Назад

Венеция, пожалуй, была для Фрица Таулова идеальным местом для работы. Кроме...

Описание:
Венеция, пожалуй, была для Фрица Таулова идеальным местом для работы. Кроме родной Норвегии, конечно. Художник, который учился писать у знаменитого датского мариниста Карла Фредерика Сёренсена и который первые годы своей художественной карьеры посвятил изображениям воды, просто не мог остаться равнодушным к городу, в котором вода окружала его повсюду. Таулов приезжал в Венецию в 1894 и 1897 годах и, как и всегда, практически не изображал здесь людей. Художника мало интересовали как толпы туристов, так и колоритные местные жители. Вода была его главной целью и предметом бесконечных исследований. Он находил вдохновение в самых отдаленных, не исхоженных людьми уголках города. В отличие от многих коллег-современников, Таулов никогда не пытался с помощью своих работ делать какие-то громкие политические или социальные заявления. Его в первую очередь интересовала художественная ценность картины и правильная передача всех качеств изображаемых объектов. В итоге картина "Уголок Венеции" становится очень нетипичным изображением этого города. Таулову удалось запечатлеть почти интимную сцену из жизни Венеции, ее обратную сторону, "изнанку", за которую далеко не каждому удается заглянуть. Он детально, но без лишнего драматизма прописывает старые здания с осыпавшейся штукатуркой. И устойчивость этих зданий кажется призрачной и зыбкой, когда их окружает постоянно движущаяся вода. Конечно, именно она становится главным "действующим лицом" этой картины. Очень живая, очень по-импрессионистски написанная, в исполнении Таулова вода выглядит одновременно и спокойной, и стремительной. Художник настолько мастерски передает настроение этой тихой, камерной городской сцены, что даже одинокая фигура гондольера бросается в глаза не сразу. Единственный человек на полотне кажется неотъемлемой частью пейзажа, спокойной и неторопливой, но при этом тоже пребывающей в движении. ФрицТаулов Импрессионизм _history

Похожие статьи

«После дождя» 1935г. Александр Герасимов

Пожалуй, картина «После дождя» - это...
«После дождя» 1935г. Александр Герасимов Пожалуй, картина «После дождя» - это...
«После дождя» 1935г. Александр Герасимов Пожалуй, картина «После дождя» - это самая яркая, мастерски выполненная работа Александра Михайловича. Он активно и много работает в Москве, но отдыхать любит в родном городе Козлове, где и пишет свою знаменитую мокрую террасу после дождя. По воспоминаниям близких Герасимова, картина была выполнена, как говорится, в один присест - всего за три часа, воодушевленно, без исправлений и перерывов. Композиция полотна построена так, как будто наблюдатель, пережидающий ливень внутри домика, приоткрывает дверь и вдруг видит это великолепнейшее зрелище, подаренное природой. И она - умывшаяся, свежая, оживленная после шумного летнего ливня - приводит живописца в восторг. Солнце еще не вернуло свою силу, оно пока скрыто за нехотя уходящими тучами. Благодаря этому, автор уловил рассеянный, туманный солнечный свет, на фоне которого трепещет листва, переплетаясь в причудливое зеленое кружево. Еще немного, и все вокруг заиграет и засветится в золотых лучах.
2761 

09.03.2021 10:40

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа...
Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.
2753 

10.03.2021 16:50

Жан Пату (1987-1936)

Пожалуй, у каждого из нас  в гардеробе есть парочка...
Жан Пату (1987-1936) Пожалуй, у каждого из нас в гардеробе есть парочка...
Жан Пату (1987-1936) Пожалуй, у каждого из нас в гардеробе есть парочка свитеров и/или пуловеров, кардиганов, купальников или плавок, спортивных шорт, а может и лыжных костюмов. Эти предметы одежды ввел в гардероб Жан Пату, сначала в спорт и элитные виды отдыха, а позже и на улицы европейских городов. Он же уничтожил образ флэпперов (девушек - «хлопушек» 20х годов), удлинив юбку и разработав спортивную одежду для женщин. Изобрел вязаных купальники и теннисную юбки. Жану Пату приписывают изобретение галстука для мужчин в 1920-х годах. Дизайнерами модного дома Пату в разные годы были Карл Лагерфельд (1960-1963) и Жан Поль Готье (1971-1973), Кристиан Лакруа присоединился к бренду в 1981 году. Последняя модная коллекция, выпущенная лейблом «House of Patou», была выпущена в 1987 году.
2731 

13.03.2021 18:30

"Женщина в берете и клетчатом платье" 1937 г. Пабло Пикассо Частная...
"Женщина в берете и клетчатом платье" 1937 г. Пабло Пикассо Частная коллекция. «Женщина в берете и клетчатом платье» – это яркий, острый и интенсивный образ Мари-Терезы Вальтер, «золотой музы» Пикассо. Портрет был создан в декабре 1937-го, став кульминацией, пожалуй, самого напряжённого года в жизни художника. Пятью месяцами ранее он создал свой величайший шедевр — «Гернику», посвящённую бомбардировке одноимённого городка во время гражданской войны в Испании. И хотя Пикассо ещё продолжал отношения с Вальтер, всё более значительное положение в его жизни завоёвывала другая женщина — Дора Маар, с которой мастер познакомился в 1935-м. Похоже, посредством этого портрета Пикассо пытался выразить свои переживания по отношению к обеим женщинам. Эта двойственность видна в переходе двух стилей — более мягкое, праздничное чувство «периода Мари-Терезы» уступает место более мучительным кубистским формам, связанным с политически настроенной Дорой Маар. За лицом Мари-Терезы на «Женщины в берете» проступает силуэт, в котором художник мог подразумевать свою следующую возлюбленную. Сам Пикассо говорил: «Девочке, должно быть, больно увидеть на картине, что её время уходит». Интересно сравнить эволюцию портретов Вальтер за предыдущие несколько лет. Ещё в 1932 году Пикассо создавал необычайно чувственные и лирические образы своей возлюбленной, свидетельствующие о пике счастья. А динамичная «Женщина в берете и клетчатом платье» показывает, сколь многое изменилось за пять лет. Резкие кубистические границы, краска, наложенная грубыми мазками, и чёрные контуры придают работе сильный эмоциональный заряд. Это уже не сладострастные изгибы и плавные кривые, которыми Пикассо изображал женщину, родившую ему ребёнка. Тем не менее, портрет говорит о том, что она по-прежнему занимает центральное место в жизни художника. Более 80 лет с момента создания «Женщина в берете и клетчатом платье» не появлялась на рынке. После смерти художника в 1973 году она перешла в частную коллекцию и лишь в феврале 2018-го была выставлена на распродажу произведений импрессионистов и модернистов Sotheby’s в Лондоне. Картину за 49,8 млн фунтов стерлингов (69,2 млн долларов США) приобрёл Гарри Смит, глава экспертной и консультационной фирмы Gurr Johns. ПаблоПикассо Кубизм _history
2670 

17.03.2021 21:37


​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд

Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве», созданная примерно в 1831 году, была продана за 1,6 миллиона долларов на распродаже японских и корейских произведений искусства Christie’s. Окончательная цена в 10 раз превышает предварительную оценку в 150 тыс. долларов, которую дали эксперты аукционного дома. Сцена, ставшая «визитной карточкой» японского художника XIX века, изображает лодочников, которые борются с волнами на фоне горы Фудзи. Гравюры Хокусая с изображением волн, созданные в начале 1800-х годов, пожалуй, его самые известные работы. Они были представлены на европейском рынке в середине XIX века. К моменту создания данной работы художнику было за 70 лет, и он нуждался в деньгах. Это первый лист «36 видов Фудзи» — серии настолько популярной, что отпечатки с неё делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться. Предположительно, с оригинальных досок Хокусая было отпечатано около пяти тысяч копий. Широко признано, что мастер изобразил бессилие и незначительность человека на фоне неукротимой стихии. Мы видим рыбаков, которые плывут навстречу верной гибели, и их суденышки вот-вот разлетятся на щепки. Но есть и другое мнение. Культуролог-японист Евгений Штейнер указывает, что в японском искусстве движение в картине идет справа налево. «Соответственно, рыбачьи лодки являют собой активное начало, они двигаются и внедряются в волну, в податливое аморфное начало, а некоторые уже прошли её насквозь», — поясняет он. Предыдущий рекорд для работ Кацусики Хокусая был установлен девять лет назад. В 2002 году альбом ксилографий с видами на гору Фудзи ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s в Париже за 1,47 миллиона долларов. Сборник подавали наследники французской арт-дилера Огетты Берес. На аукционе Christie’s вместе с «Большой волной в Канагаве» была выставлена ещё одна гравюра Хокусая — «Водопад Йоро в провинции Мино». Она была куплена за 100 тысяч долларов, что в 10 раз превышает её первоначальную оценку в 10 тысяч. Там же был установлен ещё один рекорд. Свиток японского художника XVIII века Ито Дзякутю под названием «Пара журавлей и восходящее солнце» также был продан за 1,6 миллиона долларов. Это в пять раз выше его предварительной оценки в 300 тысяч долларов. Два белых журавля — символы Нового года и бессмертия в Восточной Азии. Работа принадлежала частному японскому коллекционеру и никогда ранее не продавалась на рынке. Предыдущий рекорд для творчества Дзякутю работы установлен в 2006 году. Тогда Метрополитен-музей продал на Christie’s в Нью-Йорке рукописный свиток «Наслаждение от чернил» за 441 тысячу 600 долларов, хотя первоначально его оценили в 80 тысяч долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f8bf89407ab4389f27409.jpg
2704 

21.03.2021 20:37

"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский...
"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Распространено мнение, что Серебрякова изобразила здесь саму себя. На самом деле ей позировала сестра Катя, с которой они были очень похожи. Стиль портрета определяют как неоклассицизм. Мы видим возврат к красоте и гармонии тела и свойственное, пожалуй, всем ню Серебряковой слияние чувственности и невинности, свежести, естественности. Зинаида Серебрякова, по сути, первая в России смело вернулась к изображению женского тела не как способа выражения неких живописных тенденций или «учебного пособия», а как источника красоты, проявления красоты, самоценного эстетического объекта. Женское тело у Серебряковой приобретает самостоятельное значение, а не выражает некие идеи. Купальщица – очень красивая женщина, с чуть раскосыми глазами – изображена в естественной, непринужденной позе на берегу реки среди густой зелени. Контраст прохладной зелени и золотистого молодого тела смягчен белоснежной драпировкой. Очень характерное, запоминающееся лицо у девушки: немного лукавый взгляд, легкий поворот головы, полуулыбка, выбившиеся прядки волос. При кажущейся «классичности» сюжета, картина оставляет впечатление сиюминутности и неповторимой естественности. Сама Серебрякова так поясняла любовь к ню: «просто потому, что хорошо человеческое юное и чистое тело». Со временем написанная ею обнаженная натура стала цениться куда выше, чем было при жизни художницы. К примеру, картина «Спящая девочка» была продана за 500 долларов в 1923 году на американской выставке русских художников. А в июне 2015 года на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел эту картину за 5,9 млн долларов при эстимейте 600–900 тысяч долларов, что на тот момент стало рекордной ценой на работы Серебряковой. ЗинаидаСеребрякова Модерн _history
2686 

25.03.2021 21:37

«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до...
«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до...
«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» Пожалуй, первый художник, который вспоминается, при разговоре о символах - Сальвадор Дали. Сам он не любил давать объяснения своим картинам и не рекомендовал кому-либо это делать. Но ведь страсть, как хочется! Психоаналитик бы сказал, что героиня картины видит классический фрейдистский сон — о противостоянии мужского и женского начал. Кстати, Дали однажды встречался с Фрейдом и оба остались не в восторге. Гранат в античной и христианской символике - возрождение и плодородие. «Вся жизнетворящая биология возникает из лопнувшего граната», - говорил Дали. Тигры имеют тот же окрас, что и пчелы, возможно именно они так представляются спящей. Слон, несущий обелиск и атрибуты папы — намек на сон о похоронах папы римского, приснившийся Фрейду из-за колокольного звона. Тонкие суставчатые ноги — символ зыбкости сна. Море, вероятно, - сознание. Одно мы знаем точно: женщина на картине это Гала – жена и муза художника.
2692 

25.03.2021 22:30

"Русалки" 1879 г. Константин Егорович Маковский Государственный Русский музей...
"Русалки" 1879 г. Константин Егорович Маковский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Константин Маковский, Илья Репин и Иван Крамской в 1870-е годы написали каждый своих «Русалок». Объединяет картины не только сюжет и название, но и тот факт, что всем этим художникам пришлось выслушать много нелестных слов в свой адрес. Народнические настроения передвижников, с которыми все трое были связаны, требовали иных сюжетов. Русалки Крамского – бледные утопленницы, словно в саванах, вышедшие на берег лунной ночью. Художник признавался, что сюжет картины навеян повестью Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». Репин показал своих русалок в парижской картине «Садко». У него это нарядные экзотические дамы. Совсем иные русалки Константина Маковского. Обнаженные, прекрасные, свившие телами чувственный вихрь, взлетающий к небесам и скрывающийся в лунном свете. Справа на пригорке видны церковные купола, но русалочий обнаженный «мост» в другую сторону движется. Похоже, что и здесь не обошлось без Гоголя! Впрочем, чары русалок звучат и в русских народных сказках, попали под их власть и Пушкин, и Жуковский, и многие другие художники, поэты, писатели. Картину эту Константин Маковский писал в поместье со странным для современного уха названием Загоны, расположенной на границе Черниговской и Полтавской губерний, вблизи знаменитой Диканьки. Перед нами воспетая Гоголем прекрасная украинская ночь. Луну не видно, но она предполагается за деревьями – небо вокруг нее светлое. Лунный луч скользит по груди сладострастно изогнувшейся русалки на переднем плане. Она сидит на перекинутом через речку стволе дерева. Кстати, в русском фольклоре у русалок хвостов нет. А самая «интернациональная», пожалуй, черта русалок – это длинные волосы. Красавицы Маковского тоже длинноволосы все как одна. Здесь нет ни страха, ни дидактики – лишь наслаждение поэтикой народных преданий, любование удивительно гармоничными телами нечистой, но до чего же манящей силы. КонстантинМаковский Академизм МифологическаяСцена _history
2693 

29.03.2021 20:37

Венеция. Мост Риальто
1908
Константин Коровин
бумага на картоне, гуашь. 25 ×...
Венеция. Мост Риальто 1908 Константин Коровин бумага на картоне, гуашь. 25 ×...
Венеция. Мост Риальто 1908 Константин Коровин бумага на картоне, гуашь. 25 × 69,7 см Киевская картинная галерея, Киев Мост Риальто, один из самых известных архитектурных объектов города Венеции, был написан Коровиным в утренней дымке. Очертания моста утрачивают чёткость, а цвет, теряя свою конкретность, переходит в систему вибрирующих пятен, словно художник замешал свои краски на светлом игристом вине. В этом небольшом пейзаже, отмеченном блестящим артистизмом и остротой композиционного решения, Коровину удалось выразить душу города. Мастер имел необычайный талант. Наряду с даром живописца, он обладал и незаурядным литературным талантом. Когда ухудшение зрения вынудило полностью отказаться от изобразительного искусства, художник продолжал писать рассказы. Написал более четырёхсот рассказов.
2526 

29.04.2021 17:15

Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство...
Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство возвышенное и театральное, а бамбоччанти любили гротеск, темные стороны жизни и решительно не хотели писать персонажей не то что возвышенными, а даже просто красивыми. Взяли и скрестили хулиганско-наставительные сюжеты Питера Брейгеля Старшего с мрачноватыми последователями Караваджо и, пожалуй, сарказма еще добавили кое-где. Типичные герои их небольших картин или офортов - солдаты, бродяги, торговцы, фермеры и доярки, трактирщики, прачки или, как писал Сальватор Роза “негодяи, мошенники, карманники, бандиты, пьяницы, обжоры” - ну, то есть, как посмотреть. Бамоччанти критиковали представители официального искусства, называли их картины низостью и гадостью, призывали вернуться к изысканности и красоте заблудших художников. А вот покупатели и коллекционеры их гадостей очень быстро нашлись и жанр приобрел огромную популярность - и ван Лар и его друзья устанавливали довольно высокие цены на свои картины, но их раскупали, переправляли по всей Европе и особенно ценили на их родине, в Нидерландах. Считается, что эта группировка повлияла на Веласкеса, которые любил писать сценки из темных трактиров в ранние годы, что любитель нравоучительных бытовых серий Хогарт тоже насмотрелся, Гойя даже вроде что-то имел в личной коллекции, а еще что к камерным и иногда двусмысленным сценкам бамбочатти обращались после многие художники рококо. Но тут же тоже интересно, раз мы говорим о группе голландских художников, то стоит иметь в виду, что они не так просты чтоб быть обыкновенными реалистами, которые просто запечатлевают неприглядный окружающий мир как он есть ради анекдота. Вы же помните, что как раз голландцы даже в натюрморте с тыквой и букетом цветов зашифровывали сложные аллегории. Так и тут все было. Простые предметы и вульгарные сценки должны побудить нас, зрителей, к сложным размышлениям. Трюк такой. Особенно тут важно, что работают художники именно в Риме, поэтому то там то тут намекнут на то, в каких величественных пейзажах, да с каким прошлым, разворачиваются все эти мелкие житейские происшествия. В общем, рассматриваем и ищем глубокий смысл.
2612 

24.04.2021 20:00

"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он...
"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он писал пейзажи, которые не сумел бы создать никто другой, пейзажи, на которые мог бы ложиться снег», - сказал о Курбе британский арт-критик Джон Бёрджер. Сезанн называл Курбе каменотёсом и говорил, что «он так же велик, как Микеланджело». Сам же Курбе был лаконичен: «Я пишу, как Господь!» Конечно, этот француз известен не только своими картинами, но и образом жизни. Он был тщеславен и хвастлив. Его невозможно было представить без пива, трубки и облака дыма, из которого он громогласно, с деревенским задором (своим простонародным происхождением Курбе гордился больше, чем иные орденами) теоретизировал об искусстве реализма, требовал спуститься на землю и поискать красоту буквально под ногами. Хвастовство хвастовством, но Курбе и правда достоин сравнения с Микеланджело. Его пейзажи - даже когда на них нет гор, скал или валунов – напоминают скульптуры, кажутся не написанными, а вылепленными или высеченными из камня. Взгляните хоть на картину «Волна» из коллекции Пушкинского музея. Только, в отличие от Микеланджело, Курбе считал, что художник не должен «отсекать лишнее»: его задача - переносить на холст все как есть. Если перед глазами художника не роскошные бархатные драпировки, а выстиранное бельё – значит, быть на холсте ему. «Хижина в горах» считается одним из лучших альпийских пейзажей Курбе. Картина написана в Швейцарии. Дело в том, что энергии Гюстава Курбе хватало не только на арт-революции, он ещё и к Парижской коммуне примкнул. Когда ненадолго свергнутая власть вернулась, Курбе осудили за разрушение Вандомской колонны, бросили в тюрьму, выписали огромный штраф – в итоге ему пришлось бежать в Швейцарию, где он через несколько лет и умер. Ну, а что же Господь? Есть ли основания сравнивать Курбе и с Создателем, который творил мир сам, а не послушно и достоверно воспроизводил уже созданное? Пожалуй, есть. Курбе хоть и ратовал за работу на пленэре и бескомпромиссную честность в переносе природы на холст, сам иногда все же писал пейзажи в мастерской – когда по памяти, а когда и по воображению. Соблазнялся самыми эффектными природными явлениями (вроде морских бурь на фоне огненного заката). Или выкручивал яркость и контрастность в своих реалистичных пейзажах до открыточного уровня – публике был по душе такой колорит, а Курбе не собирался игнорировать её вкусы и спрос. ГюставКурбе Реализм _history
2721 

02.04.2021 22:04


"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства...
"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства, Вашингтон. Клод Моне честно признавался, что кроме живописи и садоводства ни на что больше не годен. И пожалуй, хуже всего ему удавалась роль мужа, особенно в первый раз. Камилла Моне оказалась одной из самых несчастных и печальных женщин во всей истории живописных героинь и жен художников. 18-летняя натурщица Камилла Донсье, дочь торговца, позировала юному красавчику Моне для картины «Женщина в зеленом», одной из самых успешных и стремительно прославившихся. Картину не просто приняли в Салоне, но и удостоили нескольких лестных отзывов. Камилле приятно, Моне счастлив, они молоды, влюблены и им кажется, что все прекрасное в их жизни только начинается. Следующие несколько отчаянных лет Камилла и Клод живут в сырых, холодных комнатах, часто без света и отопления и очень часто без еды. Бывает, что Ренуар приезжает к ним в гости, чтобы писать вместе с Клодом (в том числе - и Камиллу), и привозит немного хлеба – на несколько дней хватает. Иногда среди ночи они собирают вещи и бегут из очередного сельского домика, зная, что наутро не смогут заплатить хозяину долг за несколько месяцев. Клод работает с утра до вечера, как одержимый, не получая ни одобрения в официальном Салоне, ни признания среди заказчиков. Его картины не покупают. Хотя бы за 30, за 50 франков – он готов получить любые копейки. Когда Камилле придет время рожать, Моне уедет искать вдохновения – не очень-то похоже на безумную любовь. Издалека он будет в письмах умолять Фредерика Базиля выслать голодной Камилле денег, взывая к его человеколюбию, а вернувшись ненадолго, почти с удивлением обнаружит, что ребенок его по-настоящему радует. Отец и тетка Моне, узнав о его любовнице, отказывают в содержании и требуют бросить и возлюбленную, и новорожденного сына. Клод пишет Камиллу взахлеб, постоянно – и почти на всех портретах в глазах Камиллы такая бездонная пропасть и такая непоправимая печаль, что опознавать ее среди моделей художника можно именно по этой безнадежности. Она умрет в 32 года, в 1879-м, в страшных мучениях, всю заботу о ней во время тяжелой болезни возьмет на себя другая женщина, Алиса Ошеде, которая к тому времени будет в доме Моне чувствовать себя полноправной хозяйкой. Пройдет больше 10 лет – и призрак Камиллы с зонтиком Моне случайно увидит, возвращаясь вечером после пленэра в своем саду в Живерни. На насыпи, на фоне огромного неба, стояла его падчерица Сюзанна. «Вылитая Камилла в Аржантее! Завтра придем сюда, ты мне будешь позировать!» Он ставит Сюзанну в нужную позу, запрещая шевелиться и гонясь за призраком давно ушедшей за горизонт Камиллы. Он в ярости пинает ногами один из двух этюдов (1 и 2), рвет холст, Сюзанна теряет сознание от зноя, Моне в отчаянии – у него ничего не получается. У женщины с зонтиком, повернутой влево, и у женщины с зонтиком, повернутой вправо, не видно лица. Критики в один голос заявляют, что это шедевры, по сравнению с первой картиной, написанной в Аржантее, более динамичные, идеально уравновешенные, мастерски исполненные и создающие ощущение живописной целостности. Но когда видишь все три рядом, трудно отделаться от мысли, что безликие, застывшие в правильных позах правая и левая женщины – два неподвижных призрака той легкой, внезапно повернувшейся к художнику, тревожной, еще живой, но уже готовой скрыться за холмом Камиллы. КлодМоне Импрессионизм _history
2594 

12.04.2021 22:35

"Интерьер с футляром от скрипки" 1919 г. Анри Матисс Нью-Йоркский музей...
"Интерьер с футляром от скрипки" 1919 г. Анри Матисс Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер с футляром от скрипки» написан в Ницце. Юг Франции для многих художников оказывался целительным, Матисс – не исключение. Мотив окна – один из любимых у Матисса, причем его окно всегда открыто во внешний мир. Будь то окно, выходящее в сад, окно в пустом номере или даже окно с закрытыми ставнями – все равно Матисс найдет возможность открыть хотя бы небольшую форточку! «Оконные» сюжеты наполнены светом и умиротворением, они радостные и успокаивающие, дышащие свежестью озаренного солнцем то ли моря, то ли сада, то ли проникающего в окно неба. Друг-враг-соперник Матисса Пабло Пикассо говорил, что «в утробе у Матисса солнце». Написанные в Ницце картины это вполне подтверждают. Высокое окно, расширяющее пространство, лазурь неба, уплотняющаяся по линии перехода в море, совпадающий с небом и морем оттенок раскрытого футляра, из которого, вероятно, только вынули скрипку. Белоснежные, кажется, колышущиеся от морского свежего ветра, занавески и завораживающие взгляд солнечные лучи, падающие на пол сквозь узорные балюстрады огораживающего балкон бортика. Здесь всё дышит свежестью и радостью! Наследие поездок в Марокко – восточные арабески покрывают стены. На этой картине заметно виртуозное владение Матисса черным цветом, столь пугавшим импрессионистов. «Когда я не знал, какой цвет класть, я брал черный. Черный – это мощь», – заявлял Матисс. Впрочем, из-под его кисти черный – это всё, что ему будет угодно, в данном случае – тонкость, изящество и невесомость. Сам Матисс говорил, что у него нет теории, он накладывает краски, «пока это не станет хорошо», и всё, чего он хочет – это чтобы усталый человек, глядя на его картины, познал покой и радость. И, пожалуй, его окна открыты именно в эти состояния. Из знаменитых предшественников на Матисса существенное влияние оказал Делакруа, которому иногда удавалось, кажется, «приоткрыть окно» в свет, цвет и сияние. Окно, которое окончательно распахнет Анри Матисс. В Ницце Матисс познакомился с Ренуаром, которому очень приглянулись «оконные» картины. После встречи Ренуар, смеясь, просунул воображаемую кисть под колено и признался: «Я думал, что этот парень работает вот так… Это неправда… Он много трудится!..» АнриМатисс Фовизм _history
2553 

21.04.2021 21:24

"Автопортрет, посвященный Льву Троцкому" 1937 г. Фрида Кало Национальный музей...
"Автопортрет, посвященный Льву Троцкому" 1937 г. Фрида Кало Национальный музей женщины в искусстве, Вашингтон. О многочисленных любовниках (и любовницах) Фриды Кало ходили легенды еще при ее жизни, а со временем они обросли слухами и домыслами. Однако записывать художницу в сердцеедки и соблазнительницы, пожалуй, не стоит. Конечно, она не была образцом супружеской верности, но главным мужчиной в ее жизни всегда оставался Диего Ривера, который и сам никогда не скрывал своих бесчисленных романов. Любовная связь между Фридой Кало и Львом Троцким была гораздо менее серьезной, продолжительной и страстной, чем принято считать. Безусловно, опальный русский был пленен экзотической красотой сильной и темпераментной женщины с железобетонным характером, а Фриде, в свою очередь, льстило внимание такой выдающейся личности. Но их роман продлился от силы пару месяцев, после чего «старичок», как пренебрежительно стала называть Троцкого Фрида, быстро ей наскучил. Она прекратила эти отношения, на прощание оставив бывшему любовнику автопортрет, который был скорее очередной шалостью, чем признанием в глубоких чувствах. Как и на большинстве автопортретов, Фрида изобразила себя в традиционной мексиканской одежде и с вплетенными в волосы цветами. В руке она держит листок с надписью: «Я посвящаю эту картину Льву Троцкому, со всей моей любовью, 7 ноября 1937 года. Фрида Кало, Сан-Анхель, Мехико». Соблазнительная и самоуверенная, Фрида, кажется, вот-вот скроется за обрамляющими ее фигуру шторами, похожими на театральный занавес, который готов закрыться после окончания представления. Фрида подарила этот портрет Троцкому в его день рождения. Но, когда в 1939 году он переехал на другую квартиру, ставшую его последним пристанищем, картина, по настоянию супруги Троцкого Натальи Седовой, была оставлена в доме Фриды и Диего. Впервые портрет был представлен публике в 1938 году под названием «Между шторами» на первой персональной выставке Кало в Нью-Йорке. В 1940 году картину приобрела давняя подруга Фриды, американская писательница и политический деятель Клэр Бут Люс. Позже она подарила портрет Вашингтонскому Национальному музею женщин в искусстве, где его можно увидеть в постоянной экспозиции. ФридаКало Примитивизм _history
2589 

22.04.2021 22:07

"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся...
"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. В правом верхнем углу указан его возраст, 26 лет, и дата написания картины – 1624 год. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя. Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны, однако некоторые важные подсказки исследователям может дать ослепительный костюм. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук – стрелы, пылающие рога изобилия и узы влюблённых. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что перед нами свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение. Также высказывалось предположение, что некоторые элементы на костюме (особенно кадуцей, атрибут римского бога Меркурия) указывают на занятие торговлей. Авторитетный искусствовед Питер Бисбоер недавно предположил, чтобы натурщиком был Тилеман Ростерман, богатый торговец текстилем из Гарлема. К 1624 году Хальс уже написал несколько одиночных и парных портретов, а также групповой портрет «Банкет офицеров Гарлемской стрелковой гильдии св. Георгия». Последний, пожалуй, самая известная работа живописца, демонстрирующая его виртуозную способность передавать жизненную силу и дух своих моделей. Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса – так он показывал уверенность натурщиков в себе. Кроме того, эта поза придаёт картине визуальную глубину. Портрет выполнен разными мазками – от тонких сливающихся штрихов на лице до более широких, свободных мазков на костюме. Детали тонкого кружева издалека выглядят тщательно проработанными, но вблизи оказываются быстрым наброском. Может показаться, что широкие линии руки и складки драпировки над животом мужчины были написаны за несколько секунд быстрыми длинными штрихами. Есть что-то чрезмерное в сочетании румяного лица и массы шелков и кружев. Герой портрета реален и нереален одновременно. К началу XIX века творчество Хальса было практически забыто. Несмотря на это, холст «Смеющийся кавалер» стал объектом яростной битвы между Ричардом Сеймуром-Конуи, 4-м маркизом Хартфордом и бароном Джеймсом де Ротшильдом на парижском аукционе в 1865 году. Первый победил, заплатив королевскую сумму в 51 тысячу франков (ныне около 3 тыс. долларов). Это событие оказалось поворотным моментом в репутации художника, интерес к которому начал возрождаться. Свободная, спонтанная техника и иллюзия мимолётного снимка сделали картину привлекательной для коллекционеров и художников викторианского периода. Последние стремились именно к такому ощущению реализма – без лощёной фактуры и гладкого нанесения краски. Влияние Хальса заметно в широких мазках Эдуара Мане и его последователей-импрессионистов, а Джеймс Эббот Макнейл Уистлер подражал голландцу в своей работе «Композиция в светло-розовом и чёрном. Портрет Теодора Дюре» (ок. 1883). Первоначально картина называлась просто «Портрет мужчины», но на выставке Королевской академии в 1888 году она уже значилась как «Смеющийся кавалер». Несмотря на то, что человек на ней на самом деле не смеётся и не является кавалером, изображение излучает веселье, бодрость и долю чванства. Среди составляющих такого настроения – низкая точка обзора, ослепительная техника, закрученные кверху усы, блеск в глазах и надменная поза молодого человека. ФрансХальс Барокко _history
2576 

28.04.2021 20:37

"Автопортрет" 1622 г. Антонис ван Дейк Государственный Эрмитаж...
"Автопортрет" 1622 г. Антонис ван Дейк Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Автопортретов Ван Дейк написал за свою короткую жизнь очень много. Гораздо больше, к примеру, чем даже его учитель и в каком-то смысле соперник Рубенс. Пожалуй, по числу собственных авторских изображений Ван Дейк сопоставим лишь с другим великим голландским художником - Рембрандтом. Однако специалисты склонны оценивать автопортреты Ван Дейка ниже: они утверждают, что целью Рембрандта, из года в год пишущего собственное лицо (неприметное, но обретающее всё большую значительность) было самопознание, в то время как автопортреты Ван Дейка говорят скорее о нарциссическом самолюбовании. Мы вольны соглашаться или противиться такому профессиональному взгляду на автопортреты Ван Дейка и всё же ценность их несомненна: они дают нам вполне точное представление о художнике – нервном, эмоционально утонченном, явно болезненно честолюбивом и зависимом от роскоши и признания, словом, таком, каким, судя по сохранившимся документам и биографическим сведениям, Ван Дейк и был. Известен автопортрет на дереве, который написал 14-летний художник. Мы видим только лицо – но какое! С умным, твёрдым и уверенным взглядом и с вызовом в глазах. «Автопортрет» из Эрмитажа – это следующий этап в жизни Ван Дейка. Ему здесь слегка за двадцать. В это время Ван Дейк уже признанный мастер. Шутка ли – его иногда сравнивают с самим Рубенсом! В глубине души Ван Дейк считает такое сравнение обоснованным, но ведь далеко не все их равновеликость признают - и потому в его глазах по-прежнему вызов, даже некоторая спесь – и одновременно беззащитность. Ван Дейк прячет её под щегольской одеждой (говорили, что никто не умел писать блеск атласа и фактуру шёлка так, как это делал Ван Дейк), под несколько развязной позой. Он так стремится изобразить расслабленность, что это выглядит нарочитым. По воспоминаниям современников, Рубенс и Ван Дейк обладали совершенно различной физикой и несходными темпераментами. Рубенс был коренастым крупным человеком, основательным, неторопливым и спокойным. Ван Дейк, напротив, был мал ростом, тщедушен, нервен и импульсивен в работе. Некоторым заказчикам это претило. За тем, что можно ошибочно принять за самолюбование, мы видим на автопортрете Ван Дейка вполне исчерпывающую эмоциональную характеристику - живой темперамент, сплав легкомыслия и меланхолии, самоуверенности и беззащитности. Всем нам наверняка не раз встречалось утверждение, что длинные, конически сужающиеся от основания к кончикам пальцы – это признак артистичности натуры. Антонис Ван Дейк в этом смысле – пример ярчайший. На всех автопортретах, где он изображает себя не погрудно, а по пояс или в рост, бросаются в глаза его удивительные пальцы – изящные, тонкие, с тщательно ухоженными, отполированными ногтями. Интереснее другое: Ван Дейк изображал так не только себя. Красивые удлинённые пальцы встречаются на многих его картинах, они станут «визитной карточкой» художника и узнаваемой приметой его героев, которым Ван Дейк приписывал качества, которыми те могли и не обладать: поэтичность, аристократизм, утонченность и возвышенность помыслов. АнтонисВанДейк Портрет Барокко _history
2521 

03.05.2021 20:37

Лада-копейка В 2014 году бельгийский художник Франсис Алис представил работу...
Лада-копейка В 2014 году бельгийский художник Франсис Алис представил работу «Лада-копейка», которая была показана на десятой европейской биеннале современного искусства «Манифеста», прошедшей в Санкт-Петербурге. На старом советском автомобиле вместе с братом Алис путешествовал из Брюсселя в Санкт-Петербург и по дороге документировал все важные моменты. «Проект можно воспринимать и как мою личную историю, и как аллегорию: семьдесят лет, которые ни к чему не привели. Метафора бесплодных усилий? Пожалуй. Но, понимаете, я ведь ехал не один, а с братом, у него в Бельгии осталась семья, пятеро детей, я не мог им бездумно и бесцельно рисковать. И потом, эти пять-шесть дней, что мы провели вместе, были очень дороги для меня. Я бы сказал, что пережитое время ценнее затраченных усилий». В итоге они врезались в дерево в Большом дворе Зимнего дворца. Искусство или нет?
2505 

15.05.2021 12:56


"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой...
"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой карандашный рисунок, выполненный Пабло Пикассо в 1946 году, – один из самых лирических и чувственных портретов Франсуазы Жило. И, пожалуй, самый реалистичный из них. Пикассо создал этот рисунок в самом начале их отношений, в период, исполненный нежности и искреннего обожания. Несколько лет спустя, когда союз с Франсуазой уже начнет трещать по швам, Пикассо будет безжалостно сминать и искажать черты ее лица на своих картинах, как это уже бывало с ее предшественницами. О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше. Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения. Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи. К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти. ПаблоПикассо Графика _history
2435 

21.05.2021 22:14

"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж...
"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен. В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения. Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов. Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты. Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину. После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью». АндреДерен Натюрморт Кубизм _history
2411 

30.05.2021 20:38

"Майский пикник" 1873 г. Пал Синьеи-Мерше Венгерская национальная галерея...
"Майский пикник" 1873 г. Пал Синьеи-Мерше Венгерская национальная галерея, Будапешт. Разве можно, глядя на «Майский пикник» Синьеи-Мерше, не вспомнить многочисленные импрессионистские «завтраки»? Мане и Моне ко времени написания картины уже отправили свои компании молодых людей и девушек завтракать на природе. Пожалуй, в данном случае скорее возникает аналогия с мирным благопристойным «завтраком» Моне, а не со скандальным пикником с обнаженными девушками Эдуара Мане. Герои расположились на отрытом пространстве, причем композиция так выстроена (точнее сказать, что правилами композиции автор несколько пренебрег), что взгляд словно «проваливается» в расположившуюся на поляне компанию. Синьеи-Мерше вводит в сюжет картины интригу – отдыхающие не равноценны, очевидно, что двое молодых людей активно пытаются завладеть вниманием двух девушек. Все они изображены вполоборота, мы видим их увлеченные лица. Еще двое мужчин предоставлены сами себе: один что-то выискивает в траве, второй лежит на пледе. Лицо первого скрыто широкополой шляпой, второй отвернут от зрителя. Кажется, самого автора они интересуют меньше, чем две кокетничающие пары. Светло-зеленое пространство поляны на заднем плане сливается с синевой неба. Красные пледы и цветы справа от девушки в розовом демонстрируют незаурядное умение Синьеи-Мерше использовать цветовые контрасты. Более чем через 20 лет это безоговорочно подтвердят его великолепные «Маки».
2354 

09.06.2021 20:37

"Ванна" 1886 г. Эдгар Дега Музей д’Орсе, Париж. Эдгар Дега притащил в...
"Ванна" 1886 г. Эдгар Дега Музей д’Орсе, Париж. Эдгар Дега притащил в мастерскую чаны и тазы. Натурщицы приходили сюда и часами занимались своими делами: расчесывались, мылись, вытирались, зевали, одевались и раздевались. Удивленные поначалу тем, что Дега ничего не пишет, а просто наблюдает, со временем они уставали удивляться и переставали художника замечать. Этого-то ему и было нужно. На Восьмой выставке импрессионистов, в 1886 году, когда в последний раз удалось собрать в одном зале художников, затеявших когда-то всю эту революцию, Эдгар Дега предложил семь пастелей. У них было длинное и нарочито прозаичное название, почти канцелярское или каталогизирующее (так искусствоведы, систематизирующие наследие художника, называют пачку каких-нибудь незначительных набросков и подготовительных рисунков) – «Серия обнаженных женщин — купающихся, моющихся, вытирающихся, причесывающих волосы или сидящих за туалетом в то время, как их причесывают». Эдгар Дега, пожалуй, первый художник, который примирил обнаженную натуру и современность после нескольких столетий салоновской целомудренной традиции, предписывающей облачать обнаженное женское тело в парящие драпировки или окружать символическими атрибутами древних богинь. Вместо оправдательных греческих тог, парящих амуров, облаков, пены морской и прочего божественного антуража, которым еще лет двадцать до этого художники прикрывали наготу своих героинь, Дега вручает им мочалки и расчески. Это не вызывающая и бесстыдная нагота «Олимпии» Эдуара Мане – это самая естественная, повседневная и скучная обстановка, в которой женщина может быть раздета. Моющиеся и причесывающиеся женщины Дега не смотрят зрителю в глаза. Да что там не смотрят – даже лиц их чаще всего не видно. Они неуклюже поднимают ногу, вылезая из ванной, бесцеремонно наклоняются и разворачиваются к нам спиной и задом, собирают в пучок мокрые волосы, чтобы тщательно расчесать, они вытирают ноги и спину. «До сих пор, обнаженная модель всегда изображалась в позах, предполагающих присутствие зрителей», - объяснял художник и добавлял, что в его задачи входило создать ощущение подсматривания в замочную скважину. К середине 1880-х между импрессионистами-основателями движения осталось больше различий, чем проявилось точек соприкосновения. Выставка, на которой были представлены моющиеся женщины Дега – последняя совместная. Художники-бунтари повзрослели – и, каждый по-своему отказываясь от важности мимолетных впечатлений, ищут непреходящие образы, фокусируют взгляд на чем-то важном и разрешают классическому искусству на себя влиять. Искусствоведы хвалят Дега в его поисках – говорят, он, единственный ярый почитатель Энгра в импрессионистском лагере, смог в банной серии пастелей совершить еще один акт примирения. Купающиеся женщины Дега наконец-то примирили Энгра и Делакруа, примирили линию и цвет. ЭдгарДега Импрессионизм _history
2358 

14.06.2021 20:37

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти...
"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history
2312 

19.06.2021 20:37


​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в...
​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в...
​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в список Всемирного наследия, находящегося под угрозой исчезновения. Окончательное решение будет принято на 45-й ежегодной конференции ЮНЕСКО в 2022 году. ️Святоносский маяк под Мурманском признан объектом культурного наследия федерального значения. Он является уникальным образцом деревянной фортификационной архитектуры 19 века. Это один из старейших действующих маяков в России, он был установлен на мысе Святой Нос в 1862 году. Маяк не переставал работать во время Первой мировой войны и Великой Отечественной войны. ️В Фонде Cartier в Париже 6 июля откроется выставка «Дэмиен Херст. Цветение вишни». Вопреки обычной для британского классика практике, все картины для этого проекта художник написал сам, без ассистентов. ️Галерея «Здесь на Таганке» представит выставку памяти художника Владислава Мамышева-Монро. ️️Три неизвестных ранее работы Ван Гога найдены, спрятанными в романе о французских крестьянах. Три эскиза публикуются в The Art Newspaper впервые! Открытия совершенно неизвестных рисунков Ван Гога сейчас редки — один или два раза в десятилетие. Рисунки выставлены в музее Ван Гога в Амстердаме на новой выставке Here to stay. Искусствоведы думают, что это не просто рисунки: возможно Ван Гог сделал именно закладку для книги, ведь художник был заядлым читателем. Фото: Слева — три изображения закладки в приближённости виде; справа — полный масштаб Courtesy of the Van Gogh Museum, Amsterdam (bought with support from BankGiro Loterij) https://telegra.ph/file/67eb6c677f82a867a7771.jpg
2297 

25.06.2021 19:49

"Ханс Титце и Эрика Титце-Конрат" 1909 г. Оскар Кокошка Нью-Йоркский музей...
"Ханс Титце и Эрика Титце-Конрат" 1909 г. Оскар Кокошка Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Кокошка был ясновидцем. Так во всяком случае говорили многие его заказчики и друзья. И речь здесь не только о необъяснимом проникновении в душу человека – художник угадывал даже некоторые факты прошлого и будущего своей модели. Одного из своих героев он, к примеру, без причин и объяснений написал заключенным, не подозревая, что тот и правда сидел в тюрьме. Другой своей модели, убежденной городской жительнице, художник предсказал скорое переселение в деревню, изобразив на фоне соответствующего пейзажа. Поэтому не верить Кокошке нет никаких оснований: он знает все об этих двух людях – Хансе и Эрике Титце. Кажется, что герои этой картины погружены внутрь электрического поля, что сейчас их пальцы соприкоснутся и произойдет мощнейший разряд или короткое замыкание. А на самом деле это свадебный портрет одной семейной пары, который был написан для водружения над каминной полкой. Ханс и Эрика Титце были, конечно, не простыми любителями прекрасного, а продвинутыми искусствоведами, которые страстно поддерживали художников-авангардистов и даже создали Венское общество развития современного искусства. Поэтому свой парный портрет они заказали самому скандальному в Австрии молодому художнику – 23-летнему Оскару Кокошке. Нужно помнить, что примерно в это же время венские критики в ярости и священной брезгливости предупреждали: на выставку Кокошки можно идти только если вы уже пережили сифилис. А тут каминная полка в семейном гнездышке молодоженов! Это, пожалуй, самые симметричные и гармоничные лица во всем портретном творчестве художника. Строгие и правильные. В чертах и мимике – ни искажающих переживаний, ни страстей. Но настоящий ключ внутрь персонажей – это руки. Кокошку гипнотизируют руки, они – символ телесности и вещественной, реальной сути, которая важнее слов и масок-лиц. На всех его портретах (и автопортретах) руки говорят о герое больше, чем глаза, улыбка и поза. Чтоб никто не сомневался, где искать правду, Кокошка увеличивает руки героев, делая их несоразмерно большими, он заостряет суставы и переплетает пальцы, добавляет интенсивности цвету и линиям на руках. И если читать по рукам, то совершенно очевидно, кто из двух изображенных героев отрешен и погружен в свои мысли, а кто – волнуется и пытается прорваться в мир другого. О Хансе и Эрике Титце художник говорил: они замкнутые люди, и это создает напряжение вокруг них. Оскар Кокошка, который не считал кисти единственным инструментом художника, уверенно пускал в ход пальцы, ногти, иглы и вполне представлял себе в этой роли даже молоток, все же ни на одной из своих картин не оставил столько нервных царапин, сколько на этой. Здесь все трещит и искрится. Будет буря. ОскарКокошка Портрет Модерн _history
2243 

05.07.2021 20:50

"Место для купания" 1885 г. Томас Икинс Музей американского искусства Амона...
"Место для купания" 1885 г. Томас Икинс Музей американского искусства Амона Картера, Форт-Уэрт. За почти полтора века своего существования картина «Место для купания» стала, пожалуй, самой обсуждаемой (а некогда – и самой осуждаемой) работой Томаса Икинса. Ее неоднократно называли «ярким образцом гомоэротизма в американском искусстве». Если же принимать в расчет убеждения художника о работе с обнаженными моделями, подобный выбор сюжета не кажется ни удивительным, ни вызывающим. Эту картину можно назвать венцом художественной карьеры Икинса, вложившего в работу все свое мастерство в изображении человеческого тела и воплотившего в ней свои взгляды относительно «приличной и неприличной» наготы. Написанию картины предшествовала кропотливая подготовительная работа. Икинс, который, как известно, изобразил на полотне компанию своих студентов, сделал множество фотографий купающихся молодых людей, набросков маслом и восковых форм. На данный момент обнаружены лишь пять снимков из всех, сделанных художником, но, учитывая его основательный подход к работе и любовь к фотографии, можно предположить, что изначально их было намного больше. На этих снимках студенты Икинса запечатлены в более естественных позах, чем на картине, но в готовом полотне художник пожертвовал этой реалистичностью ради идеальной пирамидальной композиции. Часть критиков считают эту особенность недочетом полотна, как и неестественность освещения: некоторые детали картины излишне затемнены, в то время как тела купальщиков слишком сильно освещены, чтобы сосредоточить на них взгляд зрителя. В конце XIX века в США мужчины, купающиеся нагишом, не были редкостью, даже в общественных местах. Однако в американской живописи до Икинса подобных сюжетов не было. Купающимися было принято изображать женщин, чтобы подчеркнуть связь женственности с природой. Икинс же в очередной раз пошел против пуританских правил морали, запечатлев момент из собственной повседневности, которую считали недостойной внимания высокого искусства, - момент дружеского единения мужского братства. Картину «Место для купания» заказал Икинсу филадельфийский бизнесмен Эдвард Хорнор Коутс для Пенсильванской академии изящных искусств. Однако, когда художник представил ему готовую работу, заказчик по неизвестной причине от нее отказался, очень витиевато, но все же дав понять, что полотну не место в коллекции Академии. Возможно, причиной тому стало то, что изображенные на картине мужчины были студентами Икинса (а руководство учебного заведения считало неприличными такие неформальные отношения между преподавателем и его подопечными), к тому же художник по традиции поместил на холст и самого себя – в правом нижнем углу. Как бы там ни было, при жизни художника полотно выставлялось только дважды, и оба раза критики обошли его своим вниманием. Однако спустя год после смерти Икинса именно «Место для купания» стало главной причиной роста интереса общественности к его творчеству и, в конце концов, признания его одним из величайших американских художников XIХ века. ТомасИкинс Реализм _history
2203 

10.07.2021 21:04

"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных...
"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных искусств, Хьюстон. Картина Камиля Коро «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» – пожалуй, самое волнующее из всех живописных воплощений древнего мифа. Пронзительная нежность её тончайшей серебристо-зеленоватой гаммы сопоставима разве что со скрипичной увертюрой к опере «Орфей и Эвиридика» Кристофа Виллибальда Глюка. Согласно мифу, воспроизводимому в «Георгиках» Вергилия, лесная нимфа Эвридика была покорена музыкой и пением влюблённого в неё Орфея. Но счастье взаимной любви длилось недолго. Когда Эвридика с подругами-дриадами водила хороводы в роще, её ужалила смертоносная змея. Потерявший жену Орфей был безутешен. Он решает отправиться в подземное царство и вымолить у Аида и Персефоны отпустить Эвридику с ним. Его музыка помогла ему быть убедительным. Лишь одно условие было выдвинуто легендарному певцу: не оглядываться – иначе Эвридика умрёт. Но Орфей не вытерпел. Он повернулся удостовериться, что любимая следует за ним, и лишился Эвридики, теперь уже навсегда. У Камиля Коро есть и менее известная картина «Орфей оплакивает Эвридику», рисующая предпоследний акт свершившейся драмы (финалом которой станет растерзание Орфея обезумевшими вакханками). А картина «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» показывает зрителю тот момент, когда еще жива надежда, когда Орфей держит свою лиру в высоко поднятой руке, как путеводный факел, озаряющий путь, а мрачные тени подземного царства тают в предутреннем тумане. Пейзаж для Коро в этой картине оказывается, как ни удивительно, намного важнее главных персонажей. Коро был настоящим виртуозом в передаче переходных состояний природы – этих туманов, которые вот-вот рассеются, но могут и угрожающе сгуститься. Или этих коротких минут, которые уже и не ночь, но и еще и не утро – недаром его называли «певцом рассвета», а президент Французской Республики Наполеон III шутил: «Чтобы понять этого художника, придётся слишком рано вставать». В изображении Царства теней нет ничего пугающего или резкого – только призрачность, только прозрачность. Достичь этой невероятной зыбкости Коро помогали валёры – тончайшие переходы тонов в пределах одного цвета. Известен афоризм художника «Валёры – прежде всего!». Коро еще будут называть «поэт деревьев». Его деревья – особые, узнаваемые. Они написаны тонкой кистью, мазками и помельче, и покрупнее. Разные размер и плотность мазка дают возможность показать, как волнуется крона деревьев, как подрагивают на ветру листья. Мы смотрим на неподвижное полотно и – о, чудо! – ощущаем вибрацию воздуха и трепет листвы. После импрессионизма этому больше не принято удивляться. Но Коро начал писать за несколько десятилетий до экспозиций импрессионистов, а к ним самим отнёсся настороженно: называл «бандой», отговаривал своего ученика и тёзку Камиля Писсарро участвовать в их выставках. И, тем не менее, лирический пейзаж Коро делает его самым близким предтечей имперессионизма. Коро пришлось снести немало нападок за верность собственной манере, за свой незапланированный авангардизм. Им долго и высокомерно пренебрегал официальный Салон. Картины Коро развешивали в самых тёмных залах выставок Салона, где его валёры мудрено было разглядеть, а о его великолепных деревьях обидно утверждали, что это-де «какая-то грязная мыльная пена». В действительности живые деревья в царстве мертвых – чудесная живописная находка Коро. Он видел в создании пейзажей высшую и единственную цель собственной жизни. Ради неё он отрёкся от радостей супружества – по сути, сознательно отказался от счастья Орфея и Эвридики. «У меня, – признавался Коро, – есть единственная цель, которой я намерен следовать всю жизнь, – писать пейзажи. Это решение не подлежит изменению и не позволяет мне связывать себя узами брака». КамильКоро МифологическаяСцена Романтизм _history
2161 

01.08.2021 20:37

"Ярмарка в Гавре" 1906 г. Альбер Марке Музей изящных искусств, Бордо. «Ярмарке...
"Ярмарка в Гавре" 1906 г. Альбер Марке Музей изящных искусств, Бордо. «Ярмарке в Гавре» написана в период расцвета фовизма. Марке до конца своих дней дружил с Анри Матиссом. Но даже в разгар увлечения фовизмом его картины все же не были в достаточной мере «дикими». Черты фовистического направления – яркие цвета, широкие окрашенные плоскости, декоративность – присущи этой картине. Но вместе с тем Марке не спешит уходить от пространства к плоскости, с помощью усиления интенсивности цветовых аспектов он создает перспективу. А яркие цвета так изящно распределены по холсту, что, пожалуй, в отношении этой работы знаменитое высказывание Луи Вокселя, обвинившего группу Матисса в том, что «они швырнули публике в лицо банку с красками», – несколько избыточно. Ранние работы Марке представляли собой импрессионистические пейзажи. К 1906 году он с импрессионизмом окончательно простился. Его мазок во многом похож на импрессионистический, но отход от этой традиции выдает в том числе благосклонность к черному цвету, который импрессионисты не использовали, а фовисты – вполне. Марке любил применять черный как цветовой камертон, позволяющий зрителю видеть контрасты самого светлого и самого темного. С удовольствием он использует и контур, чаще всего в виде штриха-мазка, нередко черного цвета. «Ярмарку в Гавре» по тональности и общему настроению сравнивают с работами Альфреда Сислея. Но по тонкости изображения, общему лиризму и изяществу рисунка Марке того периода до Сислея, пожалуй, не дотягивает. Нередко, характеризуя работы Марке, говорят об идеальном сочетании конкретного и общего. В отношении этой картины – весьма конкретен пейзаж, а люди представляют собой скорее некий образ людей, идею о людях, в них никакой конкретики мы не найдем. Такой подход достаточно типичен для Марке: в его пейзажах практически всегда есть следы людей, так или иначе фигурируют люди, но при этом они максимально обобщены. А вот в картинах, изображающих Неаполь, уже и сам пейзаж теряет конкретику, и Неаполитанский залив становится не самим морем, а чудесной мечтой о море. АльберМарке _history
2137 

21.08.2021 20:38

"Встреча иконы" 1878 г. Константин Аполлонович Савицкий Государственная...
"Встреча иконы" 1878 г. Константин Аполлонович Савицкий Государственная Третьяковская галерея. Картина «Встреча иконы» написана художником в Динабурге. Этот период большинство исследователей считает самым плодотворным в творчестве Константина Савицкого. По определению критика Владимира Стасова, у Савицкого очень сильно «хоровое начало». И действительно, ему удивительно достоверно удавалось передавать всеобщие настроения. Учитывая современную ему русскую действительность, чаще всего это были народная скорбь, тоска, отчаянье, а отнюдь не веселье. Картина стала откликом художника на события русско-турецкой войны 1877-1878 годов, в которой погиб муж сестры Савицкого, оставив на его попечение вдовую сестру и двух маленьких детей. Картина демонстрировалась на восьмой выставке передвижников. Стасов начал свой отчет о посещении выставки с этой работы: «Господин Савицкий нежданно-негаданно привез на передвижную выставку картину, хотя и небольшую, но превосходную, хотя и грязно и серо написанную, но полную такого содержания, таких типов и такой правды, которые делают ее одним из самых значительных и важных созданий станковой русской школы». Насчет «грязно написанной» – многих передвижников упрекали в пренебрежении колористикой ради дидактики. Прямо на выставке картину купил Павел Третьяков. Наслушавшийся про тусклость колорита Савицкий рвался внести в картину изменения, однако Третьяков к этой идее отнесся неблагосклонно. Впрочем, скудные цвета позволили довольно достоверно изобразить среднерусскую глубинку: дело к осени, солнца не видно, рассеянный свет пробивается сквозь облака. Композиционным центром картины является икона Богоматери – это самое светлое пятно, вокруг нее построено всё остальное, она разделяет присутствующих на две группы: привезшие икону и пришедшие к ней. Обращает на себя внимание тот факт, что большинство молящихся – женщины. Мужчины-то на войне. Несложно догадаться, какая главная молитва крестьянских баб – возвращение мужей, сыновей, отцов живыми и невредимыми. В толпе крестьян выделяется фигура высокого мужчины. Он стоит со сложенными руками, не бьет поклоны, на лице его печаль. Вероятно, таким образом Савицкий изобразил ушедшего «в народ». Картина Савицкого перекликается с известной работой Ильи Репина «Крестный ход в Курской губернии». Но если у Репина «энциклопедия русской жизни», то Савицкий – певец именно крестьянства, не зря его называли «печальником горя народного» и проводили параллели между ним и Некрасовым. На бытийность репинского шедевра «Встреча иконы» не претендует, зато глубину мольбы и отчаяния крестьян Савицкому удалось передать в полной мере. Савицкий в принципе не силен в том, чтобы сделать из бытового мифологическое, скорее ему свойственно обратное – чрезмерное очеловечивание изображаемых, что в одних случаях на пользу картине, а в других, пожалуй, что и нет. К примеру, написанию «Встречи иконы» предшествовала забавная история. В периоды тяжкого финансового положения в Динабурге Савицкий пытался писать иконы. Но в церковь их не приняли, поскольку образы святых мучениц и Богоматери слишком походили на симпатичных родственниц художника, с которых и писались. КонстантинСавицкий Реализм _history
984 

28.05.2022 21:37

Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции...
Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции, выполненную в 1500 году художником Якопо де Барбари. Она поражает не только как предмет искусства и восхитительный пример графики, но и с точки зрения картографии является вещью совершенно революционной. Короче, откроете - обалдеете, я обещаю. Для начала, это огромная гравюра, собранная из шести блоков, надо которой Якопо де Барбари трудился три года. При том, что резку по его рисунку делали другие люди, специально нанятые резчики, то есть, он три года потратил только на рисунок. А сама карта стала самым большим изображением, вырезанным на дереве (грушевом) для печати и долго еще этот рекорд никто не мог переплюнуть. С рисунком все тоже интересно, потому что совершенно не понятно как художник умудрился зарисовать весь город практически с высоты птичьего полета. Это мы с вами балованные самолетами и дронами, а тут только XVI век начался вообще-то, поэтому надо было как-то для начала придумать рисунок в таком ракурсе, а потом его еще и осуществить. Ну вот, есть версия, что ду Барбари видел карту Флоренции, выполненную в 1480 году Франциско Росселли, не такую подробную, более средневековую по своей манере, рассказывающую о городе в общих чертах, а не работающую подробным путеводителем, но зато как раз нарисованную из похожего ракурса. Что касается совсем технической стороны дела, то некоторые считают, что де Барбари лазил на колокольни по всему городу (их тогда Венеции было 103 штуки и все они, кстати, есть на карте) и зарисовывал по кусочку пейзаж, а потом собрал все рисунки как паззл. И, скорее всего, художник пользовался не только рисованием, но и применял тригонометрию, которую, как и многие науки, вернули к жизни ученые-гуманисты совсем недавно, и эта карта не просто результат наблюдательности, но и вещь, которая построена исходя из сложных расчетов. Еще интересно то, что карта достоверна - говорят, даже сейчас можно ее использовать как путеводитель по городу. Новинка от де Барбари - изображение практических всех зданий согласно их настоящим пропорциям, а не выделение важнейших при помощи размера. Он разве что польстил Дворцу Дожей, в котором заседали все самые важные люди города и который был и остается его главной достопримечательностью, нарисовав его в половину крупнее оригинала. Ну и некоторые совсем крохотные и сложные улочки, там, где совсем окраинные лабиринты, де Барбари упростил. Зато мы видим острова - Мурано, Маццорбо, Бурано, Гвидекка и Сан Джорджио Маджоре, а вдалеке виднеются Альпы. По идее, Альпы из Венеции не должны быть видны, но это нам так показывают значение Венеции в мире, как его символический центр. Для тех же целей - ветры и, главное, в центре карты два античных бога, глядящие друг на друга. Сверху - Меркурий, покровитель торговли на троне-облаке со своим кадуцеем, знаком коммерции и атрибутом послов. Вокруг него надпись на латыни - “Я, Меркурий, благосклонно сияю над этим эмпорием”. Ну какой же из Венеции эмпорий? - спросите вы, вспомнив о том, что эмпории - это такие маленькие торговые поселения, в которых ни церкви ни армии, одни рынки. Это так, мне кажется, де Барбари, с одной стороны, скромничает за всю Венецию, а с другой - подчеркивает то, что как и средневековые или даже древние эмпории не имели укреплений и солдат потому что их безопасность гарантировалась покровительством знати, деньгами и связями, Венеция процветает за счет дипломатии. Собственно, у Венеции регулярной армии тоже ведь не водилось, были наемники, и, главное, политически опытные элиты, которые несмотря на постоянное состояние угрозы со стороны всех подряд, умудрялись при помощи переговоров (и подкупов, интриг и всего такого) удерживать Венецию от развала и разграбления.
2080 

18.08.2021 16:47


Вчера показала карту, а сегодня хочу немного добавить о ее авторе, Якопо де...
Вчера показала карту, а сегодня хочу немного добавить о ее авторе, Якопо де Барбари. Сведений о нем, кстати, совсем немного - та карта сразу его первое известное творение. Он был итальянским художником и гравером, переехавшим в Германию в 1500 году, став первым мастером Возрождения, прибывшим на постоянную работу в Северную Европу. Неизвестно когда он родился - где-то между 1450 и 1470 годами. Нормальный разброс, да? Есть версия, что он родился в Германии, потом переехал в юношестве в Италию, а потом уже только вернулся, но это не более, чем гипотезы. Кем были его родители, у кого он учился и откуда такой взялся - ничего из этого не ясно. У меня вообще обида какая-то на этого художника - за его немногочисленными сохранившимися работами видится какая-то масштабная, замечательная, очень развитая личность, дотошный мастер с изящным течением мысли, незаурядного таланта, ужасно интересный, но до нас не дошло ни дневников его, ни переписок. Ну, то есть, перед нами очевидно настоящий мастер ренессанса, который себя не ремесленником считал, а был натурально ученым, как использующим открытия современников, так и делающим собственные. Дюрер, вместе с которым он тусовался при дворе Фридриха Мудрого, считал, что у де Барбари где-то припрятана книжечка или трактатик, в котором описано что-то такое важное про рисование пропорций, какой-то секрет, который он стремился у Якопо выведать, а тот, из чистой вредности, не хотел делиться. Короче, Дюрер считал де Барбари читером. Книжечки, скорее всего, никакой и не было, просто не верилось Дюреру что вот такой вот талантливый перед ним художник сам по себе. Ну или просто де Барбари был себе на уме и любил подшучивать над окружающими и, надо думать, делал это довольно тонко. В общем, если вы классный художник или просто хороший человек - пишите дневники пожалуйста, порадуйте потомков. Осталось от де Барбари всего 12 живописных полотен, часть из которых - портреты знати. И представьте, одна из его картин - это вообще первый в Европе натюрморт, да притом сразу же натюрморт-тромплёй, обманка. Есть еще очень необычный портрет итальянского математика Фра Луки Пачоли с неизвестным знатным юношей, возможно, учеником. Пачоли демонстрирует чудо правильного треугольника, на доске у него написано “Евклид”, а еще у него есть все атрибуты настоящего геометра - циркуль, мел, угломер, грифельная доска и даже модель додэкадра на столе. Руку Пачоли держит на собственной книге, “Сумма арифметики, геометрии, отношений и пропорций”, изданной в 1494 году. А в гранях заполненного водой до половины ромбокубооктаэдра, подвешенного к потолку, якобы можно разглядеть отражение кусков венецианского Дворца дожей. Вот еще есть портрет знатного немца. Тоже не простой - это лицевая сторона, а на оборотной, внезапно, очень откровенное изображение обнаженных любовников. Их считают аллегорией скоротечности жизни, на то же самое намекает и восхитительно написанный сочный побег в стакане воды, который завянет так же скоро, как и юность.
2054 

19.08.2021 23:30

"Завтрак, или Столовая" 1887 г. Поль Синьяк Музей Крёллер-Мюллер...
"Завтрак, или Столовая" 1887 г. Поль Синьяк Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo. «Завтрак» Поля Синьяка – своеобразная присяга на верность неоимпрессионизму. «Неоимпрессионист не начинает писать холст, не уточнив композицию», – заявлял художник. Над этой картиной он работал долго, писал множество набросков и «композицию уточнял» тщательно. Картину показали на третьей выставке Салоне независимых, и она вызвала весьма прохладный прием. Синьяка упрекали в том, что он изобразил вместо лиц «раскрашенные поверхности». Художник написал своего деда, мать и служанку. В его портретах действительно не встретить тщательно прорисованных лиц. Тем не менее, в данном случае Синьяк мастерски показал психологические характеристики персонажей, не детализируя портреты как таковые. В позе мужчины во главе стола, его волевом профиле, сжатых в кулак руках чувствуется властность, привычка к подчинению окружающих, возможно, самодурство. Его впору отлить из бронзы! Лицо женщины неразличимо, единственное, в чем мы можем быть уверены – глаза ее опущены вниз. Ее фигура выражает смирение, покорность, даже забитость, пожалуй. Несмотря на то, что сидят они друг от друга не так уж далеко, создается впечатление, будто их разделяет огромное расстояние. Он – на передовой, она – где-то на задворках. На одном из предварительных вариантов не было фигуры служанки, ее Синьяк включил в композицию в процессе работы над картиной. В отличие от главных персонажей, служанка безлична, о ее характере мы ничего особо сказать не можем, она изображена скорее как функция, а не как человек. В том числе, одна из ее задач – еще больше разделить фигуры сидящих за столом, увеличить пропасть между ними. Фигура служанки – перекличка Синьяка с Жоржем Сёра, ее поза повторяет позу дамы на переднем плане на картине «Воскресный день на острове Гранд-Жатт». Сёра в те годы был для Синьяка безусловным лидером, а «Воскресный день» произвел фурор, так что речь явно не о совпадении, а о диалоге. Отчуждение – это, пожалуй, основное качество, характеризующее отношения между объектами на картине Синьяка. Причем речь не только о людях, предметы на столе – и те разделены. Графин, сахарница, тарелки, чашка, свернутая салфетка не соединяются в ансамбль, не соотносятся, а существуют отдельно друг от друга. Пуантилистская манера зачастую создавала эффект остановившегося времени. Имеет место этот феномен и в данном случае. Даже чашка, которую подносит ко рту женщина, вовсе не обещает дальнейшее движение, это мгновение застыло, и выход из него не предусмотрен. Не будем забывать, что неоимпрессионисты появились не на пустом месте, а как противодействие импрессионистам, у которых «завтрак» – одна из любимых тем. Вспомним «Завтраки на траве» Эдуарда Мане и Клода Моне, «Завтрак гребцов» Ренуара и множество других вариаций на эту тему. Картина Синьяка кардинально отличается от предвосхитивших ее «завтраков». Здесь совершенно иное «меню»: нет яркости, легкости, праздничности импрессионистских завтраков. Напротив, статичная, четко структурированная картина оставляет довольно тягостное, гнетущее впечатление, импрессионистской радости и мимолетности мы здесь не найдем. ПольСиньяк Пуантилизм _history
2084 

25.08.2021 21:07

"Призрак Оивы" 1832 г. Кацусика Хокусай Бостонский музей изящных...
"Призрак Оивы" 1832 г. Кацусика Хокусай Бостонский музей изящных искусств. Один из листов серии Хокусая «100 историй о призраках» посвящен Оиве – самому известному в Японии привидению онрё. В японской мифологии онрё – «обиженный, мстительный дух» – неупокоенная душа человека, цель которой наказать обидчика, нанесшего ей оскорбление при жизни. Японцы очень любят традиционные сказки-страшилки с участием онрё – кайданы. Часто ставили их на сцене театра кабуки, где призраков обычно играли женщины в белых погр...ьных одеждах, с длинными распущенными волосами и мертвенно-бледным гримом. Этот образ плавно перекочевал в кинематограф: сначала японский, а затем и мировой. Самый, пожалуй, известный призрак онрё в кино – девочка с видеокассеты-убийцы из фильма «Звонок». Нет повести печальнее на свете История Оивы основана на реальных событиях, а увековечена благодаря пьесе театра кабуки, написанной Цуруя Намбоку IV. Премьера «Страшной истории о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» состоялась в 1825 году, после чего пьеса приобрела немыслимую популярность, а с появлением кинематографа пережила десятки экранизаций. Чаще всего онрё становились женщины, погибшие по вине своих мужей. И героиня гравюры Хокусая – не исключение. Оива была замужем за ронином – самураем без хозяина. Иэмон был вынужден изготавливать зонты, чтобы содержать жену и новорожденного сына. Это было настолько унизительно для него, что он начинает ненавидеть молодую супругу, в которой видит источник своих бед, и совершает целую серию убийств. Еще до свадьбы жертвой Иэмона становится отец невесты, осведомленный о злодеяниях ронина, которые тот совершал ранее. Затем сосед – дед девушки, влюбленной в Иэмона, уговаривает угостить жену «тонизирующим средством», которое в действительности было ядом, вызывающим мучительную смерть. Вскоре ронину приходится избавиться от слуги – свидетеля преступления. Во время свадебной церемонии он по ошибке отрубает голову своей новой невесте, так как вместо нее ему видится изуродованное мучениями лицо умершей жены. Позже, пытаясь мечом отмахнуться от призрака убитого им слуги, нечаянно убивает и старика-соседа. Привидение Оивы продолжает истязать подлого мужа на протяжении всей пьесы. Куда бы он ни шел, везде является ему ее зловещий лик. В одной из сцен в Оиву внезапно превращается загоревшийся бумажный фонарь, а из дыма от этого огня проявляется тело призрака. Именно этот образ Оивы в виде горящего фонаря и запечатлен на ксилографии Хокусая. Проклятие призрака Оивы Подобно тому, сколько суеверий и загадочных событий связано с попытками экранизации романа Булгакова «Мастер и Маргарита», в Японии слагают истории о проклятии, преследующем всех, кто имеет отношение к постановке пьесы об Оиве. В 1976 году череда несчастных случаев постоянно вмешивалась в размеренное течение жизни театра Иванами-холл в Токио. Болезни настигали актеров и их родных, приходил в негодность реквизит, переносились репетиции. В конце концов вся труппа прибыла на место погребения Оивы, чтобы отслужить там панихиду. А на премьере пьесы одно место в первом ряду оставили незанятым, и с тех пор это стало непреходящей традицией. Как и обычай проводить поминальные службы на могиле Оивы перед каждой новой постановкой. Актрисы, которым предстоит играть мстительного призрака, обязательно посещают храм, посвященный Оиве, ведь считается, что им более всего стоит опасаться ее козней. И хотя ее почитают особенно злобным онрё, на гравюре Хокусая Оива изображена скорее печальной, чем разъяренной. Пронзительны опущенные вниз уголки глаз, в бессильной злобе разинута беззубая пасть привидения-фонаря. Созданный мастером образ разительно отличается от призраков Оивы на гравюрах других авторов, где она предстает устрашающей сущностью, от одного вида которой стынет в жилах кровь. КацусикаХокусай _history
1980 

18.09.2021 20:37

Анто́нио Кано́ва (1 ноября 1757, Поссаньо — 13 октября 1822, Венеция)...
Анто́нио Кано́ва (1 ноября 1757, Поссаньо — 13 октября 1822, Венеция)...
Анто́нио Кано́ва (1 ноября 1757, Поссаньо — 13 октября 1822, Венеция) — итальянский скульптор, наряду с датчанином Бертелем Торвальдсеном, наиболее значительный представитель неоклассицизма в западноевропейской скульптуре. При жизни Канова имел репутацию самого значительного из скульпторов новейшего времени. В развитии классицистической скульптуры он сыграл столь же ключевую роль, что и Давид — в развитии классицистической живописи. Современники не жалели сильных эпитетов для описания своего преклонения перед даром Кановы, который, как тогда казалось, выдерживал сравнение с лучшими ваятелями античности. Его надгробия эффектны, портреты — идеализированы. Тем не менее ни «торжественное спокойствие композиции», ни «ясность и изящество пропорций» не уберегли Канову от обвинений в «холодной отвлечённости образов, сентиментальной слащавости и салонной красивости, безжизненности гладкой, отполированной поверхности мрамора», которые выдвигали против него многие позднейшие историки искусства.
1947 

13.09.2021 14:16

"Авиньонские девицы" 1907 г. Пабло Пикассо Нью-Йоркский музей современного...
"Авиньонские девицы" 1907 г. Пабло Пикассо Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Едва ли найдется много художников, которые кардинально меняли стиль в один момент. Чаще всего существует некий переходный период, во время которого работы совмещают в себе разные техники и стили. «Авиньонские девицы» Пикассо относятся, пожалуй, именно к таким картинам. С одной стороны это уже практически кубизм в чистом виде, но в то же время лица героинь полотна имеют неоспоримое сходство с масками, что было свойственно «африканскому периоду» в творчестве художника. Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены. По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе. ПаблоПикассо Кубизм | Слушать аудиоразбор _history
1818 

16.10.2021 20:37


"Свежий кавалер" 1846 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская...
"Свежий кавалер" 1846 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская галерея. «Свежий кавалер» – картина, после которой Павел Федотов проснулся знаменитым. Еще недавно в моде были пышные исторические композиции, а Карл Брюллов снобистски убеждал Федотова, что тому недостаёт знаний и академической выучки, чтобы дерзать быть художником. Но к середине 1840-х в русской культуре сформировался мощный тренд не на возвеличивание, а на критику жизни. В литературе его подхватил Гоголь, в живописи – Федотов. В каком-то смысле «Свежий кавалер» – двоюродный брат гоголевского Хлестакова. Однако обо всём по порядку. Почему герой картины стоит в позе античного оратора? Что протягивает ему кухарка? Почему вокруг них такой чудовищный беспорядок? И кто кому – кавалер? Смысл сюжета в первые минуты ускользает от нас. Так происходит не потому, что Федотову не удалось в должной мере воплотить собственный замысел – как раз наоборот. Проблема в том, что минуло 170 лет и многие бытовые реалии ушли. А без них «Свежий кавалер» остаётся тёмным и непонятным. Яснее станет, если вспомнить, что альтернативное название картины– «Утро чиновника, получившего первый крестик». Итак, перед нами представитель чиновничьего племени в утренней домашней неприглядности. Его халат смахивает на римскую тогу, а папильотки в волосах – на лавровый венок. Античные отсылки и цезарева величественность позы курьёзны и жалки в тесноте и впечатляющей грязи обстановки. Наш герой недавно проснулся. И очевидно, его ночь была непростой. Кувшины, валяющиеся бутылки, объедки и рыбьи хвосты на полу недвусмысленно указывают на недавнюю попойку. Гитара намекает: было весело. Кухарка протягивает сапоги – оделись бы вы, дескать, барин. Помятый барин вместо этого тычет пальцем в свежего «Кавалера» – полученный накануне орден, основательный повод напиться. Прогрессивная критика XIX века вцепилась в этого федотовского персонажа, увидев в нём утрированное воплощение всех недостатков бюрократической крепостнической России. Доходило чуть не додемонизации. Владимир Стасов, известнейший критик и вдохновитель передвижников, красноречиво клеймил злобность, чванство, бездушие и «боготворение ордена»: «...Перед вами понаторелая, одеревенелая натура, продажный взяточник, бездушный раб своего начальника, ни о чем уже не мыслящий, кроме того, что тот даст ему денег и крестик в петлицу. Он свиреп и безжалостен, он утопит кого и что захочет, и ни одна складочка на его лице из риноцерсовой (от франц. rhinocéros– носорог) шкуры не дрогнет». Между тем никакого жесточайшего обличения в «Свежем кавалере» нет. Взгляд Федотова язвителен – но и только. Мы видим, что каморка нашего чиновника тесна, обставлена разнокалиберной мебелью и в целом довольно убога, а сапоги и халат дырявы. Взяточник как-то мелковат для подобных масштабных инвектив, да и с носорожьей свирепостью Стасов погорячился. Некоторые сторонники критического реализма в антикрепостническом запале пытались доказать, что герой Федотова негодяй. Он-де унижает слабого – свою кухарку (считается, что в картине есть и намёк на их сексуальную связь, житейское для своей эпохи дело). Однако симпатичная крепостная девка на картине – явно в более выигрышной позиции. Её красноречивый взгляд выражает смесь презрения и снисхождения к непутёвому барину, помпезная поза которого не демонстрирует превосходства, а всего лишь указывает на его профессиональную деформацию: где ж сыскать в России чиновника, который не страдал бы от маниакального тщеславия? Всё это подаётся скорее с мягким юмором, чем с уничижительнымсарказмом. Гоголь в «Ревизоре», был, пожалуй, порадикальнее в обличениях, чем художник Федотов. Забавно, что в реальности чиновничье фанфаронство оказалось опаснее, чем на картине. Например, один из цензоров совершенно всерьёз требовал от Федотова замалевать орден (высокую государственную награду!), дабы не подрывать сакральных устоев державы. ПавелФедотов Реализм _history | Слушать аудиоразбор
1768 

14.11.2021 20:37

"Черный ирис III" 1926 г. Джорджия О'Киф Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
"Черный ирис III" 1926 г. Джорджия О'Киф Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Джорджия О’Киф получила известность, в первую очередь, благодаря именно своим «цветочным» произведениям. В ноябре 2014 года ее картина «Дурман/Белый цветок №1» была продана на аукционе Sotheby's за рекордную сумму – 44,4 миллиона долларов, став самым дорогим произведением искусства, созданным женщиной. Ей удалось заглянуть в самую суть этой первозданной красоты, уловить сочетание хрупкости и величественности, присущее лишь творениям природы. Ее картины почти пугают своей открытостью и откровенностью, их хочется жадно разглядывать, вникая в детали, но при этом возникает странное безотчетное желание стыдливо отвести взгляд, как будто случайно становишься свидетелем чего-то слишком интимного и сокровенного. Пожалуй, именно по этой причине Джорджии О’Киф всю жизнь приходилось отбиваться от художественных критиков и обозревателей, усматривавших в ее картинах исключительно проявление женской чувственности и сексуальности. На самом же деле художница, по ее собственным словам, хотела просто заставить зрителей – в том числе и вечно занятых и озабоченных ньюйоркцев – на несколько минут оторваться от многочисленных дел и остановиться: «Никто на самом деле не видит цветы – они слишком маленькие. У нас нет на это времени, а на то, чтобы увидеть, необходимо время, как и на то, чтобы стать друзьями». Поэтому художница писала цветы так, как она их видела, но для того, чтобы другие люди увидели их ее глазами, их приходилось увеличивать в сотни раз. В работах О’Киф нет пасторальных ромашек или будуарных роз. Художница очень любила каллы (которые стали ее своеобразной «визитной карточкой»), канны, петунии и орхидеи. А среди ирисов она особенно ценила черные, вот только в Нью-Йорке их можно было найти в цветочных магазинах лишь раз в году – в течение пары весенних недель. Поэтому работы О’Киф с ирисами ценятся гораздо выше остальных, ведь эти капризные и недолговечные цветы были слишком редкими гостями на ее полотнах. ДжорджияОКиф _history
1737 

15.11.2021 21:37

Аллегория бренности бытия (Старая кокетка) - картина, написанная в 1637 году...
Аллегория бренности бытия (Старая кокетка) - картина, написанная в 1637 году Бернардо Строцци по прозвищу Каппуччино. Прозвище это художник получил не из-за любви к кофейку, а из-за того, что двенадцать лет пробыл в монашеском ордене капуцинов. Там, вероятно, он и обучался и там же начал писать картины и участвовать в росписях церквей. Орден ему позволили покинуть после смерти отца чтоб присматривать за пожилой матерью и незамужней сестрой, тогда он начал писать картины не только на религиозные, но и на всякие светские сюжеты чтоб иметь возможность содержать семью, что его родной орден страшно возмущало. Конфликт достиг пика, когда мать Строцци умерла и капуцины потребовали, чтоб художник вернулся, а он отказался - тогда его поймали посадили в тюрьму на полтора года. После тюремного заключения Строцци позволили отправиться в Венецию, где он до конца своих дней спокойно работал, набирал учеников и даже числился несколько лет корабельным инженером. Что касается сюжета - это очередные вариации на тему Ванитас, то есть, суеты сует. Как всегда - все это абсолютно бесполезно, жизнь коротка и мы все умрем и наши попытки делать вид, что это не так потешны и жалки, прям как эта красотка, которая выбирает какой цветок приколоть сегодня к корсажу - розу или флердоранж, апельсиновый цветок. И оба эти цветка символизируют юность и любовь, но рядом с ними притаился погр...ьный цветочек бархотца. Да и вообще, во всех предметах, от птичьего чучелка до тяжелой нитки жемчуга, автор зашифровает печальные послания о бренности земной юдоли и мирских удовольствий. А служанки, сооружающие сложную прическу, вроде как потешаются над своей госпожой - хотя тут спорно. Но вот знаете что, я тут недавно своим современным взглядом на нее глянула и поняла, что хоть все эти смыслы и считываются (к тому же есть картина и гравюра Гойя прям вот об этом же - с молодящимися старушками, только страшнее), но я сначала подумала о том, что вижу прикольное и хорошее, а не комическое и жалкое. Тут могла бы быть телега о том, как сдвинулись наши представления о возрасте и о том, что положено и запрещено в разные периоды жизни, особенно женщинам, о том, как на обложках журналов все чаще появляются великолепные женщины в седых кудрях и как здорово видеть энергичных, счастливых, красивых и не боящихся быть смешными очень взрослых людей, но ее не будет, а будет бодрое пожелание - молодитесь пожалуйста все и украшайте корсажи флердоранжем хоть в 15, хоть в 95. Вот.
1679 

08.12.2021 20:50

"Весна" 1920-е Михаил Ларионов Собрание А. К. Томилиной-Ларионовой...
"Весна" 1920-е Михаил Ларионов Собрание А. К. Томилиной-Ларионовой, Париж/ 1920 год. Ларионов уже живет в Париже, уже понимает, что в ближайшее время о возвращении в Россию думать не приходится. Эпоха отрицания авторитетов, эпатажа, скандалов и отмены изобразительности в угоду лучам – основе созданного им лучизма – остались в прошлом. Доказав себе и миру, что искусство может изображать не события и персонажей, а абстракции, быть беспредметным, Ларинов позволяет себе вернуться к фигуративной живописи. Но, удивительное дело, именно теперь его картины обрели особую бесплотность. На картине «Весна» две женщины и ребенок изображены в саду. Впрочем, хочется сказать, что женские и детский силуэты изображены в образе сада. Цвета блеклые, полупрозрачные, размытые. Картины позднего Ларионова – словно послесловия изображений. Пейзаж – будто сон о пейзаже, а обнаженная женщина – только возможность воплощения в человеческой форме. Эти весенние женщины полуобнажены или облачены в прозрачные платья? Скорее, перед нами лишь намек на них, на призрачную возможность существования этих девушек то ли в саду, то ли во сне. Юрий Анненков о работах Ларионова этого периода пишет: «Его обнажённые женщины только начальная ступень человеческих форм, только предисловие к ним; его девушки в саду лишь намёки на девушек в призраках сада; случайные совпадения мазков похожи на платья каких-то вчера или третьего дня припомнившихся и снова забытых лет, и краски монохромны и бесцветны, как сон». В Париже Ларионов всерьез занялся хореографическими постановками – кстати, невесомые одежды девушек вызывают ассоциации с балетными юбками. Возможно, его увлечение балетом наложило свой отпечаток и придало изображению такую музыкальность, превращающую зрителя в слушателя? Пожалуй, это и есть главная загадка позднего Ларионова. МихаилЛарионов _history
1230 

27.03.2022 20:38

"Ветряная мельница в солнечном свете" 1908 г. Пит Мондриан Муниципальный музей...
"Ветряная мельница в солнечном свете" 1908 г. Пит Мондриан Муниципальный музей Гааги. Один из наиболее часто повторяющихся мотивов в раннем творчестве Мондриана – мельница. Что, впрочем, совсем неудивительно для художника, родившегося и прожившего внушительную часть жизни в Нидерландах. Еще одним таким объектом стал маяк в Весткапелле, который Мондриан изображал в разных стилях и техниках, экспериментируя с ними так, как в свое время Моне с многочисленными стогами в разном освещении. Мельницы же Мондриан начал писать еще до экспериментов, новшеств и открытий. Но уже тогда, особенно поддавшись влиянию теософов, он тяготел к изображению этих крестообразных конструкций. «Мельница в солнечном свете» стала одной из самых знаменитых работ художника, обозначив некий рубеж в его творчестве. Это полотно, очень похожее на работы люминистов, – яркий, солнечный аккорд, созданный с помощью одной лишь триады основных цветов. Голландская живопись, повлиявшая на ранние работы Мондриана, была далека от понимания колористики. Большинство нидерландских художников XIX века отдавали предпочтение тонализму, в котором нюансы и оттенки были важнее цвета как такового. Пожалуй, только Винсент Ван Гог сумел выйти за рамки этой традиции. Но в начале ХХ века ситуация изменилась. В 1907 году друг Мондриана Ян Слёйтерс привозит из Франции новые модные веяния – пуантилизм и фовизм. Для всего европейского искусства начала ХХ века и для Мондриана в частности сосредоточенность в первую очередь на цвете стала первым шагом к обновлению. Прежде чем перейти к проблеме формы, европейская живопись находит новое видение реальности через выразительность цвета. Но интересно, что в то же самое время, когда Мондриан увлекается цветом, во Франции Пабло Пикассо и Жорж Брак обращаются к новому видению формы, которая позже станет такой значимой для Мондриана. ПитМондриан Пейзаж Импрессионизм _history
1168 

16.04.2022 21:04

Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о...
Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о Сюзанне Валадон, кого имеем в виду? Прекрасную, всегда разную натурщицу, запечатленную на шедеврах импрессионистов? Художницу, которая и сама оставила след в живописи? Мать знаменитого художника? Яркую, самобытную женщину? А может, скандальную даму Монмартра, участницу «проклятой тройки»? Вспомним всех. Вспомним Сюзанну Валадон. Сюзанна Валадон не родилась Сюзанной Мог ли кто-то предположить, что Мари-Клементин Валадон, незаконнорожденная дочь прачки, прославится отнюдь не достижениями на поприще стирки и прочего клининга, а станет всемирно известна как модель, запечатленная на картинах Ренуара, Тулуз-Лотрека, Пюи де Шаванна (сегодня мы любуемся ею в самых знаменитых музеях)? Но не только. Знаем мы Сюзанну Валадон и как самобытную художницу. Позируя этим мужчинам, Мари-Клементин училась у них. Художники писали ее, она же словно впитывала их умения. Сеансы позирования были для нее и сеансами обучения, о чем до поры до времени никто не подозревал. Известна она и как мать художника Мориса Утрилло, чья слава в итоге превзошла ее собственную. Но почему же Сюзанна? Ревнивый Тулуз-Лотрек (кстати, именно он первый увидел ее рисунки) так нарек ставшую на тот момент знаменитой любимую (во всех смыслах) натурщицу, прозрачно намекая на библейскую историю Сусанны и старцев. В роли старцев Лотрек представил именитых живописцев, которым Мари позировала. Правда, в отличие от Сусанны библейской, Сюзанна Валадон, смущающая «старцов Монмартра», чаще всего им не отказывала. Фамилию какого именитого художника должен был носить ее сын Морис Утрилло, не знала даже она. Мальчику было 8 лет, когда его усыновил один из возлюбленных Сюзанны, архитектор, художник и арт-критик Мигель Утрилло. По этому поводу ему приписывают шутку, мол, подписать творение одного из великих мастеров — большая честь для него. Сюзанна Валадон: «все сложно» С Сюзанной Валадон точности и определенности не будет, это становится очевидно уже при попытке начать стандартную биографию. Имя-фамилия, дата рождения, вот это всё. Насчет имени разобрались выше, но с датой тоже не всё просто. Мари-Клементин Валадон родилась в 6 утра 23 сентября 1865 года в доме мадам Гимбо в Бессине, так значится в книге регистрации актов о рождении. Однако сама художница настаивала на другой дате — 23 июля 1867 года. Мать Мари служила в доме Гимбо прачкой. Ее беременность вызвала множество пересудов: такая тихая, строгая и ответственная работница, и вдруг такой казус, ах. А что с папенькой, кстати? Неизвестно. В рассказах Сюзанны он появлялся то человеком знаменитого имени и голубых кровей, то всего лишь «простым» банкиром, а временами и каторжником. Впрочем, иногда она заявляла, что мать нашла ее у ступеней Лиможского собора. Практически всю свою жизнь Сюзанна Валадон создавала миф о себе, словно дразня биографов и потомков противоречивыми сведениями и шокируя непредсказуемыми выходками. Чего стоило утверждение, что свои неудачные картины она скармливает козе, обитающей в ее мастерской. А посещение мероприятий с пучком морковки в качестве букета? В последние годы жизни уже создавшая себе имя Сюзанна Валадон забросила живопись. Четко увидеть и определить момент, когда ты сказала всё, что могла сказать, и остановиться, — это, пожалуй, даже эффектнее, чем коза в мастерской. «У меня были великие учителя, от которых я взяла лучшее в отношении профессионализма и мастерства. Я нашла себя, стала той, кем в действительности являюсь. Мне было что сказать, и я сказала все. Так чего же хорошего в том, чтобы во что бы то ни стало продолжать, впадать в самоповторы, как старый маразматик? Нет уж, спасибо, не мой стиль».
1127 

18.04.2022 21:36


​​Еще не феминизм, но...

Нет, она не призывала к борьбе за права женщин, особо...
​​Еще не феминизм, но... Нет, она не призывала к борьбе за права женщин, особо...
​​Еще не феминизм, но... Нет, она не призывала к борьбе за права женщин, особо не рассуждала о роли женщин и мужчин, о равенстве. Она жила так, будто всё уже есть, и умудрилась стать равной среди лучших. Именно Сюзанна Валадон оказалась первой женщиной, принятой в общество независимых художников (1920 г.). А пробиться на художественном олимпе и прочно завоевать свое место в то время женщине было значительно сложнее, чем сегодня. И потому что положение женщин в обществе оставляло желать лучшего, и потому что творила она в годы, когда гениальные мужчины чуть ли не ежедневно создавали новые направления, шокировали, впечатляли, навсегда меняли облик мировой живописи. Ее совершенно не волновало, можно ли было в то время женщине писать обнаженную натуру (спойлер: нельзя), ню составляют существенную часть ее наследия. Не факт, что слово «объективация» было тогда в ходу, факт, что ее картины не упрекнешь в том, что женщины на них изображены ради услады мужских глаз. Даже нарисованные ею дети не вызывают умиления, а ее обнаженные женщины не эротичны, да и красивыми их назвать далеко не всегда можно. Отношение Валадон к моделям порой подвергалось критике. Так, поэт Жан Вертекс по поводу ее «обнаженки» писал: «Она ненавидит женщин и мстит за любой имеющийся у них шарм, проклиная их своей кистью». Сказано, пожалуй, слишком категорично, но за «сделать красиво» точно не стоило идти к Валадон. Она признавалась, что не умеет льстить, не рекомендовала обращаться к ее услугам женщинам, предупреждая, что не изобразит их обаятельными или приукрашенными, а потому наверняка разочарует. К себе она была не менее строга, самолюбования в ее автопортретах не отыскать. Сама Сюзанна, безусловно, была притягательна для мужчин. А была ли она счастлива? Про главного ее мужчину — в следующей части (полотно текста уже не вместилось в одно сообщение, простите). А итог своим любовным делам сама художница уже в весьма почтенном возрасте подвела так: «Мужчины любили меня, это правда. Но я хочу быть любимой мужчинами, которые никогда меня не видели, хочу чтобы они мечтали обо мне и воображали меня перед квадратом холста, на котором с помощью красок я оставила частицу своей души». Кажется, больше ее волновали мужчины, которые смотрят, смотрели и будут смотреть на ее картины, нежели вожделевшие и обожавшие саму ее. СюзаннаВаладон _history https://telegra.ph/file/de00f498cab910f759b91.jpg
1139 

18.04.2022 21:37

Zara, H&M, levi’s, Adidas, Decathlon, Nike


Zara, H&M, levi’s, Adidas, Decathlon, Nike, Pull&Bear, Bershka, Mango, Oysho и многие другие любимые бренды снова доступны для Вас по приятным ценам!

Супер качество и адекватные цены !!!
По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru