"Юность Девы Марии" 1642 г. Гвидо Рени Государственный Эрмитаж. _history

«Дрезденский алтарь» 1496—1497гг. Альбрехт Дюрер Сюжет центральной панели - поклонение Девы Марии Младенцу. Левая створка изображает святого Антония, он спокоен, несмотря на то, что окружен фантастическими существами, искушавшими его в пустыне. На правой створке - святой Себастьян. Его облик нетрадиционен: стрелы, которыми он был пронзен, отсутствуют, но на теле остались раны от них. Центральная панель помимо главной сцены содержит важные сюжетные детали. Так, рядом с Девой Марией на пю­питре помещена книга. Это аллюзия на Книгу Премудрости Соломона. Ангелы держат над головой Девы корону, что указывает на нее как на «Regina Coeli» (с латинского - «Царица Небесная»). Триптих, вопреки традиции, не предназначен для складывания, оборотные стороны его крыльев не расписаны. Алтарь предназначался для часовни замка Виттенберг, первоначально была выполнена лишь центральная его часть. Потом в связи с эпидемией чумы, к алтарю были добавлены две боковые панели с изображениями святых покровителей больных.

«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк Некогда скандальная картина изображает Мадонну в необычном ракурсе. Из канонических деталей здесь лишь нимб непривычно красного цвета. Неприкрытая нагота, экстаз на лице и распущенные волосы - произвели некогда на публику весьма неоднозначное впечатление. Максимальное очеловечивание образа Девы Марии, попытка показать ее земное, человеческое величие - вот главная задача, которая стояла перед автором. Известно, что мастер несколько раз менял название этой работы. Среди версий были - «Зачатие», «Любящая женщина». Автор остановился на «Мадонне», чтобы подчеркнуть свое отношение к изображаемой женщине. Фигура героини пластична и округла, живот подчеркнут особенно, руки схематичны, они словно исчезают за полупрозрачным фоном. Всякий может заметить неоспоримое сходство «мадонны» с античными скульптурными образцами, послужившими источниками для работы.

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history

Нападение на «Пьету» Микеланджело 21 мая 1972 года в базилике Святого Петра в Ватикане сразу после окончания праздничной литургии по случаю Дня святой Троицы австралийский геолог Ласло Тот набросился на работу Микеланджело «Пьета». С криком «Я — Иисус Христос, Христос восстал из мертвых!» Тот нанес статуе Девы Марии 15 ударов скальным молотком, отбив левую руку на уровне локтя, левое веко и оставив на ее носу щербинки, не считая множества других мелких повреждений. Базилика была полна народу, поэтому вандала быстро оттащили от статуи. Тот и на суде утверждал, что он Иисус, и поэтому был признан невменяемым.

​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо Это изображение распятия, темы, весьма распространенной в церковном искусстве, выполнено в непривычном, неканоническом виде. Фреска создает иллюзию крупного архитектурного фрагмента, выполненного в совершенно нетрадиционном для готики стиле. Это уже настоящий Ренессанс с его тонким пониманием пропорций и роли перспективы в искусстве. Нижняя часть фрески изображает каменное надгробие, принадлежащее Доменико Ленци. Этот факт дает право предполагать, что две фигуры — мужская и женская, находящиеся симметрично выше надгробия, принадлежат лицам, оплатившим фреску — Лоренцо Ленци и его супруге. Центральная часть симметричной композиции — это, собственно, сцена распятия. На кресте изображен Христос, за спиной которого стоит Бог-отец, поддерживающий своего сына в его смертный час. По сторонам печальной группы расположены фигуры Девы Марии и святого Иоанна. Интересно, что Дева Мария поворачивается к зрителям лицом и протягивает руку к своему страдающему на кресте сыну, как бы говоря: «Посмотрите, на что пошел Христос ради вас». http://chnly.pro/file/92d8472d56fb421697c9f3c19e3ade47

