Назад

Золотой петух и курица XIX век Неизвестный художник Метрополитен-музей...

Описание:
Золотой петух и курица XIX век Неизвестный художник Метрополитен-музей, Нью-Йорк Роспись на вертикальном свитке. Работа создана при помощи туши, красок и бумаги. Вместе с декоративными элементами высота произведения составляет 2 метра, ширина — 63 сантиметра. Работа представляет собой пример развития популярной темы, адаптированной из китайской живописи — «цветы и птицы» (жанр китайской пейзажной живописи, основным предметом которого являются растения, птицы, звери либо насекомые. Этот жанр оказал большое влияние на всё китайское прикладное искусство в Средние века). Также она есть мифологические символы бессмертия: солнце, горы, облака, сосны, журавли, черепахи, олени и грибы. В центре композиции расположены петух и курица, сидящие на дереве павловния и скале соответственно. Они символизируют богатство и будущее. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Похожие статьи

​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia.

Лауреаты...
​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты...
​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты будут названы на торжественной церемонии весной 2021 года в Москве в Гостином Дворе.   ️С 27 января в Третьяковской галерее на Крымском валу для публики открыта выставка «Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России».   Экспозиция показывает широкую панораму развития кинетизма в России в 60–70-х годах, прослеживая его связь с авангардистскими экспериментами начала века и художественными практиками современности. ️В галерее Lazy Mike в Малом Кисельном переулке в Москве пройдет выставка «Курортный роман» Романа Манихина.   ️C 27 по 31 января BRAFA Art Fair пройдет в формате BRAFA in the Galleries.   Постоянные участники ярмарки в разных странах станут амбассадорами BRAFA на местах, то есть проведут пятидневные выставки, которые будут включать отобранные для брюссельской ярмарки работы. «Хикимаю» — традиция выщипывать брови и затемнять лоб чернилами среди японских аристократок известна с 8 века. Она просуществовала 11 веков до «золотой реставрации Мэйдзи», когда правительство рекомендовало срезать косички и не носить традиционные прически: курс на запад в самом расцвете культуры. Так что, трендовая техника «скульптурирования» не так уж и нова. Моя знакомая живет в Японии и говорит, что до сих пор, если ты приходишь в салон красоты, то первое, за что возьмётся стилист, посадив тебя в кресло — брови! Японцы считают, что именно с помощью бровей можно добиться любого выражения лица.   Французская галерея Yann Ferrandin представляет японскую маску театра Но периода Эдо,18-19 век. Фото: Hughes Dubois https://telegra.ph/file/4a786945534f2132d19f9.jpg
2641 

26.01.2021 20:33

Клоун на ярмарочной сцене (Роспись для Бургтеатра, Вена) (1892)
Густава...
Клоун на ярмарочной сцене (Роспись для Бургтеатра, Вена) (1892) Густава...
Клоун на ярмарочной сцене (Роспись для Бургтеатра, Вена) (1892) Густава Климта Одной из важных вех в творчестве художника стала работа над оформлением столичного Художественно-исторического музея. В 1988 году художник получает императорский «Золотой крест», а в 1892 году, после смерти отца, на его плечи ложится забота о семье. В это же время Густав начинает вырабатывать свой «фирменный» неповторимый стиль. В 1897 году Климт становится президентом Венского сецессиона – художественного объединения, не имевшего манифеста и объединённого лишь общим желанием развивать новые стили, проводить художественный обмен с художниками других стран и продвигать творчество членов объединения. В этот период Климт создаёт ряд пейзажей, ставших впоследствии классическими.
2596 

28.01.2021 12:02

Амстердам..." />
"Натюрморт с серебряным кувшином" Виллем Кальф, 1660 > Амстердам...
"Натюрморт с серебряным кувшином" Виллем Кальф, 1660 > Амстердам, Государственный музей Тип натюрмортов, который развивал Кальф, называется «десерты»: такие композиции состоят из роскошных предметов, говорящих о богатстве заказчика. На картине серебряный кувшин, бокал с вином на золоченой подставке, глубокая тарелка из китайского фарфора с фруктами. И кувшин и подстаканник украшены модным в то время орнаментом, напоминающие форму ушной раковины. Художника интересовала игра света и цвета; он использует сочетание синего, желтого и белого цветов. Лимон отражается в кувшине, серебро блестит рядом с позолотой, тускло сияет, сверкает каплями сока мякоть лимона, в бокале мерцает в полумраке вино. Все будто живое, фрукты пахнут и хочется протянуть руку, взять и откусить. Также есть карманные часы: они лежат справа. Стеклянная крышка откинута, будто кто-то только что смотрел на циферблат. Часы, символ уходящего времени, напоминают о том, что плотские утехи не вечны.
2573 

12.02.2021 00:11

«Портрет Екатерины II» 1763г. Фёдор Рокотов

Этот портрет был наиболее любим...
«Портрет Екатерины II» 1763г. Фёдор Рокотов Этот портрет был наиболее любим...
«Портрет Екатерины II» 1763г. Фёдор Рокотов Этот портрет был наиболее любим российской императрицей Екатериной II среди всех многочисленных ее парадных изображений. Он был приурочен к моменту коронации великой императрицы. Ее «золотой век» еще впереди, но на портрете она уже выступает как великая правительница. На картине можно найти все традиционные принципы парадного изображения, которые отсылают нас к классическим методам изображения царей, разработанных еще во времена Древнего Рима. На самом деле на полотне много отсылок к этому времени. Например, композиция картины с запечатленной на троне императрицей сразу указывает на ее главенствующее положение в обществе, недосягаемое для остальных смертных. Екатерина II изображена в профиль, что также характерно для античности. Ее лицо четко читается на фоне смутно видимой на заднем плане классической архитектуры с массивной колонной. Он выглядит совсем также, как и профили великих римских императоров на монетах и медалях времен античности.
2533 

10.03.2021 10:40


Краткая биография Ивана Айвазовского (1817-1900гг.) 

Мальчик любил рисовать с...
Краткая биография Ивана Айвазовского (1817-1900гг.) Мальчик любил рисовать с...
Краткая биография Ивана Айвазовского (1817-1900гг.) Мальчик любил рисовать с детства, но семья была бедной, и не видать бы России великого художника, если бы не градоначальник Феодосии А.И. Казначеев. Именно с его помощью Айвазовский был принят сначала в гимназию в Симферополе, а затем - в петербургскую художественную Академию. В Петербурге он быстро стал «своим»: общается с Брюлловым, Глинкой, Крыловым. Судьбой Айвазовского стало море. Первые морские этюды художник написал еще в Академии. Но биография художника, возможно, была бы совсем другой, если бы в 1838 году Айвазовский не отправился бы на 2 года в Крым. В это время он знакомится с будущими морскими героями России - Нахимовым, Лазаревым, Корниловым. Знакомство накладывает отпечаток на творчество: теперь это не просто морские этюды, а картины-баталии. В 1840 году Айвазовский уезжает за границу, где так ярко раскрывает свой талант, что награждается золотой медалью французской художественной академии и становится кавалером Ордена Почетного легиона.
2497 

10.03.2021 22:30

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории...
"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history
2486 

16.03.2021 20:38

"Женщина в берете и клетчатом платье" 1937 г. Пабло Пикассо Частная...
"Женщина в берете и клетчатом платье" 1937 г. Пабло Пикассо Частная коллекция. «Женщина в берете и клетчатом платье» – это яркий, острый и интенсивный образ Мари-Терезы Вальтер, «золотой музы» Пикассо. Портрет был создан в декабре 1937-го, став кульминацией, пожалуй, самого напряжённого года в жизни художника. Пятью месяцами ранее он создал свой величайший шедевр — «Гернику», посвящённую бомбардировке одноимённого городка во время гражданской войны в Испании. И хотя Пикассо ещё продолжал отношения с Вальтер, всё более значительное положение в его жизни завоёвывала другая женщина — Дора Маар, с которой мастер познакомился в 1935-м. Похоже, посредством этого портрета Пикассо пытался выразить свои переживания по отношению к обеим женщинам. Эта двойственность видна в переходе двух стилей — более мягкое, праздничное чувство «периода Мари-Терезы» уступает место более мучительным кубистским формам, связанным с политически настроенной Дорой Маар. За лицом Мари-Терезы на «Женщины в берете» проступает силуэт, в котором художник мог подразумевать свою следующую возлюбленную. Сам Пикассо говорил: «Девочке, должно быть, больно увидеть на картине, что её время уходит». Интересно сравнить эволюцию портретов Вальтер за предыдущие несколько лет. Ещё в 1932 году Пикассо создавал необычайно чувственные и лирические образы своей возлюбленной, свидетельствующие о пике счастья. А динамичная «Женщина в берете и клетчатом платье» показывает, сколь многое изменилось за пять лет. Резкие кубистические границы, краска, наложенная грубыми мазками, и чёрные контуры придают работе сильный эмоциональный заряд. Это уже не сладострастные изгибы и плавные кривые, которыми Пикассо изображал женщину, родившую ему ребёнка. Тем не менее, портрет говорит о том, что она по-прежнему занимает центральное место в жизни художника. Более 80 лет с момента создания «Женщина в берете и клетчатом платье» не появлялась на рынке. После смерти художника в 1973 году она перешла в частную коллекцию и лишь в феврале 2018-го была выставлена на распродажу произведений импрессионистов и модернистов Sotheby’s в Лондоне. Картину за 49,8 млн фунтов стерлингов (69,2 млн долларов США) приобрёл Гарри Смит, глава экспертной и консультационной фирмы Gurr Johns. ПаблоПикассо Кубизм _history
2467 

