль), полюбила одного из двенадцати своих телохранителей – принца Хильдебранда. Влюблённые бежали, прихватив с собой казну. Обнаружив это, отец и семеро его сыновей пустились в погоню и настигли беглецов. Но Хильдебранд оказался грозным противником, он убил короля и шестерых его отпрысков. Хеллелила вмешалась, чтобы спасти жизнь последнего брата, назвала своего возлюбленного по имени и тем самым лишила сил. В тот же миг он упал замертво. Выживший брат привязал сестру к коню и доставил домой, где их мать умолила его продать девушку в рабство, а не казнить. Свою историю Хеллелила рассказала королеве, у которой служила вышивальщицей, после чего умерла. В картине отражена чувствительная натура Бёртона, который избегал кровожадных или сексуальных сцен. Этот эпизод иногда интерпретируют как момент расставания Хеллелилы и Хильдебранда после близости, но художник вряд ли изобразил бы такой момент. Скорее, это воображаемая ситуация, когда пара случайно встречается на лестнице, и принц страстно ловит руку своей возлюбленной. Бёртон создаёт эмоционально напряжённую ситуацию, изобразив внезапные объятия и девушку, которая от неожиданности уронила букет. Лепестки, рассыпавшиеся по лестнице, символизируют мимолётность их любви и её разрушительный характер. Получив травму правой руки в детстве, Бёртон рисовал левой. При этом он не выносил запах масла или (что более вероятно) растворителей, а потому писал только красками на водной основе – акварелью и гуашью. Он сделал множество предварительных эскизов – сейчас их известно более тридцати – включая один детально проработанный, который больше финальной композиции. Ностальгическое настроение, исторический антураж и костюмы сближают эту работу Фредерика Уильяма Бёртона с произведениями прерафаэлитов. Дополнительным акцентом стала сдержанная манера, с которой художник передаёт сцену, избегая чрезмерностей мелодрамы. Бёртон также позаботился об оформлении картины. В его инструкции написано, что её нельзя снимать с доски, на которой она закреплена, и вынимать из оригинальной позолоченной рамы. Масштабная (почти метр в высоту!) работа написана акварелью, что создаёт дополнительные сложности консерваторам: краски могут поблекнуть под воздействием прямого света. Поэтому «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» хранится в специальном закрытом боксе. Увидеть её можно лишь в течение двух часов в неделю: по четвергам с 17:30 до 18:30 и по воскресеньям с 14:00 до 15:00. Картина была написана в период, когда художник находился на пике своей карьеры. Каждый элемент композиции – от предварительных набросков до завершённой работы – иллюстрирует перфекционистское внимание Бёртона к деталям, его обширные знания о средневековом мире, а также утончённое чувство цвета. Через 10 лет после создания «Хеллелилы и Хильдебранда» он был назначен директором Национальной галереи в Лондоне и оставил живопись. Но при нём учреждение приобрело значительные произведения Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Ганса Гольбейна и многих других мастеров. ФредерикБертон _history

Джон Уильям Годвард (1861-1922) «Афинянка» 1908 холст, масло. 101х61 см Частное собрание джон_уильям_годвард

Эхо и Нарцисс 1903 Джон Уильям Уотерхаус Художественная галерея Уокера, Ливерпуль, Великобритания Сюжет основан на мифе об Эхе и Нарциссе из «Метаморфоз» Овидия. Нарцисс был прекрасным сыном речного бога Кефиса и наяды Лириопы. Слепой прорицатель Тиресий предсказал, что Нарцисс доживёт до старости, если не посмотрит на себя. Нарцисс отвергал всех нимф и женщин, которые в него влюблялись. Одной из них была нимфа Эхо, которая могла только повторять чужие слова. Она была так расстроена его отказом, что стала чахнуть и истаяла так, что от неё остался лишь шёпот. Её молитвы были услышаны богиней Немезидой, которая заставила Нарцисса влюбиться в собственное отражение в бассейне с водой. Он продолжал смотреть на своё отражение, пока не умер. На том месте, где он умер, вырос цветок нарцисса. Картина изображает решающий момент легенды, когда Нарцисс впервые видит своё отражение, а несчастная охваченное любовью Эхо с тоской наблюдает, как он исполняет пророчество.

