Назад

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк....

Описание:
"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Смотреть в высоком качестве _history

Похожие статьи

VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE.
VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE.
VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE. Художественные высказывания звёзд российского искусства на тему любви будут выставлены и проданы на аукционе в субботу, 13 февраля. Как обычно, артбиржа VLADEY X начнется в 15.00. Среди топовых лотов выделяются работы: ️Олег Голосий «Вдвоем» 1990 года (Лот 9) ️Дубосарский и Виноградов «Паучок» 2004 года (Лот 8) ️Василий Слонов LOVE из проекта «Light my fire» (Лот 7), фотография ️Сергей Братков «Любовное отражение» 2009 года (Лот 5) ️Валерий Чтак «Любовь топора не требует» 2017 года (Лот 16) ️и другие! Владимир Овчаренко: «Наступил 2021 год, ковид отступает и VLADEY продолжает еженедельно радовать коллекционеров и любителей искусства новыми шедеврами. Тематические торги всем понравились, и в преддверии праздников мы подобрали великолепные подарки, их можно сделать любимому человеку, а можно порадовать и себя. Дарить искусство - что может быть лучше?” VLADEY X LOVE Живой аукцион с онлайн-участием 13 февраля 15:00 Каталог https://vladey.net/ru/auctions/xlove
4963 

11.02.2021 21:00

«Бизнес для мамочки» начала ХХ века

Именно дочь вдохновляла легендарного...
«Бизнес для мамочки» начала ХХ века Именно дочь вдохновляла легендарного...
«Бизнес для мамочки» начала ХХ века Именно дочь вдохновляла легендарного модельера Жанну Ланвен (1867 – 1946). До неё детская одежда была лишь упрощенной версией одежды для взрослых. Ланвен же начала создавать одежду специально для детей. И не только! А начинала свою карьеру с она дизайна дамских шляпок. Специального образования у Ланвен не было, рисовать она не умела. Создавала модели методом «наколки», иллюстрации с готовых изделий делали художники. Ланвен - королева рукавов. Им она уделяла наибольшее внимание, экспериментируя с их формой и декором. Любимый цвет Ланвен – «цвет ночного неба». В историю моды вошёл как «синий Ланвен». Также она часто работала с пудровым и насыщенно-желтым. Открыла несколько собственных фабрик по окраске тканей, стремясь добиться нужных ей оттенков, например, названного в честь дочери «розового Полиньяк». В честь тридцатилетия дочери выпустила аромат Aprège. Рисунок для него создал Поль Ириб по мотивам фотографии, на которой Жанна танцует с маленькой дочерью.
4801 

27.03.2021 21:01

"Рожь" 1878 г. Иван Иванович Шишкин Государственная Третьяковская...
"Рожь" 1878 г. Иван Иванович Шишкин Государственная Третьяковская галерея. Картину Шишкина «Рожь» публика впервые увидела в год ее создания на VI передвижной выставке. Иван Крамской в письме к Репину, обсуждая экспонировавшиеся работы, заявил: «Я буду говорить в том порядке, в котором (по-моему) вещи по внутреннему своему достоинству располагаются на выставке. Первое место занимает Шишкина «Рожь»». Картина вдохновлена родиной художника – Елабугой. Сохранилось несколько карандашных эскизов, на одном из них есть пометка, недвусмысленно сообщающая нам, что «что хотел сказать автор»: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство». Перед нами типично русский пейзаж, призванный отразить эти состояния. Дорога – популярный мотив у русских художников. В исполнении Шишкина петляющая среди безбрежного поля ржи проселочная тропа обретает такую мощь и монументальность, что становится одним из символов русской жизни в целом. Тональность картины светло-спокойная, сдержанная. Кажется, глядя на нее, можно услышать напевы народных песен. Земля напоена зноем, ощущается сухой жаркий ветер, о нем говорят и волны, прокатывающиеся по колосящейся золотистой ржи, и затягивающие небо облака. Всё это создает предощущение грозы, которая, вполне возможно, разразится в ближайшее время. Структурирующим компонентом пейзажа выступают столь любимые Шишкиным сосны. Их стволы грациозны и монументальны, словно античная колоннада. Порхающие над самой тропой стрижи оживляют пейзаж. Едва виднеющиеся вдалеке головы шагающих людей, во-первых, демонстрируют необъятность просторов (люди кажутся крошечными), к тому же, связывают пейзаж и человека, утверждая, что перед нами не просто вид природы, а рассказ о том, «как на Руси живется» – в данном конкретном случае не обличающий, а скорее благостный, с интонацией любования. Всмотревшись пристальнее, привычно обнаружим свойственную Шишкину скрупулезность в изображении каждой травинки, каждого стебелька и былинки. Если рассматривать картину в свете общественных и художественных тенденций, то к концу 1870-х стало ясно, что на одном обличении передвижники далеко не уйдут. Возникла потребность в каких-то положительных идеалах, и пейзаж отлично заполнил эту лакуну. Дорога Шишкина на этой картине – это не дорога скорби (как, к примеру, «Владимирка» Левитана). В ней нет тоски и безысходности, она – не тупик. Настроение картины – скорее благодарение жизни, наслаждение безбрежным простором, любование восхождением духа. Это светлая дорога. Предтечей этой картины можно считать написанный почти десятилетием раньше «Полдень. В окрестностях Москвы». Здесь уже намечена та же тема: широта безбрежных просторов, радость простой жизни, озаренной светом и солнцем. Впрочем, идеализаций мы у Шишкина не найдем, он остается величайшим реалистом. Это не идеализация, а взгляд на русскую действительность с не особо привычной радостной стороны. ИванШишкин Реализм _history
4653 