17.03.2021 21:37

«Золотой Будда» 

Самая большая в мире цельнолитая золотая статуя расположена в...
«Золотой Будда» Самая большая в мире цельнолитая золотая статуя расположена в...
«Золотой Будда» Самая большая в мире цельнолитая золотая статуя расположена в бангкокском храме Ват Траймит — в ней около трех метров, а весит она более пяти тонн. Доподлинно не известно, когда статуя была изготовлена, но большинство историков ссылаются на Сукхотайский период, примерно 700 лет назад. Тело, руки и ноги Будды представляют собой сплошной золотой слиток. Глаза изумрудные, но точную стоимость фигуры никто не может назвать, так как оценка не проводилась. В период войны с Бирмой статуя была намеренно покрыта гипсом, а затем никто уже не мог раскрыть секрета этого Будды. До 1957 года на статую особо не обращали внимания — до тех пор, пока она не была перевезена на новое место. Согласно слухам, во время перевозки начался дождь, перед которым статуя из-за своего веса ещё и упала с перевозившего её крана; она была укрыта от дождя, но вода всё равно смыла покрытие с одного из участков в достаточной степени, чтобы один их монахов заметил странный блеск. По другой версии, от падения гипс потрескался.
2455 

30.03.2021 18:30

Похищение Прозерпины Мраморная скульптура Джованни Бернини, создавалась в...
Похищение Прозерпины Мраморная скульптура Джованни Бернини, создавалась в 1621—1622 годах, когда скульптору было 23 года. Находится в галерее Боргезе (Рим). Высота статуи 295 см. «Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», — писал Джованни Бернини. Была у богини Деметры юная прекрасная дочь, Прозерпина. Отцом Прозерпины был громовержец Зевс. Однажды Прозерпина вместе со своими подругами резвилась в цветущей долине. Не знала она, какая судьба ей уготована отцом её Зевсом. Он отдал её в жены мрачному своему брату Плутону, властителю царства теней и умерших, и с ним должна была жить Прозерпина во мраке подземного царства. Плутон видел, как резвилась Прозерпина, и решил её тут же похитить. Он упросил богиню Гею вырастить цветок необыкновенной красоты. Прозерпина увидала цветок и протянула к нему руку. Но только сорвала она цветок, как разверзлась земля, и появился мрачный Плутон на золотой колеснице. Он схватил юную Прозерпину и скрылся в недрах земли. Только вскрикнуть успела Прозерпина. Никто не видел, как похитил Плутон девушку, лишь бог солнца — Гелиос. Услыхала крик Прозерпины Деметра. Стала всюду искать она свою дочь, но нигде не нашла. На десятый день пришла она к богу Гелиосу и стала молить его, чтобы он сказал, кто похитил Прозерпину. Гелиос обо всем рассказал скорбящей матери. Разгневалась Деметра, что Зевс отдал Прозерпину в жены Плутону без её ведома. Она покинула Олимп и приняла вид простой смертной. Но Деметра была богиней плодородия, и без неё всякий рост на земле прекратился. Листья на деревьях завяли и облетели, травы поблекли, цветы засохли. Не было плодов в садах, и не зрели в виноградниках тяжелые сочные гроздья. Замерла жизнь на земле. Гибель грозила всему людскому роду. Ничего не оставалось Зевсу, как повелеть Плутону отпустить Прозерпину на землю к матери. Плутон согласился отпустить Прозерпину, но предварительно дал ей проглотить зерна граната, символ брака. С тех пор Прозерпина две трети года живет с матерью, а одну треть проводит со своим мужем, Плутоном.
2449 

31.03.2021 21:32

«‎Портрет Петра III» Фёдор Рокотов

Это яркий пример парадного портрета...
«‎Портрет Петра III» Фёдор Рокотов Это яркий пример парадного портрета...
«‎Портрет Петра III» Фёдор Рокотов Это яркий пример парадного портрета, выполненного талантливым художником с соблюдением всех правил и традиций изображения в стиле рококо. На картине присутствуют все важнейшие царские регалии — корона и скипетр, драгоценная горностаевая мантия, крытая золотистым бархатом. Но они изображены в стороне, а всю центральную часть занимает образ молодого властителя огромной страны. Его отнюдь не мужественная фигура облачена в плотно облегающий камзол, который только подчеркивает узость его хрупких плеч и намечающийся животик. Император подпоясан богатым золотистым кушаком, на котором сбоку висит крупная сабля или шпага с золотой рукояткой. Картина отличается богатейшей цветовой гаммой и тонко согласованным колоритом. Фигура императора четко вырисовывается на фоне грозового неба, а все малейшие детали его костюма тщательнейшим образом прописаны.
2457 

31.03.2021 10:40


Сигизмунда с сердцем Гвискардо
1645
Франческо Фурини
Музей и художественная...
Сигизмунда с сердцем Гвискардо 1645 Франческо Фурини Музей и художественная...
Сигизмунда с сердцем Гвискардо 1645 Франческо Фурини Музей и художественная галерея, Бирмингем, Англия Томная и окутанная голубоватой дымкой живопись Фурини не вписывается в рамки тосканского реализма того времени; ей присущ рафинированный, полный эротики идеализм. Что хорошо иллюстрирует это полотно. Картина показывает сцену из первой сказки четвертого дня «Декамерона», средневекового сборника рассказов (новелл) итальянского писателя и поэта Джованни Боккаччо. Гвискардо был слугой и пажем при дворе отца Сигизмунды, принца Танкреда Салерно. Когда отец Сигизмунды обнаружил, что Гвискардо и Сигизмунда тайно поженились, он гневно приказал своим людям убить низкорослого Гвискардо и доставил сердце Гискардо Сигизмунде в золотой чаше. Несмотря на то, что она пообещала умереть, не пролив слезы, она плачет, когда понимает, что ее отец убил ее мужа. Она добавляет яд в чашу с сердцем Гвискардо и кончает жизнь самоубийством, выпив его.
2364 

07.04.2021 20:08

В Финляндии в конце девятнадцатого века случился самый настоящий золотой век...
В Финляндии в конце девятнадцатого века случился самый настоящий золотой век искусства - это был период ухода от Российской империи и избавления от шведского влияния, поэтому появилась острая необходимость понять себя, разобраться со своей национальной идентичностью. Художники, писатели, композиторы обратились кто к сказкам и мифам, кто к народной жизни, кто к красотам северной природы. Вышло все у них очень хорошо - один только Аксели Галлен-Каллела чего стоит. Одновременно с этим произошла еще важная штука - появилась идея о важности образования для всех и, например, в Школу Финского Художественного общества (ныне это Академия изящных искусств) стали принимать женщин. А они как давай туда поступать, да еще и объединились в художественное сестринство. Вот про одну из представительниц первого поколения финских профессиональных художниц и расскажу. Там про каждую надо обязательно, но сегодня будет Элин Клеопатра Даниэльсон-Гамбоджи, финская реалистка с шведскими корнями. У нее на картинах очень много женщин - маленьких и больших, за работой и на отдыхе, в одиночестве, с друзьями или с детьми. Покуривают после завтрака, устраивают пикник на побережье, читают вслух, рубятся в картишки - целая энциклопедия всякой женской жизни. Конечно, она написала много прекрасных пейзажей, ей это хорошо давалось тоже, но портреты и жанровые сценки, на мой личный вкус, интереснее. Кстати, вот ее автопортреты какие хорошие - проницательный прямой взгляд, а будто рассмеется сейчас.
2350 