"Святая Маргарита Антиохийская" 1630-е Франсиско де Сурбаран Лондонская Национальная галерея. «Святая Маргарита Антиохийская» – одна из нескольких картин загадочной серии Сурбарана, изображающей христианских мучениц. Загадочно в этих полотнах, прежде всего, их назначение. Номинально они изображают святых, по факту же – привлекательных жительниц Севильи в современных одеждах. И хотя Сурбаран всю жизнь работал для монастырей, его святые женского пола мало пригодны для украшения церковных стен. Для всех мучениц Сурбаран выбрал повторяющуюся из раза в раз композицию. Фигуры занимают всё пространство портретов, почти все они на 2/3 развернуты к зрителю и – что важно – все без исключения самым тщательным образом разодеты. Доротея, Аполлония и другие – просто в роскошные накидки и платья, дочка мавританского правителя Касильда – в царское облачение, ну а святая Маргарита – всего лишь в пастушеский костюм, однако чрезвычайно гармоничный и красивый. Но не странно ли это? Не абсурдно ли подобное сосредоточение на внешности в ущерб непосредственно христианским подвигам святых? Ведь их жития содержат массу подробностей – живописных, хотя и кровавых, на которые в искусстве барокко был большой спрос. Мавританка Касильда носила пищу христианским пленникам, а когда отец застукал её с хлебом в подоле, могла бы быть казнена, но хлеб превратился в розы. Аполлония Александрийская отказалась поклоняться языческим богам, за что ей сначала вырвали клещами зубы, а потом сожгли на костре. Святая Маргарита своим крестом распорола брюхо самому дьяволу, который предварительно её сожрал. Обо всех этих холодящих душу подробностях Сурбаран сообщает лишь вскользь – розами в подоле Касильды, щипцами в руках Аполлонии. Но сами девы никак не производят впечатления святых и тем более мучениц – во всяком случае, не таких, как их представляет церковный канон. Маргариту Сурбаран изобразил в изящном костюме в народном духе. Соломенная шляпа с загнутыми полями оттеняет точеное лицо с ярким румянцем; монументально сочетание белого, синего и красного в наряде; особенно выразительной выглядит вышитая холщовая сумка (такие вплоть до наших дней время от времени входят в моду как элементы испанского стиля). Между тем, в отличие от Касильды, жившей незадолго до Сурбарана, в XV столетии, Маргарита никак не могла быть его близкой современницей. Она была дочерью языческого жреца в Антиохии в далёком III веке, еще до того, как Антиохия вошла в состав Византии, а христианство стало государственной религией. Христианкой Маргарита стала тайно. Правитель Антиохии, покоренный её юностью и красотой, хотел жениться на Маргарите. Но она ответила отказом, объяснив, что не может стать суженой царя земного, поскольку уже является невестой Царя Небесного. За это Маргариту бросили в темницу, а дьявол, приняв облик огнедышащего дракона (его мы видим на заднем плане картины Сурбарана) прилетал, чтобы пугать мученицу, и однажды даже проглотил её. Тогда крест в руках Маргариты внезапно стал расти и увеличивался до тех пор, пока не вспорол дракону брюхо. Житие Маргариты наполнено сказочно-готическими элементами и драматическими поворотами. Но не они привлекают Сурбарана. Как и во всех картинах серии, его главный интерес представляет не что иное как тщательное, виртуозное исполнение одежды. Сейчас в исследовательской среде все чаще звучат идеи о том, что неправильно ограничивать творчество Сурбарана монастырскими стенами. Быть может, его неоправданно прекрасные мученицы просто служили рекламой семейному бизнесу по продаже дорогих тканей? Во всяком случае, такую версию в фильме об испанском барокко высказывает арт-критик Вальдемар Янушчак. А писатель Теофиль Готье признавал, что святые Сурбарана – «это самые романтические существа, которых только можно себе представить». ФрансискоДеСурбаран Портрет Барокко _history