04.05.2021 20:38

"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж...
"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен. В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения. Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов. Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты. Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину. После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью». АндреДерен Натюрморт Кубизм _history
4492 

30.05.2021 20:38


"Похищение Европы" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственная...
"Похищение Европы" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственная Третьяковская галерея, Москва. Наряду с «Идой Рубинштейн», «Похищение Европы» представляет блеск и славу «позднего» Серова. Серова-модерниста. Серова-«парижанина», переживающего непростой «роман» с Матиссом. Серова, ищущего новых горизонтов. Серова, все заметнее предпочитающего стилизацию психологической (и какой-либо еще) достоверности, а матовое благородство темперы – витальности масляных красок. Нетронутое «декадентским тленом», оно было принято современниками куда более сочувственно, чем многострадальная «Ида». Сплавив древний миф с модернистской традицией, Серов создал энергичный, стремительный, светлый по интонации шедевр. Изысканная простота линий, снайперски сдержанная палитра, ритм, драйв, порода, стать – кажется, это было написано быстрой, не ведающей сомнений кистью. Обманчивое ощущение. Серов работал над «Похищением Европы» три года, сделал как минимум шесть вариантов картины и, похоже, ни один из них не успел окончить. Идея «Похищения» созрела у него во время путешествия в Грецию, где он побывал вместе с Львом Бакстом в 1907 году. Друзья посетили Парфенон, отплыли на Крит, следуя примерно тем же маршрутом, что и принявший облик быка Зевс, пережили катарсис на руинах Кносского дворца. Казалось бы, здесь Серов увидел все, что могло ему потребоваться для работы – он даже видел повозку, запряженную парой белоснежных быков, которую тотчас зарисовал в свой походный альбом. Ничуть не бывало: греческие быки показались художнику недостаточно благородными и могучими. Он искал особь подходящих габаритов в Испании - превозмогая дурноту, ходил на корриду и все равно вернулся ни с чем. Удача улыбнулась ему в Италии: кто-то посоветовал Серову прокатиться в деревушку Орвиетто, славившуюся быками эпических пропорций. Теперь у Серова был Зевс, но не было Европы. Он повстречал ее в Париже, в мастерской знакомого художника Николая Досекина. После того как был решен вопрос с натурщицей, оставалось найти подходящее море. Когда-то в Домотканове Серов надумал писать картину «Русалка». Живописных прудов там было хоть отбавляй, а вот русалки – как назло – ему не встречались. Валентин Александрович перепробовал все: краснея, просил кузин взять его с собой «на купания», заставлял позировать в пруду мальчиков из местных крестьян и даже окунал в воду гипсовую голову Венеры – все напрасно, русалка так и осталась ненаписанной. Обладая нечеловеческой наблюдательностью, Серов никогда не полагался на воображение - его вдохновляла только натура. Так что волны для «Похищения Европы» он подсмотрел в Италии, а еще в Биаррице. Чтобы написать море – условное символичное море, которое только ленивый не сравнивал с горностаевой королевской мантией – ему было нужно, чтобы за окнами ревел Атлантический океан. Греческие впечатления. Итальянский бык. Парижская натурщица. Над всем этим художник работал на своей даче в Финляндии. В 1910 он сделал то, что в полной мере не удавалось ни испанскому королю Карлу V, ни Европейскому совету. Серов не похищал Европу, подобно Зевсу. Он собрал ее по кусочкам и сложил в единую величественную, радующую сердце и глаз картину. ВалентинСеров МифологическаяСцена Модерн _history
4525 

05.06.2021 20:37

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». БастьенЛепаж _history
4331 

19.07.2021 21:05

"Письмо" 1891 г. Мэри Кассат Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк. «Письмо» — одна...
"Письмо" 1891 г. Мэри Кассат Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк. «Письмо» — одна из десяти цветных гравюр Кассат, посвященных жизни современной женщины. Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в 1891 году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи. Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в 1871 году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов. В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет. «Письмо» иллюстрирует одно из важнейших занятий образованных и обеспеченных женщин конца XIX века. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации (различные заказы, ответы на приглашения и проч.) тоже были завязаны на переписке. Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо. В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно. Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ. Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета (пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта). Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице. «Письмо» отличается не только композиционной упорядоченностью и гармоничным цветовым решением. Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега. Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти. МэриКассат _history
4231 

12.08.2021 20:37

Сидящая танцовщица в розовом трико
1890
Анри Тулуз-Лотрек

Вдохновлялся...
Сидящая танцовщица в розовом трико 1890 Анри Тулуз-Лотрек Вдохновлялся...
Сидящая танцовщица в розовом трико 1890 Анри Тулуз-Лотрек Вдохновлялся искусством постимпрессионистов, в особенности творчеством Поля Сезанна, Эдгара Дега и японскими гравюрами. В 1882 г. приехал в Париж, а в 1884 году обосновался на Монмартре, где прожил до конца своих дней. Одним из первых всерьёз занялся рисованием афиш. Часто рисовал проституток и жизнь монмартрских кабаре, вёл соответствующий образ жизни. Его моделями были танцовщицы «Мулен Руж» Луиза Вебер (Ла Гулю) и Жанна Авриль, клоунесса Ша-У-Као, певица Иветта Гильбер и другие. При входе в легендарный "Мулен руж" были выставлены две работы Лотрека, Ему же хозяева кабарэ заказали афишу, которая стала первой афишей живописца. За творческую жизнь, которая длилась меньше 20 лет, Тулуз-Лотрек создал 737 картин, 275 акварелей, 363 гравюры и плаката, 5084 рисунка, несколько керамик и витражей.
4024 