27.04.2021 21:10

"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся...
"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. В правом верхнем углу указан его возраст, 26 лет, и дата написания картины – 1624 год. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя. Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны, однако некоторые важные подсказки исследователям может дать ослепительный костюм. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук – стрелы, пылающие рога изобилия и узы влюблённых. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что перед нами свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение. Также высказывалось предположение, что некоторые элементы на костюме (особенно кадуцей, атрибут римского бога Меркурия) указывают на занятие торговлей. Авторитетный искусствовед Питер Бисбоер недавно предположил, чтобы натурщиком был Тилеман Ростерман, богатый торговец текстилем из Гарлема. К 1624 году Хальс уже написал несколько одиночных и парных портретов, а также групповой портрет «Банкет офицеров Гарлемской стрелковой гильдии св. Георгия». Последний, пожалуй, самая известная работа живописца, демонстрирующая его виртуозную способность передавать жизненную силу и дух своих моделей. Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса – так он показывал уверенность натурщиков в себе. Кроме того, эта поза придаёт картине визуальную глубину. Портрет выполнен разными мазками – от тонких сливающихся штрихов на лице до более широких, свободных мазков на костюме. Детали тонкого кружева издалека выглядят тщательно проработанными, но вблизи оказываются быстрым наброском. Может показаться, что широкие линии руки и складки драпировки над животом мужчины были написаны за несколько секунд быстрыми длинными штрихами. Есть что-то чрезмерное в сочетании румяного лица и массы шелков и кружев. Герой портрета реален и нереален одновременно. К началу XIX века творчество Хальса было практически забыто. Несмотря на это, холст «Смеющийся кавалер» стал объектом яростной битвы между Ричардом Сеймуром-Конуи, 4-м маркизом Хартфордом и бароном Джеймсом де Ротшильдом на парижском аукционе в 1865 году. Первый победил, заплатив королевскую сумму в 51 тысячу франков (ныне около 3 тыс. долларов). Это событие оказалось поворотным моментом в репутации художника, интерес к которому начал возрождаться. Свободная, спонтанная техника и иллюзия мимолётного снимка сделали картину привлекательной для коллекционеров и художников викторианского периода. Последние стремились именно к такому ощущению реализма – без лощёной фактуры и гладкого нанесения краски. Влияние Хальса заметно в широких мазках Эдуара Мане и его последователей-импрессионистов, а Джеймс Эббот Макнейл Уистлер подражал голландцу в своей работе «Композиция в светло-розовом и чёрном. Портрет Теодора Дюре» (ок. 1883). Первоначально картина называлась просто «Портрет мужчины», но на выставке Королевской академии в 1888 году она уже значилась как «Смеющийся кавалер». Несмотря на то, что человек на ней на самом деле не смеётся и не является кавалером, изображение излучает веселье, бодрость и долю чванства. Среди составляющих такого настроения – низкая точка обзора, ослепительная техника, закрученные кверху усы, блеск в глазах и надменная поза молодого человека. ФрансХальс Барокко _history
2355 

28.04.2021 20:37

Искушение
1857
Николай Шильдер
Третьяковка

22 мая 1956 года Третьяков купил...
Искушение 1857 Николай Шильдер Третьяковка 22 мая 1956 года Третьяков купил...
Искушение 1857 Николай Шильдер Третьяковка 22 мая 1956 года Третьяков купил эту картину за 150 рублей. За 150 рублей тогда можно было купить дом в деревне или семью крепостных. В живописи Третьяков не понимал ничего, зато он очень хорошо умел считать деньги. На картине мрачная и сырая подвальная комната, в которой живет девушка и ее престарелая больная мать, давно уже не встающая с постели. Однажды в подвал пришли богатый мужчина и старуха-сводня, которая предложила девушке сделку: красивый золотой браслет в обмен на любовь. И вот оно – искушение: с одной стороны нищенский заработок вышивальщицы, с другой – браслет, который можно продать и обеспечить семью. И купить маме так необходимые лекарства. Только в 1863 году Павел Михайлович вспомнил о своей идее устройства «художественного музеума». «Искушение» он внес под «нумером 1» в лично составленный им первый каталог своей коллекции. Вторым номером стала картина Василия Худякова «Стычка с финляндскими контрабандистами»
2194 

23.05.2021 20:13


"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей...
"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Испанский король Карл IV, его супруга Мария Луиза Пармская, их разновозрастные и многочисленные «чада и домочадцы»… Перед нами знаменитый семейный портрет испанских монархов кисти придворного живописца Франсиско Гойи. Портрет, самую едкую и ёмкую характеристику которому дал французский поэт-романтик Теофиль Готье. Он сказал, что на этой картине видит не короля и королеву, а «булочника с женой, получивших крупный выигрыш в лотерею». «Семья короля Карла IV» – ода или насмешка? «Семья короля Карла IV» – парадный портрет, и в то же время в нём легко считывается ирония Гойи. С одной стороны, испанские правители, нынешние и будущие, показаны в блеске королевской славы. Гойя тщательно воспроизводит их одежду, обильно украшенную придворным ювелиром драгоценными камнями. Женские украшения, ордена короля (среди них – недавно учреждённый орден Марии Луизы и Золотого руна, а также Крест Непорочного зачатия) – всё это Гойя выписывает, кажется, с каким-то особым удовольствием. С не меньшим вкусом и знанием дела передана фактура тканей: тяжёлой золотой парчи, мягкого и вкрадчиво-матового бархата, лёгких кружев. Однако роскошь нарядов только оттеняет физические несовершенства героев. По воспоминаниям, король был феноменально рыхл, а королева-распутница – и вовсе безобразна. И Гойя не стремится дать их в идеализированном виде. Он изображает не богоподобных венценосцев, а заурядных смертных из плоти и крови. В демократической критике принято будет писать о семье Карла IV чуть ли не с отвращением: духовное убожество, мещанская заурядность, семья лавочников, вульгарность, невежество, вырождение и прочая, и прочая. В работе Гойи видели чуть ли не карикатуру. Вряд ли это и в самом деле так. Скорее, мы имеем дело с критической крайностью. А Гойя оставался художником, он создал остро-характерные портреты, раскрывающие в нём знатока человеческой природы. И, кстати, монархами портрет был воспринят благосклонно. Но вот что еще интересно: на этом портрете изображены люди, близкие по крови – король с королевой, три их дочери, три сына, внук, зять, сестра королевы и брат короля. Как это было принято среди европейских правящих династий, многие из них связаны двойной родственной связью: муж Марии-Луизы – одновременно её же кузен; брат короля Антонио Паскуаль был женат на королевской дочке, своей племяннице Марии Амалии (её на картине нет – она умерла за два года до её создания, в 1798-м; и может быть, это её Гойя изобразил отвернувшейся к стене?). Но несмотря на кровную близость, люди эти выглядят удивительно отчуждёнными, разрозненными, замкнутыми в себе, словно их собрала для позирования художнику простая случайность. А еще на картине есть тот, кто внимательно наблюдает за всеми ними. Автопортрет Гойи в картине «Семья короля Карла IV» Франсиско Гойя говорил: «Я признаю трёх учителей - Рембрандта, Веласкеса и природу». В этом парадном портрете короля Карла IV с его близкими есть прямая отсылка к веласкесовым «Менинам» – знаменитой картине-иллюзии, где в окружении королевских особ (инфанты Маргариты и отражающихся в зеркале короля и королевы, её родителей) кумир Гойи Веласкес изобразил себя самого за работой. Гойя здесь без стеснения подражает Веласкесу. Точно так же в групповое изображение семьи Карла IV Франсиско Гойя вписывает автопортрет: в затемнённом левом углу, позади королевских особ, за мольбертом, можно разглядеть по-рембрандтовски задумчивое лицо художника. ФрансискоГойя Портрет Романтизм _history
2132 