"Дама в красной шляпе" 1918 г. Уильям Странг

Ссора Оберона и Титании 1849 Джозеф Ноэль Патон Национальная галерея Шотландии, Эдинбург Картина шотландского художника по мотивам произведения Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь». Спор между Обероном и Титанией возник из-за малыша, похищенного у индийского султана (он — подменыш, существовало поверье, что феи похищают новорождённых детей и вместо них подкидывают своих младенцев). Оберон требует от Титании отдать ему мальчика в пажи, Титания непреклонна в своём отказе мужу, так как мать мальчика была её подругой. В ссоре Титания обвиняет своего супруга в измене с Ипполитой, а он её — в связи с Тесеем. На картине реальный мир переходит в мир волшебной фантазии. Главные герои — король и королева фей и эльфов — изображены в полный рост и выглядят великанами на фоне малышей-эльфов. Индийский мальчик в колпаке, виновник ссоры, прячется за спиной Титании, держась за край шлейфа её платья. Восхищённый живописным произведением Льюис Кэрролл в своё время насчитал на картине 165 фей.

Сцена из «Сна в летнюю ночь»: Титания и Основа 1851 Эдвин Генри Ландсир Национальная галерея Виктории, Мельбурн, Австралия Картина английского художника. В основном Ландсир был известен своими картинами с изображением животных. Это единственная картина живописца, изображающая сказочную сцену. На картине изображена сцена из третьего акта пьесы Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь» (ещё картина на эту тему). Если волшебное зелье намазать на веки спящего, то просыпаясь, он влюбляется в первое живое существо, которое встречает. Титания, королева фей, испробовав приворотное зелье, просыпается от пения комического персонажа пьесы ремесленника Основы, голова которого была превращена волшебником в ослиную, и сразу же влюбляется в него. На картине мы видим её, очарованную Основой и нежно обнимающего его. За влюблённой парой наблюдают другие волшебники, а сцена украшена цветами и кроликами.

Кто автор этой картины? 1. Рене Магритт. 2. Джон Уильям Уотерхаус.

Цирцея подаёт бокал Одиссею 1891 Джон Уильям Уотерхаус Галерея Олдема, Великобритания На картине изображена сцена из поэмы Гомера «Одиссея», где чародейка Цирцея предлагает Одиссею чашу с зельем, с помощью которого она пытается подчинить его своим чарам, поскольку у неё уже есть его команда. Одессея можно увидеть в зеркале, изображенном за троном Цирцеи, в то время как один из членов экипажа Улисса, волшебным образом превращенный в свинью, можно увидеть рядом с ногами Цирцеи Уотерхаус показывает, что Цирцея контролирует ситуацию, помещая её выше зрителя; её сиденье приподнято на ступеньку, а сама богиня нарисована с приподнятым подбородком, так что мы должны смотреть ей в глаза, когда она смотрит вниз. Таким образом, художник манипулирует позой Цирцеи, чтобы поставить её в положение превосходства. Кроме того, фон за Цирцеей указывает на силу, поскольку обрамляющие её формы (зеркало и подлокотники её кресла) создают эффект трона. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Спящая Титания 1841 Ричард Дадд Лувр, Париж, Франция Картина иллюстрирует Aкт II (сцену 2) пьесы Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь». Лес. Титания раздала поручения своим слугам («Составьте хоровод и пойте песни, потом на треть минуты удалитесь»), после чего приказывала им убаюкать себя («Теперь меня вы песней усыпите, а там скорей летите исполнять свои дела; я отдыхать здесь буду»). Эльфы поют песню («Баю, баюшки-баю! Баю, баюшки-баю! Чтоб ничто вредить не смело, чтоб царица здесь спала, Не страшась ни чар, ни зла! Ну, царица, почивай, мы поём тебе: „бай-бай!“») и разлетаются, оставив одного эльфа часовым при заснувшей королеве. Вслед за этим выйдет Оберон и выжмет волшебный цветок на глаза жены. Алый цветок «Любовь в праздности», в который когда-то попала стрела Купидона, обладает волшебными свойствами. Если смазать им веки спящего, то первый, кого он увидит, когда откроет глаза, станет его любимым. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Английское семейство, обращённое в христианство, защищает проповедника этой религии от преследования друидов 1850 Уильям Холман Хант Музей Эшмола, Оксфорд, Англия Картина Ханта изображает семью древних бриттов, живущих в грубо построенной хижине на берегу реки. В своём жилище они прячут христианского миссионера, скрывающегося от толпы языческих британских кельтов. Слева вверху полотна можно увидеть друида, указывающего на другого миссионера, бегущего от толпы. В щелях задней от зрителя части хижины видны каменные круги — символы язычества. Контраст кельтской и христианской символик достигается путём изображения креста на стене хижины. Присутствие друида на картине, по видимому, отсылает ко временам римского завоевания Британии в середине I-го века. Это очень ранний период для миссионерства, хотя ризы, в которые они облачены, появились гораздо позже. Сам Хант считал картину одним из своих лучших произведений. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Женщина и собака 1891 Пьер Боннар Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, США На картине Боннар изобразил сестру и кузину, которые играют в саду с собакой семьи Боннар. Вдали, едва видны три другие фигуры. Художник сжал пространство на полотне и упростил формы, сглаживая складки и узоры на женской одежде. Так же Боннар также выделил фигуры людей и собаки как карандашом, так и чернилами — иногда вдавливая линии непосредственно в масляную краску. Подобная экспериментальная техника была характерна для декоративного стиля, который проводила в жизнь группа молодых художников, известных как группа «Наби» (Пророки). Ещё на картине есть абстрактный элемент (женское платье как часть шахматного орнамента) и, одновременно, нарративный (сентиментальные отношения двух молодых женщин и их питомца). Запрещённое искусство — подробно.