20.10.2021 17:20

"Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях" 1864 г. Фредерик Уильям...
"Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях" 1864 г. Фредерик Уильям Бертон Национальная галерея Ирландии, Дублин. По итогам опроса, проведённого в 2012 году, работа Фредерика Уильяма Бёртона «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» была признана самой любимой картиной в Ирландии, опередив произведения более известных художников. Результаты ничуть не удивили кураторов Национальной галереи в Дублине: они знают, насколько популярна у посетителей эта композиция, а её репродукция – постоянный бестселлер в музейном магазине. Источником вдохновения для Бёртона послужила поэма «Хеллелила и Хильдебранд», опубликованная в 1855 году во «Втором сборнике датских баллад» в переводе Уитли Стоукса, друга художника. По сюжету, дочь короля, прекрасная Хеллелила (варианты: Хилле, Хиллелиль), полюбила одного из двенадцати своих телохранителей – принца Хильдебранда. Влюблённые бежали, прихватив с собой казну. Обнаружив это, отец и семеро его сыновей пустились в погоню и настигли беглецов. Но Хильдебранд оказался грозным противником, он убил короля и шестерых его отпрысков. Хеллелила вмешалась, чтобы спасти жизнь последнего брата, назвала своего возлюбленного по имени и тем самым лишила сил. В тот же миг он упал замертво. Выживший брат привязал сестру к коню и доставил домой, где их мать умолила его продать девушку в рабство, а не казнить. Свою историю Хеллелила рассказала королеве, у которой служила вышивальщицей, после чего умерла. В картине отражена чувствительная натура Бёртона, который избегал кровожадных или сексуальных сцен. Этот эпизод иногда интерпретируют как момент расставания Хеллелилы и Хильдебранда после близости, но художник вряд ли изобразил бы такой момент. Скорее, это воображаемая ситуация, когда пара случайно встречается на лестнице, и принц страстно ловит руку своей возлюбленной. Бёртон создаёт эмоционально напряжённую ситуацию, изобразив внезапные объятия и девушку, которая от неожиданности уронила букет. Лепестки, рассыпавшиеся по лестнице, символизируют мимолётность их любви и её разрушительный характер. Получив травму правой руки в детстве, Бёртон рисовал левой. При этом он не выносил запах масла или (что более вероятно) растворителей, а потому писал только красками на водной основе – акварелью и гуашью. Он сделал множество предварительных эскизов – сейчас их известно более тридцати – включая один детально проработанный, который больше финальной композиции. Ностальгическое настроение, исторический антураж и костюмы сближают эту работу Фредерика Уильяма Бёртона с произведениями прерафаэлитов. Дополнительным акцентом стала сдержанная манера, с которой художник передаёт сцену, избегая чрезмерностей мелодрамы. Бёртон также позаботился об оформлении картины. В его инструкции написано, что её нельзя снимать с доски, на которой она закреплена, и вынимать из оригинальной позолоченной рамы. Масштабная (почти метр в высоту!) работа написана акварелью, что создаёт дополнительные сложности консерваторам: краски могут поблекнуть под воздействием прямого света. Поэтому «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» хранится в специальном закрытом боксе. Увидеть её можно лишь в течение двух часов в неделю: по четвергам с 17:30 до 18:30 и по воскресеньям с 14:00 до 15:00. Картина была написана в период, когда художник находился на пике своей карьеры. Каждый элемент композиции – от предварительных набросков до завершённой работы – иллюстрирует перфекционистское внимание Бёртона к деталям, его обширные знания о средневековом мире, а также утончённое чувство цвета. Через 10 лет после создания «Хеллелилы и Хильдебранда» он был назначен директором Национальной галереи в Лондоне и оставил живопись. Но при нём учреждение приобрело значительные произведения Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Ганса Гольбейна и многих других мастеров. ФредерикБертон _history
3913 

26.10.2021 20:37

"Бордель" Октябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Фонд Барнса, Филадельфия. Наверное...
"Бордель" Октябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Фонд Барнса, Филадельфия. Наверное, не будет преувеличением, если сказать, что Винсент Ван Гог был завсегдатаем борделей. В некоторые периоды жизни художника женщины легкого поведения были едва ли не единственными, к кому он мог обратиться в поисках поддержки и понимания. И получить их, пусть даже и за деньги. Частые визиты к проституткам, конечно, печальным образом сказались на состоянии здоровья Винсента, однако эти женщины зачастую помогали ему в работе, становясь его натурщицами. Картина «Бордель» была написана осенью 1888 года, когда Ван Гог жил в Арле. И, вероятнее всего, работница именно этого заведения сыграла немаловажную роль в судьбе художника. Как известно, в истории с отрезанным ухом Ван Гога фигурировала некая проститутка Рошель, которой художник то ли отправил, то ли даже лично принес свой кровавый «презент». Существует мнение, что эта женщина была главной причиной размолвки двух художников, поскольку Винсент испытывал к Рошель нежную привязанность, а любвеобильный Гоген этим пренебрег. Возможно, с помощью такого экстравагантного подарка Ван Гог хотел продемонстрировать женщине всю глубину своих чувств. Можно предположить, что на картине «Бордель» изображено то самое место, где работала Рошель, ведь Арль все же был маленьким городом, и подобных заведений в нем вряд ли было много. С помощью довольно скупых выразительных средств Ван Гогу удалось передать интимную и немного зловещую атмосферу, царящую в борделе. В одном из писем Тео, рассказывая о другом своем полотне – «Ночное кафе» - художник пишет, что хотел «выразить пагубную страсть, которая движет людьми, с помощью красного и зеленого цвета». Но если в «Ночном кафе» преобладал красный цвет, то здесь первую скрипку играет зеленый. Словно постепенно наступающие сумерки, этот цвет поглощает картины на стенах, столики и одежду героев, превращает лица в лишенные индивидуальности маски. Остаются только яркие детали, не поддающиеся этой обезличивающей «болотистой» атмосфере – вроде золотисто-теплой лампы на стене или ярко-красного мазка губ женщины на переднем плане. ВанГог Постимпрессионизм _history
3941 