24.06.2021 21:37

"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де...
"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. «Святая Екатерина Александрийская» – это вневременное изображение красоты в лучших традициях портретной живописи. Микеланджело Меризи да Караваджо не показал героиню в мистическом трансе, а повернул её к зрителю, установив между ними прямой зрительный контакт. Для картины, которую почти наверняка заказал в Риме кардинал Франческо Мария дель Монте, первый покровитель живописца, позировала молодая куртизанка Филлида Меландрони, входившая в круг общения Караваджо. Святая одета в богатые одежды по моде того времени – белую блузу с широкими рукавами, ниспадающими свободными складками, и с золотой отделкой на декольте, а также в лиловое платье, украшенное широкой тесьмой из золотой нити спереди и на бретелях. Она стоит на коленях на подушке из красного дамаста, наклонённое тело опирается на сломанное колесо, символ её мученичества, с оси которого свисает роскошная, плотная и тяжёлая синяя ткань. Женщина осторожно сжимает меч, кончик которого окрашен красным – возможно, это намёк на пролитую кровь или просто отражение подушки – а у её ног лежит пальмовая ветвь. Драматическое освещение сцены создаёт эффект кьяроскуро, характерный для Караваджо. Его подход к свету и объёму, ярко выраженный на этом полотне, оказал значительное влияние на художников как в Италии, так и по всей Европе. Ныне «Святая Екатерина Александрийская» – одна из самых знаковых работ в коллекции Национального музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Полный провенанс позволяет проследить её историю практически с момента написания и до наших дней. Холст значится в описи имущества, составленной после смерти кардинала Франческо Марии дель Монте, а затем в посмертной инвентаризации собственности его наследника Угуччоне дель Монте в 1626 году. Двумя годами позже картина была продана, и её новым владельцем, судя по всему, стал кардинал Антонио Барберини. В документах его семьи «Святая Екатерина» фигурирует в 1644-м, 1671-м и 1817 годах. Позже она была выставлена на рынок, и в 1934 году куплена для коллекции Тиссена-Борнемисы в галерее в Люцерне. Картина была предметом многочисленных комментариев и дискуссий по поводу своей атрибуции, даты создания и того, как художник подошёл к раскрытию темы. В 1916 году Роберто Лонги, один из крупных специалистов по Караваджо, предположил, что автором полотна может быть Орацио Джентилески. Однако шесть лет спустя искусствовед Маттео Марангони заявил, что высокое качество работы свидетельствует о том, что это – рука Караваджо. На сегодняшний день это мнение принимается всеми экспертами по художнику без каких-либо оговорок. Холст был написан незадолго до крупного цикла, который Караваджо создал для капеллы Контарелли в Риме. Тогда он переходил к использованию более компактных форм на основе техники кьяроскуро (игры света и тени), которой подчёркивал выразительность своих композиций. Специалисты отмечают, что в этой работе источник света находится справа, что необычно для творчества Караваджо. Такой нюанс наводит на мысль, что картина разрабатывалась для определённого интерьера. В 2018 году Музей Тиссена-Борнемисы завершил реставрационные и технические исследования картины. Анализ красок показал, что в первом варианте платье героини было красным, но позже художник выбрал для него другой оттенок. Причина изменений неизвестна, можно лишь предположить, что кардинал Франческо Мария дель Монте пожелал, чтобы святая выглядела более сдержанно и пристойно. Караваджо РелигиознаяСцена Барокко _history
2055 

06.07.2021 20:37

"Овощной рынок в Амстердаме" 1661 г. Габриель Метсю Лувр, Париж. «Овощной...
"Овощной рынок в Амстердаме" 1661 г. Габриель Метсю Лувр, Париж. «Овощной рынок» был написан в 1660 – 1661 годах, когда Габриель Метсю, живший в Амстердаме, находился на пике карьеры. Эта оживлённая сцена из повседневной жизни на самом деле является отсылкой к популярной комической пьесе. Этим объясняется присутствие дерзкого лакея, переодетого в красный, словно шутовской, костюм. Большой размер холста и мягкое, почти ностальгическое исполнение городского пейзажа характеризуют картину из собрания Лувра как один из шедевров Метсю. Этот овощной рынок располагался у канала Принсенграхт, где художник проживал примерно с 1657-го (по другим данным, с 1654-го) года. Поселившись в доме дальнего родственника, он мог тщательно изучить жизнь этого маленького мира. Эту жанровую картину он создал под влиянием театра того времени. Несомненно, что изображённые типажи соответствуют персонажам очень популярного тогда фарса «Het Moortje» (1615) нидерландского драматурга Гербранда Адрианса Бредеро. Передний план, где находятся основные действующие лица, ярко освещён таким образом, чтобы подчеркнуть сочные цвета – красный, зелёный и белый, по ослепительности соревнующимися друг с другом. Эта красочная живость контрастирует с приглушенным коричневым фоном и спокойным городским пейзажем, для которого характерны упорядоченный ритм и геометрия фасадов. Композиция этой жанровой сцены, исполняемой на открытом воздухе, довольно интересна. На левой стороне картины сварливая женщина, крепко уперев руки в бока, жарко торгуется за овощи. Приятная пухленькая матрона стоически игнорирует её наскоки, повернув голову к зрителю. Юмористическим отражением этого диалога являются собака и петух в правой части полотна. Пёс и птица пристально смотрят друг на друга, а неустойчивое положение плетёной корзины даёт понять, что вот-вот воцарится весёлый хаос. В центре, словно изолированная от рыночного шума, разворачивается сцена флирта. Пылкий щёголь в элегантном костюме ухаживает за милой домохозяйкой, которая слушает его настороженно, хотя и не без интереса. Сияющие яркие оттенки главных героев и практически монохромные персонажи на заднем плане напоминают о лейденском периоде художника, хотя картину датируют примерно 1660 – 1661 годами. Это исключительная работа в творчестве Метсю, сочетающая реализм рыночной жизни с отсылкой к театральной сцене. Это шедевр, в котором живописец полностью раскрыл свой художественный талант и продемонстрировал важность жанровой живописи. ГабриельМетсю Барокко _history
2026 

09.07.2021 20:37

Святой Себастьян
1493—1494
Пьетро Перуджино
Эрмитаж, Питер

Картина...
Святой Себастьян 1493—1494 Пьетро Перуджино Эрмитаж, Питер Картина...
Святой Себастьян 1493—1494 Пьетро Перуджино Эрмитаж, Питер Картина итальянского художника эпохи Раннего Возрождения. Портрет раннехристианского святого Себастьяна, пронзённого стрелами по приказу римского императора Диоклетиана. На стреле, застрявшей в шее, имеется подпись художника на латыни: «PETRUS PERUSINUS. PINXIT» (Петрус Перузинус писал), сделанная золотой краской. Ведущий научный сотрудник отдела западноевропейского искусства Эрмитажа Т. К. Кустодиева, описывая картину, отмечала: "Особое внимание художник сосредоточил на лице Себастьяна. Это характерный, раз навсегда избранный мастером тип лица и его выражение: миловидные правильные черты, некоторая женственность образа, большие, томные глаза, пушистые кудри, рассыпанные по плечам. Одна-единственная стрела, использованная с чисто умбрийской склонностью к декоративности, указывает на то, о каком святом идёт речь."
1956 

20.07.2021 16:08

Мадрид, музей Софии Дали..." />
"Портрет Луиса Бунюэля" Сальвадор Дали, 1924 > Мадрид, музей Софии Дали...
"Портрет Луиса Бунюэля" Сальвадор Дали, 1924 > Мадрид, музей Софии Дали познакомился с Луисом Бунюэлем в Королевской Академии Искусств в Мадриде, во время своего обучения в 1922-1926 годах. Бунюэль был одним из тех, кто в значительной степени повлиял на Сальвадора, так же как и Федерико Гарсиа Лорка – испанский поэт и драматург. Позднее Дали принял участие в съёмках двух фильмов Бунюэля: «Андалузский пёс» (1929) и «Золотой век» (1930). Портрет Луиса Бунюэля был написан, когда будущему режиссёру было 25 лет. Он изображён серьёзным и задумчивым человеком с пристальным взглядом, смотрящим в сторону от художника и зрителей. Картина выполнена в мрачноватых тонах. Сдержанные цвета создают атмосферу серьёзности и подчеркивают глубокомысленный взгляд.
2032 

12.07.2021 17:06


​​️The Anish Kapoor Foundation займётся реновацией знаменитого венецианского...
​​️The Anish Kapoor Foundation займётся реновацией знаменитого венецианского...
​​️The Anish Kapoor Foundation займётся реновацией знаменитого венецианского Palazzo Manfrin 18 века и создаст выставочное пространство.   ️Карельские петроглифы Белого моря и Онежского озера вошли в список всемирного наследия ЮНЕСКО Это один из самых крупных по количеству изображений и по площади памятник наскального искусства: он насчитывает около 4,5 тыс. петроглифов, созданных 6–7 тыс. лет назад.   ️В Гараже завтра состоится презентация книги «Очевидность фильма: Аббас Киаростами».   Презентация проходит в рамках первой в России ретроспективы классика мирового кино Аббаса Киаростами — первого иранского режиссера, удостоенного «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля.   Регистрируйтесь бесплатно   ️Московская международная биеннале молодого искусства и Центр имени Вс. Мейерхольда запускают резиденцию Blackbox 2021/22.   В этом году резиденция Blackbox станет специальным проектом Московской международной биеннале молодого искусства. Ее цель — встреча театра и современного искусства.   ️Объявлены экспоненты Русского павильона на 59-й Венецианской биеннале. Россию представят художники Кирилл Савченков и Александра Сухарева.   Название основной темы биеннале «Молоко снов» вдохновлено одноименной детской книгой британской художницы-сюрреалистки Леоноры Каррингтон. Грядущая биеннале, по словам куратора ее главного проекта Чечилии Алемани, будет посвящена трем основным темам: изображениям тел и их метаморфозам, отношениям между людьми и технологиями, связи между телами и Землей.   Галерея Тейт в 2015 году и Музей современного искусства в Нью-Йорке в 2019 году организовали ретроспективу работ Леоноры Кэррингтон.   Обложка книги Леоноры Каррингтон «Молоко снов» Estate of Leonora Carrington   https://telegra.ph/file/dbf5d1066f1f0ab877be8.jpg
1928 