Джон Уильям Уотерхаус "Гилас и нимфы" (1896) Гилас был сыном царя дриопов Феодаманта. После того, как Геракл убил отца Гиласа, тот стал компаньоном Геракла, а затем и его любовником. Они оба стали аргонавтами и сопровождали Ясона на корабле Арго в поисках Золотого руна. Во время путешествия, когда Арго причалил к одному из островов, Гилас отправился на поиски пресной воды. Он нашёл пруд, населённый наядами, которые заманили его в воду, после чего он исчез. Поиски Гиласа аргонавтами не увенчались успехом.

"Кораблекрушение" 1805 г. Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер Тейт Британия, Лондон.

"Пробуждение Адониса" 1899 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. _history

Портлендская ваза - это двуручный сосуд из двуслойного тёмно-синего и белого стекла, на котором вырезаны рельефные изображения сцен из древнегреческого мифа. Ваза была создана в I веке н.э. в Риме и считается одним из самых сложных и дорогих произведений стеклоделия в истории. Ваза несколько раз меняла своих владельцев, пока не была куплена британским посланником Уильямом Гамильтоном в XVIII веке и перевезена в Лондон. Там она привлекла внимание многих художников и мастеров, которые пытались повторить её красоту и технику, но безуспешно. Ваза также пережила несколько повреждений и реставраций, последняя из которых была проведена в 1989 году. Сейчас ваза находится в Британском музее и является одним из самых ценных экспонатов античного отдела. | Культурные каналы

Мемориал Королевы Виктории Мемориал Виктории, расположенный в Калькутте — мемориал британской королевы Виктории, которая также носила титул императрицы Индии. В настоящее время используется как музей, являясь одной из туристическихдостопримечательностей Калькутты. План мемориала был разработан сэром Уильямом Эмерсоном; сооружение походит на здание ратуши Белфаста. Здание должно было быть выдержано в стиле итальянского ренессанса, но архитектор ввёл в композицию некоторые восточные элементы. Здание возводилось в период с 1906 по 1921 год. Вокруг ярко-белого мемориала расположено множество садов. Мемориал увенчан бронзовой статуей «Ангел Виктории». Во внутренних помещениях музея вы сможете увидеть коллекцию картин британских художников, которые тем или иным образом касаются Индии, ее культуры и истории. Что интересно, несмотря на то, что этот памятник задумывался британцами для того, чтобы увековечить часть своей истории, строили его индусы, и только на свои деньги. Калькутта музей Мемориал_Королевы_Виктории | Культурные каналы