18.11.2021 20:13

Еще про Нестерова - его в невероятный восторг привела вот эта картина - Жанна...
Еще про Нестерова - его в невероятный восторг привела вот эта картина - Жанна...
Еще про Нестерова - его в невероятный восторг привела вот эта картина - Жанна Д’Арк, написанная в 1879 году. Вообще, Лепаж ее написал в настроение общества: тут же недавно та самая франко-прусская война прогремела и Франция потерпела в ней поражение, потеряв Эльзас и родину Д’Арк - Лотарингию. Вот французские мастера и стали массово изображать Жанну - мол, верните и отвойюте исконные земли! Тут она и поражена видением того, что ей предстоит и страдает за родные края. Так вот, зрителей (опять, правда, в основном, российских) поражала глубина переживания героини и то, что художник осмелился изобразить ее простой крестьянкой, которой только предстоят подвиги и, в качестве высочайше похвалы, называли Лепажа истинным славянином. Так вот Нестеров под впечатлением от этой работы написал картину Видение отроку Варфоломею по мотивам “Жития преподобного Сергия” в 1889 году!
3799 

23.11.2021 18:27


Портрет Бетховена
Александр Яковлев

Погрузитесь в мир балета, театра, оперы...
Портрет Бетховена Александр Яковлев Погрузитесь в мир балета, театра, оперы...
Портрет Бетховена Александр Яковлев Погрузитесь в мир балета, театра, оперы, кабаре и порадуйте своих близких оригинальными подарками на Новый год. Аукционный дом Pioner & Co подготовил зимний аукцион, на котором будут представлены графика Эрте, Михаила Ларионова, Льва Бакста, Юрия Анненкова, Марии Васильевой, Татьяны Мавриной, Давида Бурлюка, а также коллекция фотографий и книг, посвященных великим танцорам, среди которых Серж Лифарь, Айседора Дункан, Рудольф Нуриев, Михаил Барышников и программа спектаклей турне по Америке Анны Павловой. Особое внимание заслуживает портрет Бетховена от Александра Яковлева с посмертной маски композитора. Если вы поклонник искусства второй половины XX века, то так же будут интересны натюрморт Михаила Рогинского и коллаж из ткани Тимура Новикова. Торги состоятся 15 декабря 2021 г. в 19:00 в арт-пространстве «Нигде кроме» (Москва, Калашный переулок, 2/10) и на онлайн-платформе Bidspirit.com. Регистрация: ru.bidspirit.com/ui/houses/pioner,false?lang=ru
3749 

09.12.2021 20:18

"Портрет Вари Адоратской" 1914 г. Николай Иванович Фешин Варенька Адоратская...
"Портрет Вари Адоратской" 1914 г. Николай Иванович Фешин Варенька Адоратская – племянница подруги и ученицы Николая Фешина, казанской художницы и меценатки Надежды Сапожниковой. «Портрет Вари» – одна из самых, а возможно самая удачная реализация детской темы у Фешина. Как только публика увидела эту картину, ее сразу же стали сравнивать с «Девочкой с персиками» Валентина Серова. Они действительно очевидно перекликаются. В обоих случаях детский портрет – это не просто ребенок в интерьере, это полное отсутствие сюсюкающего умиления и глоток свежего воздуха, это воплощенный мир детства – чистого, светлого и дающего надежду всем нам. Фешин использует экстравагантный композиционный приём: девочка сидит на столе. Это придает картине особую прелесть и подчеркивает обособленность пространства – радостного, светлого, яркого, в котором любимому ребенку можно многое. Это – защищенный мир (между тем, на дворе 1914 год, Первая мировая война). Лицо Вареньки сияет чистотой и ясностью детского мироощущения, натюрморт на переднем плане сочетает легкую небрежность и беспорядок (здесь играл ребенок!) и удивительную завершенность. Это не парадный портрет, это – часть жизни живой, подвижной, возможно, несколько стеснительной девочки с пытливым взглядом. Сама Варя вспоминала: «Мне было тогда 9 лет, я была довольно застенчива и дика…» Начиная с «Портрета Вади Адоратской», художник часто обращался к форме композиционного портрета-картины. Но перед нами ни в коем случае не «портрет на фоне аксессуаров». Сама девочка и детали интерьера неразделимы – это та обстановка, в которой только и может жить ребенок с таким ясным взглядом. Помимо смысловой нагрузки, интерьер выполняет и важную цветовую задачу. Удивительно, что такой светлое, радостное пространство, говорящее о здоровой, счастливой жизни, создано, по сути, серым цветом. Но серый Фешина – это цвет спокойствия и благополучия, рассеянный свет дня, он дышит, живет и переливается, словно перламутр, это светлый фон, создающий защищенность. Яркие акценты вносят чистые цвета оранжевого, желтого и голубого. Градация холодных цветов доходит до черного, теплых – до солнечного. Самый светлый штрих – белоснежное платье девочки – приобретает особую теплоту на прохладном фоне стен. Фешин довольно часто использовал такой технический контраст: достаточно сдержанная палитра и экспрессия нанесения мазков и наложения цвета. Великолепно передана игра фактур: гладкая кожа, тонкое платьице, прозрачный стакан, блестящий чайник, матовые фрукты и прохладная ваза. На самом деле, Фешин писал Варю не в детской, а в мастерской Надежды Сапожниковой. Повзрослевшая Варвары Адоратская вспоминала, что позировать ей было не очень-то удобно, постоянно немели ноги. Отец Вари отказался приобрести портрет, и его забрала себе Надежда Сапожникова. После смерти она завещала картину ее героине. В ГМИИ Татарстана портрет был передан в 1964 году. Детская тема занимает большое место в наследии Фешина. Особенно часто он писал свою дочь Ию. Уже эмигрировав в США, Фешин напишет парафраз к «Портрету Вари Адоратской», импрессионистическую картину «Ия с дыней». Сонная Ия в ночной рубашке сидит на столе, в руках у нее дыня, возле нее фруктово-цветочный натюрморт, фоном служит драпировка. Девочка тоже смещена от центра в сторону. В американской картине четко противопоставлены плотность портрета и натюрморта: фрукты осязаемые, густо написанные, а девочка кажется светящейся, полупрозрачной. НиколайФешин Портрет _history
3700 