03.08.2021 21:34

Карл Эмануэл Янссон - шведско-финский художник с Аландских островов. Он родился...
Карл Эмануэл Янссон - шведско-финский художник с Аландских островов. Он родился в 1846 году в городе Финстрём, столице архипелага, в которой тогда жило примерно две тысячи человек, а население всех островов вместе было не больше двадцати тысяч. Отец Карла был фермером, сам же Карл год провел в ученичестве у сапожника, потом подался в маляры, а вот страсть к рисованию ему привил местный приходской художник, который, за одно, обучал юношу грамоте. В 13 лет пришел первый успех - рисунки Карла приметил викарий Франц фон Кнорринг и решил отправить их в недавно появившееся Финское художественное общество, сопроводив рекомендательным письмом, и это имело успех - Янссон получил стипендию на обучение в рисовальной школе “для юных гениев” в Турку. Про гениев и не шутка вовсе - у нас же как раз в это время был тот самый Золотой век финского искусства и живопись стала буквально одним из краеугольных камней, на которых строилось новое национальное самосознание финнов, поэтому вкладывать в художников деньги, время, силы и любовь считалось делом ну очень сильно важным. Поэтому покровителем Янссона стал уже именитый маcтер, Роберт Вильгельм Экман, который помог юноше с жильем и красками. Дальше Янссона ждали сначала в Шведской, а потом в Дюссельдорфской академии художеств, где он учился, не забывая родные острова и постоянно туда приезжая. Начались первые премии, не за горами было настоящее признание, как вдруг в 1872 году у художника обнаружили туберкулез. Стремясь избавиться от болезни и как-то продлить свои дни, он отправился в Рим за солнцем, покочевал немного по курортным местам, понял, что лучше не становится, привел дела в порядок и вернулся на Аландские острова, остановившись в городе Йомала, где его приютила семья местного судьи. И уже там, когда художник был буквально на смертном одре, он получил новость о том, что стал членом Императорской Академии художеств. Умер Карл Эмануэл всего в 27 лет. Живопись Янссона - это такой мелкий серый жемчуг, который не хуже крупного, если его любить и уметь видеть. Почти все его работы - бытовые зарисовки из жизни родных краев. Есть, конечно, немного портретов, есть подражания итальянцам, но домашняя живопись мне нравится намного больше, поэтому я ее сегодня вам покажу. Печка, люлька, шкаф, широкие потрескавшиеся чисто вымытые половицы, добротная крестьянская мебель, простое убранство лютеранской церкви с деревянными фигурками святых, рыбаки, музыкальные инструменты на стенах избы, простая посуда. Ничего лишнего, а каждая вещь добротно и логично, хоть и грубовато скроена, функциональная и понятна. Все очень человеческое. Это не взгляд этнографа - хотя точность передачи быта Янссону свойственна, не потешные сценки, а обжитые пространства, где в северном тусклом свете медленно течет не простая и размеренная жизнь северянина. Простите мне мою романтичность, но для меня вот каждая его маленькая (а это и правда маленькие такие работы, в основном, не превышающие формата 50х40, а обычного мельче) картина - как будто целый роман вроде “Соков земли” Гамсуна.
1881 

15.08.2021 22:52

"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет...
"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет старика с внуком» – самое знаменитое станковое произведение флорентийского художника Доменико Гирландайо, входящее в золотой фонд эпохи Возрождения. При этом современникам Гирландайо так не казалось: Вазари хоть и считал Доменико чуть ли не самым выдающимся живописцем Флоренции XV века, об этом полотне в своих «Жизнеописаниях» не сообщает ничего. Первое появление картины в информационном пространстве датируется 1866 годом – доску приобрел Лувр. А в 1880 году берлинский Музей Боде отказался перекупить полотно из-за его ужасного состояния. Неизвестные первые хозяева картины явно относились к ней с пренебрежением и надлежащих условий хранения шедевру не обеспечили. Полноценную реставрацию полотна провели только в 1996 году, и с тех пор «Портрет дедушки с внуком» - must-see для ценителей ренессансного портрета. «Не существует более гуманистической картины периода Кватроченто, будь то внутри или вне Италии», - считал историк искусств Бернард Беренсон. И действительно, - здесь и потрясающая для того времени прорисовка портрета в плане натуралистичности, и вечные ценности, но без доли пафоса. Единство старика и внука подчеркивается одинаковым цветом одежд, при этом каждый из них выражает любовь к другому по-своему: старик смотрит на мальчика с нежностью и словно с высоты прожитых лет, а в облике ребенка – детская невинная доверчивость и искреннее обожание. Спокойный пейзаж за окном и лентой вьющаяся река призваны усилить ощущения неумолимости времени и связи поколений. О том, кто был реальными прототипами старика и внука, известно не более, чем о том, что же происходило с картиной в течение 400 лет. Возможно, мальчик – это сын Доменико Ридольфо (ребенок подходит по возрасту), а старик весьма отдаленно напоминает Франческо Сасетти – одного из знатных людей Флоренции 15 века. Впрочем, сходство с Сасетти весьма условно, а вот ринофима у модели Гирландайо – заболевание, проявляющееся в шишковидных наростах на носу – неоспоримый факт. Точные причины возникновения ринофимы медикам до сих пор не ясны, при этом ряд специалистов считает, что алкоголь здесь играет не последнюю роль. Так что не исключено, что наш дедушка от лишнего бокала не отказывался. «Старик откровенно некрасив» – с этих слов начинается чуть ли не каждое описание картины. Может, именно поэтому шедевр и не был оценен по достоинству в свое время. Язык Ренессанса строго предполагал, что нравственность, высокие моральные стандарты, красота души и прочая духовность присущи лишь внешне привлекательным (по меркам эпохи) людям. Поэтому не совсем понятно, как в Кватрочетно мог появиться столь реалистичный, и, главное, человечный портрет. Классические лица XV века – это лица без тени каких-либо внутренних противоречий. И то же, в принципе, можно было бы сказать и об изображенном Гирландайо дедушке, если бы не оттягивающий на себя максимум внимания нос с бугорками. Но непривлекательность старика в сочетании с его благостным и любящим выражением лица, с обожанием смотрящий на деда внук-ангелочек – все это делает полотно на редкость гармоничным. Вот эта вот амбивалентность «на лицо ужасные, добрые внутри» появится в искусстве гораздо позже, портреты же раннего Возрождения предполагали однозначные посылы. Однако изображенная ринафима у Гирландайо – словно протест против принятой в искусстве идеализации. Впрочем, не исключено, что Гирландайо и не имел в виду ничего такого, а просто передал внешность своей модели с максимальной точностью, что и требовало ренессансное «подражание натуре». Вазари отмечает, что сходство портретов Гирландайо с оригиналом практически не имело во Флоренции себе равных. ДоменикоГирландайо Портрет Возрождение _history
1882 

13.08.2021 20:37

"Вакх и Ариадна" 1745 г. Джованни Баттиста Тьеполо Национальная галерея...
"Вакх и Ариадна" 1745 г. Джованни Баттиста Тьеполо Национальная галерея искусства, Вашингтон. «Вакха и Ариадну» Джованни Баттиста Тьеполо создал, скорее всего, для украшения лестницы неизвестного венецианского дворца. На это указывает ныне утерянное письмо, которое художник написал некоему адресату в 1764 году, где владелец палаццо обозначен инициалами V. E. Картина, вероятно, была одной из четырёх работ (из них сохранились лишь три), каждая из которых символизировала некий природный элемент. «Вакх и Ариадна» представляют землю, «Триумф Амфитриты» (ныне находится в Галерее старых мастеров в Дрездене) – воду, а «Юнона и Луна» (Музей изящных искусств, Хьюстон) – воздух. Местонахождение четвертой картины, на которой, скорее всего, был изображён Вулкан, бог огня, и его жена Венера, неизвестно. Представление о том, как могло выглядеть это полотно, даёт нам эскиз полоточной росписи для Королевского дворца в Мадриде, хранящийся в Художественном музее Филадельфии. «Вакх и Ариадна» – иллюстрация эпизода древнего мифа, когда бог виноделия коронует смертную девушку, влюбившись в неё. Пара повстречалась на берегу острова Наксос, где Ариадну бросил возлюбленный – герой Тесей. Она стала женой Вакха, взошла на гору Олимп и обрела бессмертие. Художник изобразил бога едва сидящим на бочке и держащим сверкающий золотой венец, который позже станет созвездием Северная Корона. Внизу лежит один из двух ягуаров, везущих его колесницу. Сам олимпиец окружён гуляками с кувшинами вина и виноградными лозами, представляющими плодовитость земли, а пшеница в волосах Ариадны и тростник в её руке, символизируют землю. В 2014 году Национальная галерея в Вашингтоне начала реставрацию полотна, которая продолжалась четыре года. Исследование выявило на картине ранее неизвестные детали, утраченные после того, как в конце XVIII века её вывезли из дворца, для которого она была написана. В частности, композиция (как и две другие дошедшие до нас картины этого цикла) содержит архитектурные мотивы, связывавшие её с первоначальным местоположением. Это изображения каменных волют (спиралевидные завитки на одном из которых сидит путти) в верхней трети полотна и длинношеих существ, похожих на грифонов, в нижних углах. Согласно найденным записям, работы были изъяты со своих исходных мест в 1798 году. После этого архитектурные детали на них утратили смысл и были закрашены. Реставраторы сняли более поздний красочный слой, под которым обнаружились высокие вертикальные листья на левой и правой сторонах композиции. Инфракрасные снимки показали, что первоначально снопы были перевязаны золотыми лентами. Они, как и грифоны, вероятнее всего, были связующими фрагментами для всех четырёх картин серии. Сходные элементы были найдены при реставрации «Триумфа Амфитриты» несколько десятилетий назад. Полотно «Юнона и Луна» пока ещё не восстанавливалось, но инфракрасные и рентгеновские снимки показали, что на нём есть закрашенные грифоны. Украшение в виде золотой ленты есть на ещё одной работе Тьеполо, «Нашествие змей» (1732 – 1735) из Галереи Академии в Венеции. Она, а также архивные документальные изображения и другие произведения художника дали реставраторам понять, как выглядели недостающие элементы. Учёные также выявили, что во время работы Тьеполо вносил значительные изменения в композицию. Это свидетельствует о том, что «Вакх и Ариадна», вероятнее всего, были первой картиной серии. Рентген показал, что под грифоном и ягуаром в правом нижем углу скрываются изогнутые формы – возможно, с их помощью художник первоначально пытался включить произведение в окружающий интерьер. После того, как «Вакха и Ариадну» сняли с первоначального места, картина находилась в частных коллекциях в Италии и Вене. В конце 1920-х годов её купили промышленник Уильям Роберт Тимкен и его жена Лилиан. В 1960 году они передали полотно Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Обновлённое произведение вернулось в экспозицию 14 июня 2018 года. ДжованниТьеполо МифологическаяСцена Рококо _history
1878 

20.08.2021 20:37

"Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года" 1807 г. Жак-Луи...
"Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года" 1807 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. «Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года» – апофеоз пропагандисткой живописи не только в творчестве классициста Жака-Луи Давида, но и во всём европейском искусстве. Не странно ли: тот самый Давид, который был одним из первых лиц Великой французской буржуазной революции, другом Марата и Робеспьера, членом Конвента и подписантом решения о казни короля Людовика XVI, уже через несколько лет станет прославлять самопровозглашённого императора? Когда Наполеон спросил у одного из приближённых (в прошлом – ярого республиканца, как и Давид), понравилась ли ему коронация, тот отвечал: «Великолепно, ваше Величество. Жаль только, что на ней не присутствовали те триста тысяч людей, которые положили свои жизни, чтобы такие церемонии стали невозможны». Но Давид заглушил в своём сердце подобные рефлексии. Торжественный въезд Наполеона в Париж в 1797 году потряс художника как событие не столько политическое, сколько эстетическое. Корсиканец поразил его, тонкого ценителя античной эстетики, своим римским профилем и энергией абсолютной, не подлежащей малейшему сомнению власти. «Какая же у него голова! – восторгался Наполеоном Давид. – Она настолько совершенна, что достойна сравнения с лучшими образцами античной скульптуры и живописи!» Наполеон, следует заметить, не отвечал художнику взаимностью. Он полагал, что прошлое «живописца революции» даёт основания сомневаться в искренности его верноподданнических инстинктов. Но Бонапарт всегда высоко ценил профессионалов (именно это во многом определило его успех) и потому запечатлеть для потомков торжество своего «венчания короной и помазания на царство» он поручил именно Давиду. Почти три года понадобилось художнику для выполнения этого масштабного гимна имперскому величию. Устроители церемонии коронации постарались на славу: такой помпезности Франция не могла упомнить и во времена монархии. Кортеж из золотых карет с представителями знати, боевыми генералами, церковниками во главе с Папой Пием VII, которого Наполеон решил пригласить на торжество, обеспечивая себе религиозную легитимность, – этот в буквальном смысле блестящий кортеж медленно и торжественно двигался от дворца до Собора Парижской Богоматери, а десятки тысяч парижан толпились на улице, чтобы поглазеть на грандиозное зрелище. Апогеем самой коронации стал момент, когда Папа собирался возлагать на императора золотой лавровый венец, а Наполеон вырвал из его рук корону и сам водрузил её себе на голову. Этим вызывающим жестом Бонапарт утверждал абсолютный характер своей власти, показывал, что обязан ею только самому себе, а не содействию Папы, да и кого бы то ни было (кстати, позже, когда Наполеон присоединит к Франции Папскую область, Пий VII будет брошен в темницу). Изначально Давид намеревался изобразить именно момент возложения короны. Но, по размышлении, решил, что это внесёт ненужную конфликтность и драматизм, и изобразил следующий этап церемонии – когда Наполеон коронует Жозефину. В «Коронации Наполеона» Давид старается не упустить ни одной важной детали. Многочисленные присутствующие на церемонии – реальные лица. Сам художник изображён сидящим где-то на трибунах. Многие чиновники наполеоновского госаппарата, опознав себя на картине, потом выражали неудовольствие: зачем Давид расположил их так далеко от императора. Художник парировал: «Быть слишком близко к солнцу – небезопасно для жизни». Наполеон потребовал внести кое-какие правки – например, Давиду пришлось дописать его мать Летисию, которая в реальности на церемонии отсутствовала. Но в целом император остался «Коронацией» доволен: «Прекрасно, просто прекрасно! Давид, вам удалось постичь мои мысли и изобразить меня французским рыцарем!» ЖакЛуиДавид ИсторическаяСцена Классицизм _history
1721 

24.09.2021 20:37

​​️Международный инклюзивный фестиваль открылся в Пушкинском музее.
 
«Карта...
​​️Международный инклюзивный фестиваль открылся в Пушкинском музее.   «Карта...
​​️Международный инклюзивный фестиваль открылся в Пушкинском музее.   «Карта уязвимости» в режиме онлайн свяжет Москву и филиалы музея во Владикавказе, Екатеринбурге, Калининграде, Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде и Томске Все мероприятия бесплатны. Вход по предварительной регистрации  ️В Гонконге открылся Музей современного искусства «M+».   ️В Нижнем Новгороде торжественно открыли памятник Александру Невскому.   Великий герой и князь не проиграл ни одной битвы, как политик он заключил мир с наиболее сильным врагом — Золотой Ордой. Родина Александра Невского — Переславь Залесский в Ярославской области.   Нижний Новгород в 2021 году празднует 800-летие. В событийную программу, которая проходит в течение года, вошло более 150 мероприятий.   В этом году мы празднуем 200-летию со дня рождения драгоценного писателя Федора Михайловича Достоевского: ️Дом-музей Достоевского в Москве откроется после реставрации для посетителей 16 ноября.   Музей находится на станции метро Достоевская.   ️Третьяковская галерея открывает залах постоянной экспозиции в Лаврушинском переулке фокус-выставку, посвященную классику русской литературы Фёдору Достоевскому. Как говорил гениальный Фёдор Михайлович: «Люди, люди — самое главное. Люди дороже даже денег».   Как же я счастлива и горда русской культурой, которая извесна во всем мире! Мои иностранные друзья и коллеги постоянно присылают фотографии домашней библиотеки с русской литературой. И самое главное, что в каждой стране культура настолько богата и восхитительна, что хочется все познать. Бесценно. Фото: В.Г. Перов. Портрет Ф. М. Достоевского. 1872. ГТГ https://telegra.ph/file/e45e4f057362da5bd1900.jpg
1483 

15.11.2021 20:48


Балканское барокко В 1997 году Марина Абрамович представила свой перфоманс...
Балканское барокко В 1997 году Марина Абрамович представила свой перфоманс «Балканское барокко», который являлся реакцией на гражданскую войну в Югославии. Перед глазами публики представала целая гора говяжьих костей (всего около 1500 штук) весом около полутора тонн, от которых шел невыносимый запах. Сама же художница находилась также среди этих костей и занималась тем, что методично очищала кости от остатков мяса. Помимо этого, в разных местах помещения располагались странные медные емкости с черной водой, а на стенах вокруг «горы» зрители могли видеть проекции детских фотографий самой Абрамович, где она запечатлена вместе со своей семьей. В качестве же звукового сопровождения выступали записи, на которых Абрамович рассказывала различные истории и пела балканские народные песни из своего детства. За эту работу Марина Абрамович была удостоена премии «Золотой Лев». Искусство или нет?
1519 

19.11.2021 12:56

Потом художники подросли, каждый отправился своей дорогой - некоторые ударились...
Потом художники подросли, каждый отправился своей дорогой - некоторые ударились в эксперименты и отошли от реализма совсем. Смотрите - это торжественное шествие друидов, обряд несения священной омелы красивыми нарядными кельтскими священниками. Отдает, конечно, прерафаэлитами. У главного друида есть золотой серп, а одежды украшены сложными узорами и вся процессия такая сказочная, чудесная и загадочная, клубиться и дрожит магией. Это совместная работа двух художников из Глазго Бойз - Джорджа Генри и Эдварда Аткинсона Хорнела, выполненная в 1890 году. И, кстати, картина была для зрителей совершенно шокирующей. Австрийский художник Густав Климт потом, лет через десять, будет и такие плоские композиции использовать и золотить свои работы беспощадно, но Друиды были раньше. Зрители и критики по всему миру, куда картина добралась, считали ее ужасающе радикальной и неожиданной. А еще художники сильно готовились, когда писали это полотно - например, они пытались выяснить сильно ли изменились цветы омелы и строения черепов быков за последние полторы тысячи лет (христианство пришло в Англию в первом веке нашей эры и долго-долго почти равноправно соседствовало с язычеством, века до шестого примерно). В общем, на этом довольно большом и очень ярком полотне - попытка передать мистический опыт средствами современной художникам живописи. Тут уж не до реализма.
1457 

30.11.2021 22:28

​​️В Дни Эрмитажа музей пустит посетителей бесплатно и покажет шоу об...
​​️В Дни Эрмитажа музей пустит посетителей бесплатно и покажет шоу об...
​​️В Дни Эрмитажа музей пустит посетителей бесплатно и покажет шоу об Александре Невском. 7 декабря, в День святой Екатерины, который Эрмитаж считает своим праздником в честь основательницы музея императрицы Екатерины II, вход в музей для всех категорий посетителей будет бесплатным. Государственный Эрмитаж ведет свою историю с 1764 года, когда Екатерина II приобрела коллекцию произведений живописи у берлинского купца И.-Э. Гоцковского. Ежегодно 7 декабря Государственный Эрмитаж торжественно празднует День святой Екатерины, в честь которой названа при крещении основательница музея.   Великий герой и князь Александр Невский не проиграл ни одной битвы, как политик он заключил мир с наиболее сильным врагом — Золотой Ордой. Родина Александра Невского — Переславь Залесский в Ярославской области. Александр причислен к лику Святых.   ️ArtReview опубликовал свой ежегодный список ста самых влиятельных персон в арт-мире Power 100. Первое место в списке занимает невзаимозаменяемый токен, точнее, ERC-721 — стандарт токенов в сети смарт-контрактов Ethereum, т. е. технический термин для обозначения NFT. ️Выставка «Москва: Проектирование будущего» 17 декабря откроется в Музее Москвы. ️Галерея Anna Nova представляет дебютный проект своего нового художника Александры Гарт. ️Бэнкси пожертвует $13 млн на создание центра искусств в здании Редингской тюрьмы. Тюрьма существовала с 1844 по 2013 годы. Сейчас Здание принадлежит Министерству юстиции и было выставлено на продажу в 2019 году. Активисты начали кампанию по спасению его от продажи застройщикам, убеждая Городской Совет превратить его в арт-пространство.   В этой тюрьме полтора года был заключён Оскар Уальд. Время, проведенное Уайльдом в заключении, вдохновило его на создание стихотворения «Баллада Редингской тюрьмы». Еще 1 марта этого года на высокой кирпичной стене, окружающей двор Редингской тюрьмы, появилось граффити Бэнкси, на котором изображен совершающий побег мужчина в полосатой арестантской робе Фото: shot from Banksy https://telegra.ph/file/2f850adde3befda9339d8.jpg
1429 

06.12.2021 20:54

​Выгребная яма

Первые ассоциации?

Мерзость, смрад, отвращение и прочая...
​Выгребная яма Первые ассоциации? Мерзость, смрад, отвращение и прочая...
​Выгребная яма Первые ассоциации? Мерзость, смрад, отвращение и прочая палитра гадостей. Кто- то воскликнет: «Да это же про мою жизнь — точь в точь» — и выдавит из себя нервный смешок. Такая убийственная картина мира в головах у 99% людей. Один «умело» маскирует свое состояние, закапываясь в бессмысленных и беспощадных «тренингах личностного роста» ища то самое облегчение состояния. Другой находит утешения в этиловых чаепитиях с соседями, на прогнившей лавочке, около подъезда. Третий улетает в астральные астралы и эзотерику. Вот только факт остается фактом: — Что бы наконец почувствовать себя живым — вовсе не обязательно пускаться «Во все тяжкие» по любому из указанных путей. Не надо никаких плясок с бубном, скачков по реальностям и проповедей бизнес молодостей. Достаточно лишь вымести из своей головы кучу информационных помоев, что регулярно отравляют ТВОЕ существование, забирая взамен РЕАЛЬНУЮ СВОБОДУ. Тем самым дворником с золотой метлой является авторский канал VIXOGEN. НАЧНИ ЯДЕРНОЕ ОЧИЩЕНИЕ СОЗНАНИЯ С ЭТОГО ПОСТА И МНОГИЕ ВЕЩИ ВСТАНУТ НА СВОИ МЕСТА https://telegra.ph/file/e8e70da00a7e45181fe5c.jpg
1439 

13.12.2021 18:06

Ян Госсарт (Мабюз)
Ян Госсарт (Мабюз) "Даная" (1527) По легенде, древнегреческому царю Акрисию...
Ян Госсарт (Мабюз) "Даная" (1527) По легенде, древнегреческому царю Акрисию предсказали смерть от руки сына собственной дочери Данаи. Дабы предотвратить эту несправедливость, он закрыл дочь в «медном тереме». Однако, влюбленный в Данаю Зевс, превратившись в золотой дождь, пролился на нее свкозь крышу терема. Та забеременела и родила сына - Персея. Акрисий, не поверив, что отец ребёнка - бог, по традиции поместил дочь с внуком в закрытое пространство, на этот раз - в ящик, который был брошен в море. Несмотря на все напасти, Даная и мальчик спаслись. Кстати, позже, уже повзрослевший и закаленный жизнью Персей, отправился в город Лариссу на гимнастические состязания в качестве дискобола. Акрисий был там же в числе зрителей. Во время одной из попыток брошенный Персеем диск случайно угодил Акрисию в ногу (по другой версии - в голову) и тот умер.
1357 

22.12.2021 18:01

️В Центре Гиляровского откроется выставка, посвящённая 120-летию со дня...
️В Центре Гиляровского откроется выставка, посвящённая 120-летию со дня...
️В Центре Гиляровского откроется выставка, посвящённая 120-летию со дня рождения певца Сергея Лемешева. Лемешев играл главные роли в операх «Руслан и Людмила», «Снегурочка», «Золотой петушок», «Садко», «Севильский цирюльник». Больше 30 лет он был солистом Большого театра. Партию Ленского в «Евгений Онегин» он исполнил 500 раз. От автора: уделите 2 минуты и послушайте любимейшее исполнение Сергея Лемешева стихотворения Алексея Толстого «Средь шумного бала» на музыку Петра Чайковского. Невероятный голос! ️Бэнкси получил звание профессора в Университете Великобритании UCA (the University for the Creative Arts) Звание носить символический характер — «за гуманитарную деятельность и вклад в развитие мировой художественной сцены». Лекции Бэнкси проводить не будет. Во всяком случае, пока такой информации нет. ️Музей-заповедник «Кузьминки-Люблино» и Askeri Gallery 30 июня представят совместный проект «Между прошлым и будущим. Современные художники в усадьбе Люблино». ️Кинотеатр «Пионер» и фонд «Дом с маяком» запускают цикл благотворительных показов. В июльской программе премьеры и новинки французского кино, ранее не выходившие в прокат в России: «Любовное письмо», «Красная земля», «Ночной доктор» и «Безумный Пьеро» https://m.youtube.com/watch?v=t89swJa6Uy0
540 

28.06.2022 20:45

Пустой музей В 2018 году в Третьяковке была представлена работа Ильи и Эмилии...
Пустой музей В 2018 году в Третьяковке была представлена работа Ильи и Эмилии Кабаковых «Пустой музей» на их выставке «В будущее возьмут не всех». Из брошюры выставки: «В инсталляции „Пустой музей“ было построено пространство старого „классического“ музея: темно-красные стены, золотой карниз под потолком и вокруг дверей, низкие деревянные панели вдоль стен. Посередине — два удобных „музейных“ дивана. Но на стенах нет висящих картин. В местах, где эти картины могли бы висеть — овальные пятна света от направленных софитов, по всему помещению 12 таких сияющих световых овалов. В зале звучит величественная «Па...лия» Баха в органном исполнении. Звучит, наполняя все пустое прямоугольное помещение музейного зала так, как она могла бы звучать в консерватории, а если еще точнее — в церковном пространстве. Характер музыки — возвышенно торжественный, ритуальный, хорошо и естественно связывается со „старинным“, чуть мрачноватым залом. Но особенно неожиданно и, в то же время естественно, воспринимается связь между звучащей музыкой и овальными пятнами света на стенах. Если бы на этих местах висели классические старые картины в рамах, этого неожиданного, но гармонического эффекта не произошло бы. Причины такой естественности легко объяснить и понять: овалы света на стенах легко ассоциируются с окнами, светящимися витражами храма, когда солнце ударяет, „ослепляет“ своими лучами эти окна. Но вторая причина имеет, как нам кажется более тонкое, можно сказать психологическое обоснование: присутствие, необходимость музыки в „музее“ напрямую связано с отсутствием на его стенах картин, эта пустота на стенах как раз и имеет прямую и естественную связь с наполненностью пространства музыкой». Искусство или нет?
662 

15.06.2022 12:56


Карп
Бык
карп — XVIII век; бык — 1763
Ито Дзякутю
ГМИИ им. А.С. Пушкина

Об...
Карп Бык карп — XVIII век; бык — 1763 Ито Дзякутю ГМИИ им. А.С. Пушкина Об...
Карп Бык карп — XVIII век; бык — 1763 Ито Дзякутю ГМИИ им. А.С. Пушкина Об авторе Ито Дзякутю происходил из семьи богатых торговцев и должен был продолжить дело отца, хотя считал себя не подходящим для этой работы по складу характера. С юности он интересовался живописью, брал уроки у мастера школы Кано, однако только в 40 лет смог оставить семейное дело и полностью посвятить время искусству Кисти Дзякутю принадлежат работы совершенно разные и по жанру, и по технике, но везде проявляется яркая индивидуальность этого художника. В окружающем мире его особенно привлекали насыщенные цвета, и поэтому он так любил писать разноцветных ярких петухов или жёлтых цыплят. Но даже в монохромных, выполненных только тушью работах, таких как «Карп» и «Бык», что представлены на выставке, художник подчёркивает эффектность контраста между глубоким чёрным цветом туши и белизной бумаги. Обращает на себя внимание и композиционное построение свитков: художник не боится приблизить объекты к первому плану и дать их фрагментарно. О произведении Дзякутю очерчивает мощное тело быка решительными мазками сухой кисти. А для написания плавников и хвоста карпа Дзякутю применил необычную технику судзимэ-гаки («складки»), которую считали неприемлемой крупные художники школы Кано. Техника судзимэ-гаки заключается в том, что художник пишет очень жидкой тушью, а мазки накладывает так, чтобы между ними оставалась небольшая полоса чистого листа. Три эксцентрика За смелость техники и неординарность подхода Ито Дзякутю причисляют к «трём эксцентрикам» эпохи Эдо. Кроме него, в их числе Нагасава Росэцу (1754–1799) и Сога Сёхаку (1730–1781). Все три художника признаны выдающимися живописцами своего времени. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
586 

09.07.2022 14:10

А что же Рафаэль?

Рафаэль уедет в Перуджу, потом во Флоренцию и, наконец, в...
А что же Рафаэль? Рафаэль уедет в Перуджу, потом во Флоренцию и, наконец, в...
А что же Рафаэль? Рафаэль уедет в Перуджу, потом во Флоренцию и, наконец, в Рим, но с радостью будет время от времени приезжать в Урбино (хотя там давно уже не будет в живых его родителей) именно потому, что ему нравилась атмосфера герцогского двора, во много определяемая личностью Элизабетты. Друг Рафаэля, писатель и дипломат Бальдассаре Кастильоне посвятит Элизабетте свой знаменитый трактат «Придворный». Гуляка Бальдассаре с пиететом напишет о герцогине Урбинской, что «целомудрие и достоинство присуще даже её шуткам и смеху». (Существует версия, что Кастильоне, уезжая в 1506-м году в Англию с дипломатической миссией, взял с собой портрет Элизабетты, так как был в неё влюблён. Чтобы не компрометировать герцогиню, портрет скрыли от досужих глаз под поверхностью зеркала. Смотрясь в него, Кастильоне мысленно сопрягал своё отражение с изображение возлюбленной. Тонкая черная рамка, по мнению некоторых ученых, доказывает, что это именно тот портрет, который увёз с собой Бальдассаре). По другой версии, этот портрет 33-летняя герцогиня заказала Рафаэлю с целью отправить в подарок своей подруге Изабелле д'Эсте, еще одной незауряднейшей (хотя и изводившей своими капризами Леонардо и Тициана) женщине своей эпохи, которую называли la Primadonna del Rinascimento – примадонной Ренессанса. Она приходилась Элизабетте невесткой – Изабелла была замужем за её братом. Элизабетта на портрете одета в чёрное платье с геометрическим золотым орнаментом. Черный и золотой выбраны неслучайно: это геральдические цвета Урбино. Из украшений на герцогине золотые цепочки и аксессуар в виде скорпиона с драгоценным камнем на лбу. Смысл его неясен. Предполагают, что скорпион имеет отношение к эзотерической науке мелотезии (части медицинской астрологии), связывающей знаки зодиака с определёнными частями человеческого тела. Скорпион, что характерно, в этой системе отвечает за половые органы. Рафаэль не пишет портреты Элизабетты и Гвидобальдо в профиль, лицом к лицу (как поступил когда-то Пьеро делла Франческо с парным портретом родителей Гвидобальдо), и не располагает их в трёхчетвертном развороте, обращёнными друг другу (хотя примерно в то же время именно так Рафаэль написал супружескую чету Аньоло и Маддалену Дони). Художник изображает герцога и герцогиню урбинских строго анфас. Это придаёт их изображениям странную неподвижность и отчуждённость друг от друга. «В этом диптихе супружеской пары, – пишет биограф Рафаэля Александр Махов о портретах Гвидобальдо и Элизабетты, – молодому портретисту удалось тонко передать непростые отношения, связывающие эту бездетную правящую чету, не познавшую взаимной привязанности, не говоря уже о любви. Некрасивое лицо умной 33-летней Елизаветы отражает неизбывную тоску по чувству материнства, которое ей не довелось познать. Что же касается портрета её более молодого супруга, то это само выражение слабоволия и скрытой хвори, истачивающей червем его плоть. В отличие от своего волевого отца молодой правитель Урбино был человеком мягким и нерешительным. Он слабо разбирался в людях и обычно на руководящие должности назначал тех, кого советовала жена, игравшая роль умной и заботливой супруги-матери». На 6 лет Элизабетта Гонзага (1471-1526) переживёт Рафаэля (1483-1520) и на целых 18 – своего мужа Гвидобальдо (1472-1508), в браке с которым ей нередко приходилось жить разлуками и чувствовать одиночество. В далёкую Россию, на выставку «Рафаэль. Поэзия образа» (сентябрь – декабрь 2016) в Государственном музее изобразительных искусств им. Пушкина, Элизабетта тоже приехала без Гвидобальдо, портрет которого остался ждать её в Уффици. РафаэльСанти Портрет Возрождение _history https://t.me/pic_history2/299
438 

13.08.2022 19:12

Золотая осень
1886
Илья Остроухов
Холст, масло. 48,2 × 66,3 см
Третьяковка...
Золотая осень 1886 Илья Остроухов Холст, масло. 48,2 × 66,3 см Третьяковка...
Золотая осень 1886 Илья Остроухов Холст, масло. 48,2 × 66,3 см Третьяковка, Москва Замысел картины родился, когда художник жил в усадьбе Абрамцево, а сюжет связан с видами, которые он наблюдал в приусадебном парке. «Золотая осень» может быть отнесена к «пейзажу настроения». Отмечалось, что полотно продемонстрировало «успехи в живописи и, главное, самостоятельность молодого пейзажиста». А так же, что декоративность живописи, достигнутую «благодаря активному цвету», и то, что она «упрочена добросовестным описанием предметного ощущения, то есть чисто натурным подходом к теме. Подчёркнуто-важен правильный выбор колорита картины: «Как прелестна в этом отношении „Золотая осень“ Остроухова! В ней золото листьев клёна — действительно золото, и весь золотой мотив этюда горит красками действительно золотой осенней рощи». В 1887 году в первый раз обратил на себя серьёзное внимание Остроухов своей замечательной картиной, такой близкой и по духу, и по времени предшественникам Левитана. Наша NFT коллекция — ARTONFT
299 

13.09.2022 18:14