Где-то между 1483 и 1498 годами в Делфте работал художник которого называют Мастером Девы среди Дев, по названию его самой известной картины. На ней Дева Мария и святые Екатерина, Сесилия, Урсула и Варвара отдыхают в беседке. Каждую из святых дев мы узнаем по их украшениям - в них так изящно превратились атрибуты их мученичества. У Екатерины - брошь с колесом, потому что ее хотели на шипастых колесах разорвать на части, но явился ангел с небес и колеса разрушил. У Сесилии - ожерелье в виде маленького органа, потому что она покровительница музыки, ибо пела хвалу Господу до последнего вздоха. У Урсулы - ожерелье в виде сердца, пронзенного стрелой (вообще ее символ - стрела, которую она обычно или держит в руке или же стрела пронзает шею или грудь святой), потому что ее казнили гунны, после того, как она оказалась быть женой их главаря, выпустив в деву сотни стрел У святой Варвары на шее золотая башенка, так как отец запер ее в башне, чтоб оградить от мира до замужества, а та, сидя в заточении самостоятельно пришла к христианству. Мастер Девы Среди Дев был гравером и живописцем. Сейчас считается, что он много путешествовал и получал иностранные заказы - то есть, был довольно популярен в своей время. При этом, его, среди множества безымянных мастеров голландской живописи, выделили в 1903 году, собрав вместе картины, что будут ниже, и найдя в них общие черты. А общими чертами оказались реализм, внимание к бытовым мелочам (обратите внимание, например, на натюрморт на столе на картине с Тайной вечере) и особый тип женской внешности - все дамы у него с большими головами, высоколобые, с длинными шеями. Вот даже теперь считается, что именно загадочный Мастер Девы среди Дев был одним из тех, с кого началось Северное Возрождение, пионером голландского искусства. Звали его, кажется, Дирк Янс, но это пока не точно. Периодически какие-то из картин безымянных мастеров после долгого изучения атрибуцируют как его работы, так что возможно тут нас будет ждать еще много открытий. Ну а я просто млею от его живописи, особенно от Благовещения, поэтому делюсь с вами своей радостью.

Мастер Девы среди Дев, XV век призываю вас обратить внимание на детали и задние планы - там все самое занятное обычно происходит.

"Благовещение" Генри Оссава Таннер, 1898 > Филадельфия, Музей искусств Генри Оссава Таннер – американский художник-реалист. Он был первым из художников негритянского происхождения, который добился международного признания. Картина "Благовещение" написана после путешествия Таннера в Египет и Палестину, где он хотел погрузиться в жизнь и культуру жителей Святой земли. Художник создал самобытный, неканонический образ Девы Марии, которой явился архангел Гавриил. Мария изображена как крестьянка в одежде, характерной для женщин Ближнего Востока, без нимба и других атрибутов святости. Еще более оригинально показан архангел Гавриил – это столп света. Источник света и интенсивная контрастная тень создают почти реально ощутимое пространство и атмосферу, усиливая эмоциональное настроение картины. Полотно "Благовещение" было представлено на парижском Салоне 1898 года. Картина была куплена для Филадельфийского музея и стала первой картиной Таннера, которую приобрел американский музей.

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». БастьенЛепаж _history

"Рыбы при заходящем солнце" 1904 г. Михаил Федорович Ларионов Государственный Русский музей. «Рыбы при заходящем солнце» – не самое романтичное название для картины. Пока не увидишь картину Ларионова, остается надежда, что, возможно, речь о прозрачной глади пруда, в которой плещутся рыбки на фоне закатного солнца. Может, даже милая девушка у пруда имеется. Такой сюжет отлично удался бы импрессионисту, но в данном случае достался Михаилу Ларионову, а потому пруда, водных отражений и, чем художник не шутит, сияющей девы у воды не случится. Михаил Ларионов писал, кажется, во всех стилях, которые в то время стремительно сменяли друг друга. Увлеченность художника самим холстом, цветопередачей, очарованность возможностями мазка, переданные в изображении световые переливы напоминают сияние импрессионистских картин. Но все же Ларионов – не импрессионизм, хоть эту работу с рыбами всегда вспоминают, говоря о русском импрессионизме. Это веселый хохот русского авангарда, когда художники смеются раньше и громче своих хулителей, а интенсивный, сияющий цвет льется с кисти на холст, а с холста – на зрителя, просто от избытка сил, от молодой удали «бубновалетовцев». Рыбья чешуя сияет ярче, чем самоцветы. Это вообще что? Натюрморт? Пейзаж? Впрочем, его и портретом назвать впору, так живы «портретируемые». Ларионовские рыбы – словно гимн цвету, его переливам, отблескам закатного солнца в сияющей чешуе, под видом этих рыб – это гимн самой жизни, молодости, избытку сил и безудержной радости. МихаилЛарионов _history