27.12.2021 20:37

Жан-Этьен Лиотар
Жан-Этьен Лиотар "Шоколадница" (1745) Легенда о создании картины такова: в...
Жан-Этьен Лиотар "Шоколадница" (1745) Легенда о создании картины такова: в 1745 году австрийский князь Дитрихштейн зашёл в венскую кофейню, чтобы попробовать новый шоколадный напиток, о котором так много шло разговоров в это время. Официанткой оказалась Анна Бальтауф, дочь обедневшего дворянина. Князь был покорён её обаянием и, несмотря на возражения своей семьи, взял девушку в жёны. «Шоколадница» стала свадебным подарком для новой княгини, заказанным молодожёном у модного швейцарского художника Лиотара. Портретист изобразил невесту в костюме официантки XVIII века, увековечив любовь с первого взгляда.  Портрет экспонировался в Дрезденской галерее, где его увидел Генри Л. Пирс, президент американской фирмы по торговле шоколадом, и в 1862 году американская компания «Baker's Chocolate» приобрела права на использование картины, что делает её старейшей торговой маркой в США и одной из старейших в мире.
3226 

18.04.2022 21:09

Как сложилась дальнейшая судьба пейзажа «Мокрый луг»?

Слухи о картине...
Как сложилась дальнейшая судьба пейзажа «Мокрый луг»? Слухи о картине...
Как сложилась дальнейшая судьба пейзажа «Мокрый луг»? Слухи о картине появились еще до того, как она была окончена. После того как в прошлом году наследник престола, будущий император Александр III, заказал для Аничкова дворца копию картины 20-летнего Васильева «Оттепель», его нових работ ждали – и ждали с нетерпением. На «Мокрый луг» заочно «положил глаз» двоюродный брат Александра III, великий князь Николай Константинович – личность незаурядная, он был первым среди Романовых, окончившим по собственной инициативе высшее учебное заведение (Академию Генерального штаба), много путешествовал и с увлечением собирал западноевропейскую живопись. Судьба у Николая Константиновича сложится необыкновенная: спустя всего пару лет, весной 1874-го, семья обвинит его в краже трёх бриллиантов с оклада иконы, семейной реликвии, ради подарка любовнице – американской танцовщице Фанни Лир; на суде великий князь солжет, поклявшись на Библии, что не виновен, хотя все улики были против него. Романовы публично объявят его сумасшедшим, лишат наследства и запретят упоминание его имени, а самого Николая Константиновича навсегда вышлют без права возвращения в Узбекистан. Впрочем, и там он не пропадёт: женится, доживет до Октябрьского переворота (умрёт только в 1918-м), станет основателем нескольких бизнесов, а его коллекция из пяти сотен предметов искусства обогатит Ташкентский музей изобразительных искусств. Но только картины «Мокрый луг», о которой в 1872-м году мечтал Николай Константинович, там не будет, потому что соперничать с великим князем за васильевский шедевр станет Павел Третьяков. Средств, выделяемых Федору Васильеву на прожитие в Крыму Обществом поощрения художников, решительно не хватало. За первый год он несколько раз обращается в письмах к Павлу Третьякову с просьбой прислать денег: «Положение моё самое тяжелое, самое безысходное. Я один в чужом городе, без денег и больной. Мне необходимо 700 рублей...» Третьяков высылает денег в счёт будущих картин, и еще раз, и еще... Он щедр, но щедр расчётливо: «Будьте здоровы, любезный друг, мужайтесь! Кто смолоду похворает, под старость крепче бывает!.. Ваш преданный П.Третьяков». Чувствуя себя облагодетельствованным и обязанным, художник обещает Третьякову, что только у него будет неотъемлемое право первым смотреть и выбирать васильевские картины. От таких предложений не отказываются. И Третьяков начинает мягко, но настойчиво ставить условия. Например, просит Федора Васильева перед тем, как отправлять «Мокрый луг» в Петербург на выставку, прислать картину ему в Москву – для предварительного знакомства. Мы не знаем, что двигало в тот момент Федором Васильевым, но это условие он нарушил. В конце февраля 1872-го года, вопреки просьбе Третьякова, он отсылает «Мокрый луг» в Петербург – Крамскому. Впрочем, выставочный конкурс он всё-таки проиграет, заняв лишь второе место: первое отдадут картине Шишкина «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». Узнав о том, что «Мокрый луг» вот-вот уйдёт из его рук, настойчивый Третьяков специально едет в Петербург. Шишкинский «Сосновый бор» он уже без всяких препятствий купил до открытия конкурса, а вот за картину Васильева намерен побороться. Зная, что главный претендент на неё – великий князь, Третьяков назначает сразу значительную сумму – тысячу рублей – и «Мокрый луг» остаётся за ним. Сейчас это достояние Третьяковской галереи. «Первый взгляд не в пользу силы, – писал Федору Васильеву, получив «Мокрый луг», о своём противоречивом первом впечатлении от картины Крамской. – Она показалась мне чуть-чуть легка, и не то чтобы акварельна, а как будто перекончена. Но это был один момент... Во всём остальном она сразу до такой степени говорит ясно, что Вы думали и чувствовали, что и самый момент в природе не сказал бы ничего больше... Эта картина рассказала мне больше Вашего дневника». _history https://t.me/pic_history2/256
3161 

04.05.2022 20:37

"Любовь небесная и любовь земная" 1518 г. Тициан Вечеллио Галерея Боргезе...
"Любовь небесная и любовь земная" 1518 г. Тициан Вечеллио Галерея Боргезе, Рим. Одна из наиболее известных и в то же время одна из самых загадочных картин Тициана Вечеллио. Предыстория: для кого и с какой целью Тициан создал картину «Любовь небесная и любовь земная» Однажды на пороге дома Тициана появился высокопоставленный венецианский царедворец Николо Аурелио. Он работал в Consiglio dei Dieci – так называемом Совете Десяти, коллегиальном органе, избираемом ежегодно в Венеции из ста наизнатнейших патрициев. Совет Десяти был своего рода службой республиканской безопасности, отвечал за неприкосновенность политического строя Республики святого Марка и даже имел свою разветвлённую сеть шпионов. А Николо Аурелио был его бессменным секретарём, отвечая за все важнейшие государственные бумаги, предоставляемые дожу на подпись. Дело, которое заставило его обратиться к Тициану, было весьма деликатным. Пожилой Аурелио замыслил жениться на молодой вдове. Но для чиновника такого ранга это был рискованный шаг. Во-первых, отец невесты был казнён в Падуе за военное предательство Республики. А во-вторых, люди ведь могут подумать, что Николо привлекла не сама вдовушка, а оставленное её покойным мужем наследство – вдова действительно была сказочно богата. Нужна картина, которая подчеркнула бы возвышенный, а не грубо-материальный и не низменно-плотский характер любви Аурелио. Джорджоне не справится, слишком легкомысленный. Оба Беллини избалованы славой, с ними лучше не связываться. Только Тициан, с присущей ему рассудительностью и мудростью, сможет предложить какой-нибудь подходящий аллегорический сюжет, и тогда картина станет достойным свадебным подарком для невесты венецианского царедворца. Самого Тициана, переживавшего тогда бурный роман со значительной младшей его Виолантой, также волновала этическая коллизия между добродетелью и сладострастием, которая и была положена в повествовательную основу картины «Любовь небесная и любовь земная». Именно с Виоланты, своей возлюбленной, Тициан напишет обе женские фигуры картины, олицетворяющие две ипостаси любви – профанную (земную) и сакральную (небесную). Символика картины «Любовь небесная и любовь земная» Существует обширная литература, описывающая сложные символы в основе картины Тициана – от воззрений на сущность любви Платона и неоплатоников до аллюзий на книгу кардинала Пьетро Бембо «Азоланские беседы», посвященную Лукреции Борджиа. Широкоформатная горизонтальная композиция строится на двух незримых диагоналях, которые сходятся где-то в районе руки купидона. Сидящая слева женщина в пышном голубом платье олицетворяет целомудрие, она словно задумалась о чем-то, в то время как другая женщина, ее обнажённое alter ego, курящая фимиам из черной плошки, как будто склоняет её отдаться земной, всесокрушающей страсти. Эту же этическую дилемму символизируют барельефы – конь ассоциируется с неудержимостью страсти (так же как и пара зайцев на втором плане, символ плодовитости), а рядом изображается сцена побиения кнутом за плотские грехи. Просветленный и торжественный колорит, парадоксальное примирение чувственного и возвышенного начал делают «Любовь небесную и любовь земную» настоящим гимном женской красоте. ТицианВечеллио Возрождение _history
3008 

17.06.2022 20:37


«Каждая несчастливая семья несчастлива по-своему» Была ли довольна своей...
«Каждая несчастливая семья несчастлива по-своему» Была ли довольна своей участью новоиспечённая герцогиня урбинская? Представим, как она оказалась в поражающем воображение великолепном замке, построенном харизматичным Федериго, которого ей не довелось застать. Его проектировал архитектор Лаурана и лучшие инженеры своего времени, а консультировал строительства сам Леон Баттиста Альберти. Замок был необыкновенной красоты и функциональности: висячие сады, залы, оформленные знаменитыми художниками, инкрустированный кабинет хозяина, грандиозный тронный зал для приёмов, а еще небывалый по тем временам уровень бытовых удобств – водопровод с системой повторной очистки воды, кухня и ледник, уборные, которые отапливались так же, как термы Древнего Римаю. Всё это было чрезвычайной роскошью для своего времени. Когда французский философ Монтень, путешествуя, попал в Урбино, он поразился масштабам дворца Монтефельтро и зафиксировал в путевых заметках, что комнат и залов там не меньше, чем дней в году. Но семейная жизнь Элизабетты не заладилась с самого начала. Довольно скоро она разочаровалась в супруге. Болезненный Гвидобальдо (помимо смещения позвонков, он страдал тяжелой формой подагры – врождённого дефекта обмена веществ, поражающего суставы) не был способен зачать наследника. Их брак оставался бездетным. Возможно, поэтому Элизабетта нежно опекала подрастающего Рафаэля. Не столько потому, что предвидела будущие успехи – скорее по благосклонности к его родителям: грациозная Маджия, мать Рафаэля, была украшением свиты герцогини, его отец Джованни – не только художником и декоратором, но и устроителем всякого рода развлечений при дворе, в том числе так любимых всеми рыцарских турниров. В 8 лет Рафаэль потеряет мать, и общество образованной, умной, изысканно любезной Элизабетты, герцогини Урбинской будет способствовать его образованию и развитию у него вкуса к поэзии, восприимчивости к прекрасному. Когда у второй жены Джованни Санти родится дочь, Элизабетта Гонзага согласится стать крёстной матерью, так что в её честь сводную сестру Рафаэля тоже будут звать Элизабеттой. При всем при том преданность Элизабетты мужу не вызывала сомнений. В 1497-м году Урбино окружили отряды Чезаре Борджиа. Разбитый подагрой Гвидобальдо командовал обороной города, отстаивая независимость Урбино. Из-за сильных болей он мог передвигаться только на носилках, и однажды у крепостных стен герцога похитили головорезы Борджиа и потребовали за него фантастический выкуп. Чтобы спасти мужа, Элизабетта, скрывавшаяся в это время в Мантуе, распродала свои драгоценности и заложила наследственные земельные наделы, а когда и этого оказалось мало, взяла в банке кредит под непомерный процент. Только благодаря её усилиям полуживой герцог вернулся домой. А коварный Борджиа, вернув Гвидобальдо, продолжал беспардонно троллить его, называя «дорогим итальянским братом» и присылая подарки с подтекстом: раз это оказался серебряный бочонок с устрицами – известным средством для поднятия потенции, во другой раз – античные скульптуры Венеры и Эроса. Смысл их был очевидно издевательский. Все знали об интимной беде семьи Монтефельтро. Родня пыталась склонить Элизабетту к разводу с постылым мужем и более выгодному союзу – герцогиня не поддалась.
2822 