Вчера показала карту, а сегодня хочу немного добавить о ее авторе, Якопо де Барбари. Сведений о нем, кстати, совсем немного - та карта сразу его первое известное творение. Он был итальянским художником и гравером, переехавшим в Германию в 1500 году, став первым мастером Возрождения, прибывшим на постоянную работу в Северную Европу. Неизвестно когда он родился - где-то между 1450 и 1470 годами. Нормальный разброс, да? Есть версия, что он родился в Германии, потом переехал в юношестве в Италию, а потом уже только вернулся, но это не более, чем гипотезы. Кем были его родители, у кого он учился и откуда такой взялся - ничего из этого не ясно. У меня вообще обида какая-то на этого художника - за его немногочисленными сохранившимися работами видится какая-то масштабная, замечательная, очень развитая личность, дотошный мастер с изящным течением мысли, незаурядного таланта, ужасно интересный, но до нас не дошло ни дневников его, ни переписок. Ну, то есть, перед нами очевидно настоящий мастер ренессанса, который себя не ремесленником считал, а был натурально ученым, как использующим открытия современников, так и делающим собственные. Дюрер, вместе с которым он тусовался при дворе Фридриха Мудрого, считал, что у де Барбари где-то припрятана книжечка или трактатик, в котором описано что-то такое важное про рисование пропорций, какой-то секрет, который он стремился у Якопо выведать, а тот, из чистой вредности, не хотел делиться. Короче, Дюрер считал де Барбари читером. Книжечки, скорее всего, никакой и не было, просто не верилось Дюреру что вот такой вот талантливый перед ним художник сам по себе. Ну или просто де Барбари был себе на уме и любил подшучивать над окружающими и, надо думать, делал это довольно тонко. В общем, если вы классный художник или просто хороший человек - пишите дневники пожалуйста, порадуйте потомков. Осталось от де Барбари всего 12 живописных полотен, часть из которых - портреты знати. И представьте, одна из его картин - это вообще первый в Европе натюрморт, да притом сразу же натюрморт-тромплёй, обманка. Есть еще очень необычный портрет итальянского математика Фра Луки Пачоли с неизвестным знатным юношей, возможно, учеником. Пачоли демонстрирует чудо правильного треугольника, на доске у него написано “Евклид”, а еще у него есть все атрибуты настоящего геометра - циркуль, мел, угломер, грифельная доска и даже модель додэкадра на столе. Руку Пачоли держит на собственной книге, “Сумма арифметики, геометрии, отношений и пропорций”, изданной в 1494 году. А в гранях заполненного водой до половины ромбокубооктаэдра, подвешенного к потолку, якобы можно разглядеть отражение кусков венецианского Дворца дожей. Вот еще есть портрет знатного немца. Тоже не простой - это лицевая сторона, а на оборотной, внезапно, очень откровенное изображение обнаженных любовников. Их считают аллегорией скоротечности жизни, на то же самое намекает и восхитительно написанный сочный побег в стакане воды, который завянет так же скоро, как и юность.

Семь радостей Марии 1480 Ганс Мемлинг Старая пинакотека, Мюнхен Семь радостей Девы (Матери Иисуса) - это события из жизни Девы Марии взятые из средневековой религиозной литературы и искусства. Семь радостей обычно обозначают как: 1. Благовещение 2. Рождество Иисуса 3. Поклонение волхвов 4. Воскресение Христа 5. Вознесение Христа на небо 6. Пятидесятница или сошествие Святого Духа на Апостолов и Марию 7. Коронация Богородицы на небесах. Сложнейшая задача - не семь, а двадцать христианских религиозных сцен вплетены в ландшафт полотна: Благовещение, Рождество, Благовещение пастухам, звезда, явившаяся волхвам, посещение волхвами Ирода, дорога туда и обратно, поклонение волхвов, избиение младенцев, бегство Святого Семейства в Египет, искушение Христа, Воскресение, Не прикасайся ко Мне, Христос в Эммаусе, Пётр на море, явление Христа Марии, Вознесение, Троица, Успение и Вознесение Девы Марии. Стоит отметить, что в английской литературе эта картина назвается — «Пришествие и Триумф Христа».

Атака 1899 Эдвард Исто Национальный музей Финляндии, Хельсинки Картина финского художника. Полотно — пример политического искусства, полный символизма и драматизма. Российский двуглавый орёл напал на девушку — олицетворение Финляндии. Женщина в бело-синей одежде, цвета Финляндии, а на пряжке её пояса — финский герб. Посвящена русификации Финляндии. Курильня, упавшая к ногам девы, представляет собой ушедшую эпоху благополучия. Эдвард Исто был малоизвестным художником, написавшим самую известную картину в Финляндии на политическую тему, навсегда оставшись в истории финского искусства благодаря именно этой работе.

Скорбящая юность 1916 Джордж Клаузен Имперский военный музей, Лондон Сюжет навеян трагическими событиями в семье автора в Первую мировую. В то время художник писал в стиле «сельский натурализм» (изображал деревенские сцены), но, в отличие от других, Клаузен подчёркивал нищету и тяжёлый труд в сельских районах Британии, суровые условия жизни простых людей. Жених младшей дочери художника, Джерейнт Пейн, был убит во время Первой мировой войны. Это событие и горе дочери вдохновили художника на создание картины. В этой картине Клаузен отошёл от привычного для него натурализма и вернулся к своим более ранним своим работам, созданным под влиянием французских символистов. Обнажённая девушка, олицетворяющая молодость, стоя на коленях, низко склонилась в охватившем её горе перед деревянным крестом на могиле. В глубине картины, находятся затопленные водой воронки от взрывов снарядов. Нагота фигуры в сочетании с бесплодным пейзажем подчёркивает печаль и пустоту смерти.

Аллегория бренности бытия (Старая кокетка) - картина, написанная в 1637 году Бернардо Строцци по прозвищу Каппуччино. Прозвище это художник получил не из-за любви к кофейку, а из-за того, что двенадцать лет пробыл в монашеском ордене капуцинов. Там, вероятно, он и обучался и там же начал писать картины и участвовать в росписях церквей. Орден ему позволили покинуть после смерти отца чтоб присматривать за пожилой матерью и незамужней сестрой, тогда он начал писать картины не только на религиозные, но и на всякие светские сюжеты чтоб иметь возможность содержать семью, что его родной орден страшно возмущало. Конфликт достиг пика, когда мать Строцци умерла и капуцины потребовали, чтоб художник вернулся, а он отказался - тогда его поймали посадили в тюрьму на полтора года. После тюремного заключения Строцци позволили отправиться в Венецию, где он до конца своих дней спокойно работал, набирал учеников и даже числился несколько лет корабельным инженером. Что касается сюжета - это очередные вариации на тему Ванитас, то есть, суеты сует. Как всегда - все это абсолютно бесполезно, жизнь коротка и мы все умрем и наши попытки делать вид, что это не так потешны и жалки, прям как эта красотка, которая выбирает какой цветок приколоть сегодня к корсажу - розу или флердоранж, апельсиновый цветок. И оба эти цветка символизируют юность и любовь, но рядом с ними притаился погр...ьный цветочек бархотца. Да и вообще, во всех предметах, от птичьего чучелка до тяжелой нитки жемчуга, автор зашифровает печальные послания о бренности земной юдоли и мирских удовольствий. А служанки, сооружающие сложную прическу, вроде как потешаются над своей госпожой - хотя тут спорно. Но вот знаете что, я тут недавно своим современным взглядом на нее глянула и поняла, что хоть все эти смыслы и считываются (к тому же есть картина и гравюра Гойя прям вот об этом же - с молодящимися старушками, только страшнее), но я сначала подумала о том, что вижу прикольное и хорошее, а не комическое и жалкое. Тут могла бы быть телега о том, как сдвинулись наши представления о возрасте и о том, что положено и запрещено в разные периоды жизни, особенно женщинам, о том, как на обложках журналов все чаще появляются великолепные женщины в седых кудрях и как здорово видеть энергичных, счастливых, красивых и не боящихся быть смешными очень взрослых людей, но ее не будет, а будет бодрое пожелание - молодитесь пожалуйста все и украшайте корсажи флердоранжем хоть в 15, хоть в 95. Вот.

Микеланджело Буонарроти. Микеланджело поставил подпись только на одном произведении — на "Пьете", своем первом скульптурном шедевре. Он был так хорош, что люди не верили в авторство молодого художника, поэтому он выгравировал свое имя на поясе Девы Марии.

Все это было мечтой 2020 Дэнни О'Коннор Часто так бывает, что художник в самом начале творческого пути пробует себя в разных жанрах и разных материалах, чтобы найти свою нишу, свой стиль и свою публику. А британский автор Дэнни О'Коннор решил не делать выбор, а пользоваться всеми доступными материалами, которые есть под рукой. И поэтому в его портретах, нарисованных одновременно акрилом, чернилами, маркерами и аэрозольной краской, присутствует некий творческий хаос. Смешанные краски и смешанная техника, которую обычно именуют mixed media, привели к тому, что у художника родился очень оригинальный и запоминающийся стиль живописи, которому он не спешит найти название. С портретов Дэнни О'Коннора на нас, хотя чаще - сквозь нас, смотрят грациозные, эмоциональные, очень красивые девушки, олицетворяющие собой юность, изящество и красоту. Запрещённое искусство — подробно.

Скандальные голые девы: с чего бы этот весь сыр-бор? https://tanjand.livejournal.com/3514845.html

"Мадонна с четками" 1655 г. Бартоломе Эст... Мурильо Национальный музей Прадо, Мадрид. «Мадонна с четками» (вариант названия «Мадонна с розарием»; rosarium – традиционное название католических четок) была написана Б.Э.Мурильо в 1650-х годах в Севилье, а в начале ХIX в. приобретена королем Карлом IV для коллекции дворца Эскориал в Мадриде. Ныне хранится в собрании музея Прадо. В композиции и колорите «Мадонны с четками» много традиционного. С помощью света фигуры рельефно выделяются на тёмном фоне. В одеянии Мадонны используются только канонические для облачения Пресвятой Девы цвета – белый, синий и красный. Глубокие складки и заломы ткани выписаны в духе итальянского академизма, с которым испанцы были неплохо знакомы. И тем не менее, руку Мурильо в «Мадонне с четками» можно узнать почти безошибочно. Так происходит благодаря открытому художником новому типажу. Проживший всю свою жизнь в столице Андалусии Севилье, Мурильо увековечил в картинах характерную красоту жительниц Южной Испании. Его черноглазые грациозные Мадонны имеют узнаваемый облик с их безупречными чертами и кротким взглядом. К нововведениям Мурильо принадлежит идея покрыть голову Мадонны прозрачной газовой вуалью и снабдить её четками. Однако в преувеличенно идеальных образах Мадонн художник отдаёт дань не только религии, но и коммерции. Еще в начале XVII века король Филипп ІІІ провозгласил Пресвятую Деву патронессой Испании, а «непорочное зачатие» – защитой страны от внешних врагов и внутренних угроз. Многочисленные монастыри мгновенно отреагировали на этот, по сути, политический акт заказом картин соответствующего содержания. И Мурильо одним из первых стал разрабатывать «золотую жилу». Стремление угодить усредненному вкусу заказчика выхолащивает внутреннюю напряжённость творчества. Некоторые из Мадонн Мурильо, с точки зрения искусствоведов, «поражают удивительной душевной аморфностью», а в самих картинах отмечается вялость формы и банальность колорита. О «Мадонне с чётками» этого сказать нельзя. Она не «аморфна» - всего лишь наивно-серьезна. Это как нельзя лучше отражает народные представления о Пресвятой Деве, характерные для пресловутой испанской религиозности. Мадонна в сентиментальном сознании простых испанцев всегда идеальная красавица с нежным лицом и белыми ручками, а Младенец обязан быть миловидным, пухлым и кудрявым. Вот почему, какие бы претензии ни выдвигали ценители, с народной точки зрения, Мурильо всегда был и остается идеальным выразителем религиозного содержания. Пресвятую Деву Мурильо писал бессчетное число раз. Но это отнюдь не превращало мастера в штамповщика. В книге Елены Вагановой «Мурильо и его время» (1988) можно встретить ценное наблюдение о том, насколько виртуозно он разнообразит лица своих Мадонн в рамках одного и того же андалузского типа: «Нет ни одной Марии, которая походила бы на другую. Постоянно варьируются такие детали, незначительные для канона догмата, но принципиально важные для физиогномики, как глаза (их припухлость, открытость, величина разреза), лоб (чуть покатый или прямой), нос (длиннее, короче, разная форма крылье), рот (конфигурация и положение губ), подбородок, округлость щек. И возникает эффект присутствия многих лиц в одном». БартоломеМурильо РелигиознаяСцена Барокко _history

Благословенные девы. Джон Байем Листон Шоу(1872 - 1919 гг.) О связи Джона Шоу с прерафаэдитами говорит не только тематика его полотен, но и их аллегорический характер. Впрочем, символизм его работ довольно прямолинеен. И он безусловно был одним из прерафаэлитов, который довел пафос, присущий этому направлению, до предела. Собственно, за это работы Шоу любили его поклонники, и упрекали критики.

Портрет молодой женщины 1869 Пьер Огюст Кот Частная коллекция Основной темой произведений Пьера Огюста Кота были мифологические сюжеты. Кроме того, художник завоевал широкую популярность созданными им портретами. Юные девы с полотен Кота просто бесподобны. Попеременно исполненных то изящества и грации, то милого лукавства, то чувственности и вызова, всех их роднит общая черта: они чарующе прекрасны. Пьер Огюст Кот — виртуоз портрета и изумительный мастер античной стилизации. Изображения собственных современниц — неизменно притягивают взгляд, вызывают живой зрительский отклик и оставляют впечатление целостных, законченных характеров, «умещающихся» в рамках одного-единственного застывшего на полотне момента Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Роб Гонсалвес "Девы озера"

"Мадонна Оньиссанти" 1300-е Джотто ди Бондоне Галерея Уффици, Флоренция. «Мадонна Оньиссанти» («Мадонна на троне», «Маэста») – единственный сохранившийся до наших дней алтарный образ Джотто. В отличие от других известных работ художника, «Мадонна Оньиссанти» не фреска, а картина, написанная на деревянной основе водными красками. Она создана в промежутке между 1306 и 1310-м годами для флорентийского Собора Всех святых – по-итальянски «Оньиссанти» – и сохранила за собой это название, даже когда была перемещена в другое место. Ровно через 500 лет, в 1810-м году, «Мадонну Оньиссанти» перевезли из собора в галерею Флорентийской Академии, а в 1919-м она перебралась в галерею Уффици, где и представлена в настоящее время. Считается, что «Мадонна Оньиссанти» – единственный подлинник Джотто в музеях мира. Дело в том, что большинство сохранившихся работ Джотто – это фрески в итальянских храмах. Деревянные панели, приписываемые художнику, в национальных галереях Лондона и Вашинготона – спорные работы, скорее принадлежащие не лично Джотто, а художникам его мастерской. Горячо дискутируется и принадлежность Джотто луврских панелей «Проповедь св. Франциска птицам» и «Утверждение францисканского закона». В одном зале галереи Уффици с «Мадонной Оньиссанти» представлена другая выдающаяся работа – «Мадонна во славе» флорентийского художника Чимабуэ, учителя Джотто. Они располагаются друг напротив друга, и этим невольно настраивают посетителя на сопоставление. Картины разделяет примерно 25 лет. Обе относятся к одному и тому же иконографическому типу – «Маэста» («Мадонна на троне», «Прославление Богоматери») и сопоставимы по исторической и художественной ценности. И все-таки их внимательное и вдумчивое сравнение показывает, сколь разительные перемены произошли в итальянском изобразительном искусстве в течение всего четверти столетия и насколько новая проторенессансная манера Джотто отличается от традиционной готической стилистики Чимабуэ. «Мадонна» Чимабуэ имеет характерные для византийской живописи вытянутые пропорции: длинные пальцы, тонкий удлиненный нос, узкое лицо, продолговатые скорбные глаза. Это иконописный лик – прекрасный и бесплотный. «Мадонна» Джотто и похожа на «Мадонну Чимабуэ» (она так же восседает на троне с младенцем Христом на руках в окружении ангелов), и в то же время – разительно не похожа. Дева Мария, которую изображает Джотто, отнюдь не бесплотна. У неё широкие плечи, крепкая шея с реалистичными продольными полосками, лицо с румянцем. Губы Девы Марии слегка приоткрыты, а тонкая ткань платья очерчивает развитую грудь – это грудь и стать кормящей матери, скорее земной женщины, чем бестелесной Мадонны. Человеческая фигура у Джотто становится более осязаемой и округлой, чем на иконах. Необычайно красивы коленопреклоненные ангелы у подножия трона. Младенец – весом и круглолиц. Джоттовское изображение очень отличается от византийского канона, его характер – более земной и более интимный. Обе Мадонны – и Джотто, и Чимабуэ – окружены фигурами. Но Чимабуэ просто даёт их одну над другой, в то время как Джотто сообщает изображению подобие перспективы, добивается большей скульптурности, пытается передать трёхмерность пространства. Искусствовед Паола Волкова так описывает «Мадонну» Джотто: «На красивом инкрустированном троне (инкрустация мрамором как раз входила в моду) сидит женщина – широкоплечая, мощная, молодая, с румянцем во всю щеку. Она крепко держит крепкого младенца. Прекрасная белая рубашка подчеркивает её телесность, её мощь. И она спокойно смотрит на нас. В её лице нет страданий: оно полно высокого человеческого достоинства и покоя. Это уже не икона Богородицы – это Мадонна в позднем итальянском понимании: и Мария, и Прекрасная Дама». ДжоттоДиБондоне РелигиознаяСцена Возрождение _history https://t.me/pic_history2/300

​​️Новое пространство Музея AZ открывается на Маросейке. ️В 2023 году столичные кинотеатры «Факел», «Звезда» и «Юность» вновь откроются для посетителей после ремонта. ️В 2023 году начнется реставрация дома архитектора Мельникова. Будут отреставрированы фасады и интерьеры памятника. ️Музей казачества откроется в Москве в 2024 году. В преддверии открытия музей запустил проект, призванный рассказать историю казачества в России в интерактивном формате. На одном ресурсе собрано более 200 предметов, иллюстрирующих основные вехи его истории. ️В Норильске появится Арктический музей современного искусства (Arctic Museum of Modern Art — АММА) и зимний сад. Завершение строительства ожидается в 2026 году. AMMA разместится в здании бывшего Дома торговли, которое реконструируют под новые нужды. Предполагается, что музей сможет одновременно принять больше тысячи человек. https://telegra.ph/file/ccc22cd04a8dcbb7c293b.jpg

"Девы" 1913 г. Густав Климт Национальная галерея в Праге. _history

Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». _history БастьенЛепаж https://t.me/pic_history/6353