13.08.2022 19:12

«Прекрасная шоколадница» (фр. – La Belle Chocolatière, нем. – Das...
«Прекрасная шоколадница» (фр. – La Belle Chocolatière, нем. – Das Schokoladenmädchen) – портрет аккуратно одетой красавицы, изящно держащей поднос с чашкой горячего шоколада и стаканом воды, – одна из самых известных работ Жан-Этьена Лиотара и жемчужина Галереи старых мастеров в Дрездене. Картину считали шедевром ещё при жизни художника. Образ был создан между 1743-м и 1745 годами при дворе австрийской императрицы Марии Терезии. В то время швейцарский художник находился в Вене, где писал портреты правительницы и её супруга. 3 февраля 1745 года картину приобрёл у Лиотара в Венеции граф Франческо Альгаротти, который был арт-агентом двух монархов – прусского короля Фридриха II и польского короля Августа III Саксонца. Он писал своему другу, искусствоведу Пьеру-Жану Мариетту: «Я купил картину пастелью около трёх футов высотой, написанную знаменитым Лиотаром. На ней изображена молодая немецкая горничная в профиль, несущая поднос со стаканом воды и чашкой шоколада. Картина почти лишена теней, с бледным фоном и светом, который идёт из двух окон, отражённых в стакане. Она написана полутонами с незаметными переходами света и исполнена в совершенстве… и хотя это европейская картина, она может понравиться китайцам, которые, как вы знаете, являются заклятыми врагами теней. Что касается совершенства работы, то это Гольбейн в пастели». Картина входит в коллекцию Галереи старых мастеров в Дрездене с 1855 года. Кто был моделью для «Прекрасной шоколадницы», достоверно не установлено. Вероятнее всего, это одна из незамужних девушек при дворе, поразившая живописца своей красотой. В те дни было принято призывать ко двору юных прелестниц из семей «низшего» дворянства и делать их компаньонками для дам из «высшего» дворянства. Очень часто утверждается, что Лиотару позировала Анна (Аннель или Наннель) Бальтауф – дочь обедневшего кавалера Мельхиора Бальтауфа, которую, возможно, пригласили ко двору в качестве такой наперсницы. Молодой князь фон Дитрихштейн, якобы, был поражён её красотой, влюбился и женился – приведя в смятение весь высший свет. Эту легенду поддерживала американская шоколадная компания Walter Baker & Company, которая использовала «Прекрасную шоколадницу» Лиотара в качестве своего логотипа с 1883 года. В небольшом буклете с рецептами 1913 года было написано: «Неясно, было ли обязанностью Анны подавать шоколад или же она была светской красавицей, которая позировала в таком костюме. Но как бы то ни было, своей красотой она так поразила князя Дитрихштейна, что он женился на ней. Этот брак породил множество разговоров в австрийском обществе. Кастовые предрассудки в Вене всегда были очень сильны, а дочь простого дворянина не считалась подходящей партией для придворного…». Более романтическая версия этой истории гласит, что молодой Дитрихштейн пришёл в венское кафе чтобы попробовать новомодный напиток – горячий шоколад. Там он и встретил Анну Бальтауф, которая обслуживала посетителей. Он мгновенно влюбился в девушку и следующие несколько недель приходил в заведение практически ежедневно. В конце концов, он женился на своей пассии, несмотря на сопротивление высшего дворянства. В качестве свадебного подарка он заказал Лиотару портрет невесты в той одежде, в которой встретил её впервые. Несмотря на то, что начало истории «Прекрасной шоколадницы» больше похожа на сказку, её продолжение хорошо задокументировано. В 1881 году Генри Пирс – президент Walter Baker, ведущей компании США по производству какао и шоколада – приехал в Европу, чтобы познакомиться с методами производства какао. В дрезденской Королевской галерее он увидел картину Лиотара. Его впечатлил и сам портрет, и его романтическая история – и с тех пор «Прекрасная шоколадница» стала одной из первых зарегистрированных торговых марок в экономической истории. С 1880-х образ Анны Бальтауф был запечатлён и растиражирован на миллионах банок какао и рекламных буклетов. ЖанЭтьенЛиотар Портрет Рококо _history
2200 

11.01.2023 22:37

Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной...
Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной...
Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». _history БастьенЛепаж https://t.me/pic_history/6353
1641 

31.05.2023 21:03

Возвращаемся в рабочий и познавательный ритм после новогодних каникул и череды...
Возвращаемся в рабочий и познавательный ритм после новогодних каникул и череды...
Возвращаемся в рабочий и познавательный ритм после новогодних каникул и череды застолий И начнем с интересного факта про пиры. Считайте, сами из-за пиршественного стола недавно вылезли И если вам кажется, что было слишком много застолий, то я вас разочарую. Новогодние праздники по сравнению с пиром на Руси - детские забавы. Итак, понравилось бы нам, современным людям, на царском пире 17 века? Сомневаюсь! Пир длился по 10-20 часов. Еды было не просто много, а очень много. Начиналось застолье с закусок - соленья, копченья, квашения. Икру, кстати, не жаловали - она была едой для простых людей, не царской. Разве что «заморская», баклажанная, могла появиться на царском столе. считался деликатесом, который привозили из Индии (как сохраняли его свежесть - вопрос ). После шли мясо и рыба. Но выносили не каждому по порции - нет. Были вертела и блюда с целыми свиньями, лебедями, кукушками, осетрами, быками, рысями. Чем больше приготовленная туша, тем интереснее она была нафарширована - целыми птицами, начиненными гречкой и овощами, например. Потом в ход шли пироги И только после всех этих роскошеств - суп. Ну а в конце - сладкое ???? Обязательно красивое, точнее, очень красивое. Сахарный Кремль или дерево с пряниками Всего на пиру подавалось около 500 блюд Понятно, что люди столько съесть не могли… Но для этого было решение! Существовали специальные комнаты, где можно было освободить желудок, пощекотав горло фазаньим пером, и продолжить есть. А и еще! Вместо салфеток использовали капустные листы P. S. Как вы праздники провели? Отдохнули? Я все равно немного работала. Провела несколько экскурсий, лекцию (первую в этом году) в закрытом клубе, написала для вас много интересного на ближайшее время В клуб, кстати, можно вступать️ у нас герой следующих 4 недель - Суриков. А в качестве иллюстрации к истории про пиры - картина Константина Маковского. Боярский свадебный пир в 17 века. 1883 На картине ошибка! Какая - скоро расскажу PROинтересныефакты
713 

09.01.2024 09:41


Нобель, снежинки из России и женщина 

Красота и вдохновение - они вокруг нас.
Нобель, снежинки из России и женщина Красота и вдохновение - они вокруг нас.
Нобель, снежинки из России и женщина Красота и вдохновение - они вокруг нас. Нужно только обращать на это внимание Как когда-то, более 100 лет назад, это сделала Альма Пиль. И придумала «Морозные узоры». Ну, обо всем по порядку! Кто такая Альма Пиль? Это художник-дизайнер, единственная женщина, которая работала в фирме известного ювелира Карла Фаберже. Она придумала самое дорогое Зимнее яйцо (про него рассказывала тут). А еще сделала зимние узоры, точнее, снежинки неотъемлемой частью ювелирных украшений. Думаю, очевидно, что ее вдохновила природа Рабочий стол Альмы находился прямо возле окна. Там она красоту и уникальность ️ и разглядела. Эскизы украшений с зимними мотивами особенно пришлись по вкусу крупному нефтепромышленнику Эммануилу Нобелю, который работал в Российской империи. Да, фамилия - не совпадение. Он был племянником изобретателя динамита и основателя Нобелевской премии. Но была у Нобеля особенность… Эммануил устраивал приемы, на которых дарил гостям драгоценные подарки. И в 1911 году, как раз к очередному приему, сделал большой заказ фирме Фаберже - 37 брошей, но только с оригинальным и новым дизайном, который ранее никто не делал. Сказано-сделано! По эскизам Альмы Пиль были созданы уникальные произведения искусства из горного хрусталя, алмазов и платины. Серия эта получила название «Морозные узоры». А нефтепромышленник был так восхищен красотой ювелирных изделий, что даже выкупил права на дизайн. И потом заказывал себе «зимние» драгоценности. Такие зимние дела!️ В качестве иллюстрации - зимняя брошь Фаберже. PROинтересныефакты PROфаберже
708 

15.01.2024 11:26

Вижу, что история с татуировкой императора понравилась 

Ну тогда ловите еще...
Вижу, что история с татуировкой императора понравилась Ну тогда ловите еще...
Вижу, что история с татуировкой императора понравилась Ну тогда ловите еще одну интересную историю про знак на теле. И про аферистку Начну немного издалека Есть ли у вас любимый фильм детства? Вот у меня (помимо «Чародеев») «Три мушкетера». Хотя и книгу обожала. Но не об этом! В «Трех мушкетерах» не последнюю роль играет некая Миледи, аферистка и женщина необыкновенной ангельской красоты. Согласно истории, рассказанной Дюма, на плече у Миледи было клеймо в виде лилии️ Надо сказать, Дюма любил историческую реальность приукрасить. На плече у Миледи если и было клеймо, то в виде латинской буквы «V». Именно так обозначали во Франции 17 века воров. Это все, конечно, очень интересно, но куда интереснее то, что Миледи действительно существовала. Только звали ее - Жанна де Валуа. И она была прямым потомком французского короля (правда, по линии внебрачных детей). А закончила свою жизнь, не поверите, в России И история с алмазными подвесками тоже была! Только вместо них в реальной жизни было ожерелье Рассказываю? Поставьте ️‍, если интересно А в качестве иллюстрации - портрет той самой аферистки. Мари Элизабет-Луиза Виже Лебрён. Портрет Жанны де Валуа, графини де ла Мотт (ок. 1780) PROинтересныефакты
707 

22.01.2024 10:46

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru